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Publicaciones del blog publicados por Entre Fans

  1. Entre Fans
    Ayer Marvel estrenó con una antelación inusual uno de los proyectos que pueden determinar por completo su futuro y el de su Fase 5, que no ha empezado de la mejor manera. Esa es 'The Marvels', un crossover de secuelas con tres personajes de dimensiones cósmicas: Capitana Marvel, Ms. Marvel y Monica Rambeau, que tuvo su debida introducción en 'Bruja Escarlata y Visión'.
    Las tres superheroínas tendrán la continuación de sus aventuras en este proyecto dirigido por Nia DaCosta (directora de la última 'Candyman'), que en su primer tráiler presenta una especie de 'Viernes loco' con poderes y aventuras por el espacio. El avance presenta muchas de las características habituales de los tráilers de Marvel, incluyendo una canción popular llamativa que en este caso es 'Interstellar' de los Beastie Boys. Aunque en esta ocasión parece haber unas segundas intenciones con esta canción que no se le han escapado a los aficionados, que hablan de una respuesta directa hacia la ola de odio dirigida contra la Capitana Marvel.
    El espacio no es cosa de risa
    'Intergallactic' es una de las mejores y más populares canciones de Beastie Boys. Lanzada como single de su disco Hello Nasty en 1998 y con un icónico vídeo dirigido por Adam Yauch, el tema mete el particular sentido del humor del grupo en el terreno de la ciencia ficción espacial. Tiene todo el sentido del mundo que una pieza tan desenfada con esta temática sea colocada para anticipar una aventura intergaláctica que va a tener sus dosis de humor, además de que el trío de hip hop procede de Brooklyn al igual que la directora.
    En Espinof 'La historia de los Beastie Boys': Apple TV+ triunfa con la magistral puesta en escena de Spike Jonze de las memorias de la banda Sin embargo, no parece casual que en dicho tráiler suene la primera estrofa de Mike D, que empieza diciendo "Don't you tell me to smile" ("no me digas que sonría"). No pocos lo han interpretado como una referencia directa a aquellos fans tóxicos que respondieron negativamente a Brie Larson como Carol Danvers, dirigiendo muchas de sus críticas a aspectos tan absurdos y superfluos como que el personaje no sonríe.
    Mucha de la respuesta negativa a 'Capitana Marvel' fue un caso de juntarse el hambre con las ganas de comer. Esta fue la primera película del Universo Marvel que iba protagonizar una mujer en solitario, algo de lo que se enorgulleció bastante y trató de celebrarlo. La parte misógina del fandom se tomó como un ataque que hubiera una superheroína después de 17 películas con protagonismo masculino de manera exclusiva o mayoritaria. A eso hay que sumar la ola de odio lanzada contra la propia Larson, feminista declarada que ha denunciado en varias ocasiones tendencias machistas en la industria.
    La demanda de una sonrisa por parte del personaje de Larson es una de las muestras más suaves de los exabruptos misóginos a los que se tuvo que enfrentar desde el estreno de la película en 2018. Era lo suficientemente absurdo para responder con gracia a los trolls con montajes de otros héroes marvelitas sonriendo en sus películas. Cinco años más tarde, Marvel parece anticiparse a otra rasgada de vestiduras por tener no una, sino tres heroínas protagonizando una película que va a explorar el lado más cósmico de su universo, empleando tanto un icónico tema de hip hop como enfatizando un tono más lúdico y ligero con el tráiler.
    Podría ser mera casualidad, pero la parte del fandom posicionada a favor de Larson y de la inclusión en general ha decidido abrazar la posibilidad de un subtexto contra los trolls machistas. "Si fue intencionado, está francamente bien" es sólo uno de los múltiples comentarios dando el visto bueno a la interpretación, y podemos esperar que estén ahí el primer día cuando 'The Marvels' finalmente se estrene el 10 de noviembre. Mientras tanto, no es mala idea quitarle el polvo al Hello Nasty de los Beastie Boys, o deleitarse con su muy recomendable documental-especial en Apple TV+.
    En Espinof | Todas las películas y series de Marvel que llegan en 2023
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    La noticia Por qué el tráiler de 'The Marvels' es también una respuesta a los que odiaron 'Capitana Marvel': la clave está en una canción de Beastie Boys fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .
  2. Entre Fans
    Akira Toriyama desarrolló una estética muy particular para 'Dragon Ball', y aunque los mangas originales se realizaban en blanco y *****, su uso del color es una de las características mejores recordadas. En el anime estos detalles se pueden apreciar mejor, y es el que el mangaka presta mucha atención a las paletas de colores a la hora de diseñar ciertos personajes por una razón muy sencilla.
    Marcando las diferencias
    Como la inmensa mayoría de mangas, 'Dragon Ball' y ahora 'Dragon Ball Super' se publica en blanco y *****, aunque cuando llegan los tomos recopilatorios se pueden ver a ciertos personajes a todo color y con esta base se fueron desarrollando las paletas para el anime (aunque con algún lío por el camino).
    En concreto, y dejando aparte sus diferencias, a los villanos de 'Dragon Ball' les caracterizan colores bastante fuera de lo común y de todo tipo: rosa, verde estridente, violeta... No solo en los peces gordos, si no también muchas veces en antagonistas menores, y la principal razón es para que cada uno tenga su propia seña de identidad.
    En Espinof 'Dragon Ball Super: Super Hero': dónde se sitúa la película dentro de la continuidad del anime Muchos de los personajes de 'Dragon Ball' tienen rasgos muy parecidos, así que dar a cada villano su propio color identificativo ayuda a separarlo de los demás. Incluso Freezer él solo ha tenido varias paletas de colores para diferenciar sus transformaciones varias y niveles de poder, que como bien dice Toriyama definitivamente ayuda a que se identifique rápidamente con qué personaje nos hemos topado.
    También entraría en juego que muchos de estos personajes no son humanos y habría que darles un aspecto que les diferenciase de los saiyajin y los habitantes de la tierra, con lo que estos colores chillones terminarían de remarcar la variedad de personajes.
    Los colores identificativos no se quedan solo en el diseño de los villanos, si no que a veces Toriyama también elegía los tonos para la ropa de manera muy consciente, como con el uniforme de la Escuela de la Tortuga que utilizan Goku y Krillin.
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    La noticia Por qué Freezer, Cell y los villanos de 'Dragon Ball' son tan estrafalarios: el secreto detrás de los característicos colores del anime fue publicada originalmente en Espinof por Mariló Delgado .
  3. Entre Fans
    La 70ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián ha sufrido una importante baja. Glenn Close, que iba a presidir el Jurado Oficial este año, ha confirmado que no asistirá a la celebración del festival por "una emergencia familiar".
    Ausencia en el festival
    La actriz Glenn Close, conocida por sus interpretaciones en películas como 'Atracción fatal', 'Las amistades peligrosas' o la serie 'Daños y perjuicios', era el fichaje estrella para presidir el Jurado Oficial de esta edición del Festival de San Sebastián.
    Finalmente, Close que no podrá asistir al festival, que abre sus puertas a partir de mañana. Según un comunicado que ha compartido, su ausencia se debe a asuntos familiares:

    En Espinof Las películas más esperadas y los mejores estrenos de 2022 A pesar del entusiasmo mostrado por la actriz ante la experiencia, al final no podrá asistir y será Matías Mosteirín (productor de 'Relatos salvajes') el que asuma su rol como cabeza del Jurado, que lo completan la periodista y escritora Rosa Montero, la directora de casting y cineasta Antoinette Boulat, la cineasta Tea Lindeburg, el director de fotografía y cineasta Lemohang Jeremiah Mosese y el director y guionista Hlynur Pálmason.
    El Festival de San Sebastián comienza el 16 de septiembre y concluirá el 24 de septiembre. Durante el festival, se exhibirán algunas de las películas más esperadas del año, como 'As Bestas' de Rodrigo Sorogoyen, 'No te preocupes, querida' de Olivia Wilde, 'El triángulo de la tristeza' de Ruben Östlund o 'Cerdita' de Carlota Pereda.
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    La noticia Por qué Glenn Close ha cancelado su visita a San Sebastián: hay cambio de última hora en el jurado del festival fue publicada originalmente en Espinof por Carla Monfort .
  4. Entre Fans
    Hace unos saltaba la bomba con los rumores que de Amazon estaba negociando adquirir MGM. No es la primera vez que se habla sobre una posible compra de este estudio -a finales del año pasado parecía que Apple era la gran interesada-, pero Variety afirma que Amazon parece ir muy en serio, pero también que James Bond es el principal obstáculo para que pueda cerrarse un acuerdo.
    El problema con el agente 007
    El motivo de que el popular agente 007 sea el gran escollo se encuentra en el férreo control creativo de la franquicia por parte de Eon Productions, la compañía de la familia Broccoli que ha estado detrás de la saga desde su inicio en la gran pantalla allá por 1962.
    En Espinof Las mejores películas de James Bond El problema de todo está en el hecho de que, sí, MGM tiene la oportunidad de financiar y distribuir todas las película de James Bond, dividiendo además lo beneficios con EON, pero los Broccoli tienen la última palabra en lo referente al marketing, los planes de distribución y sobre la elección de quién será el nuevo agente 007 tras la retirada de Daniel Craig con 'Sin tiempo para morir'.
    Esto ya afectó a la tentativa de MGM de vender los derechos de distribución 'Sin tiempo para morir' por la friolera de 600 millones de dólares a Apple en plena pandemia. Además, todo apunta a que los Broccoli en ningún caso accederían a que una película de la saga se estrenase de forma directa en Amazon Prime Video, obligando a un lanzamiento previo en salas. Por no mencionar los acuerdos de distribución previos en televisión o plataformas de streaming...
    Las dificultades no acaban ahí, ya que los Broccoli también se han opuesto a la puesta en marcha de spinoffs o series de televisión dentro de la saga, lo cual dificulta su explotación comercial, sobre todo si tenemos en cuenta que no hay garantía alguna de que el sustituto de Craig vaya a ser igual de aceptado por parte del público.
    En Espinof Las 29 mejores sagas de películas de la historia Está claro que MGM tiene en su propiedad otras propiedades intelectuales golosas como 'Rocky', 'La pantera rosa', 'Una rubia muy legal' o 'El cuento de la criada', pero el caso de James Bond es demasiado particular. Además, en Hollywood se considera que los rumores apuntan a un precio actual de unos 9.000 millones de dólares resulta excesivo, por lo que habrá que ver si las negociaciones llegan a buen puerto.
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    La noticia Por qué James Bond es el gran escollo para que Amazon compre MGM fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .


  5. Entre Fans
    Con 'Matrix Resurrections' aún haciendo ruido, en parte a través del enfado de muchos fans de la saga que la consideran poco menos que una traición y en parte gracias a otros devotos de la obra de las Wachowski que la hemos recibido con entusiasmo y los brazos abiertos, es un buen momento para recordar que las igualmente criticadas 'Reloaded' y 'Revolutions' podrían haber contado con otra gran estrella en su reparto.
    Archivando movimientos
    Originalmente, el personaje de Seraph había sido escrito como una mujer con la idea de que Michelle Yeoh le diese vida en pantalla. No obstante, las incompatibilidades de calendario propiciaron que el estudio diese un lavado de cara al protector del Oráculo en ambas secuelas, cambiando su género y ofreciendo el rol a un Jet Li que rechazó la oferta por unos motivos de lo más peculiares.

