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  4. Entre Fans
    La etapa del cine español más reciente está llena de thrillers muy interesantes, pero habitualmente han tratado temas de venganza, investigaciones policiales, asesinatos, robos, atracos o política y corrupción, y es muy raro encontrar entre ellos un filme como ‘El silencio del pantano’, que no solo mezcla un poquito de todos ellos, sino que se sale por la tangente para crear un complejo pero vibrante noir levantino.
    La base de su originalidad es su narración críptica y sus temas aparentemente inconciliables. Por una parte tenemos la trama de Q (Pedro Alonso) el personaje principal, un periodista convertido a escritor de novela negra con secretos oscuros. Por otra, tenemos una trama política de corrupción en la Comunidad Valenciana y por otra, una matriarca gitana controlando el crimen urbano de las calles del extrarradio.

    Thriller coreano en la albufera
    En sus libros publicados, ambientados en su Valencia natal, Q narra sangrientos asesinatos utilizando como telón de fondo la corrupción política que implica a las propias autoridades, con lo que según va ocurriendo lo que vemos en pantalla, se nos narra como si los hechos sirvieran como inspiración para sus textos o si estuviera contando algo pasado. Nunca nos quedará muy claro pero lo importante es la forma en la que el guion nos va introduciendo en el juego.
    A medida que el secuestro de un profesor de Universidad, que fue un importante político, va creando un seísmo en la opinión pública, un personaje de etnia gitana —un también sólido Nacho Fresneda—, comienza su búsqueda a través del submundo criminal para tratar de encontrar al responsable. Mientras, su jefa lidia con las diferentes consecuencias que puede traer para sus negocios la desaparición. Todas las tramas van avanzando de forma paralela con un desarrollo adictivo.
    En Espinof Las 22 mejores películas españolas de 2019 Con ecos del cine coreano, la novela ‘La Trama’ de Juanjo Braulio es comprimida por Marc Vigil, debutando tras su labor en 'El ministerio del tiempo', con un estilo visual elegante y una puesta en escena paciente, que se recrea en el silencio y el oxígeno de la acción, acompañado de ocasionales fragmentos de voz en off que dejan pistas sobre las motivaciones de Q, que dejan entrever una venganza casi poética entre los muchos enigmas que esconde su personaje.
    Costumbrismo criminal urbano
    Por momentos, el hilo conductor centrado en Q se bifurca en idas y venidas para crear un tapiz fascinante en el que se abren muchas posibilidades, pero que van todas a un lugar concreto que se puede intuir pero no acaba como uno espera. La clave está en el desfile de situaciones y detalles como la interpretación de Carmina Barrios, totalmente creíble como reina del crimen tan reconocible como una abuela de pueblo cercana, pero a la que muchos temen.
    En Espinof Las 21 mejores películas de cine ***** de toda la historia Sus arrebatos de naturalidad, a veces difíciles de entender son el punto de humor costumbrista de la película, que navega entre tres ambientes que van mezclándose logrando dibujar un submundo en donde podrían, efectivamente, transcurrir unas cuantas novelas negras. La mezcla nunca roza los tonos y salta del gimnasio de ‘Tarde para la ira’ (2016) a los tejemanejes políticos de ‘El reino’ (2018) mientras hay elementos de una serie como ‘Dexter’ (2006-2013).
    ‘El silencio del pantano’ está llena e imágenes sugerentes, como esas bandadas de pájaros que parecen sacadas de ‘Take Shelter’ (2011) y que nos hablan de lo que pasa por dentro de la mente de Q, pero el ambiguo final deja con ganas de saber más de él, algo que por una parte es bueno y por otra deja la experiencia un poco corta, como si toda la obra fuera un piloto de lujo para una serie completa protagonizada por Pedro Alonso que, seguramente, volvería locos a los que disfrutan de su personaje Berlín en ‘La Casa de Papel’ (2017-)
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    La noticia 'El silencio del pantano’: un insólito y crudo thriller en el que Pedro Alonso compone a un personaje enigmático fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .


  5. Entre Fans
    ¡Feliz 2020! Ya es uno de enero, y qué mejor forma de empezar el año que con una primera ronda de estrenos de cartelera que nos deja una nueva versión norteamericana de 'La maldición', cortesía de Nicolas Pesce y Sam Raimi, para dar el pistoletazo de salida a este nuevo curso cinematográfico. 
    Aunque las novedades no brillen en número, si que nos brindan el regreso de dos de los grandes realizadores contemporáneos; nada más y nada menos que Roman Polanski y Clint Eastwood. Además, cine familiar y thrillers marca España completan la oferta perfecta para digerir la cena —y la reseaca— de nochevieja. 
    En Espinof Las 13 mejores películas de terror de 2019 'La maldición (The Grudge)' ('The Grudge', 2020)
    A favor: Los magníficos y mohínos tono y estilo con los que Nicolas Pesce impregna el largometrjae, que evocan a su lánguido y aterrador debut 'The Eyes of my Mother'. La estructura narrativa del filme es una auténtica delicia, alternando líneas temporales con una fluidez envidiable sin necesidad de sobreexplicaciones. En lo que respecta al terror, 'La maldición' nos deja algunos pasajes escalofriantes, sin escatimar en detalles truculentos.
    En contra: Los abusos —menos de los habituales, pero, aún así, molestos— del volumen para sobresaltar al espectador. La película deja enterver las tijeras de un gran estudio mutilando las propuestas y visiones más arriesgadas y autorales de su director.
    'Richard Jewell' (2019)
    A favor: Un fantástico reparto —excelentes Chris Rockwell y Kathy Bates y Paul Walter Hauser— que, sumado a la veteranía y capacidad para emocionar de Eastwood, da forma al mejor relato sobre héroes reales que ha firmado el realizador desde que comenzó a coquetear con ellos. 
    En contra: La simplificación de algunos personajes —especialmente los antagonistas— y los clichés en los que se escuda para edificar el relato juegan un tanto a la contra.
    Crítica en Espinof: ‘Richard Jewell’ es el capítulo más humano del coleccionable de héroes reales de Clint Eastwood
    'El oficial y el espía' ('J'accuse', 2019)
    A favor: Siempre es un placer volver a ver un largometraje de Roman Polanski; sobre todo cuando mantiene sus capacidades intactas para brindar una intriga absorbente e inteligentísima que te mantiene pegado a la butaca entre procesos judiciales, espionajes y juegos de máscaras. A nivel discursivo es una auténtica bomba.
    En contra: Es una lástima que a nivel formal, especialmente en lo que respecta a la puesta en escena, sea una propuesta tan plana y desangelada.
    Crítica en Espinof: 'El oficial y el espía': Polanski reflexiona sobre la persecución ideológica a través de una absorbente investigación real
    Y además...
    'La gallina Turuleca' ('Turu, the Wacky Hen', 2019)
    La propuesta infantil de la semana es la producción animada 'La gallina Turuleca', de Eduardo Gondell y Víctor Monigote, doblada por Eva Hache y José Mota. 
    'El silencio del pantano' (2019)
    El segundo largometraje español de la semana es este thriller dirigido por Marc Vigil, basado en la novela de Juanjo Braulio.
    'Fortuna' (2018)
    El último largometraje de la semana es este drama, nominado a la mejor película en los premios del cine suizo 2018.
    Las recomendaciones del equipo de Espinof
    Jorge Loser: 'La maldición'. Es fácilmente la mejor película del conjunto de remakes y secuelas americanas de JU-ON, convirtiendo el embrujo fantasmal en una uténtica enfermedad contagiosa que Nicolas Pesce verbaliza hasta en el diseño de producción decadente y decrépito. Apariciones violentas, gore y cuerpos corruptos se unen a una narración fragmentada original que solo se ve lastrado por el exceso de sustos de volumen.
    En Espinof Las 27 mejores películas de acción de la década (2010-2019) Víctor López G.: '6 en la sombra'. Puede que su guión parezca que lo haya escrito un mono con dos pistolas, que su humor sea lo más memo del mundo y que su premisa sea una simple excusa para desencajar mandíbulas con las mejores set-pieces que hayan visto nuestros ojos este año, pero lo último de Michael Bay es simple y llanamente la mejor cinta de acción de 2019. Una auténtica orgía de muerte, caos, destrucción y humor adolescente rodada con cinco chutes de adrenalina en vena que disfrutar sin ningún tipo de complejos —los mismos que tiene la película—. Brutal.
    Si los estrenos de esta semana no te llaman la atención o quieres recuperar títulos que llevan más tiempo en cartelera, recuerda que puedes echar un vistazo a las películas que recomendamos la semana pasada y la anterior. ¡Buen cine a todos!


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    La noticia Estrenos de cine: maldiciones niponas, héroes americanos e intrigas francesas fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .


  6. Entre Fans
    Cuando el pasado 2017, en plena vorágine de secuelas tardías que, para ser honestos, parece lejos de remitir, se estrenó 'Jumanji: Bienvenidos a la jungla', mi escepticismo no pudo ser mayor. Pero, sorprendentemente, donde tan sólo esperaba ver una explotación oportunista del clásico de Joe Johnston, encontré una encantadora actualización desbordante de virtudes.
    Más allá de repetir patrones y regresar al tablero y los dados del filme de 1995, Jake Kasdan optó por darle un lavado de cara, adaptándolo a los tiempos actuales y trasladando el lenguaje y mecanismos propios del videojuego a una aventura con alma clasicista, impulsada por un sentido del humor y, sobre todo, por un reparto entregado al cien por cien al proyecto.
    En Espinof Las 21 mejores películas de aventuras de la historia En 'Siguiente nivel', secuela directa de 'Bienvenidos a la jungla', el realizador de Detroit sí ha optado por el continuismo, edificando un nuevo relato sobre las bases de su predecesora —tanto las positivas como las menos acertadas— y brindando otro entretenimiento de primera con las suficientes novedades para, como sugiere el título, empujar la franquicia un paso más allá.
    Jumanji 2.5
    A modo de paralelismo con ese mal endémico del mundo del videojuego que es el contenido descargable, 'Jumanji: Siguiente nivel' bien podría catalogarse como un DLC de 'Bienvenidos a la jungla'. Una simple y llana expansión con la que adentrarnos en una hazaña que reincide en objetivos y estructura, en personajes principales, en tono y en el poso que deja en el paladar durante su desarrollo.
    Pero, al igual que sucede con los mejores juegos, volver a recorrer terrenos plenamente satisfactorios no tiene por qué tener connotaciones negativas. Especialmente cuando el deja-vu se salpimenta como en el caso que nos ocupa, ampliando el plantel protagonista, añadiendo un extra de autoconsciencia al conjunto, y tirando la casa por la ventana con un diseño de producción en el que hay cabida tanto para la fantasía medieval de 'Juego de tronos' como para la demencia postapocalíptica de 'Mad Max'.
    Donde no ha habido el más mínimo atisbo de innovación —ni falta que hace— ha sido en las grandes enseñas de esta nueva etapa de 'Jumanji', especialmente en lo que respecta a un plantel cuya química y vis cómica continúa llevando el largo en volandas. Incorporaciones aparte, Dwayne Johnson, Kevin Hart, Jack Black y Karen Gillan vuelven a alzarse como un cuarteto a prueba de bombas que justifica lo excesivamente dilatado de algunos pasajes.
    El tratamiento de la acción permanece igualmente inalterable, entregándose una vez más al espectáculo CGI saturado de estímulos y estancado en cuanto a creatividad respecta —las avalanchas de animales digitales siguen estando a la orden del día—; último ingrediente en un cóctel que no teme entregarse a públicos de todas las edades y que encuentra su mejor baza en un delicioso aumento del componente emocional.
    Y es que, gracias al el tremendo corazón que rebosan la subtrama e interpretaciones de Danny DeVito y Danny Glover —probablemente, lo mejor de la película— y al cálido discurso sobre la maduración y el envejecimiento que apuntala la narrativa, 'Jumanji: Siguiente nivel' logra despuntar levemente sobre el anterior capítulo.
    En varias escenas de 'Siguiente nivel', el personaje de Danny DeVito deja bien claro que "envejecer es un asco"; pero mientras nos queden largometrajes como este, capaces de hacerte disfrutar como un crío durante un par de horas con tantísima ligereza, agilidad y buen humor, será un placer ir cargando años a la espalda. Puede que no perdure en la memoria, pero revela la mejor cara del escapismo cinematográfico sin pretensiones.
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    La noticia 'Jumanji: Siguiente nivel': un acertado pack de expansión de ‘Bienvenidos a la jungla’ con extra de corazón fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .


  7. Entre Fans
    "Ho ho ho"...seguro que estás más que harto de las risitas a lo Santa, de los amigos invisibles y de las cenas de compromiso. Por no hablar de la programación navideña y de los especiales, la familia, la lotería a jugar con no sé cuánta gente distinta... uf, maldita sea. Es Navidad.
    Por eso mismo me veo en la obligación de recomendar un puñado de películas que saben bien a lo que juegan y que a pesar de estar ambientadas en esta época tan especial del año, esquivan con estilo y salero todos los lugares comunes empalagosos en los que suelen terminar.
    En Espinof Las 24 mejores películas navideñas que puedes ver en Netflix, HBO, Movistar+, Amazon y Filmin No es algo tan sencillo como pueda parecer a simple vista, porque desmitificar algo tan arraigado en nuestras vidas reales y en el cine requiere mucho empeño y conocimiento de causa. También un poco de odio, por supuesto. Por eso mismo vamos ya con 21 películas para los que odian la navidad.
    Bad Santa
    Más de quince años han pasado desde que Terry Zwigoff tomara las riendas de un guión ajeno que en realidad estaba hecho a su medida. Más ácida y menos forzada que su secuela, 'Bad Santa' destroza por completo los temas tradicionales de las fiestas en favor de una anarquía irreverente que encaja perfectamente con su elegante y clásica banda sonora.
    Los fantasmas atacan al jefe
    No se me ocurre una mejor forma de trasladar el espíritu Dickens al año de 'Jungla de cristal'. Pocas películas navideñas han perdurado como esta negrísima comedia protagonizada por el capo de la comedia cínica, Bill Murray.
    Navidades negras
    El director de 'Porky's' era un mago del terror y en 1974, además de este angustioso cuento navideño, también presentaba 'Crimen en la noche', una peli de la que os hablo por aquí . Slasher canadiense a la europea, macarra y malhablado. Aquí gana la crueldad. Ojo al rastreador de llamadas humano. No, si la peli es un acierto tras otro.
    En Espinof Hay vida más allá de 'Qué bello es vivir' y 'Love Actually': 13 películas perfectas para pasar una Navidad de cine Saint
    **** Maas es alguien a quien nunca, jamás, de ninguna de las maneras, deberías tomarte en serio. Sus grandes películas, como la monumental 'Amsterdamned: Misterio en los canales', son poco menos que elaboradísimas piezas de género pasadas por la broma holandesa. Su visión de San Nicolás es igual de cara dura, camp y disfrutable.
    El Grinch
    'El Grinch' es un extraño vehículo sin un claro destino y un público aún más indefinido. Aterradora, cruel, violenta, agresiva... pero quizás, precisamente por eso, nos guste tanto. Porque no tiene demasiado tiempo para monsergas y porque cumple perfectamente con su función de presentar a los más pequeños al verdadero hombre del saco.
    En Espinof 'El Grinch' es una divertida aventura navideña que no necesita humor ***** para adultos Un cuento gamberro de Navidad
    Una brillante idea con un toque de humor demasiado escandinavo, brutal bache para los que esperan algo más asequible. Una montaña rusa de grandes ideas y aciertos que chocan con una acusada incapacidad para mostrar su lado horrible. Pero eh, es preciosa o no.
    Arma Letal
    No pasa de moda porque los personajes y la ambientación navideña son eternos. Un ejercicio maestro de pulso, ritmo y molez que pasa en un suspiro. Es posible que tener un guión de Shane Black y a un tarado encantador como Mel Gibson también tuvieran mucho que ver.
    Esto (no) es un secuestro
    Una gran e incorrecta película de navidad, que tiene prácticamente todo: robos, secuestros, chantajes, borrachos y demás profanaciones. Dennis Leary lidera un reparto fantástico y disfuncional. Si nunca lo has visto, y te gusta la comedia negra, búscala. Te hará sentir mejor con los tuyos.
    Los tres reyes malos
    Modera de forma ejemplar sus ganas de ser otra 'Juerga hasta el fin' a base de sentimientos trillados, sí, pero también muy bien tratados. Rogen se apodera de la fiesta incluso antes de salir de casa y Mr.Green te mete en el cuerpo unas ganas muy locas de coger el próximo tren a Amsterdam.
    Jungla de cristal
    La respuesta de Fox al 'Arma Letal' de Warner fue una especie de adaptación de una novela de Roderick Thorp que se desarrollaba en un rascacielos tomado por terroristas. Lo único que hacía falta para que la fórmula fuera un éxito era un poco de carisma. Entonces llegó Bruce Willis y se quedó con nosotros para toda la vida.
    En Espinof 'Jungla de Cristal' ('Die Hard'): así se hizo la que aún hoy es la mejor película de acción de la historia ¡Socorro! Ya es Navidad
    Otro guión de John Hughes (o al menos eso aparece en los créditos) para unas nuevas vacaciones de los Griswold, las primeras de invierno y con un reparto con nombres como Julia Louis-Dreyfus, el ahora popular Johnny Galecki y la eterna Juliette Lewis, dos chavales que entonces se convertían en la siguiente reencarnación de los herederos de la familia más tarada de América.
    Krampus: Maldita Navidad
    Gracias a que tiene alguna de las ideas más chulas para la temporada navideña logra compensar sus vaivenes atonales y un epílogo digno de de la peor película de sobremesa en festivo. Con todo, unos diseños de criaturas alucinantes y una mala uva sin parangón la convierten en una opción ideal.
    Kiss kiss, bang bang
    Otra navidad con Shane Black. ¿Casualidad? No lo creo. 'Kiss kiss, bang bang' es la navidad que todos hemos soñado. Fiestas vip, casos interesantes por investigar y el mundo del show biz como telón de fondo. Lo de menos es la navidad. Por eso está en esta lista.
    En Espinof 15 años de 'Love Actually', consolidada como el gran clásico navideño del siglo XXI La cosecha de hielo
    Un perro verde de Harold Ramis. 'La cosecha de hielo' es una comedia negra y desoladora llena de personajes desagradables atrapados en situaciones desagradables. Con un reparto atractivo, frialdad y un oscuro sentido del humor, la película es un buen complemento navideño en un día de resaca.
    The Hebrew Hammer
    Una de esas buenas malas películas que tanto nos gustan en forma de parodia salvaje de varios géneros. Es una mezcla de 'Shaft' y 'Austin Powers' siendo judíos con la inestimable colaboración del tremendo Andy **** que está especialmente gracioso aquí como villano. Y la navidad como telón de fondo. Como peli es mucho mejor ‘Black Dynamite’, pero ahí no había navidad.
    Entre pillos anda el juego
    Una de las pelis más recordadas de John Landis gracias a un reparto extraordinario en el mejor momento de su carrera. También gracias a que, por momentos, Landis se guarda su ego para presentar una comedia TRADICIONAL y además, con un marcado espíritu Dickens. Ojalá lo hubiera hecho más.
    Batman Vuelve
    Para muchos de nosotros, la primera de esa plaga de las "secuelas adultas". El paciente cero de las secuelas maduras. La secuela del 'Batman' de Tim Burton, una película especial e irrepetible que funcionó en la misma medida que el 'Superman' de Donner: de alguna manera, la primera película de superhéroes. Curioso que ambas fueran de DC.
    La vida de Brian
    'La vida de Brian' es una genialidad que refleja irónicamente la ceguera de los radicales metiendo el dedo en la llaga como nadie podría hacer hoy. Bueno, ni entonces. Irrepetible, por tanto. Nunca un ex-leproso logró decir tanto con tan poco.
    En Espinof 13 razones para odiar la Navidad: lo peor de lo peor del cine navideño de toda la historia Elf
    Jon Favreau construye una película navideña que no solo es desternillante en todo momento, también es una película que se puede disfrutar durante todo el año. Will Ferrell se convierte en uno de los personajes más molones de la navidad mientras busca a su verdadero padre con un humor fantástico y un montón de líos muy divertidos. Y cada año es mejor. ¿Será Jon Favreau un genio en la sombra?
    Fred Claus: El hermano gamberro de Santa Claus
    He aquí una película navideña que merece más cariño. Puede que sea cosa mía, pero Vince Vaughn me parece un tipo increíblemente divertido cuando está como pez fuera del agua, y aquí está como pez en el Polo Norte. Poca broma. Un buen puñado de chistes zafios y su presencia son suficiente para echarse unas risas antipáticas y a destiempo.
    Black Mirror - White Christmas
    ¿Previsible? ¿Elegante? ¿Rutinaria? ¿Necesaria? Como todo 'Black Mirror', la respuesta es un contundente sí. Toma prestados recursos y detalles de toda la serie para entregar un triste villancico funesto con interpretaciones excelentes. Bien jugado, a ver cuando cae otro.
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    La noticia Las 21 mejores películas para todos los que odian la Navidad fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .


  8. Entre Fans
    Sin hacer ruido, 'Adoration', la última película del cineasta belga Fabrice Du Welz, se llevó cuatro premios de la última edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Cataluña. Aún sin una fecha concreta ni distribución en España (su obra maestra, 'Alléluia', nunca llegó a nuestros cines fuera del circuito de festivales), es justo y necesario reivindicar a un cineasta de raza, arriesgado y con un gusto exquisito que se apoya constantemente en la fuerza de sus imágenes.
    El amor loco
    Aprovechando su presentación de cara al estreno francés, que llegará junto al belga el próximo mes de enero, nos citamos con el director y con su protagonista y revelación de su película, la joven Fantine Harduin, para charlar sobre el amor, la vida, el cine y los rodajes más o menos placenteros.
    Kiko Vega (KV): La mayoría de tus historias son relaciones complicadas entre ambos sexos, pero tu fijación por ese amour fou arrancó con 'Calvaire', donde no hay ni rastro de mujeres. ¿Qué problema tienes con el amor?
    Fabrice Du Welz (FDW): No lo sé. Para mí es un punto de partida realmente fuerte. Es todo lo que tenemos. En un principio no era nada personal, era casi inconsciente, también en mi cortometraje ('Quand On Est Amoureux C'est Merveilleux'). Me parecía una manera sencilla de hablar de lo que necesitamos, de lo que perdemos y lo que queremos y proyectamos. Así que creo que lo construí desde ahí. Creo que en 'Calvaire' incluso era divertido y profundo al mismo tiempo. El balance entre profundidad y oscuridad, esa ceguera, el proyectar algo en otra persona, me pareció excitante.
    En 'Alléluia' fue un paso más allá. Ahí trato con una obsesión real, la forma en que puedes entregarte a otra persona, la idea de la posesión más visceral, física, sexual. Es mucho más brutal. En 'Adoration' la idea era apreciarlo desde el lado más puro de todos estos aspectos. El absoluto sentimiento dorado del amor. No tengo respuesta a la pregunta "a quién podemos amar". La pregunta que me hago es "cómo podemos amar de una manera más pura". Por supuesto que la locura y el amor van muy unidos en mi trabajo, pero también la fe.
    KV: Cierras una trilogía espectacular sobre el amor y el dolor en las Ardenas. ¿Es el final de una etapa?
    FDW: En primavera rodaré mi nueva película, 'Inexorable', donde tendremos de vuelta a Gloria (los personajes femeninos de 'Alléluia' y 'Adoration' responden a ese nombre), ahora con 24 años, y volveremos a las Ardenas, pero probablemente sea algo diferente. Rodaremos con un nuevo equipo y un estilo algo diferente, ¡creo!. Pero sí, con 'Adoration' creo que se cierra una etapa que me ha servido para crear algo nuevo.
    KV: Durante buena parte de su metraje 'Adoration' luce como tu película de terror más clásica, de las que ya no se hacen. ¿Cómo ves el género de horror ahora mismo?
    FDW: Estoy dispuesto a caer rendido ante el género siempre, como cuando era un adolescente. La gente habla de 'Midsommar' y cosas así, que me gustan mucho, están realmente bien, pero no me vuelan la cabeza como las películas de entonces. 'Amenaza en la sombra', 'La matanza de Texas', 'Rojo oscuro'... ese cine cambió mi vida. Quizás ahora es que soy demasiado viejo para volver a sentir lo que sentí con 'La noche del cazador', de la que algo hay en 'Adoration'. Es como el primer amor. Es tan brutal que luego nunca es lo mismo. Cuando vi la película de Hooper no pude dormir en una semana. Joder, yo quería hacer esas cosas. Por entonces yo siempre esperaba que las películas me llevasen al límite. Igual que con el amor.
    KV: Y lo hiciste, porque 'Calvaire' se miraba en ese espejo.
    FDW: Puede que no como cineasta, pero sin duda como cinéfilo, sí. Quería hacer películas que me transmitieran esa misma sensación. Y me pasa lo mismo cuando me enamoro. Quiero caer en una locura total, como la primera vez. Pero hoy no puede ser, todo ha cambiado. Como cineasta intento hacer algo que se meta bajo la piel, algo que puedas apreciar con todos los sentidos.
    KV: Has mencionado 'Amenaza en la sombra', una de las películas que más resuenan en tu cine, especialmente en 'Vinyan'. Tras ella estuviste desaparecido seis años, y ahora has rodado cuatro películas en cinco años. ¿Estás recuperando el tiempo perdido?
    FDW: 'Vinyan' fue una gran decepción personal. Adoro haber podido hacerla, me siento afortunado. Fui más allá de mis límites, hice algo especial. Pero también fue algo realmente inconsciente. La recepción fue realmente mala, horrible. Fue muy doloroso, empecé a pensar que no sabía qué cojones estaba haciendo. No quería ser un director "maldito". Joder, ¡quería ser un director mainstream! Por supuesto que eso era un sueño de juventud, sé que nunca lo seré. Intenté hacer una película francesa y salió mal. Luego me fui a Hollywood. ¿Sabes? llegó el momento de ser yo mismo. Ahora tengo experiencia, conozco la decepción y soy más fuerte que nunca. Ahora puedo hacer la exactamente la película que quiera. Con un rango de presupuesto bajo, pero puedo hacerlo. Y eso es algo que en Estados Unidos no pude hacer. Aprendí muchísimo, pero nunca volveré a los putos Estados Unidos en esas condiciones. Quiero tener el corte final y no reunirme con el editor una y otra vez para que me cuente qué han decidido los productores. Quiero trabajar en con mi propio material. Eso es exactamente lo que quiero hacer.
    KV: Creo que tu película para Netflix era muy valiente a la hora de abordar un tema tan escabroso como el Hollywood que muestra.
    FDW: Créeme que podía haber sido mucho, mucho mejor. Tenía el material para que fuera así, pero los productores comenzaron a tener miedo de todo, especialmente del presupuesto, y pensaron que lo mejor era hacer algo mucho más anodino y estándar. Y ese no fue el trato al que habíamos llegado. Íbamos a hacer algo realmente fuerte. No estoy contento con la película. Trabajar con ese reparto fue asombroso. Chadwick Boseman, Luke Evans, Alfred Molina... es increíble trabajar con esa gente, pero el proceso de montaje fue una locura. Prefiero estar aquí, trabajar más y mejor. Me siento fuerte y ya no me importa cómo pueda verme la gente como director. Quiero ser yo mismo, jódete. No me importa la opinión de los demás. Mi madre decía que elegir es renunciar, y yo ahora he decidido elegir.
    KV: Los personajes de 'Adoration' podrían ser la versión joven de los de 'Alléluia', ¿es muy diferente la forma de dirigir a unos y otros?
    FDW: Es igual. La forma de trabajar con Lola Dueñas o Fantine es la misma, porque ambas son actrices llenas de pasión y compromiso. Y eso es lo más importante para mí. Creo que la locura de Lola canibalizó aquel rodaje. Lola estaba jodidamente brillante, y Fantine también, pero a un nivel distinto, porque su locura no es la misma. Nunca he visto a Fantine como una niña. La elegí y al empezar a trabajar hubo voces que temían un rodaje complicado, porque saben que soy exigente, pero no fue doloroso. Fui muy exigente con ella, mucho, pero a ella le gusta y supo manejarlo. Es una jodida artista. Una gran actriz.
    KV: ¿Crees que Thomas Gioria necesitará unas vacaciones después de encadenar 'Custodia compartida' y tu película?
    FDW: ¡No! Si estuviera aquí lo entenderías. Es un chico que lo tiene clarísimo. Sabe por lo que está luchando y lo que quiere. Es otro jodido artista. No quiere una casa en Malibú, quiere interpretar. Quiere pelear y expresarse.
    KV: Finalmente te encuentras con Benoît Poelvoorde. ¿Estaban condenados a cruzar sus caminos el director y la estrella más potentes del país?
    FDW: Adoro a Benoît. Llevo quince años queriendo trabajar con él, pero siempre decía que no, siempre pasaba. "No quiero, no quiero". Pero me ha encantado trabajar con él. No siempre fue fácil, tengo que reconocerlo, y probablemente volvamos a trabajar juntos. Es un actor duro. Tienes que pelear contra sus demonios, pero yo también tengo los míos. Creo que su interpretación es realmente conmovedora.
    KV: Sin duda, y hace mucho por convertir tu película en tu historia más amable y tierna, aunque sea 100% Fabrice Du Welz.
    FDW: Es la vida. Siempre es dolorosa, lo sabes. Va a doler. Pero creo que es liberadora cinematográficamente hablando. Incluso 'Alléluia' lo era en un sentido más oscuro. O 'Calvaire'. Es una liberación a través de la locura, pero qué es la locura. No lo sé. ¿Es amor, es fe? No lo sé. Estamos vivos, joder. No estamos aquí para ver las noticias tirados en un sofá. Tenemos una vida y tenemos que quemarla.
    KV: ¿Ha sido tu rodaje más ligero?
    FDW: Absolutamente. El más sencillo. Aquí, no sé si por los chicos, que tienen la edad de mis hijos y jugaban juntos en el set y se han hecho amigos, no sé, o por el verano. He tenido rodajes horribles, realmente jodidos. Pero esto fue un verano de amor. Fue muy exigente pero teníamos la sensación de estar construyendo algo juntos.
    KV: Repites con Vincent Cahay en la banda sonora y con Manuel Dacosse, un director de fotografía descomunal.
    FDW: Vincent es un amigo cercano y sé que puedo tener lo mejor de él. Estaba muy obsesionado con las primeras bandas sonoras de Guillermo Del Toro. La idea del cuento de hadas estuvo muy presente desde el principio de la producción.
    KV: Te permites un cameo sorpresa en la película
    FDW: Sí, ese es mi ego haciendo su trabajo.
    Tras un rato de charla informal sobre las últimas películas de Quentin Tarantino y Ben Wheatley llega el momento de hablar un ratito con una de las dos estrellas de la función. Con tan solo 14 años, la increíble actriz belga Fantine Harduin (FH) tiene un increíble futuro por delante.
    KV: Empezaste con 'El viaje de Fanny' y ahora te encuentras en otra huída, más adulta, más dolorosa y cercana. ¿Cómo afrontas el papel de Gloria?
    FH: Cuando rodé 'El viaje de Fanny' tendría 10 u 11 años, ahora he crecido, soy una persona más madura. Es normal, ahora no podría rodar el papel de una chica de esa edad, ya no soy esa persona. He dado este paso con ayuda de Fabrice. Él ha sido de mucha ayuda para dar sentido a todo y estoy muy feliz por ello.
    KV: Has pasado de Michael Haneke (‘Happy End’) a Fabrice Du Welz. ¿No crees que va siendo hora de pasar a una comedia agradable?
    FH: Nunca he hecho comedia. Creo que todo el mundo piensa que soy una asesina. Aquí quiero matar a todo el mundo, quiero matarme a mi misma... me encantaría hacer una comedia, sí, para cambiar un poco el tono de mis personajes. Pero adoro hacer dramas, creo que son un reto enorme para mí. No me gustaría estar con la agenda llena de cosas sencillas, me gustan los retos.
    KV: ¿Hay mucha diferencia a la hora de trabajar con dos directores tan personales como Haneke y Du Welz?
    FH: Sí, desde luego. Michael Haneke fue realmente amable conmigo, pero sabe qué es lo que quiere, y lo que quiere es algo que debes hacer exactamente como él quiere que sea. A veces eso lo complicaba un poco, porque tal vez yo no veía con claridad qué es lo que quería, y podía ser algo difícil. Con Fabrice tampoco ha sido fácil, pero sí ha sido diferente. Haneke no habla nunca, y Fabrice habla incluso durante la escena. Eso es realmente extraño comparado con otros directores, sobre todo con Haneke. Y creo que eso realmente me ayudó mucho a saber qué es lo que él quería.
    KV: Ok, o sea que los dos están locos.
    FH: Oh, sí, puedes escribir eso.
    KV: ¿Te daba miedo el personaje de Gloria?
    FH: No, no tenía miedo de ella. Sé que puede ser peligrosa, pero también sé que no es una persona malvada. Ella no quiere herir a Paul, de hecho es la única que lo entiende, solo que está enferma y por eso hace esas cosas. Creo que ama a Paul de verdad.
    KV: ¿Cómo fue tu relación con Thomas Gioria?
    FH: Es un actor con un talento increíble. Me impresionó mucho su trabajo. Nos hicimos buenos amigos desde el momento en que nos conocimos. Creo que es un gran actor con grandes inquietudes.
    Imágenes cortesía de The Jokers Films
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    La noticia "La locura y el amor van muy unidos en mi trabajo, pero también la fe". Fabrice Du Welz ('Adoration') fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .


  9. Entre Fans
    Tres décadas más tarde, ¡Tom Cruise vuelve a ser el asombroso Maverick! Este verano vimos el primer adelanto de 'Top Gun: Maverick', una secuela del popular clásico de 1986. Hoy, Paramount ha lanzado un nuevo e impresionante tráiler de la película, que se estrena en cines el 25 de junio.
    La puesta en escena corre a cargo de Joseph Kosinski, que vuelve a colaborar con Cruise tras dirigirle en 'Oblivion'. En cuanto al guion, está firmado por Justin Marks, Eric Warren Singer y Christopher McQuarrie, responsable de las dos últimas entregas de 'Misión: Imposible' (y las dos próximas).
    En Espinof Ni Ethan Hunt, ni Jack Reacher: el héroe de acción definitivo se llama Tom Cruise Cruise no es el único que regresa a esta segunda parte de 'Top Gun', también lo hace Val Kilmer, que vuelve a ponerse en la piel de "Iceman". El reparto se completa con Miles Teller, que encarna al hijo de "Goose" (Anthony Edwards), Jon Hamm, Jennifer Connelly, Glen Powell y Ed Harris.
    Nuevo póster y tráiler español de 'Top Gun: Maverick'
    Después de más de 30 años de servicio como uno de los mejores aviadores de la Armada, Pete "Maverick" Mitchel (Tom Cruise) se encuentra dónde siempre quiso estar, desplazando los límites como un valiente piloto de prueba y esquivando el alcance en su rango que lo emplazaría en tierra.
    Cuando se encuentra entrenando a un destacamento de graduados de Top Gun para una misión especializada, Mavericks se encuentra con el Teniente Bradley Bradshaw (Miles Teller), distintivo: "Rooster", el hijo del difunto amigo de Maverick, y el Oficial de intervención de Radar, el Teniente Nick Bradshaw, conocido como "Goose".
    Enfrentándose a un futuro incierto y a los fantasmas de su pasado, Maverick se ve envuelto en una confrontación con sus propios miedos más profundos, culminando en una misión que exige el máximo sacrificio de aquellos que serán elegidos para volar...
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    La noticia 'Top Gun: Maverick' lanza un nuevo tráiler impresionante: la secuela con Tom Cruise quiere ser la película de acción de 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .


  10. Entre Fans
    El gran éxito conseguido por Hideo Nakata con ‘The Ring’ fue el pistoletazo de salida de una etapa en la que el mundo occidental mostró un enorme interés hacia las cintas de terror asiáticas. Uno de los títulos que logró una popularidad similar fue ‘La maldición’, tanto es así que ambas contaron con sus respectivos remakes en Hollywood que gozaron de una buena acogida por parte del público.
    En el caso de ‘The Ring’ ya se intento relanzar la franquicia con la lamentable ‘Rings’ hace un par de años y ahora es el turno de la saga creada por Takashi Shimizu. Sobre el papel parecía condenada a ser un sacacuartos que terminase de enterrar cualquier buen recuerdo que tuviésemos del universo de ‘La maldición’, pero en realidad se trata de una solvente actualización apoyada en una efectiva atmósfera y su acertado reparto.
    Terrores cruzados
    Una de las señas de identidad de la franquicia siempre ha sido la utilización de una narrativa no lineal, siguiendo las historias de diferentes personajes que podrían parecer desconectada en primera instancia, aunque no vayamos tardando en descubrir que no es así. Algo esencial en estos casos es conseguir una verdadera sensación de unidad, tanto en lo formal como en el contenido, para que no parezcan diferentes variantes de la misma premisa juntadas con mayor o menor fortuna.
    En esta nueva ‘La maldición’ se empieza potenciando una atmósfera enrarecida que sirve de aliciente tanto para aquellos escépticos que creían que la franquicia ya no daba más de sí como para aquellos que simplemente busquen una propuesta de terror estimulante. Para ello no se prescinden de detalles siniestros como algo continuado en lugar de ser un golpe de efecto puntual, lo cual redunda en que visualmente transmita que algo raro sucede en lugar de limitarse a plantearlo desde el guion.
    En Espinof Las 13 mejores películas de terror de 2019 Ahí se nota el esmero con el que Nicolas Pesce aborda un material ya manido para darle un mayor empaque formal. Algo de sangre hay obviamente, pero lo que se busca en ‘La maldición’ es transmitir un clima de intranquilidad constante, algo que refuerce el progresivo deterioro de la historia de sus protagonistas. Para lograrlo se permite mostrar cosas incómodas pero sin darles una mayor importancia de la que requieren para el devenir de los hechos. Lo importante es esa capa de agobio vaya creciendo de forma paulatina y ahí no hay muchos peros que ponerle.
    El toque justo de lo siniestro
    El propio Pesce rehízo casi por completo el guion, optando por dar el fondo necesario a los personajes pero sin renunciar a los lugares comunes que la hagan reconocible. Obviamente, no se trata de un equilibrio memorable, porque algunas de las historias funcionan mejor que otras y además el montaje no resulta todo lo fluido que uno podría desear. Sí que nos enteramos bien de cuándo se salta de una otra, pero es en la necesidad de complementarse entre sí en lugar de repetir las mismas ideas lo que limita el techo de ‘La maldición’.
    Por suerte, Pesce cuenta con un reparto repleto de rostros que sonarán al público pero en el que parece haber pesado más lo que iban a aportar a la película que poblar la película de caras conocidas. Es cierto que el desarrollo de los personajes sigue las líneas maestras que uno podría esperar de una película como la que nos ocupa, pero ahí está el otro gran acierto de la película: sus personajes resultan creíbles gracias a un reparto implicado que no está ahí para cobrar el cheque y pasar lo más rápido posible a otros proyectos más estimulantes a priori.
    En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) Andrea Riseborough es la que cuenta con una presencia más dominante como una agente de policía investigando un caso muy extraño que acaba afectándola de forma personal. Ya sabemos que su vida se va a venir abajo por la maldición del título, pero la entereza con la que se plantea y lo bien reflejado que está por la actriz ayuda a que ese lado turbador que busca Pesce nunca de diluya. Podría haberse potenciado bastante más -no esperéis algo perturbador que realmente perdure en vuestra memoria- pero bastante hace dentro de los límites que impone la saga.
    En resumidas cuentas
    ‘La maldición’ es una de esas películas que en no pocos casos habrían sido un desastre, pero Pesce ha abordado con respeto el material que tenía a su alcance para ofrecernos una eficiente película de terror que se apoya en una atmósfera enrarecida con la suficiente personalidad como para que no dejar con la sensación de ser una repetición de lo ya visto con anterioridad por mucho que en lo argumental podamos decir que si lo es.
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    La noticia 'La maldición': un solvente reboot apoyado en su reparto y una inquietante atmósfera fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .


  11. Entre Fans
    Cuando uno va a ver una película de Martin Scorsese, su mente, en ascuas, aguarda imágenes como esta:
    Pero, muy probablemente, en ningún caso evoca estas:
    Este artículo comienza con una reflexión sobre otros artículos; en concreto, las críticas de 'El irlandés', la última obra maestra, y esperemos que no de facto la última, de Martin Charles Scorsese. No se trata, desde luego, de enmendar la mayor a nadie; más bien el contrario. Lo que busco es indagar en un runrún de fondo que rodea a todos los análisis de 'El irlandés' y que se puede resumir en una palabra:
    Serenidad.
    Martin Scorsese, el Martin Scorsese que ponía la cabeza de un gánster en una prensa hasta que le estallaba un ojo, el del "Me estás hablando a mí" de Travis Bickle, el de HATE en los nudillos de Max Cady, el de "No besé la lona" de Jack La Motta en su versión de La Masacre de San Valentín siente paz. Scorsese se ha serenado.
    Unos cuantos extractos de estas reflexiones. Adam Graham, para 'The Detroit News':
    David Sims, para 'The Atlantic':


    En Espinof 34 grandes películas de 2019: nuestras recomendaciones y favoritas del equipo de Espinof Ann Hornaday, para 'The Washington Post':

    Ty Burr, para 'Boston Globe':
    Sabiduría en todas estas citas, particularmente deliciosa la última de Burr, pues creo difícil definir mejor cómo desgrana sus últimos años Scorsese que aludiendo a "las cuentas de un rosario". Exactamente así cuenta, años y películas, el de Queens la mina que le queda en el lápiz. Los fotogramas en la recámara.
    Un Scorsese diferente, domado a sí mismo
    Pero fue la sorpresa ante ese contar lo que me sorprendió como cinéfilo; más que nada porque en las conversaciones con mi padre, otro amante impenitente del cine, había surgido a menudo la cuestión. Yo, de siempre, un enamorado hasta la médula de Scorsese. Él, de siempre, un convencido de que su talento no vuela ni remotamente al mismo nivel que los otros dos grandes italoamericanos de su época: véase, Coppola y Cimino.
    Pero el caso es que los polos opuestos se atraen y en esa atracción encuentran un territorio común en el que, si no entenderse, al menos sí dialogar. Más o menos desde 'Shutter Island', ambos sentíamos que la carrera de Scorsese había cristalizado en algo muy distinto al frenesí, pues no hay epíteto que le calce mejor. Scorsese parecía haber perdido el barroquismo y la energía indómita, y ganado a cambio una mirada honda, queda y comprensiva de las miserias y glorias, pero sobre todo las miserias, de nuestra especie.
    Dado que esa percepción ha llegado, en mi caso, con casi dos décadas de retraso, decidí ponerla a prueba de la manera más empírica: el método científico. Observación: "¿Es cierto que Scorsese se ha domado a sí mismo, que su cine, en efecto, se ha serenado?".
    Experimentación: volver a ver su cine en su mayor parte —'El rey de la comedia', 'Uno de los nuestros', 'Malas calles', 'Shutter Island', 'El color del dinero', 'La edad de la inocencia', 'Casino' y 'Toro salvaje'— y cubrir los huecos que me quedaban —'Alicia ya no vive allí', 'El tren de Bertha', 'Silencio' y 'El irlandés'—, amén de revisitar muchas escenas.
    En Espinof Las 17 mejores películas de Martin Scorsese Hipótesis, pues a más nunca podemos llegar: La observación está equivocada. Scorsese no tiene dos caras, como comenta el excelente artículo de Burr. No. Tiene una. Y solo una.
    Este rostro, y de lo que va realmente este artículo es de descifrarlo, en todos sus tics, misterios y matices, cuenta siempre lo mismo: cómo alguien siente, en aquel lugar inefable que llamamos alma, las mayores zozobras de su vida. Cómo se enfrenta al trauma. Cómo sucumbe a él o cómo logra vencerlo.
    Visto desde esta óptica, la cuestión mayor ya no es si el cine de Scorsese es más lento y denso ahora de lo que lo fue en el pasado. La cuestión mayor es por qué es más lento cuando es más lento y más veloz cuando es más veloz.
    Cada vez creo más en una lectura serena, como 'El irlandés', de las palabras/fotogramas/viñetas/notas/mecánicas; una lectura que no esté ávida de cumplir el siguiente hito, que sería completar la lectura de este artículo como un logro. No, más bien lo que me gustaría es un lector que goza cuestionando la lectura. Interrogándola sin descanso, porque interrogarla es interrogarse a sí mismo.
    Digresiones aparte, te pido, lector, que vuelvas arriba para ver esos extractos, en formato GIF, con los que abro el artículo. Tanto en los serenos como en los frenéticos, están los dos supuestos Scorsese. Pero no es que unos sean más contemporáneos que otros. Es que Scorsese, desde los comienzos de su carrera, caminaba ya entre dos aguas; con la misma canoa.
    Los locos y los casi locos
    Hay una parte de la crítica y la academia que cree que lo que dice el autor importa más bien poco en el análisis de una obra. Que es accesorio o incluso en algunos casos hasta contraproducente que se pronuncie sobre ella. Que lo que cuenta es lo que otros infieran sobre dicha obra.