    Según reveló el propio Li en una entrevista, las condiciones contractuales propuestas por Warner —que recuerdan a lo visto en la distópica 'El congreso' de Ari Folman— echaron atrás al actor y artista marcial.

    En Espinof 'Matrix': cómo una película "de Kung-fu" revitalizó y revolucionó los géneros y el lenguaje cinematográfico En última instancia, Jet Li decidió dejar pasar la oportunidad —que terminaría aprovechando el taiwanés Collin Chou— ante la simple idea de que una compañía fuese dueña de sus movimientos como si de cualquier I.P. se tratase.
    No cabe duda de que la saga 'Matrix' fue —y sigue siendo— rompedora por muchas cosas, y esto incluye los modelos de producción que rozan lo antiutópico.
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    La noticia Por qué Jet Li rechazó la saga ‘Matrix’: “Querían grabar todos mis movimientos en una librería digital” fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .
  6. Entre Fans
    Hace apenas unas horas nos enterábamos de la trágica noticia de la muerte de Olivia Newton-John a los 73 años de edad. La actriz y cantante tuvo una larga carrera, pero es justo reconocer que muchos se acuerdan principalmente de ella por haber dado vida a Sandy en 'Grease', uno de los musicales más populares de todos los tiempos. La película que protagonizó junto a John Travolta fue todo un bombazo y apenas cinco años después se estrenaba una secuela en la que no apareció ninguno de los dos pese a que era el plan inicial, ¿qué fue entonces lo que pasó?
    La poca visión de Paramount y el cameo descartado
    Lo cierto es que hubo dos proyectos de 'Grease 2'. El primero se planteó antes incluso del estreno de la primera entrega, pues la propia Newton-John desveló hace años en una entrevista la escena de 'Grease' que servía a modo de avanzadilla para continuar la historia de Sandy y Danny:
    El problema surgió cuando en Paramount vieron la película y pensaron que "No, no queremos secuela, va a ser una pequeña película de verano". Luego 'Grease' arrasó en taquilla y cuando el estudio se replanteó sus planes, tanto Newton-John como Travolta estaban centrados en otros proyectos, por lo que no les quedó otra que pensar una secuela completamente diferente. Lo curioso es que entonces también se barajó contar con ellos, aunque en esta ocasión para hacer un cameo.
    En Espinof Las 11 mejores películas de todos los tiempos que nunca se hicieron Fue Patricia Birch, directora de 'Grease 2', quien quería volver a contar con Sandy y Danny ya convertidos en una pareja casada que regenta una gasolinera. El momento en cuestión habría transcurrido hacia el final de la película y la idea era incluir un nuevo número musical con Travolta cantando el tema 'Gas Pump Jockey'.
    Tanto Travolta como Newton-John se reunieron con Paramount para hablar de esa posibilidad, pero la cosa nunca pasó de ser una idea. Ese plan inicial se descartó -nunca se supo el motivo, pero no me extrañaría que el estudio pensase que los actores pedían mucho dinero por hacer una breve aparición- y nos quedamos sin saber qué fue de Sandy y Danny.
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    La noticia Por qué John Travolta y Olivia Newton-John no salen en 'Grease 2' cuando era lo previsto: así era el plan para traer de vuelta a Danny y Sandy fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  7. Entre Fans
    A falta de otra entrega cinematográfica y una serie de televisión, 'John Wick 3: Parabellum' es, de momento, la última película del héroe encarnado por Keanu Reeves. Una película que seguramente los responsables de la primera parte nunca llegaron a pensar que existiría.
    A fin de cuentas, ‘John Wick’ era un pequeño film de acción que fácilmente podría haber quedado sepultado por las películas de superhéroes u otro tipo de blockbusters con más medios. No fue el caso y su popularidad ha ido creciendo sin parar.
    En Espinof Seis razones por las que ‘John Wick’ se ha convertido en un título de culto Una de las grandes claves para ello la tenemos en el propio personaje de John Wick, que se ha convertido en el gran héroe de la década. Creo que es justo decir que hay que remontarse hasta el Bryan Mills de ‘Venganza’ para encontrar al último que tuvo un impacto similar, pero eso fue ya en 2008. El personaje interpretado por Keanu Reeves no tiene a nadie que se le pueda comparar durante estos últimos años y ahora vamos a abordar cómo ha sido eso posible.
    Las escenas de acción
    Menuda obviedad pensarán algunos, pero es que en Hollywood abundan demasiado las escenas de acción en las que se prescinde de una coreografía limpia para dar sensación de espectacularidad a través de múltiples cambios de plano. Eso es algo que la saga John Wick destierra por completo para mirar más al cine asiático a la hora de mostrarnos los enfrentamientos más físicos de nuestro protagonista.
    Más letal que algunos de los psicópatas más renombrados del cine de terror y con una notable versatilidad para ejecutar a sus víctimas, John Wick también demuestra un control intachable de las armas de fuego. Las tres películas de la saga no rehuyen tampoco la sangre ni la contundencia a la hora de despachar a sus enemigos, elevando así la sensación de amenaza del personaje incluso por encima de la altura mítica a la que le ponen ya de entrada.
    En Espinof Por qué 'Misión: Imposible' es la mejor saga de acción de los últimos tiempos
    Y es que es muy fácil decir que se trata del mejor asesino, pero la cosa cambia cuando tienes que mostrar que realmente lo es. A veces puede llevar a algunos excesos -en el tramo final de la tercera entrega ya se sobran un poco siendo capaz de despachar a otros altamente preparados incluso cuando el agotamiento debería haber hecho más mella en él-. Baba Yaga se merece su fama y cada nueva película va dejándonos con la boca más abierta al ver de lo que es capaz. Y nos lo creemos.
    El factor Keanu Reeves
    Keanu Reeves no ha demostrado ser especialmente expresivo a lo largo de su carrera, algo que se volvía en su contra en varias películas. No es el caso con la franquicia ‘John Wick’, ya que estamos ante un (anti)héroe más metódico que tiene que despachar a sus víctimas sin andarse con demasiados remilgos.
    Esa faceta suya era lo que le definía de entrada, por eso también encaja de maravilla cuando se acuerda de su esposa muerta, no teniendo que transmitir tanto como esperaríamos en otro caso, por eso requiere menos esfuerzo para que nos lo creamos como gran motivación suya para seguir adelante.
    En Espinof Keanu Reeves es el nuevo novio de Internet: cómo ha ocurrido y si corre el riesgo de acabar como Nicolas Cage Además, Reeves comparte con Tom Cruise algo esencial para conquistar al público pese a que ambos ya superan los 50 años: una credibilidad innegable en las escenas de acción. Ambos rondan ya la edad que tenía Liam Neeson cuando fue descubierto como héroe de acción en ‘Venganza’, pero en su caso todavía son convincentes como héroes algo más jóvenes capaces de hacer algo imposible para la mayoría de la población mundial.
    El poder del boca a boca
    La tercera entrega de la franquicia es la más taquillera hasta ahora con unos 190 millones de dólares recaudados hasta ahora. Esa cifra todavía crecerá algo, pero su techo debería rondar los 250 millones. Una cifra llamativa pero tampoco tanto comparando con otras sagas actuales.
    Sin embargo, hay que tener en cuenta que los ingresos mundiales de la primera apenas llegaron a 88 millones y en algunos países como España ni siquiera llegó a verse en cines -fue directa al catálogo de Netflix en nuestro país-.
    En Espinof 'John Wick', 'Crank', 'Scott Pilgrim'... cómo las mejores películas inspiradas en videojuegos no adaptan ningún videojuego El primer salto en popularidad se produjo durante el recorrido doméstico de la primera entrega que permitió al público conocer al personaje. Ahí encontraban una historia de venganza peculiar en su premisa -el detalle del perro resulta esencial- y brutal en su ejecución.
    Muchos la recomendaron y eso se repitió con una segunda entrega que amplió de forma notable la mitología de este universo, otra de las claves de que John Wick haya destacado por encima de muchos otros.
    Una mitología en constante crecimiento
    La fuerza de los villanos suele ser esencial para que la aventura de cualquier héroe adquiera la fuerza necesaria, pero la franquicia John Wick ha encontrado la forma de no depender tanto de ello para que cada una de sus aventuras resulte memorable. La primera entrega dejaba con muchísimo curiosidad detrás de todo lo que había del Hotel Continental y la segunda ampliaba de forma notable la mitología alrededor del mismo, condición indispensable para justificar su propia existencia.
    En ‘John Wick 3: Parabellum’ eso es algo que se lleva al extremo, volviendo en ocasiones sobre ideas ya planteadas en la segunda parte para acabar trasladándolo todo a un nivel global. Una suculenta solución para evitar caer en la repetición pero que lleva a la saga a un punto en el que resulta imposible concebir que puedan ir más allá de la ya confirmada cuarta entrega sin acabar traicionándose a sí misma.
    En Espinof Las 29 mejores sagas de películas de la historia La fórmula más es mejor no funciona siempre, pero por ahora ha servido para que John Wick tenga amenazas cada vez más grandes a las que ir haciendo frente. Eso enriquecía las ideas que trataba aunque luego su desarrollo a nivel puramente argumental no fuera siempre el deseado. Pero es que esos jugosos conceptos nunca han dejado de ser un pretexto para ver a Keanu Reeves repartiendo estopa como si no hubiera un mañana.
    La escasa competencia
    Seamos justos, los héroes de acción pasaron de moda en cuanto los superhéroes pasaron a dominar Hollywood. Hay algunos de largo recorrido que siguen ahí como James Bond o Ethan Hunt, mientras que Dwayne Johnson es en sí mismo muy convincente en ese rol, pero ya he perdido la esperanza sobre la posibilidad de que consiga explotarlo con un personaje memorable. Lo más parecido a eso es su Hobbs en la saga ‘Fast & Furious’, pero no es lo mismo.
    De hecho, lo más similar en impacto con varias entregas que podríamos encontrar sería ‘Kingsman’, pero ahí las escenas de acción tienden a estar por encima del héroe. Es verdad que Colin Firth tenía un par de secuencias memorables en la primera entrega, pero la saga de Matthew Vaughn no ha asentado ni de lejos a nadie que pueda competir con el John Wick de Keanu Reeves. Y es una pena, porque Taron Egerton está estupendo como Eggsy.
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    La noticia Por qué John Wick se ha alzado como el gran héroe del cine de acción en la última década fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .


  8. Entre Fans
    El reciente estreno de 'Animales fantásticos: Los secretos de Dumbledore' nos ha permitido comprobar hasta qué punto fue o no un acierto elegir a Mads Mikkelsen para sustituir a Johnny Depp en el papel de Grindelwald. No son pocos los que han alabado a Mikkelsen por encima de Depp, pero yo creo todo lo contrario y que fue un error forzar la salida del protagonista de 'La novena puerta'.
    No es la primera vez, ni será la última, que una superproducción de Hollywood ficha a Mikkelsen para dar vida al gran villano de la función. Su rostro inconfundible se presta mucho a ello, pero a la hora de la verdad le han dado muchos personajes de malvado que no van mucho más allá de lo genérico. Mucho me temo que algo parecido sucede en 'Animales fantásticos: Los secretos de Dumbledore'.
    Mikkelsen contra Depp
    En Espinof Todas las películas del universo 'Harry Potter' ordenadas de peor a mejor A nadie le sorprende que Mikkelsen opte por una visión bastante más reposada de Grindelwald que la ofrecida en su momento por Depp, pero lo cierto es que se trata de un cambio notable sin que haya nada dentro de la propia película que lo justifique. El personaje era mucho más expresivo en 'Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald', sin que ello supusiera que el actor diera rienda suelta a esos excesos tan inspirados en su inolvidable Jack Sparrow.
    Lo cierto es que la maldad de Grindelwald en la segunda entrega estaba más trabajada, siendo capaz de impresionar tanto de una forma más contenida como cuando tocaba coquetear un poco con lo caricaturesco. Realmente era algo que destacaba en la película y permitía sentar las bases de un villano que prometía darnos más alegrías que Voldemort. Nada en contra de este último, que como representación de la maldad pura estaba muy conseguido, pero siempre se agradece un poco más de variedad.
    Además, 'Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald' allanaba el camino para ver a un personaje más desatado según iba creciendo su poder en la comunidad mágica, pero en 'Los secretos de Dumbledore' se opta por una aproximación diferente, como si quisieran vincularlo con la idea de ser un líder fascista que echa mano del populismo para ascender al poder.
    En Espinof 4 asombrosas películas de fantasía para ver este fin de semana en HBO Max que no son 'Harry Potter' ni 'El señor de los anillos' Por ello, Grindelwald en 'Los secretos de Dumbledore' es una especie de eterna promesa de algo tremendo que luego nunca llega, tanto en las relaciones individuales -cuesta creer que no tenga problemas en darle varias oportunidades al personaje interpretado por Ezra Miller antes sus repetidos fracasos- como en su aspiración por controlar el mundo.
    Eso lleva a que sus intentos de imponer respeto y miedo con su presencia se desdibujen. Es verdad que no ayuda que 'Los secretos de Dumbledore' no deje de ser una aventura de transición, pero es que 'Los crímenes de Grindelwald' tampoco iba más allá de una presentación real del personaje tras la treta que ejecutaba en 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos', donde Colin Farrell estaba muy convincente hasta que la verdad salía a la luz.
    De esta forma, el Grindelwald de Mikkelsen es un villano más, perdiendo por el camino todo lo que hacía llamativo a la versión de Depp. Entiendo a aquellos que no disfrutasen con la interpretación de este último -y también que Mikkelsen no quisiera limitarse a copiar lo que hizo Depp-, pero al menos proponía algo diferente y con más matices, mientras que el protagonista de 'Otra ronda' se limita a intentar dar ciertos toques de realismo a un personaje que pedía mucho más que eso. A fin de cuentas, estamos en el universo mágico por excelencia de la historia del cine.
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    La noticia Por qué Johnny Depp es mejor que Mads Mikkelsen como Grindelwald en la saga 'Animales fantásticos' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  9. Entre Fans
    'Mary Poppins' es ya historia del cine. El mítico musical no solo es la película de Disney con más nominaciones a los Premios Óscar sino que se ha ganado un hueco en nuestro corazón cinéfilo con sus carismáticos personajes, sus pegadizas canciones y Julie Andrews como protagonista absoluta. No opinó igual P.L. Travers, la autora de las novelas que odió esta adaptación hasta el fin de sus días.
    Ni un poco de azúcar
    Si habéis visto la película 'Al encuentro de Mr. Banks', las diferencias creativas entre P.L. Travers (interpretada por Emma Thompson) y Walt Disney (interpretado por Tom Hanks) a la hora de llevar 'Mary Poppins' a la gran pantalla os resultarán familiares. No obstante, teniendo en cuenta que la película fue producida por Walt Disney Pictures, no sorprende a nadie encontrar ciertas inexactitudes en cuanto a las reticencias de la autora.
    Si bien en el filme, al final Travers va perdiendo los prejuicios y ve de forma más amable la adaptación, la realidad es algo distinta: la autora nunca dio su visto bueno a la película de 1964 y se opuso firmemente a ella desde el principio hasta el final.

    En Espinof Mary Poppins frente al sueño de Disney: cómo la niñera de P.L. Travers se ha transformado de los libros a las películas La factoría del ratón llevaba 20 años detrás de la historia de Travers, que Walt Disney descubrió a través del amor que sentían sus hijas por esas novelas. La autora se restió con uñas y dientes a cederle los derechos, pues de sus "tonterías comerciales", aunque los apuros económicos que la acuciaban hicieron que la novelista diera su brazo a torcer.
    Sin embargo, que Travers accediera a ello no hizo que estuviera conforme con prácticamente ningún elemento de la película: le horrorizaron las escenas animadas (en especial, la de los pingüinos), así como todo el reparto y el uso de "palabras estúpidas" como "Supercalifragilísticoespialidoso".

    Mientras todos caímos rendidos ante la fantástica Mary Poppins de Julie Andrews y el simpático Bert de **** Van Dyke, Travers no podía odiar más a los personajes. Nunca le convenció Andrews como la carismática niñera y aún menos Van Dyke en el papel del deshollinador. Su acento le pareció infame y defendió hasta el final sus otras alternativas para el personaje: Richard Burton y Laurence Olivier (que luego ellos hubiesen querido salir en ella es otra historia).
    Entre alguna de las locas exigencias que hizo la autora durante el rodaje está la de que no apareciera el color rojo en ninguna parte de la película. Fue tal su oposición que, inicialmente, Travers ni siquiera fue invitada a la premiere aunque terminó acudiendo, quedando totalmente disgustada con el resultado final. Tras el visionado, se acercó a Disney para exigir modificaciones, a lo que él contestó: "Pamela, el barco ya ha zarpado".

    En Espinof La Mary Poppins rusa: así fue la lisérgica respuesta ochentera al clásico Disney Fue una experiencia tan terrible para la escritora que rechazó durante muchos años que su obra volviera a adaptarse, hasta que dio su visto bueno a una obra teatral (eso sí, solo podía tener guionistas británicos y no podía participar nadie que hubiera estado involucrado en la cinta de Disney).
    La escritora falleció en 1996 y mantuvo hasta el final que la adaptación de Disney no tenía nada que ver con sus libros. ¿Qué opinaría Travers de 'El regreso de Mary Poppins', la secuela de 2018 de Rob Marshall con Emily Blunt como la niñera voladora? Nunca lo sabremos.
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    La noticia Por qué la autora de 'Mary Poppins' odió la película musical de Walt Disney hasta el final de sus días fue publicada originalmente en Espinof por Carla Monfort .
  10. Entre Fans
    Seguir hablando de “terror elevado” es perder el tiempo. Escribir más sobre esa etiqueta es agotador, cansino, contraproducente, pesadísimo. Pero hoy vuelve a tocar hacerlo. El meme “Ah ****, here we go again!” se aparece cuando otra vez hay que debatir, discutir y justificar por qué no existe nada que se catalogue como “terror elevado”. Llueve sobre mojado. No apetece, no suma, es contradictorio, porque volviendo a nombrar esas dos palabras le damos, de nuevo, un balón de oxígeno.
    Ya abordamos aquí el origen del “término” extensamente, por lo que no merece la pena recapitular que es un modismo inventado por un crítico con falta de perspectiva histórica que denominó de esa forma a algunas películas que a él sí le gustaban y consideró que, efectivamente, podría albergar una categoría de obras que él consideraba aptas para su consumo personal porque, en definitiva, es de ese tipo de personas que cuando no sabe divertirse gusta de arrugar el morro a ver si se divierten un poco menos los demás.
    El  que tengo aquí colgado
    ¿Por qué toca volver a rebozarse en el mismo barro de nuevo? Por nada en particular. Pero en la plataforma Filmin han decidido pinchar un poco al conjunto de suscriptores suspicaces con una colección que se llama, adivinen, “terror elevado”. En su portada, el póster de ‘She Will’, una estilizada pero insufrible película de brujas que aborda sus temas con una literalidad que asustaría hasta el subtexto “reaccionario” de ‘Viernes 13 parte VIII”.  Dentro, se limitan a poner un sencillo “debate abierto” antes de desgranar sus 64 títulos de todas las épocas.
    En Espinof De 'La cura del bienestar' a 'The Empty Man': crónica de las grandes producciones de terror con las que ningún estudio supo qué hacer Filmin selecciona una serie de películas que actualmente algunos han considerado dentro de esa etiqueta y se anima a meter algunos clásicos y películas del siglo XX tradicionalmente consideradas dentro del género, como ‘Cabeza borradora’ o ‘Amenaza en la sombra’, por una parte reconociendo que si esa etiqueta existe ahora, debería de haberse utilizado hace tiempo, y por otra porque les viene muy bien coger algunas muestras de su catálogo que están en su categoría ‘terror’ y revalorizarlas para sacar un poquito de tajada, claro que sí.
    Amenaza en la sombra (1973) El problema aquí es que menear un debate de hace cinco años es un poco chiste del perro Mistetas. Un poco tu profesor de latín diciendo “guachi”.  No es debate abierto, es ignorancia. Perdonen la vehemencia. Aunque no han faltado muchas voces criticando a los que critican el uso del término, a quienes les parece exagerado montar tanto escándalo cada vez que vuelve a las andadas el tema, e incluso a los que la categoría les parece bien y al mismo tiempo defienden a Filmin por su sentido del humor, en una contradicción imposible.
    La asociación histórica del terror con la explotación
    Quede por delante que la tontería sería inocua si dejara de perpetuarse, pero dado que sigue el martillo, no está demás aclarar que no es cuestión de dramas o indignación, es sencillamente un trabajo de corrección, porque es cine, es cultura y por supuesto que hay gente a la que la taxonomía correcta le importa. No se trata de lloros porque se crea que el género se mira por encima del hombro, no se trata de señalar el intento de petulancia o de complejos de inferioridad, se trata sencillamente de rigor. Y de no ser un ignorante.
    En Espinof De Freddy Krueger a Candyman: 13 asesinos sobrenaturales memorables en el cine de terror antes de 'Maligno' Porque hoy tenemos la cultura a un clic y no hay excusas para seguir pensando que el género es lo que queramos que sea. Digamos que lo que pretenden los profetas del “terror elevado” es que separemos la paja del grano, en donde la paja es el slasher o el cine con monstruos y el grano el cine de autor, normalmente drama y en algunos momentos el cine surrealista o abstracto, que normalmente se ha conocido como "arte y ensayo". Quitando todo lo que hay entre medias, hasta aquí, bien.
    'Círculo de la muerte' o cómo todo el cine de terror y fantasmas de los 70 es "elevado" La cantidad de producción de bajo presupuesto en el mercado de vídeo y la proliferación de secuelas de películas de asesinos ha hecho pensar que el terror es estrictamente eso de sangre, tíos con máscara y muertes, pero la asociación de bajo presupuesto y explotación pura solo ha sido así realmente en un periodo muy concreto de la historia, ya que desde los 90 el cine indie y sin muchos medios ha sido el germen constante de nuevas corrientes de todo tipo, muy alejado del binomio de sangre y tetas.
    El pasado no existe
    Los cimientos del género lo conforman los muchos Murnau, Dreyer, Lang, Whale, Tourneur o  G. Ulmer. Huelga decir que un plano o dos de ‘Satanás’ (1934) o ‘Vampyr’ (1932) son más “elevados” que todo el debut de Charlotte Colbert, pero en ese momento no había ninguna necesidad de distinguir. Posteriormente, la categoría se ha ido cerrando a lo que podríamos determinar como “drama de terror”, o lo que hemos considerado toda la vida como “terror psicológico” o “películas de A24”, que son las que acaban cayendo en esa categoría.
    En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) El absurdo se complica cuando el elemento definitorio es la simetría de los planos o el tiempo en el que estos se sostienen sin que haya movimiento en ellos. La estética, lo bonito. Ya puedes hacer listas de “terror elevado” en plataformas que, por muchos clásicos con pedigrí que incluyan, nunca meterían películas como ‘La celda’ (2000), un derroche de forma sobre fondo al que nadie dejará entrar en el club cool por estar protagonizada por Jennifer López y tener una trama de bolsilibro.
    'La maldición de los Bishop'. No es elevada porque no la habían visto. Ejemplos clave del gran cine comercial moderno como ‘Tiburón’ (1975) o ‘Señales’ (2002) serían impensables porque sus artífices son grandes cabezas visibles del terror como espectáculo en la gran pantalla, pero por supuesto sus apellidos están por encima de cualquier categoría. Sin embargo, analizar sus películas nos llevan a una redefinición de lo “elevado” porque tanto en sus plasmaciones visuales como en su complejidad humanista tienen mucho más detrás de lo que puede plantear un capricho vacuo como ‘Soy la bonita criatura que vive en esta casa’ (2016).
    El dilema del cine de autor y la mirada piramidal al arte
    Que si entramos en la segregación por autoría tenemos un problema que va mucho más lejos del género de terror. Entramos, claro, en la concepción piramidal del arte, en donde lo apto se sitúa en lo más alto y lo desechable en la base. Una mirada acomplejada que toma su máxima expresión en el cine de género. Sin embargo, rara vez hemos oído hablar de Western elevado. Ya te puedes imaginar. En la sección aparecería ‘El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford’ y mientras ‘Centauros del desierto’ sería “de indios y vaqueros”.
    En Espinof Guía básica del euro-horror: 13 películas clave del cine fantástico más excesivo de los 70 Con ‘La Delgada línea roja’ tendríamos cine bélico elevado y con ‘Salvar al Soldado Ryan’ una de Spielberg de matar nazis, la ciencia ficción elevada de ‘La llegada’ dejaría en la cuneta de la plebe ‘The Twilight Zone’, una de las ficciones audiovisuales más influyentes de la historia que define toda la obra de Jordan Peele. Imagina ya si entramos a valorar a Tarantino, Sam Fuller, Ken Russell, o John Waters. Se nos escurriría entre las manos lo del concepto de cine de autor y no digamos lo de “elevado” o “no elevado”.
    El momento más espeluznante de 'Encuentros en la 3º fase': Spielberg, el terror de la plebe. Otros interpretan lo de “elevado” como una forma de hablar de cine que “va más allá del terror”, ya para empezar como si el terror en sí mismo fuera algo de lo que hubiera que deshacerse, porque huele mal. Como si crear atmósferas, consolidar estéticas, u orquestar buenos sustos no tuviera una tradición, herencia, proceso artístico en definitiva, menos válido que otras disciplinas. Pero además, se habla del género de terror a secas como si  hubiera sido alguna vez algo en sí mismo, a palo seco.
    La falacia del terror que va "más allá"
    Curiosamente, solo se plantean las películas que “van más allá” si son solemnes, llenas de rictus honorable. Pero ‘Un hombre lobo americano en Londres’ (1981) ofrece comedia además de terror, y además es también un drama tristísimo. ¿No va más allá? La misma ‘Pesadilla en Elm Street 2’ (1985) enmascara una represenación sobre la represión de la homosexualidad, o ‘Zombie’ (1978), una sátira sobre el consumismo y la naturaleza humana en medio del colapso. El género de terror siempre ha ido más allá, otra cosa es que para verlo algunos prefieran ver las películas que lo dejan más claro.
    En Espinof "Ellos viven, nosotros dormimos": 'Déjame salir' y otros 11 clásicos del horror metafórico No es que ‘Midsommar’ no sea una sátira de una ruptura en medio de una pesadilla de sectas, es que lo deja cristalino a nivel argumental, e incluso a través de su lenguaje visual, pero no hay muchos que hayan dilucidado que ‘The Birthday’ (2004) trabaja exactamente la misma idea, solo que la peripecia parecía estar por encima del discurso. ¿Y si resulta que lo único elevado que tienen algunas películas es la obviedad?
    DAS LIFT. La única realmente digna de la etiqueta. ¿Y si resulta que lo que necesitan los que hacen colecciones en plataformas, esos que inventan etiquetas y separan “el grano de la paja”, es que les señalen bien clarito en las películas hacia dónde tienen que mirar para encontrar lo que “no es de terror”? Sea como sea, destruye este artículo. Hay dejar morir esa palabra para siempre. Volver a llamar thriller a las películas de miedo, como en los 90, si quieres pero es hora de que enterremos de una vez lo "elevado", en serio o en broma.
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    La noticia Por qué la etiqueta “terror elevado” debe morir de una maldita vez fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .
  11. Entre Fans
    Hace unas horas saltaba la noticia de que Warner está cerrando los últimos detalles del acuerdo para hacer una serie de televisión de 'Harry Potter' que volverá a contar la historia de los siete libros escritos por J. K. Rowling. Un movimiento que encaja de lleno con la necesidad del estudio de revitalizar sagas de éxito -ahí tenemos el reciente anuncio de nuevas películas de 'El señor de los anillos'- pero con el que seguramente tenga mucho más que perder que ganar.
    Por mi parte, tengo claro que la serie de Harry Potter en los términos que se están filtrando sería un error. El primer elemento en su contra es que la saga protagonizada por Daniel Radcliffe, Emma Watson y Rupert Grint sigue siendo universalmente amada, por lo que los cinéfilos vuelven a ella cada cierto tiempo. Ahí parece claro que los fans acudirían en masa a una posible secuela con el trío original, pero ellos no se han mostrado demasiado dispuestos a ello, en especial Radcliffe.
    ¿Callejón sin salida?
    Esa puerta cerrada supone un obstáculo imposible de salvar para Warner, ya que la posibilidad de una secuela con otros actores podría ser una de las mayores catástrofes comerciales de la historia. Descartada esa posibilidad, el estudio también tenía otra opción que presentaba pocos alicientes: continuar con la saga de 'Animales fantásticos'.
    Esa ampliación del mundo mágico de Harry Potter parecía llamada a dar grandes alegrías al estudio, pero cada nueva entrega ha recaudado menos que la anterior, hasta el punto de que 'Animales fantásticos: Los secretos de Dumbledore' lo más seguro es que reportase pérdidas para Warner. De ahí que el plan inicial de hacer cinco películas da la sensación de que ha sido descartado, ya que la cuarta entrega ha sido paralizada y cada vez resulta más dudoso que vaya a hacerse.
    En Espinof 4 de las mejores películas de aventuras de los últimos años para ver en Netflix, Amazon Prime Video, Disney+ y HBO Max Eso ha dejado a Warner en una situación complicada, porque la idea de seguir explorando el pasado presenta pocos alicientes comerciales y la posibilidad de una secuela se antoja casi imposible. Eso deja solamente la posibilidad de volver a la historia que tan bien se nos contó a lo largo de 8 películas. Claro que se dejaron fuera bastantes elementos de los libros, pero también es evidente que no existe un apetito por volver a contarnos lo mismo. Quizá en 20 o 30 años la cosa cambie, pero ahora mismo la situación es esa.
    Por lo pronto, la serie se va a enfrentar a una serie de comparaciones que obligan a hacer un trabajo sobresaliente para que no se vuelva inmediatamente en su contra. Eso va a afectarla a todos los niveles, pero especialmente en todo lo relacionado con el casting, pues ya no es solamente que las interpretaciones de Radcliffe, Watson y Grint sean muy queridas, pues a eso hay que sumar el excepcional reparto que tuvo esa adaptación cinematográfica.
    Todo ello lleva a que lo que parece un éxito seguro puede acabar convirtiéndose en un color de cabeza constante para Warner, porque claro que muchos verían al menos el primer episodio, ¿pero cuántos de esos espectadores es probable que la pongan a caldo, que lo más bonito que digan de ella es lo innecesaria que es y se bajen del barco a las primeras de cambio? Y barata precisamente no va a ser.
    A eso hay que sumar el rechazo actual de muchos seguidores de la franquicia hacia J.K. Rowling. Puede que eso no haya afectado a 'Hogwarts Legacy' -aunque alguna polémica sí que se ha comido-, pero aquí existe esa adaptación previa que pone en tela de juicio la necesidad de hacer la serie. Y, claro está, Rowling estará implicada en ella, quizá no como showrunner, pero sí supervisando la adaptación para asegurarse de que se mantiene fiel a los libros. Va a ser imposible que luego quieran alejarse de la terrible imagen que arrastra la escritora cuando llegue el momento del estreno.
    En Espinof 4 de las mejores películas de fantasía del siglo XXI para ver en Netflix, Amazon Prime Video, Disney+ y HBO Max Todo eso nos lleva a que la serie de 'Harry Potter' puede parecer un éxito seguro sobre el papel, pero a la hora de la verdad va a requerir una inversión histórica para que no sea un fiasco absoluto y no hay garantía alguna de que el público realmente quiera verla más allá de la curiosidad inicial. Y las posibilidades de que sea rechazada son demasiado altas como para jugársela.
    En Espinof | Todas las películas de 'Harry Potter' y 'Animales Fantásticos' ordenadas de peor a mejor
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    La noticia Por qué la serie de 'Harry Potter' es una mala idea: creo que Warner tiene mucho más que perder que ganar con ella ahora mismo fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  12. Entre Fans
    Hace ya unos días que 'El ministerio del tiempo' volvió a despedirse de nosotros con la emisión de 'Días de futuro pasado', el octavo y último episodio de su cuarta temporada. Una temporada que durante un tiempo creímos que nunca llegaríamos a ver y ahora la duda está en si llegará a hacerse o no la quinta.
    Solamente el tiempo dirá si tendremos más episodios de 'El ministerio del tiempo', pero ahora toca echar un vistazo hacia atrás, porque creo que la cuarta temporada ha sido la mejor de la serie hasta ahora y me gustaría repasar los motivos para ello:
    Por ser casi como un regalo
    2 años y medio. Ese es el tiempo que tuvimos que esperar entre la tercera y la cuarta temporada. Demasiado tiempo para cualquier serie -y meto en el saco esas producciones inglesas de emisión irregular-, pero más para una que encaja de maravilla en un canal público por lo que ayuda a la difusión de nuestra historia.
    Durante mucho de ese tiempo seguro que no pocos llegaron a tirar la toalla y la dieron por muerta. Cancelada no estaba, pero olvidarse de ella y no decir nada acaba siendo lo mismo con el paso del tiempo. Su mera existencia ha acabado siendo casi como un regalo, como recuperar algo que se daba por perdido. Pocas veces he tenido tantas ganas de que regrese una serie y eso ha sido determinante para ello.
    En Espinof 'El ministerio del tiempo': Javier Olivares nos explica el final de la temporada 4 Ya sé que esto no dice realmente nada sobre lo que ha acabado siendo la cuarta temporada -tranquilos, tenéis mucha lectura por delante aún-, pero los regalos se agradecen, incluso aunque luego no sean lo que estabas esperando. Aquí he de decir que no lo fue, porque me acabé encontrando algo mejor.
    Menos es más
    Ocho capítulos saben a poco, tanto que incluso es algo que de he oído destacar a algunos de los que han sido más críticos con esta cuarta temporada. Es cierto que la primera tuvo los mismos, pero entonces estábamos asistiendo a una carta de presentación de un universo con infinitas posibilidades y sus responsables iban asentando sus señas de identidad.
    Ese factor desaparece en la cuarta temporada en beneficio de la necesidad de seguir expandiendo lo ya creado y al mismo tiempo no estancarse en un mero más de lo mismo. El propio Javier Olivares señaló en su momento que la idea inicial era que fuesen diez episodios y que tuvo que ir ajustando su plan inicial a la realidad a la que tenía que hacer frente.
    No puedo saber cómo habría sido la cosa con diez episodios, pero una vez vista la temporada queda muy claro que todo tenía detrás un plan muy bien pensado y al tener que concentrarlo en menos tiempo, eso ha dado pie a una temporada muy compacta y medida. Puede que no estuviera dando lo que algunos espectadores querían en ciertos momentos, pero sí lo que necesitaba la historia que había detrás.
    Los momentazos
    Mi compañero Jorge ya hizo un artículo repasando los mejores momentos que nos ha dado la cuarta temporada. Yo quizá añadiría alguno más -echo sobre todo en falta esa sublime escena final con el reecuentro entre Lola y Pacino-, pero escenas como la victoria de Lorca, el trap de Velázquez o las versiones infantiles de Julián y Alonso no tienen nada que envidiar a cualquiera de las tres anteriores temporadas.
    En Espinof Las 19 mejores películas con viajes en el tiempo La variedad y el equilibrio
    Esta cuarta temporada ha tenido todo lo que ha definido a la serie en algún momento u otro de su andadura. Desde las reivindicaciones de importantes figuras históricas de nuestro país hasta el sentido de la aventura, sin olvidarnos de ese sentido del humor que conquistó a millones de espectadores. Sin olvidarnos de una utilización del componente de ciencia-ficción más abundante de lo habitual.
    Esos personajes inolvidables seguían así e iban evolucionando según pasaba el tiempo -el mejor ejemplo quizá fuese Alonso, pero afecta a todos, incluso a Julián volviendo a intentar rescatar a Maite una vez más- y se ha potenciado personajes a los que siempre habíamos querer más como Irene, Salvador o Velázquez.
    En anteriores temporadas sí noté en alguna ocasión que la serie se dejaba llevar con más fuerza por alguno de ellos, ya fuese en episodios concretos o incluso en algunas fases de cada temporada. No era nada grave y normalmente hacía bastante bien lo que se proponía, pero la cuarta temporada me ha dado la sensación de capturar todo lo que me gustaba de la serie, equilibrándolo de forma maravillosa.
    En Espinof "Si después de la cuarta no hay más temporadas de 'El ministerio del tiempo', ya estoy satisfecho". Javier Olivares Aquí puedo entender que haya a quien le hubiese gustado que se deleitasen más en ciertos personajes históricos y seguramente hubiese disfrutado de lo lindo con ello, pero esto otro también ha estado siempre en 'El ministerio del tiempo' y aquí se ha permitido brillar a todas sus facetas.
    La valentía
    Ojalá no sea el caso y tengamos más temporadas, pero creo que todos los que la hayamos visto coincidiremos en que 'Días de futuro pasado' podría funcionar perfectamente como final de serie. Olivares podría haberse limitado perfectamente a utilizar el regreso de Díaz Bueno para proponer un tramo final de temporada de lucha de bueno contra el malo, y lo cierto es que hasta casi tenía ganas de ver algo así.
    Sin embargo, ese, por así llamarlo, camino fácil no es algo que le interesa e incluso ha aprovechado algo en principio mundano y con cierta finalidad cómica como la inspección del ministerio para ir en otra dirección. Una más arriesgada de la que ha salido triunfante con ese vistazo al futuro.
    Su capacidad para jugar con las expectativas del espectador
    Mencionaba antes lo de Diaz Bueno, pero en general esta temporada ha estado repleta de decisiones de guion que eran salirse de lo cómodo, desde esa fugaz reaparición de Amelia que parecía dejarnos con la miel en los labios en lo referente a su relación con Julián para luego dejar del todo claro -ese beso no ha dado ya nos había dicho más que cualquier diálogo- que su relación ha quedado zanjada cuando rescata a Maite.
    La utilización de Lola Mendieta es otro buen ejemplo de ello, sobre todo en lo referente a su relación con Pacino. Y es que durante parecía que el gran romance que estaba contando la serie era el de Julián y Amelia, pero el verdadero círculo para él a cerrar estaba con Maite.
    En este otro caso, quizá no ha habido tanto tiempo para explicarlo, pero lo que podía parecer una aventura más basada en el sexo que otra cosa -recordemos la primera escena de ambos en esta cuarta temporada- alcanza tal dimensión que a más de uno se le escaparon las lágrimas con ese desenlace.
    Por no hablar de la audacia de hacer que el personaje cambie de rostro una vez más, no sin antes haber roto las reglas del ministerio por pura venganza. Su personaje quizá ha sido el más complejo de la serie a mi entender y aquí ha seguido evolucionando de forma más que notable. Y la evolución en Lola ha hecho que a su vez Pacino dé un paso adelante. Hugo Silva siempre ha destacado en el personaje, pero lo de la cuarta temporada es otro nivel.
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    La noticia Por qué la temporada 4 de 'El ministerio del tiempo' ha sido la mejor de la serie fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .


  13. Entre Fans
    Seis años han pasado ya desde el estreno de la cuarta tanda de episodios de 'Sherlock' y desde entonces se habla de vez en cuando sobre una posible temporada 5 de la serie basada en el mítico personaje creado por Arthur Conan Doyle. Steven Moffat, uno de sus creadores, ha dejado ahora bien claro el motivo por el que posiblemente nunca se haga.
    Todo depende de Cumberbatch y Freeman
    Moffat se encuentra actualmente en plena campaña promocional de su obra teatral 'The Unfriend', donde además de desvelar que han empezado a hablar sobre una posible segunda entrega de la reciente 'Desde dentro', también ha comentado que sobre la temporada 5 de 'Sherlock' que "empezaría a escribirla mañana" en el caso de que Benedict Cumberbatch y Martin Freeman regresaran.
    En Espinof Las 29 mejores series de intriga y suspense en Netflix, HBO Max, Amazon Prime Video, Disney+ y Movistar Sin embargo, el propio Moffat es consciente de lo poco probable que resulta eso, pues también bromeó al respecto señalando que "están con cosas más importante, pero, Martin y Benedict, ¿por favor, volver?". Vamos, que la cosa está clara, hasta que ambos intérpretes no accedan a regresar, y lo hagan además al mismo tiempo, podemos ir olvidándonos de más episodios de 'Sherlock'.
    A eso hay que añadir que Freeman afirmó hace unos años que participar en la serie "ha dejado de ser divertido" ante la presión ejercida por los fans, algo que no sentó muy bien a Cumberbatch, quien apuntó poco después que la reacción de su compañero de reparto en 'Sherlock' era "bastante patética".
    En Espinof 4 de los mejores thrillers de los últimos años para ver en Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max y Disney+ El tiempo todo lo cura, pero en principio no parece que se mueran de ganas por volver a trabajar juntos. Además, Freeman destacó ya en 2019 que tendría que ser algo muy especial para que aceptase volver a 'Sherlock', mientras que Cumberbatch dejó caer que él preferiría hacer una película a otra temporada. De hecho, es más probable que acaben coincidiendo en algún proyecto de Marvel que aquí.
    Todo eso nos lleva a que la temporada 5 de 'Sherlock' sea casi imposible a día de hoy.
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    La noticia Por qué la temporada 5 de 'Sherlock' sigue sin hacerse: Steven Moffat explica qué hace falta para ponerse con ella y "escribirla mañana" fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  14. Entre Fans
    Son muchos los elementos que han ayudado a que el Universo Cinematográfico de Marvel conquiste al público, pero uno de sus principales rasgos distintivos es el gran uso del humor. Gustará más o menos, pero la comedia tiene una fuerte presencia y ahora Joe Russo, codirector de 'Vengadores: Endgame' ha explicado el motivo.
    La salsa secreta de Marvel
    En Espinof ¡Vengadores, uníos! En qué orden conviene ver todas las películas del Universo Marvel Russo ya aclaró hace unos días por qué en esa película tenía que morir Iron Man y no el Capitán América, pero quizá sea aún más interesante la reflexión que hace sobre el uso del humor por parte de Marvel y quién es el principal responsable de ello:
    Vamos, que se lo debemos a Kevin Feige, algo que tampoco resulta sorprendente, ya que él ha sido el principal guía de las películas de Marvel. También deja claro que podemos irnos olvidándonos de cualquier posibilidad de que este universo vaya a optar por un enfoque más serio de aquí en adelante. Pero bueno, para eso ya tenemos a DC.
    En Espinof Las 29 mejores películas de superhéroes de la década (2010-2019) Eso sí, tampoco pensemos que Marvel ha inventado este recurso para enganchar con más fuerza al público, pues otras franquicias ya lo hicieron anteriormente. Lo que sí podría decirse es que lo ha depurado hasta un punto en el que sus películas parecen infalibles en taquilla.
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    La noticia Por qué las películas de Marvel tienen tanta comedia: el codirector de 'Vengadores: Endgame' desvela quién es el responsable y el gran motivo para hacerlo fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  15. Entre Fans
    Posiblemente ver la transformación en Super Saiyan por primera vez es uno de los momentos que los fans de 'Dragon Ball' recuerdan con más ganas y con chiribitas en los ojos.
    El diseño de Super Saiyan con el pelo rubio de punta y los ojos claros es uno de los más icónicos del manga y el anime, y que encima luego también nos abrió el camino a toda una avalancha de transformaciones y nuevos niveles de poder. Pero la verdad es que el origen de este diseño fue casi más práctico que otra cosa.
    La velocidad es tu mejor amiga
    Desde que se introduce el concepto de los Saiyans de pura raza, además de la cola de mono (y su respectiva transformación), el elemento común que tienen todos es su pelo ***** que además no cambia de forma ni crece. Así que para poder darle más importancia a esta transformación, se empezó por cambiarles el pelo,
    Al cambiar de color ***** a rubio (o blanco, en el manga), el golpe visual ya lo tienes y es una variación impactante de ver, con lo que cuando Goku o Vegeta se transforman se aprecia rápidamente. Pero la otra razón era todavía más práctica: facilitarles la vida a los ayudantes de Akira Toriyama.
    En Espinof 'Dragon Ball' no existiría sin estas historias de dragones, androides y artes marciales: así son los anteriores mangas de Akira Toriyama que influyeron su saga de Goku Lo habitual es que los mangakas cuenten con un pequeño grupo de asistentes que les ayudan a sacar adelante las páginas semanales o mensuales. Estos asistentes se encargan de todo tipo de labores, desde dibujar fondos, colocar tramas de sombreados... y sí, también de rellenar los negros.
    Esta tarea era absolutamente tediosa para el encargado de rellenar todos esos espacios en *****. Y en un manga en el que cada vez había más personajes con el pelo *****, pues todavía se volvía más interminable.
    Al realizar este pequeño cambio, los asistentes ganaron mucha más velocidad a la hora de entintar, con lo que se agilizó el ritmo de trabajo y se ganó un poco más de impacto visual durante los combates. A partir de este momento, también se fueron haciendo más cambios en el entintado de la serie, y la ropa y los cabellos de los personajes tendían a dibujarse casi siempre en blanco para ahorrar tiempo.
    Después llegarían otras transformaciones como Super Saiyan Blue y el Ultra Instinto de Goku, pero sin este primer gran paso no habríamos tenido todas las que vinieron después... y sobre todo, una alegría que se llevó este pobre ayudante que se encargaba de entintar.
    En Espinof | Así conectan los nuevos arcos del manga de 'Dragon Ball Super' con la serie de anime
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    La noticia Por qué los Super Saiyans de 'Dragon Ball' son rubios: el pelo platino de Goku tiene la explicación más humana (y práctica) del mundo fue publicada originalmente en Espinof por Mariló Delgado .
  16. Entre Fans
    Seguro que no soy el único que alguna vez se ha preguntado el motivo de que los tráileres de una película reciban dicho nombre y para averiguarlo hay que remontarse a 1912, fecha en la que se emitió en cines el primer tráiler de todos.
    El avance pertenecía a 'The Pleasure Seekers', una obra de Broadway; consistía en varias escenas de los ensayos y fue mostrado tras la película en cuestión. Práctica que el serial 'The Adventures of Kathlyn' aprovechó el mismo año para incluir al final de cada episodio un breve tráiler del siguiente, dejando así al público con ganas de más.
    Para 1916, los grandes estudios de Hollywood ya empezaron a crear sus propios trailers, que por regla general consistían en escenas de la película con texto sobreimpreso para llamar la atención del espectador y para destacar el nombre de sus grandes protagonistas. Eso sí, no fue hasta 1917 cuando se usó por primera vez el término "trailer", siendo el prestigioso New York Times el primer medio en utilizar el término para referirse a unos avances que se emitían a continuación de la película mostrada; "trail" puede traducirse en español como "seguir".
    Los primeros cambios