    Ya he dicho que no pretendo enmendar la mayor a nadie. Sí pretendo, como pide Scorsese en la excepcional master class de donde he hurtado sus palabras, contar mi verdad. Y para contar mi verdad, la verdad de Scorsese me importa mucho. Podría decirse que es lo que más me importa, pues mi reflexión, lo que perseguía contar y que se dibujaba y desdibujaba en un horizonte neblinoso, como ese buque en el arranque de 'Shutter Island', terminó de cuajar al escuchar la cita que rescato. Mi manera de entender a Scorsese se completa escuchando cómo se entiende él.
    Para entender a Scorsese hay que partir de sus personajes. Pero no de la descripción banal de quiénes son, de dónde vienen, adónde van y qué les sucede en el tránsito. Lo esencial en Scorsese es cómo viven aquello que les sucede. Y aquello que les sucede tiene que ver con todo eso que dice Scorsese: lo correcto y lo incorrecto, el bien y el mal. El bien, y como puntualiza magníficamente en inglés, y lo malvado (good and evil en oposición a good and bad, para recalcar que habla de los absolutos, no de pecata minuta).
    A estos elementos se le suma otro del que no habla en la master class, pero que está presente en toda su filmografía, y que siempre he atesorado como mi revelación particular sobre el tuétano del cine de Scorsese: la locura. La investigación de este artículo me hizo encontrar un texto magnífico, contenido en la antología 'The Philosophy of Martin Scorsese'.
    The Philosophy of Martin Scorsese (The Philosophy of Popular Culture)
    Hoy en Amazon por 26,34€ Lo firma Jerold J. Abrams bajo el título 'Friedrich Nietzsche y las películas de Martin Scorsese'. En él se lee: "La idea de la locura recorre toda la filmografía de Scorsese: de los trabajos iniciales en 'Malas Calles' a los que median su carrera como 'La última tentación de Cristo' y 'El cabo del miedo' a los más recientes como 'Al límite' y 'El aviador'".
    Ese es el gran tema que enhebra a todos los personajes de Scorsese. Pero no es otro tema a mayores del expuesto por el propio Scorsese, el discernimiento entre el bien y el mal. Es el resultado más terrible, a juicio del cineasta, que puede suceder en la lucha por mantener a flote ese discernimiento: esto es, perderlo. Cómo la cordura se quiebra y cómo la persona que se quiebra, física o espiritualmente, pasa a ser un pecio humano, los restos arrastrados, sin remedio, por su propio oleaje.
    A poco que pensemos en todos los personajes de Scorsese, los podemos dividir en tres categorías según su relación con la locura, que es también su relación con la moral: los que sucumben a ella, los que se mantienen firmes y los que ya la habitan.
    En la primera categoría se encontrarían personajes como Jake LaMotta de 'Toro Salvaje', Travis Bickle de 'Taxi Driver', Rupert Pupkin de 'El rey de la comedia', Billy el Carnicero de 'Gangs of New York', Paul Hackett de '¡Jo, qué noche!', Sebastiao Rodrigues de 'Silencio' o Billy Costigan de 'Infiltrados'.
    Entre los que resisten, Sam Rothstein de 'Casino',  Charlie de 'Malas Calles', Alice de 'Alicia ya no vive aquí', Newland Archer de 'La edad de la inocencia' o Frank Sheeran de 'El irlandés'. Resistir no significa no acumular cicatrices sino lograr salir vivo del encuentro.
    Y luego están los que la habitan, Howard Hughes en 'El aviador', Max Cady en 'El cabo del miedo', Henry Hill en 'Uno de los nuestros', Jordan Belfort en 'El lobo de Wall Street' o Teddy Daniels en 'Shutter Island'.
    En Espinof ‘El irlandés’: Guía de personajes para saber quién es quién en la película de Martin Scorsese para Netflix Todos ellos rozan la locura por ser enfrentados a traumas morales capaces de quebrar la mente. A veces es la violencia pura, como la que presencia Sebastiao Rodrigues desde su celda en Japón contra los creyentes cristianos o los ríos de sangre que ve el jovencísimo Amsterdam Vallon en el apabullante arranque de 'Gangs of New York'.
    A veces es la locura de un tercero, como le ocurre a Charlie en 'Malas Calles', que se pasa toda la película intentando defender al Johnny Boy de Robert de Niro, sabiendo que le traerá por la calle de la amargura. Y a veces es algo muy sutil y súbito, como el escalofriante arrebato de locura que sufre un dechado de virtudes como es el Newland Archer de 'La edad de la inocencia', quien por un momento, como describe su narradora, piensa, mediante eufemismos, en asesinar a su mujer para poder reunirse con su amada condesa.
    Pero todos ellos golpean el muro de su mente, a veces, literalmente, como en esta inolvidable escena de 'Toro Salvaje'.
    Todos pierden el control de sí mismos, como ese Rothstein que se sube a un coche, lo arranca y estalla (metafóricamente, aunque parezca literal) por los aires.
    Entonces, ¿qué hace Scorsese? Cómo traduce esta lucha a imágenes. De una manera extrema: se mete dentro de los personajes e intenta traducir al audiovisual no lo que les ocurre, sino lo que sienten.
    El lenguaje del alma
    En tres ocasiones, en 'La edad de la inocencia' se parte un leño. En tres ocasiones, ese partir incandescente, seguido de un crepitar, responde a la misma alegoría: cómo se le va quebrando el alma a sus protagonistas, Newland Archer y Ellen Olensa, ante la creciente certidumbre de que su amor imposible es, en efecto, imposible. Que el destino solo se confabulará en una dirección: la de impedirlo.
    Ese leño quebrado representa tanto la locura de amor —cuando Archer piensa por un instante en que su joven y saludable mujer tal vez pudiera perder súbita y trágicamente la vida— como el abdicar definitivo. Ese repliegue de velas, interpretado con un desvanecimiento de la pasión casi tan intenso como la pasión en sí misma, con el que Lewis dota a su personaje del aceptar las cosas como son tras escuchar que su mujer, a quien no ama, está embarazada.
    Al comienzo de la película, una imagen mucho más casual nos vuelve a hablar de lo mismo. Es esta:
    El personaje no es, precisamente, de los relevantes. Juega un papel esencial en este Nueva York de las apariencias, el de ser encrucijada y caudal de todos los cotilleos imaginables, pero cómo decide retratarlo Scorsese es una pincelada de genio que apunta en la misma dirección que ese leño que se quiebra.
    ¿Cómo se representa la atención de una personalidad rapaz como la de este Larry Lefferts? Pues restándole fotogramas a la imagen y sobreimpresionándola para que sintamos el vértigo de quien intenta absorber todos los detalles de una situación tan fastuosa como una ópera.
    Lo que busca Scorsese es traducir, a términos estrictamente cinematográficos, estados existenciales, el retrato de un alma, antes que de una psique. Por ello su puesta en escena, al contrario que la de narradores puros, como Spielberg, Ford o Eastwood, es lírica antes que narrativa. Pero tampoco se trata de esa lírica operística que practican Einsenstein, Ganz o Coppola. No es una lírica que tenga a Scorsese como epicentro. Los personajes son siempre su epicentro.
    Y de todos los vaivenes del alma, Scorsese parece sobre todo obsesionado por traducir a imágenes y sonidos, precisamente, la zozobra del alma. El momento en que se quiebra.
    Por ejemplo, en esta magnífica escena de 'Malas Calles', donde anticipa técnicas que luego replicaría, con genio y mismos objetivos, Darren Aronofsky en 'Réquiem por un sueño':
    La pregunta se mantiene, ¿en qué ha cambiado el Scorsese de ahora del Scorsese de entonces? Esencialmente, en nada. Sigue haciendo lo que hacía antes, retratar espacios interiores audiovisualmente. Pero hay una matiz fundamental.
    El Scorsese de antes se obsesionaba por ese espacio interior que surge como reacción al caos exterior; y muy especialmente al caos que generan los mundos violentos. El Scorsese de ahora simplemente retrata personajes que, incluso en un clima de violencia, no son violentos. Sus agonías se sufren en otros terrenos.
    Baste ver la diferencia entre el momento de renuncia a la fe del pandillero de Leonardo DiCaprio en 'Gangs of New York' y la agonía de pisar su ídolo que sufre el sacerdote portugués de Andrew Garfield en 'Silencio'.  Aunque ambas imágenes son ralentís, y ambas retratan el repudio al Dios de los cristianos, no pueden transmitir emociones más distintas. Pero son los personajes los que marcan tempo de montaje, recursos y encuadre. Scorsese solo intenta escuchar cómo suenan y se ven sus almas.
    ¿Qué cómo me siento? ¿Qué como me siento?, declama DiCaprio en la mejor escena de 'Infiltrados', en una de sus conversaciones con la magnífica psicóloga devenida en amante a la que interpreta Vera Farmiga.
    No vemos a DiCaprio mientras dice estas palabras. Lo que vemos es un encabalgamiento visual a la altura de esas ideas magistrales que tenía David Lean. El espacio de la consulta se rompe y nos topamos con una casa vacía, desangelada, mientras rompe a sonar el rasgueo de una guitarra española.
    Scorsese, en un solo plano, clava el espacio interior de su personaje sin que sean necesarias las palabras.
    El amor, el horror, el dolor y las cenizas
    Si la historia me pusiera contra la espada y la pared y me dijera: "Elige una, solo una secuencia del cine para preservar como testimonio de lo sublime en lo humano", no sería capaz de contestar; ni balbucear podría. Pero en mi mente, una de esas escenas que sí o sí compiten por estar ahí, a la altura de cualquier otra, como el monólogo de las Lágrimas en la lluvia, ese Ethan que abraza en vez de golpear, la flauta que tocan los dedos de un flautista ciego, el rostro de una actriz que se desploma en la locura o el Willard que libera el Vietnam que lleva dentro en un motel, estaría esta.
    Dura exactamente 2 minutos y 49 segundos y tiene exactamente 34 planos. El cine que hay contenido en él es incalculable. Pero hagamos un esfuerzo.
    Después de la presentación de la situación y personajes, Teddy Daniels se echa a dormir, atribulado por la desaparición de la paciente Rachel Solando y por la extraña actitud de todos los funcionarios de la prisión para enfermos mentales ante la investigación oficial de un U.S. Marshal.
    Entonces, Teddy duerme, en una noche tormentosa, gótica. La banda sonora alcanza un crescendo de película de terror y de pronto, al entrar en el sueño de Teddy, se funde con otra música, de un tono mucho más hogareño, aunque distorsionado, sin apagar ese cuchillo sonoro que perfora los tímpanos.
    Entonces, aparece ella. La mujer de Teddy Daniels. Dolores.
    Lo que viene inmediatamente después, es una exploración, infinitamente dolorosa, del interior de Teddy Daniels. Una exploración que mediante metáforas visuales profetiza el final de la película.
    Y no me refiero meramente al giro de guion, que Teddy era un paciente del psiquiátrico y no un marshal del gobierno. Me refiero a lo realmente importante: a que Teddy es un hombre quebrado porque aún ama a su mujer, a la que mató tras descubrir que esta había asesinado a sus hijos. La espesa red de mentiras que Teddy teje en su mente es plasmada en esta magistral secuencia onírica sin ninguna sobrexplicación. Solo se puede entender la hondura de la escena a posteriori, por más que su impacto emocional llegue de primeras.
    En Espinof Martin Scorsese aclara su crítica a Marvel: "La situación en este momento es brutal y hostil para el arte" ¿De qué recursos cinematográficos se vale Scorsese para plasmar la narrativa fragmentada de los sueños? Pues, principalmente, de quebrar el cine en sí mismo.
    El primer elemento onírico de la escena es una rotura del raccord consciente. Del plano 5 al plano 8, Teddy le pregunta a Dolores: ¿Eres real?
    Y Dolores le responde, en un close-up estremecedor: No.
    Inmediatamente, ya no tiene la botella en la mano con la que arrancaba la escena, quejándose de que Teddy bebe demasiado.
    Si la sintaxis cinematográfica es el montaje, un elemento esencial de la cualidad onírica de esta escena es la alteración de la sintaxis.En otro momento, protagonizado también por Dolores, los planos se encabalgan sin sentido. A veces, por el sonido, que antecede al plano en off visual. A veces, porque se rompe el eje adrede, para que un personaje que estaba de espaldas (Dolores) de pronto enfrente a la cámara sin que se nos haya mostrado la acción.
    Otro elemento fundamental son las cenizas. Antes, un poco de pasada, se nos ha contado que la mujer de Teddy murió en un incendio. Así que el motivo estético que elije Scorsese para todo este sueño son las cenizas, que entran muy pronto, aunque de manera muy sutil, en el plano 8.
    Sin embargo no será hasta mucho después —plano 19, la espalda de Dolores incandescente; planos 23 a 26, ráfaga de primeros planos a la caída de las cenizas; plano 27, con una panorámica de Teddy abrazando a Dolores sobrecogedora; plano 31, con Dolores disolviéndose en cenizas; planos 32 a 34, con la casa ya en llamas— que Scorsese haga patente este elemento al espectador.
    Conjeturo que la intención es hacer de los elementos más imposibles un suave goteo en toda la escena, para que la emoción de los personajes nos atraviese antes de que se manifieste que, de facto, estamos en un sueño.
    El último recurso visual es mucho más sutil. Es un relato de los hechos en trampantojo, a través de la ventana de la casa.
    Hay que fijarse con atención, porque están en fou y por lo tanto en ausencia de nitidez, pero en los primeros planos de la escena podemos ver a los hijos de la pareja jugando en la calle. Luego, cuando Dolores camina por la casa hasta otra ventana, el escenario urbano se sustituye para que podamos ver la casa de verano, al pie del lago, donde detonará la tragedia.
    "¿Te acuerdas de la casa de verano, Teddy? Éramos tan felices."
    Los niños de Teddy y Dolores, al fondo del plano. De nuevo, los niños de Teddy y Dolores, mientras su madre se mueve en el espacio y en el tiempo hasta el día de su asesinato. El último elemento, y tal vez el más poderoso, el que asienta la escena, es un préstamo.
    Como todos los grandes, Scorsese ha estado siempre excepcionalmente dotado para acompasar sus imágenes a la banda sonora. Pero como le pasa también a Tarantino o a Michael Mann, Scorsese puede ir más allá de la banda sonora para ganar espesor en sus secuencias clave. Puede escoger una melodía en concreto, clásica o contemporánea, y empastarla con una escena para un resultado sublime.
    Eso pasa aquí con 'On the Nature of the Daylight', una composición del colosal Max Richter de seis minutos y pico, que Scorsese condensa en su momento más emocionante, cuando el violín se deja acompañar por otro violín y entretejen a dos voces una emoción que atraviesa.
    Atraviesa tanto que otro cineasta preclaro, Denis Villeneuve, la usó también como elemento arquitectónico fundamental de su mejor película, 'La llegada' ('Arrival'). Pero nadie le puede arrebatar a Scorsese su fusión más poderosa con esta secuencia inolvidable de 'Shutter Island' que me arranca lágrimas cada vez que la veo.
    En el número de enero de 2009 de Cahiers du cinema, la cineasta argentina Celine Murga relata su experiencia como testigo de excepción del rodaje de 'Shutter Island'. Estas eran sus reflexiones del 28 de abril de 2008:
    El irlandés, el hombre mediocre
    Llegamos, después de un largo viaje, a Frank Sheenan, "El Irlandés". La última película, tal vez la última de verdad, de Martin Scorsese.
    ¿Qué podemos decir de ella, más que todo lo que se ha dicho?
    Podemos hacer un poco de epílogo de toda esta reflexión, y ver qué elementos comunes hay al resto del cine y de la mirada de Scorsese. Pues todos; con una fenomenal excepción. ¿Y cuál es? Pues la que lleva en su título. Frank Sheenan. 'El Irlandés'.
    Como todo el cine en Scorsese, 'El Irlandés' habla, de la manera más literal posible, de cómo ha sentido Frank el devenir de su vida. Lo hace desde un arranque magistral en el que Scorsese vuelve a construir otro recurso audiovisual que es todo menos pantomima. Empezamos a escuchar a Frank Sheenan en off, cosa que siempre asociamos, y asociaremos, con la voz interna del personaje; con sus pensamientos. Pero llegados a un momento, con una naturalidad que desarma, De Niro continúa la voz de su pensamiento ya hablando, con extrema serenidad, al espectador.
    Es mucho más que un recurso cómico, por más que la gente en el cine riera con ese encabalgamiento. Es Scorsese resumiendo todo su cine. Te voy a hablar a través de unos ojos. Hoy toca los de Frank Sheenan.
    En Espinof 'El irlandés': 13 grandes películas para ver después de la épica criminal de Scorsese y Netflix 'El Irlandés' habla también, cómo no, de la quiebra del alma. En este caso esa quiebra se produce en una conversación muy tranquila en la superficie, e infinitamente tensa bajo los rostros, durante un desayuno entre los personajes de Joe Pesci y de De Niro.
    El capo de Pesci le revela, sin decirlo en ningún momento, que el inolvidable Jimmy Hoffa de Al Pacino tiene las horas contadas. Y que el reloj lo va a parar el propio Sheenan; su amigo del alma.
    Y el alma se le quiebra a Sheenan en una serie de miradas mudas, en plano sostenido, de las que Scorsese es experto cazador.
    Estas miradas:
    Pero es en la personalidad de Frank Sheenan donde vemos la mayor diferencia con todos los personajes descritos hasta ahora por Scorsese; porque sí, es radicalmente distinto.
    Scorsese, supongo que como todos los talentos inusuales, como diría el Tyrell de 'Blade Runner', "luces que brillan con el doble de intensidad", retrata personajes de esta hechura.
    Da igual que hablemos de Bill El Carnicero, ese que dice: "Bienvenido, Ámsterdam, yo soy Nueva York"; o del Travis Bickle de "Me estás hablando a mí"; o del Frank Costello que habla de "putas ratas". Todos los personajes, incluido el Teddy Daniels que reimagina el mundo como un film noir, son personajes excepcionales, que luchan con su destino a dentelladas y que, hasta en el fracaso y la autodestrucción, son colosales.
    Frank Sheenan no. Frank Sheenan es el primer personaje de Scorsese sin agencia. El hombre mediocre. El hombre que hace lo que le dicen.
    En Espinof 'El irlandés' en cine o en Netflix: así cambia la experiencia de ver la película de Scorsese ¿Por qué se ha interesado súbitamente Scorsese en alguien mediocre? No he encontrado una respuesta clara rastreando sus palabras en estas últimas semanas. Pero estas de una entrevista concedida a Esquire quizás son las que más dan en el blanco:
    Scorsese parece haber encontrado en este gánster brutal, pero en cierta manera simple, dirigido, un epítome de ese gran conflicto que lo obsesiona y siempre lo obsesionará: la moral. El pulso de la moral y la locura por el alma de cada uno de nosotros. Por lo que seremos cuando se escriba nuestro epitafio. Por lo que somos a cada instante, en cada aliento.
    Por lo que yace tras esta mirada de Frank  Sheenan; el hombre mediocre.
    'El Irlandés'.
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    La noticia 'El irlandés' es la última obra maestra de Scorsese: medio siglo de lucha para retratar las sombras del alma en imágenes fue publicada originalmente en Espinof por Ángel Luis Sucasas .