    En 1919 nacía The National Screen Service, una empresa creada por Herman Robbins que se dedicó a crear trailers por su cuenta a partir de diferentes imágenes de la película en cuestión para luego venderlos. Por suerte para él, los estudios vieron en ello la solución ideal para tener que perder tiempo haciendo sus propios avances y llegaron a un acuerdo con él que permitió a la NSS monopolizar el mundo de los tráileres durante varias décadas. Ser el pionero a veces tiene sus ventajas...

    En Espinof Echo de menos sorprenderme en el cine, pero tráilers, juguetes y redes sociales lo han convertido en una misión (casi) imposible Ahora hay que saltar a finales de los años 30, siendo entonces cuando los tráileres empezaron a mostrarse antes de la película, ya que la decadencia de los seriales llevó a los espectadores a abandonar las salas con rapidez y no había falta ser un lince para darse cuenta que pasarlos antes era mucho más efectivo si querías conseguir la atención del espectador. La verdad es que cuesta entender que tardasen tanto en darse cuenta, pero bueno, todos somos genios a posteriori...
    Los estudios recuperan el control
    Muchos directores ganaron control creativo durante los años 60 y estaban muy poco satisfechos con la forma de encarar los tráileres por parte de la NSS, lo cual llevó a los estudios a recuperar el control de los mismos, creando para ello divisiones especializadas únicamente en la creación de estos avances y que incluso tenían que realizar música específicamente para ellos. Los tráileres estaban ganando entidad propia y empezaban a usarse de forma independiente para aumentar el interés del público hacia titulos aún por estrenarse.

    Sin embargo, el cambio más grande llegó gracias a 'Tiburón' ('Jaws', 1975), pues Paramount rompió con el modelo de distribución inicial; es decir, primero se estrenaba en las grandes ciudades y luego iba expandiéndose. En su lugar, apostó por estrenar en 464 cines de golpe. Esto se tradujo en que casi la mitad de su presupuesto se invirtió en la campaña promocional, emitiendo en los días previos a su estreno hasta 25 trailers ligeramente diferentes de 30 segundos en televisión. Su descomunal (y merecido) éxito hizo que todos se sumaran al carro y que naciera la tendencia a saturar al espectador...
    Los tráileres se convierten en mini-películas
    Poco tardarían los avances en adquirir la estructura de tres actos que tanto abunda en la actualidad: el primero establece la premisa básica, el segundo su desarrollo argumental y el tercero mezcla narración con la sucesión de imágenes impactantes con música que lo subraye. Para ello fue clave Joseph Farrell, unánimemente considerado el inventor del tráiler moderno, pero también del sistema de encuestas para conocer los gustos del público y aplicar eso tanto al tráiler como, por desgracia, hasta a la propia película.