  18. Entre Fans
    Warner Bros ha lanzado el tráiler oficial de 'Superman: Red Son',  la adaptación animada de la novela gráfica de Mark Millar en la que el hombre de acero trabaja para la Unión Soviética.
    Súper Soviet
    Anunciada originalmente en la San Diego Comic-Con, 'Superman: Red Son' es la nueva película animada de DC tras 'Wonder Woman: Bloodlines' y 'Batman: Hush'. El reparto de voces de la película se confirmó oficialmente en septiembre.
    En Espinof 'Hijo rojo' es la mejor historia alternativa de Superman de entre todos los universos (paralelos) "Elseworlds" es el término de cómic para las historias de DC que tienen lugar en realidades alternativas, tomando personajes de DC y haciendo algo nuevo con ellos. La mayoría de las películas animadas de DC no se basan en este tipo de historias, con la excepción de algún título, como 'Batman: El regreso del Caballero Oscuro' o 'Batman: Gotham a luz de gas'. La primera tiene lugar en una continuidad alternativa, donde un Bruce Wayne de edad avanzada sale de su retiro. La otra reinventa a Batman durante la era victoriana de Jack el Destripador.
    Ahora, una de las obras más famosas de este estilo, 'Superman: Red Son', ya tiene su película de animación. Basada en la obra de Mark Millar, veremos al Hombre de Acero como un soldado bajo las órdenes de la Unión Soviética.
    Tras muchos rumores, alguno de los cuales apuntaba a una película en imagen real (tras el éxito de 'Joker', sería buen momento), 'Superman: Hijo Rojo' (como se conoció en España), es una historia sobre la paranoia de la Guerra Fría, que muestra cómo la nave que transportaba al pequeño kryptoniano aterriza en medio de la Unión Soviética de los años cincuenta. El niño crecerá hasta convertirse en un símbolo para el pueblo soviético, y su mundo cambiará drásticamente del que nosotros creíamos conocer.
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    La noticia Tráiler de 'Superman: Red Son', la adaptación animada de la aclamada novela gráfica de Mark Millar fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .


  20. Entre Fans
    Fue uno de los grandes descubrimientos y obsesiones tardías de 2018 y promete volver a serlo en estos últimos días de 2019. Netflix estrena el 26 de diciembre la temporada 2 de 'You' y ha publicado un nuevo tráiler oficial de la serie.
    Así, este nuevo adelanto navega por donde ya sabíamos y, a su vez, nos muestra el conflicto al que se enfrentará Joe (Penn Badgley), recién llegado a Los Angeles para tener una nueva vida bajo el nombre de Will. Pero pronto se le torcerán las cosas: justo cuando empieza con su nueva relación, llegará una persona del pasado, Candace (Ambyr Childers) a poner todo patas arriba a nuestro psicópata romántico.
    En Espinof 'You': todo lo que sabemos de la temporada 2 de la serie de Netflix Y todo esto a ritmo de una cover del Creep de Radiohead, para que tengamos claro en todo momento que no es una historia de amor. Eso sí, me encanta cómo siguen jugando a la serie romántica de "chico conoce chica" dejando para el final el giro turbio. Que de hecho es algo a lo que siempre ha jugado la serie: la delgada línea entre lo romanticón que se ve por fuera y la psicopatía real.
    En esta ocasión es Victoria Pedretti la que interpreta a la joven que cae en los encantos del protagonista en una segunda temporada que cambia de cadena (la primera fue original de Lifetime) pero no de showrunner, ya que 'You' sigue en manos de Sera Gamble. ¿Ganas de la nueva temporada?
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    La noticia Nuevo tráiler de 'You': la temporada 2 del thriller de Netflix enfrenta a Joe con su ex fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .


  21. Entre Fans
    No queda nada para que Hollywood se vista de nuevo de gala y nos presenten la ceremonia de entrega de los Globos de Oro 2020, organizados por la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood. Ricky Gervais será el encargado de presentar unos premios que seguiremos en directo (ya os diremos cómo) en lo que llegan los Reyes Magos en la madrugada del 5 al 6 de enero (hora española).
    Ayer estuvimos repasando las categorías de cine y hoy toca ver las de televisión con nuestra particular apuesta sobre quién ganará, quién debería y quién podría ganar los Globos de Oro 2020.
    En Espinof Todos los nominados a los Globos de Oro 2020 Mejor actriz secundaria
    Quién ganará: Helena Bonham-Carter ('The Crown') Quién podría ganar: Meryl Streep ('Big Little Lies') Quién quiero que gane: Meryl Streep Curioso enfrentamiento entre dos pedazo de actrizacas que han aterrizado en sus respectivas series para divertirse. Sobre todo la intérprete de la díscola Princesa Margarita en la serie de Netflix.
    No podemos olvidar que Streep es la piedra angular que ha sostenido la temporada 2 de 'Big Little Lies' con su papel. La tercera en discordia está competida entre Patricia Arquette por 'The Act' y Toni Collette por 'Creedme', papelones ambos.
    Mejor actor secundario
    Quién ganará: Andrew Scott ('Fleabag') Quién podría ganar: Kieran Culkin ('Succession') Quién quiero que gane: Andrew Scott ('Fleabag') No lo neguemos, el cura macizorro de la temporada 2 de 'Fleabag' es un caramelito ideal para los votantes de los premios de la prensa hollywoodiense. Y, teniendo en cuenta su ninguneo en los Emmy, sus posibilidades son altas.
    Por otro lado Kieran Culkin se presenta como la segunda opción gracias a su buen hacer en 'Succession', aunque, para mí, de cerca anda Stellan Skarsgård y su 'Chernobyl'.
    Mejor actriz en miniserie o película para televisión
    Quién ganará: Michelle Williams ('Fosse/Verdon') Quién podría ganar: Merritt Wever ('Creedme') Quién quiero que gane: Joey King ('The Act') Echando un ojo a la categoría, parece que mucho tendría que cambiar el universo para que el portento de Williams no se lleve un nuevo galardón por so papelón como Gwen Verdon, que ese esa conjunción de astros (estrella de cine petándolo en la televisión) que tanto gusta.
    Por otro lado, mientras que mi apuesta personal es Joey King, porque no me la quito de la cabeza desde que vi 'The Act' hace medio año largo, Wever en 'Creedme' es un papel sensacional que puede tener muchas papeletas para arrebatarle el premio a Williams.
    Mejor actor en miniserie o película para televisión
    Quién ganará: Russell Crowe ('La voz más alta') Quién podría ganar: Jared Harris ('Chernobyl') Quién quiero que gane: Jared Harris Lo mismo lo podríamos aplicar a la categoría masculina. Estando ahí Crowe y su transformación en el magnate de FOX News Roger Aisles poco tienen que hacer el resto de candidatos... salvo que se lo den al magnífico Jared Harris, que llevó el peso de la mejor miniserie del año.
    Mejor miniserie
    Cuál ganará: 'Chernobyl' Cuál podría ganar: 'Creedme' Cuál quiero que gane: 'Chernobyl' Con el aval de haber sido premiada en los Emmy 2019 como mejor miniserie, 'Chernobyl' podría coronarse también en los premios de la prensa extranjera. Es la que más ruido hace, la que más convence y el sello HBO sigue teniendo mucha potencia.
    Sin embargo, 'Creedme' es sensacional y podría ser un premio de consolación por no haber nominado siquiera a la única miniserie de Netflix capaz de hacerle sombra a la de HBO: 'Así nos ven'.
    En Espinof Las 33 mejores series de 2019 Mejor actriz en comedia o musical
    Quién ganará: Phoebe Waller-Bridge ('Fleabag') Quién podría ganar: Rachel Brosnahan ('La maravillosa Sra. Maisel') Quién quiero que gane: Phoebe Waller-Bridge ('Fleabag') Ojo, que aquí no descarto que Kirsten Dunst nos dé la sopresa mayúscula al alzarse el galardón por protagonizar 'Llegar a ser Dios en Florida'. Y Brosnahan es muy querida y su Maisel está en plena forma. Pero habiendo sido el año de Phoebe Waller-Bridge es de suponer que la guionista, creadora, productora y actriz de moda se lleve el globo.
    Mejor actor en comedia o musical
    Quién ganará: Bill Hader ('Barry') Quién podría ganar: Ben Platt ('The Politician') Quién quiero que gane: Bill Hader Esta es una de las categorías por las que más me ha costado decidirme. Por un lado, si Bill Hader no ganó el año pasado fue por culpa de Michael Douglas y su 'Método Kominsky' y este año no creo que sean tan atrevidos para volver a repetir la jugada... ¿o sí?
    Si eliminamos a Douglas, el resto de contrincantes tienen unas posibilidades interesantes. Tanto que podría pasar cualquier cosa: ¿optarán por otra estrella de cine como Paul Rudd y 'Cómo vivir contigo mismo' o tirarán por un rostro más nuevo? En ese caso, Ben Platt, protagonista de 'The Politician' es la mejor opción... pero ojo con Ramy Youssef, su serie ha sido muy querida por la prensa.
    Mejor comedia o musical
    Cuál ganará: 'Fleabag' Cuál podría ganar: 'The Politician' Cuál quiero que gane: 'Barry' Yo lo siento por 'Barry', pero 'Fleabag'. Y mira que la serie de HBO se lo merece todo y más, pero lo gigante que es el fenómeno de la Waller-Bridge hace que la otra tenga la batalla perdida.
    Por otro lado, 'The Politician' es la típica serie nueva a la que los Globos de Oro les gusta recompensar, por lo que la dramedia de Ryan Murphy podría llevarse el galardón por encima de las veteranas.
    En Espinof 24 grandes series de 2019: nuestras recomendadas y favoritas del equipo de Espinof Mejor actriz en drama
    Quién ganará: Jennifer Aniston ('The Morning Show') Quién podría ganar: Olivia Colman ('The Crown') Quién quiero que gane: Olivia Colman Está claro que 'The Morning Show' es la serie favorita de Apple TV+ para la prensa de Hollywood. Vamos, a poco que sea algo sobre la industria tienen bastante recorrido. Pero, si bien no es tan buena como nos gustaría, tiene su mejor baza en Jennifer Aniston, la reina de la serie y una actriz sobre la que recae mucha atención, por lo que es muy tentador.
    Pero para reinas tenemos a Olivia Colman, con su magnífico trabajo en la tercera temporada de 'The Crown'. Está nominada por esa serie, pero recordemos que también es la grandiosa madrastra de Fleabag y, además, ya triunfó en la pasada temporada de premios gracias a 'La favorita'.
    Mejor actor en drama
    Quién ganará: Brian Cox ('Succession') Quién podría ganar: Billy Porter ('Pose') Quién quiero que gane: Rami Malek ('Mr. Robot') Siguiendo con el hilo de los favoritos de la prensa, ahí también está 'Succession', cuya atención mediática en la temporada 2 ha aumentado considerablemente respecto a la primera. Brian Cox es el alma de la serie y merecido ganador. Aunque no lo tendrá fácil teniendo en cuenta que el personaje de Billy Porter ha sido de lo más destacado de 2019.
    Por otro lado, en el corazón del seriéfilo hay algo que desea que la última temporada de 'Mr. Robot' recompense a Rami Malek como homenaje. 
    Mejor drama
    Cuál ganará: 'Succession' Cuál podría ganar: 'The Morning Show' Cuál quiero que gane: 'The Crown' Y vamos al combate final. Y combate de altura porque, a pesar de que en cuanto a calidad 'Succession' gana con diferencia a 'The Morning Show', la tendencia a considerar series nuevas y que la serie de Apple haya sido tan seguida y analizada durante su emisión, aparte de narrar un tema tan candente la hace una candidata idónea.
    Hasta aquí nuestro repaso televisivo. ¿Estáis de acuerdo? ¿Quiénes deberían ganar estos Globos de Oro?
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    La noticia Globos de Oro 2020: quiénes ganarán y quiénes deberían ganar en las categorías de series de televisión fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .


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