    Con tantos cambios, los estudios han intentado en varias ocasiones dejar atrás la palabra tráiler y sustituirla por términos como preview, pero el público los ha rechazado sistemáticamente, por lo que parece que seguiremos utilizando un término que nació para describir algo muy diferente a lo que hoy podemos ver. Ahora la duda que me queda es saber en qué momento se consideró una buena idea empezar a destripar más de la cuenta en los trailers, una tendencia cada vez más extendida.
    Información vía | Prineocomics
    En Espinof | 'Tiburón': así dirigió Steven Spielberg un clásico del suspense que no ha podido ser imitado
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    La noticia Por qué los trailers se llaman así y cómo han cambiado a lo largo de los años fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  17. Entre Fans
    Macaulay Culkin fue una de las mayores estrellas del mundo del cine durante la primera mitad de los años noventa, pero en 1994 decidió retirarse, estando varios años alejado del mundo de la actuación. Posteriormente ha vuelto a aparecer en varias series y películas, pero en ningún caso logró recuperar esa conexión que el actor, que hoy cumple 41 años, tenía con el público.
    De hecho, Culkin estrenó tres películas en 1994, 'Mano a mano con papá', 'El guardián de las palabras' y 'Niño rico', todas ellas sonoros fracasos en taquilla, algo que por sí solo ya podría explicar que el protagonista de 'Solo en casa' desapareciese de Hollywood, pero hay que echar un ojo a su vida familiar para entender mejor los motivos del actor.
    Un divorcio complicado
    La relación de Culkin con su padre tras el éxito de 'Solo en casa' nunca fue demasiado buena, ya que su progenitor llegaba a amenazarle con frases como "Hazlo bien o te pegaré'. Además, sus padres se llevaban un 15% de sus ingresos y llegó un punto en el que la relación entre ambos se deterioró tanto que un divorcio era inevitable. Fue entonces cuando el actor quiso asegurarse de mantener el control sobre su riqueza, tal y como declaró en Esquire hace apenas unos meses:
    El propio actor comentó que quiso retirar a ambos progenitores para que no para que no se viese como que tomaba partido por ninguno de ellos, pero lo cierto es que no estaba para nada satisfecho del uso que se estaba dando a sus finanzas, por lo que lo mejor era cortar por lo sano.
    En Espinof El "secreto" de 'Solo en casa' que ha revolucionado las redes sociales estas navidades Algo parecido pasó con su etapa como actor, ya que todo esto coincidió con un momento en la vida profesional de Culkin en la que ya estaba algo quemado y pensando seriamente en tomarse un descanso. En su visita hace unos años a WTF Podcast with Marc Caron aclaró lo siguiente al respecto:
    Dicho de otra forma, su larga ausencia de las pantallas -su siguiente película no llegaría hasta 2003, aunque en 1998 participó en un videoclip de Sonic Youth- y el divorcio de sus padres estuvo íntimamente ligado. Además, decidió tomárselo todo con más calma en busca de una vida lo más parecida posible a una normal, algo que acabó encontrando bastantes años después en París.
    En Espinof El grave error que hundió la carrera de John McTiernan: cómo el director de 'Jungla de Cristal' y 'Depredador' acabó en la cárcel La situación actual de Culkin
    Además, también tuvo que hacer las paces consigo mismo y todos los problemas que había tenido durante su infancia: "Tuve que tener esa conversación conmigo mismo en plan "¿De verdad, Mack?" No ha sido tan malo. No quiero nada y necesito aún menos. Estoy bien".
    No olvidemos tampoco que al fin le va a llegar su gran oportunidad para volver a Hollywood por la puerta grande gracias a su participación en la décima temporada de 'American Horror Story'. Podría haber sido antes, pero finalmente no consiguió el papel de 'Érase una vez en Hollywood' para el que participó en una audición, la primera que hizo en casi una década y que él mismo calificó como un desastre...
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    La noticia Por qué Macaulay Culkin decidió retirarse cuando era una de las mayores estrellas de Hollywood fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
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  18. Entre Fans
    Hoy nos despertábamos con la noticia de que Movistar+ había decidido cancelar 'Reyes de la Noche' tras el estreno de una única temporada. Todo un jarro de agua fría para aquellos que disfrutamos con ella, sobre todo porque ya se venía hablando de una segunda con la idea de rodarse este mismo año. Por mi parte, creo que Movistar+ se ha equivocado deshaciéndose de ella y voy a explicaros por qué.
    Motivos nada claros
    Está claro que nadie más que la propia Movistar+ tiene acceso a los datos de visionados, por lo que es imposible saber hasta qué punto ha sido o no un éxito. Esto es práctica habitual en todas las plataformas, donde solamente se dan informaciones interesadas, casi siempre en la línea de récords imposibles de contrastar.
    En Espinof Las 11 mejores series de 2021... hasta ahora Eso no quita para que las plataformas también demuestren diferentes niveles de confianza en sus series, pues en el caso de 'Paraíso' se supo que ya se estaba rodando la segunda temporada al día siguiente del estreno de la primera. Dejando a un lado teorías de la conspiración como que haya podido molestar a alguien en las altas esferas por el hecho de estar inspirada en hechos reales, lo que nos queda es una alarmante falta de información al respecto.
    La serie estaba muy bien
    Lo que sí tenemos son los seis episodios de la primera temporada, en los que la serie creada y escrita por Adolfo Valor y Cristóbal Garrido nos había dado suficientes alegrías como para convertirse en la mejor serie de Movistar+ de lo que llevamos de 2021. Y eso que su apuesta podía haberse venido abajo fácilmente por la peculiar mezcla que propone.
    'Reyes de la Noche' es, por encima de todo, una comedia, pero no es una que lo apueste todo a la efectividad de los gags, ya que tiene una progresión basada en la rivalidad que surge entre los personajes interpretados por Javier Gutiérrez y Miki Esparbé. Ahí hay siempre cierto trasfondo dramático que enriquece a la serie, ayudando de paso a pillar desprevenido al espectador con esa ligera tendencia al exceso -mucho más clara en la brillante aparición del Jesús Gil encarnado por Manuel Gancedo- que es la base para las situaciones más divertidas de la serie.
    En Espinof Las 27 mejores comedias de la historia del cine Además, es cierto que vive de la oposición entre Gutiérrez y Esparbé, pero también tiene tiempo para perfilar a un estupendo personaje femenino que perfectamente podría ser la protagonista de una serie propia. Eso redundaba en una mayor variedad que debería haberse seguido explorando, ya que tanto evitaba que la trama central cayese en lo repetitivo como abría una nueva vía para que 'Reyes de la Noche' no fuese la serie que abordaba de forma muy libre la histórica rivalidad entre José María García y José Ramón de la Morena.
    Y aún tenía margen de crecimiento
    Las "versiones" de ambos que ofrecen Gutiérrez y Esparbé son maravillosas, con el primero ofreciendo un trabajo antológico -mira que siempre está bien, pero aquí más aún- y el segundo no desmereciendo para nada en un enfrentamiento que oscila entre lo sucio y lo personal con una gran fluidez. El resto del reparto también brilla, ayudando así a dar una entidad mayor a un material ya de por sí de lo más estimulante.
    Tampoco me olvido de que la primera temporada no dejaba de ser la primera batalla de una gran guerra entre El Cóndor y Jota Montes. Su propio final dejaba la puerta más que abierta a seguir explorándolo con el segundo usando una táctica diferente para conseguir conquistar al público radiofónico. A su manera, dejaba al espectador con la miel en los labios, con la confianza de que lo mejor estaba por llegar. Finalmente parece que no será así.
    Y es que 'Reyes de la Noche' ya lo tenía casi todo en su primera temporada, pero mínimo necesitaba una segunda para poder alcanzar todo su potencial. Además, tampoco es que hiciese poco ruido en el momento de su estreno, por lo que cuesta entender qué ha llevado a Movistar+ a dar marcha atrás con sus planes.
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    La noticia Por qué Movistar+ se equivoca cancelando 'Reyes de la Noche', su mejor serie de lo que llevamos de 2021 fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
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  19. Entre Fans
    Netflix ha rebajado sus precios en más de 100 países durante los últimos días y es difícil no preguntarse el motivo por el que ha elegido esos territorios y ha dejado otros fuera. Ahí pesa mucho que España no sea uno de los beneficiados, mientras que sí ha entrado en funcionamiento su estrategia para acabar con las cuentas compartidas tal y como las conocíamos hasta ahora.
    Una clara estrategia
    Desde la propia plataforma no han querido entrar en muchos detalles más allá de confirmar que ha rebajado los precios en varios países, pero lo que sí queda claro es que lo ha aplicado en lugares que representan una cantidad bastante reducida de sus clientes. De hecho, se espera que afecte a alrededor de 10 millones de sus suscriptores, lo cual supone poco más de un 4% de los usuarios de Netflix, tal y como refleja Ampere Analysis.
    Lo cierto es que desde Netflix ya habían dejado caer últimamente que iban a mostrarse flexibles en lo referente al precio de acceso a la plataforma en aquellos mercados en los que todavía tuviese un fuerte margen de crecimiento. Vamos, que lo que podrían perder por un lado seguramente lo acaben ganando por otro, tal y como Toby Holleran de Ampere Analysis ha explicado a The Hollywood Reporter:
    En Espinof El cambio que Netflix tiene que hacer tras cargarse las cuentas compartidas si quiere evitar una fuga masiva de clientes y por qué se ha quedado sin excusas para no hacerlo Ya era obvio que todo formaba parte de una estrategia por parte de Netflix, pero así queda totalmente claro. A eso hay que sumar que la tarifa de la plataforma en muchos países es en moneda norteamericana y que "la fortaleza del dólar estadounidense en muchos de los mercados en los que los precios de Netflix se expresan en dólares: algunos países podrían sufrir un aumento significativo del coste en moneda local, lo que haría menos atractiva la suscripción y quizá provocaría una pérdida de clientes".
    Eso lleva a que esta política de rebaja de precios no va a ser algo que tenga pensado aplicar por igual en otros países, pues alguien muy bien informado al respecto ha aclarado a Indiewire que este movimiento por parte de Netflix no deja de ser una forma de acomodarse a la realidad: hay países que pueden absorber aumentos de precios, pero no otros lugares con economías más débiles. Y guste más o menos, España se encuentra entre los primeros, tal y como ha quedado ya demostrado en multitud de ocasiones.
    De hecho, Netflix ya dejó claro en última anuncio trimestral que sí esperaba algunas cancelaciones iniciales como respuesta a su lucha contra las cuentas compartidas, pero también tenía claro que los ingresos iban a acabar creciendo poco después respecto a lo que conseguían antes de introducir este polémico cambio. Por ahora lo único que han conseguido es crear confusión, mientras que la bajada de precios en otros países ha sido mal recibida por Wall Street.
    En Espinof Netflix no es mejor que Disney+, Amazon Prime Video y HBO Max juntas... pero sí más cara Ya en su momento sorprendió que la plataforma poco menos que acusara a aquellos que compartían cuenta con gente que no vivía en la misma casa de no poder invertir más en hacer buenas series y películas, pero es que al final todo se reduce a la monetización. En Netflix creen que pueden conseguir más dinero en muchos mercados por esa vía, mientras que en otros el público potencial necesita esa rebaja de precio, sobre todo si quiere conseguir más suscriptores en aquellos mercados con un claro potencial para ello. Así de sencillo.
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    La noticia Por qué Netflix ha rebajado su precio en más de 100 países pero no en España (y por qué es muy poco probable que lo haga) fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  20. Entre Fans
    Adam Sandler ha asegurado en una entrevista durante una entrevista en "The Dan Patrick Show que Netflix le pidió que cambiara la trama y la ubicación de su próxima comedia deportiva 'Hustle' de China a España. La única razón, al parecer, tiene que ver con que la plataforma no está disponible en el país asiático.
    Una comedia de baloncesto producida por LeBron James
    En 'Hustle', Sandler interpreta a un agente de baloncesto que intenta revivir su carrera fallida reclutando a un extraordinario talento extranjero para la NBA. En la versión final de la película, el personaje de Sandler recluta a un prometedor jugador de España, interpretado por el jugador de los Memphis Grizzlies en la vida real, Juancho Hernangómez. Sin embargo, Sandler afirma:
    En Espinof No todas las películas de Adam Sandler son malas: éstas son sus nueve mejores comedias A pesar del creciente éxito en otras partes de Asia, como Japón, Netflix no está disponible en China, la segunda economía más grande del mundo después de Estados Unidos. El transmisor tampoco está disponible en Crimea, Corea del Norte y Siria. El año pasado, el director ejecutivo de Netflix, Reed Hastings, dijo a CNBC que la compañía no estaba enfocada en entrar en el mercado chino.
    'Hustle' es la séptima colaboración de Sandler con Netflix tras su contrato de producción con la plataforma en 2014 y el año pasado, anunciaron la extensión de su asociación para producir cuatro películas adicionales. Su nueva comedia aún no ha recibido una fecha de estreno, también estará protagonizada por Queen Latifah y Robert Duvall, mientras que la estrella de Los Angeles Lakers, LeBron James, quien recientemente protagonizó la secuela de 'Space Jam', también es productor de la película.
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    La noticia Por qué Netflix pidió a Adam Sandler que reescribiera su nueva película para ubicarla en Mallorca en vez de China fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .
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  21. Entre Fans
    El estreno de 'El señor de los anillos: Los anillos de poder' ha hecho que vuelva a hablar mucho de la obra de Tolkien. Un tema recurrente son las múltiples libertades que se han tenido que tomar los responsables de la serie de Amazon Prime Video, pero hoy quiero llamar vuestra atención sobre el hecho que ya Peter Jackson introdujo cambios tan importantes que hasta alteró el final original de 'El señor de los anillos'.
    "No es mi parte favorita de El señor de los anillos"
    Los que hayan leído la aclamada novela recordarán que 'El señor de los anillos' tenía una especie de epílogo conocido como 'El saneamiento de la Comarca' en el que Saruman tenía mucha presencia. Sin embargo, no hay rastro alguno de ello en 'El retorno del rey' y así explicó Jackson en 2004 su decisión de eliminarlo:
    En Espinof Todas las películas del universo 'El señor de los anillos' de Peter Jackson ordenadas de peor a mejor Lo curioso es que luego Saruman ni siquiera hizo acto de presencia en el montaje para cines de 'El retorno del rey', pues la escena de su muerte acabó siendo eliminada a última hora e incluida posteriormente en la versión extendida de la película. Christopher Lee no se tomó nada bien esa decisión y estuvo un tiempo enemistado con Jackson por ello.
    Dicho esto, personalmente siempre creí que fue un gran acierto eliminar todo lo relacionado con 'El Saneamiento de la Comarca', tanto porque en la novela de Tolkien quedaba como un añadido poco satisfactorio. Es verdad que así esquivaba el típico final feliz, pero todo lo relacionado con Saruman corrompiendo la Comarca y la posterior reconquista de la misma nunca terminó de encajar demasiado bien. El propio Jackson comentaba también lo siguiente en los contenidos adicionales de 'El retorno del rey':
    Y es que lo más probable es que así se habría cargado 'El retorno del rey' con un final adicional que perfectamente se podría haber ido a unos 30 minutos adicionales. A cambio, seguro que fue uno de los muchos factores por los que el hijo de Tolkien odió su trilogía.
    En Espinof 4 de las mejores películas de fantasía del siglo XXI para ver en Netflix, Amazon Prime Video, Disney+ y HBO Max Eso sí, Jackson no prescindió por completo de 'El Saneamiento de la Comarca', pues incluyó un pequeño guiño en una visión en el Espejo de Galadriel en 'La Comunidad del Anillo' que tampoco se ajustaba del todo a lo ideado por Tolkien, pero es lo más parecido que pudieron ver los fans.
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    La noticia Por qué Peter Jackson cambió el final de 'El señor de los anillos' (y mejoró el de la mítica novela de Tolkien) fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  22. Entre Fans
    Estos días la atención de los seguidores de Tolkien se centra en 'El señor de los anillos: Los anillos de poder', pero antes de la serie de Amazon Prime Video fue la trilogía dirigida por Peter Jackson la que disparó a la popularidad del universo de la Tierra Media. Eso no supuso que estuviese libre de críticas en su momento, y si hace unos días os comentaba por qué creía que había acertado al cambiar el final de 'El señor de los anillos', ahora toca hablar del personaje de Tom Bombadil.
    Quién es Tom Bombadil y por qué no sale en 'La comunidad del anillo'
    Aquellos que no hayan leído el original literario seguramente ni sepan a quién me refiero al decir el nombre de Tom Bombadil, pero es que se trata de uno de los personajes más queridos creados por Tolkien y muchos fans de 'El señor de los anillos' pusieron el grito en el cielo al no verle en pantalla durante 'La comunidad del anillo'. Así explicaba Jackson su ausencia:
    Eso sí, la película se preparó de tal forma que se puede pensar que han visitado a Tom Bombadil sin que eso aparezca en escena, pero claro, eso no fue suficiente para muchos. Quizá en parte porque es el único personaje inmune al poder corruptor del anillo -y tampoco se volvía invisible al ponérselo-, por lo que en la novela se llegaba a proponer entregárselo durante el Concilio de Elrond, descartándose porque no creían que este enigmático y alegre personaje fuese a vigilarlo con cuidado.
    En Espinof 'La casa del dragón' y 'El señor de los anillos: Los anillos de poder' son tan opuestas entre sí que lo que le sobra a una le falta a la otra De esta forma, Jackson consiguió aligerar un poco el ya de por sí abultado metraje de 'La comunidad del anillo', ya que dotar de una mínima entidad a la aparición de Bombadil hubiese requerido fácil 15 o 20 minutos extra de metraje, todo ello para demás nunca poder dejar claro quién era más allá de que siempre ha estado presente durante la historia de la Tierra Media, por lo que, técnicamente, podría llegar a aparecer en 'Los anillos de poder'.
    A cambio, la eliminación de Bombadil tuvo como consecuencia que el Concilio de Elrond no era más que un trámite para determinar quién era el elegido para soportar el peso del anillo en el duro viaje hasta llegar al Monte del Destino. Un problema sin importancia a mi juicio, ya que incluir a Bombadil se hubiese cargado el ritmo de la película para al final acabar en el mismo punto en el que ya habrían estado antes de conocerle.
    En Espinof El vínculo secreto de 'Los anillos de poder' con las trilogías de 'El señor de los anillos' y 'El Hobbit' es un actor que ha aparecido en todas ellas Con todo, Jackson barajó seriamente incluir un guiño directo a Bombadil, pero acabó descartándolo por falta de tiempo "Lo que barajamos, y era realmente para los fans, fue tener a los hobbits paseando por el Bosque Viejo y ver un gorro emplumado atravesando los árboles, escuchar el sonido de la voz de Tom Bombadil cantando y que los hobbits se dieran la vuelta y huyeran tan rápido como pudieran. Pensamos que eso reconocería a Tom Bombadil de una manera cariñosa y bromista. No tuvimos tiempo de hacerlo". No era una mala idea, pero justo es decir que el pequeño problema con el Concilio de Elrond seguiría entonces ahí.
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    La noticia Por qué Peter Jackson eliminó de 'El señor de los anillos' a Tom Bombadil, uno de los personajes más queridos de la novela de Tolkien (y acertó al hacerlo) fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  23. Entre Fans
    A principios de los años noventa, cuando La 2 comenzó su emisión, yo apenas llegaba a los tres o cuatro. Recuerdo una sensación desasosegada al despertarme a las tantas con el sonido de la melodía inconfundible de esos títulos de crédito. A decir verdad, esa armónica atronadora siempre me ha resultado un poco inquietante, y aun así, por alguna razón, la música de 'Doctor en Alaska' ('Northern Exposure') entonces me transmitía tranquilidad, un sentimiento de familiaridad, de que todo está bien.
    En realidad, nunca he sabido muy bien de qué iba todo eso, La 2, fiel a su costumbre de programar sus mejores bazas a última hora del día, no daba mucho margen a una niña de esa edad a asomarse y echar un vistazo. Aprovechaba cualquier excusa que me hiciera despertar para mirar la tele de reojo al pasar por delante de la puerta entreabierta del salón, con la curiosidad de estar ante un evento destacado de la semana. Nunca se me ocurrió preguntarle a mi madre qué era ese programa de la tele que nunca se perdía, o quizá sí lo hice y no le di demasiada importancia, pero sea como sea, sorprendentemente, esa melodía se quedó conmigo y me ha acompañado hasta hoy.
    Aprovechando que Filmin ha rescatado esta obra generacional algo así como 30 años después, movida por una curiosidad que intuyo compartida con otros niños españoles de los noventa, finalmente me dispongo a desempolvar ese recuerdo, con el respeto de todo lo que viene envuelto en una frágil capa de nostalgia.
    Más que nostalgia
    Sería absurdo negar el factor nostalgia para empezar una serie como 'Doctor en Alaska' en 2023. Es más, casi parecería el motivo único por el que una serie desarrollada sobre una premisa fuertemente vinculada a la forma de vida y mentalidad de los noventa podría tener todavía interés tras la revolución tecnológica del nuevo milenio, especialmente si consideramos la evolución brutal de las comunicaciones y la movilidad de la última década.
    Sin embargo, aun con sus 30 pesados años encima, la serie conserva una prodigiosa vigencia que conecta asombrosamente la generación de nuestros padres con la nuestra. Una muestra de que nuestras preocupaciones no distan tanto de las de nuestros antecesores y que nuestra juventud en realidad no es tan diferente de la que vivieron nuestros padres.
    En Espinof Por qué 'Doctor en Alaska' ha tardado tanto en estrenarse en streaming: el extrañísimo caso del copyright musical americano Aun en los tiempos de mayor conexión de la historia, el vagar, el buscarse y encontrarse, descubrirse perdido y añorando otro momento y otro lugar siguen siendo nuestras constantes. Y nuestro nomadismo actual en busca de las mejores experiencias y oportunidades de trabajo no es tan diferente a ese exilio medio forzado del doctor Fleischman (Rob Morrow) en la naturaleza alaskeña.
    Un viaje existencial a la América profunda
    Un recién graduado médico neoyorquino aterriza en medio de una zona rural de Alaska, totalmente despoblada pero en pleno deseo de progreso, mientras que sigue aferrada a las costumbres ancestrales propias de la tierra, con el orgullo de lo autóctono. Él, acomodado y algo soberbio aunque con buen fondo, arrastra la mirada altiva de esa juventud cosmopolita que vive a la última y choca descaradamente con el nuevo medio, aparentemente inhóspito.
    Atrapado en una comunidad cerrada de rutinas marcadas y aparentes pocas vías de escape, mucho antes de acuñar el concepto de vuelos low cost y siempre en busca de un teléfono público, el Doctor Fleischman representa un protagonista con muchas capas dentro de una serie clásica en su género.
    Con un tratamiento más próximo al cine indie americano, más extendido en la ficción televisiva actual que en sus series coetáneas, el personaje atraviesa su propio viaje existencial en forma de introspección canalizada por medio de las circunstancias que le han tocado y de las que tan amargamente se queja desde una posición más cómoda de lo que podría parecer.
    En Espinof 'Aquellos maravillosos años' 33 años después: por qué sigue siendo una serie referente a la hora de abordar la nostalgia El anhelo y la contradicción, la abstracción de las ideas y la raíces, el estar presente y el desear estar en otro lugar y por encima de todo ello, la construcción de la sensación del hogar, forman parte del viaje interior de un personaje que representa la adaptación al cambio y la evolución.
    'Doctor en Alaska', una serie generacional atemporal
    La idea de un agente externo que sacude la cotidianidad, frente a la opresión silenciosa de un pueblo pequeño, representado de forma canónica como personaje colectivo con ciertos rasgos comunes, es una fórmula que probablemente no inventó 'Doctor en Alaska' (más pertinente en su título original 'Northern Exposure'). Sin embargo, su propuesta más que vigente en 2023 confirma la nueva ola de dramas rurales como una revisión de la anterior y la expresión de esa necesidad colectiva de vuelta a los orígenes tras la pérdida del arraigo.
    Plagada de referencias culturales poco trilladas a pesar de los lugares comunes y, dejando pasar la obsolescencia de ciertos usos de los noventa, 'Doctor en Alaska' reaviva la reflexión sobre temas universales de nuevo puestos en cuestión como el ecologismo o la identidad racial. El viejo debate entre campo y ciudad reabierto tras el hartazgo de la pandemia, constituye la base de una narrativa que treinta años atrás ya transitaba los clichés sobre la modernidad y las posibilidades de desarrollo personal frente a la esencia de lo natural y la plenitud del alma.
    Temas recurrentes que confirman la vigencia de esta serie, que nos hace cuestionar de nuevo el mundo lleno de posibilidades de hoy en día. Y sí, con la mirada del paso de los años, encontramos un fragmento de vida generacional producto de los hábitos de su tiempo, pero su apelación a nuestra propia actualidad puesta en perspectiva da vértigo.
    Quizá Fleischman no podía hacer una videollamada en medio del bosque, ni habría soñado con la posibilidad de subir a Instagram la vista desde lo alto de la caseta del guarda forestal de Cicely, pero más allá de testigo de un estilo de vida, 'Doctor en Alaska' se consolida como obra atemporal de cualquier generación de treintañeros, nosotros redescubriéndola ahora, nuestros padres frente a la tele entonces y posiblemente también dentro de unos años los tiktokers de hoy.
    En Espinof | Las mejores series de 2023 (hasta ahora)
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    La noticia Por qué recomiendo ver 'Doctor en Alaska' en pleno 2023 fue publicada originalmente en Espinof por Sara Martínez Ruiz .
  24. Entre Fans
    El director Joseph Kosinski está de actualidad gracias al arrollador éxito de 'Top Gun: Maverick', pero durante años fue principalmente conocido por haber dirigido 'TRON: Legacy'. De hecho, el plan inicial es que también se ocupase de 'TRON 3', pero el proyecto fue finalmente dejado de lado y el cineasta ahora ha desvelado los motivos.
    ¿Culpa de Marvel y Star Wars?
    Por lo visto, Kosinski había avanzado tanto el trabajo en 'TRON: Ascension' que ya tenía tanto el guion como los storyboards necesarios para ponerse manos a la obra en serio. Por desgracia, Disney cambió de idea en el último momento y el director ha explicado por qué en una entrevista concedida a Vulture:
    Lo cierto es que no cuesta entender que 'TRON 3' dejase de ser una prioridad para Disney, pues 'TRON: Legacy' tampoco es que arrasara en taquilla. Es verdad que tuvo unos ingresos mundiales de 400 millones de dólares, pero es que había costado 170 sin incluir la inversión adicional en marketing.
    En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia Además, Garrett Hedlund, protagonista de 'TRON: Legacy', desveló hace unos años que el fracaso de 'Tomorrowland' llevó al estudio a replantearse por completo su estrategia de producción y que eso también influyó en que 'Tron 3' no llegase a salir adelante.
    No obstante, parece que Disney no descartó por completo el proyecto, pues hace un par de años se anunció una nueva versión del mismo con Jared Leto como gran protagonista de la función. Y el actor afirmó hace bien pronto que 'TRON 3' llegará más pronto que tarde. Veremos si acaba saliendo adelante.
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    La noticia Por qué se canceló 'TRON 3': el director de 'Top Gun: Maverick' desvela el motivo por el que Disney descartó la película en el último momento fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  25. Entre Fans
    Algo raro pasa en A24 con 'Disappointment Blvd' de Ari Aster. Al parecer, la nueva película del director de 'Midsommar' (2019) debería haber sido presentada en Cannes 2022, pero según el medio Worldofreel, una fuente del festival, un productor estadounidense de visita habría sugerido que la película es, ahora mismo, exageradamente larga (210 minutos) y ahí radicaría el problema principal del retraso del estreno, hay discrepancia con la compañía.

    Una épica de más de tres horas
    Una cuestión similar a la lucha de Andrew Dominik y Netflix por 'Blonde', solo que en este caso, la relación de A24 con su nuevo director estrella viene de atrás y no debería sorprenderles cualquier petición inusual por parte del creador de 'Hereditary' (2018), aunque el posicionamiento de de no querer lanzar una película de tres horas y media de duración es hasta cierto punto lógico.

    En Espinof Riesgo, prestigio y memes: así se ha convertido A24 en el adalid del “otro cine” en tiempos de fórmulas y creatividad bajo mínimos 'Disappointment Blvd.' fue definida como una historia de horror surrealista en un presente alternativo, un retrato íntimo que abarca décadas de uno de los emprendedores más exitosos de todos los tiempos".en la que Joaquin Phoenix interpretaría a un "hombre con ansiedad extremada pero de buen aspecto que tiene una relación tensa con su madre dominante y nunca conoció a su padre". Cuando su madre muere, él hace un viaje de vuelta a casa que involucra algunas amenazas sobrenaturales salvajes".


    La presencia de 'Disappointment Blvd' en Venecia está en duda porque según la fuente "simplemente no La película no está lista". Además, A24 tiene una relación inestable con el Festival italiano. No sería la primera vez que Aster ofrece un montaje muy largo de su película, 'Midsommar' conoció una versión del director de tres horas, que no aportaban nada esencial al montaje estrenado en salas.
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    La noticia Por qué se retrasa la nueva película del director de 'Midsommar': Ari Aster y A24 chocan por la inestrenable duración de 'Disappointment Blvd' fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .
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