Entre Fans

Disney ha encontrado una mina de oro con los remakes en acción real de sus clásicos animados. Es verdad que no todos han funcionado igual de bien, pero la mayoría ha arrasado y títulos como ‘El rey león’ o ‘Aladdin’ se han colado entre las películas más taquilleras de todos los tiempos al superar la barrera de los 1.000 millones de dólares ingresados. Por ello, en su momento ya resultó raro que fuesen a lanzar ‘La dama y el vagabundo’ directamente en Disney+. A su manera no dejaba de ser un intento de promocionar dicha plataforma de streaming con motivo de su lanzamiento en Estados Unidos, pero luego se estrenó sin hacer demasiado ruido. Tampoco es que tuviera malas críticas, pero simplemente acabó cayendo en el olvido con cierta rapidez. He de confesar que tardé más de lo que creía en verla y también que poco me hubiese perdido de no haberlo hecho, ya que la nueva ‘La dama y el vagabundo’ es una actualización tan inofensiva como intrascendente. Alguna cosa buena hay Sobre el papel había dos detalles en los que esta remake podría justificar hasta cierto punto su existencia. Por un lado, el encontrar perros reales lo suficientemente entrañables como para que el público se encariñase de ellos con rapidez. Por otro, que los actores encargados de prestarles su voz encajasen bien con la personalidad de los protagonistas y que además la magia de la edición fuese capaz de crear la suficiente química entre ellos como para intentar reproducir esa magia de la producción original. Ahí en Disney fueron muy inteligentes al centrar su búsqueda de los protagonistas en perros sin hogar antes de la relación de la película, teniendo además la suerte de que se llevasen bien al conocerse. Eso redunda en que las interacciones entre ellos, aunque obviamente guiadas por las necesidades del guion, se sienten más naturales y eso hace que todo fluya y realmente uno sienta que está viendo algo en vivo en lugar de una reproducción digital como sucedía en el caso de ‘El rey león’. En Espinof Las 29 mejores películas de animación de la historia A eso hay que sumar un reparto de voces bastante bien escogido con Tessa Thompson y Justin Theroux encajando como un guante en sus respectivos personajes. Eso sí, mejor por separado que juntos, ya que entonces es cuando la película deja claro que no tiene demasiada alma, pues no brilla especialmente ni en las escenas en las que más cerca está de la película animada, ni tampoco en los diversos ajustes que va haciendo -que la original duraba 76 minutos que aquí se disparan a 104-, ya sea para actualizar la historia o para intentarle darle una mayor unidad. Sin razón de ser O al menos unidad en el sentido de darle un tono bastante neutro que sea fácilmente digerible por todos los espectadores, seguramente pensando más en los más pequeños de la casa. Ni mucho menos podemos decir que sea una película que toma por tonto a nadie, pero sí que es tan blandita que ella misma se condena a no llegar a ser emocionante en ningún momento, sea cuando se centra en los sentimientos de los personajes o cuando la “acción” pasa a primer plano. En Espinof Las 23 mejores películas de Disney+ De hecho, es tan inofensiva en todos los frentes que lo peor que podría decirse de ella es que seguramente acaba siendo aburrida para no pocos espectadores. En ningún momento se perciben intentos por parte del director de Charlie Bean por conseguir que sea más que una película que luzca bien en lo visual -pero sin pasarse- y que se aleje solamente lo justo de la versión original. Más allá de eso no hay energía real ni en lo narrativo ni en lo técnico, por lo que no culparía si muchos la usan como visionado mientras están planchando o haciendo otra tarea del hogar. En resumidas cuentas La nueva ‘La dama y el vagabundo’ es una puesta al día algo hueca de uno de los clásicos animados más queridos de Disney. Siendo justos, no hay nada en ella que llame la atención para mal más allá de las pocas aspiraciones que parece tener. Al final nos quedan unos perretes entrañables, pero que tampoco son algo único en su especie. Para ver y olvidar rápidamente. Puedes ver 'La dama y el vagabundo' en Disney+ - La noticia 'La dama y el vagabundo': un inofensivo remake en acción real para Disney+ con un par de entrañables perretes fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Llevamos la mitad de un 2020 que nadie en su sano juicio habría vaticinado jamás. Con las salas cerradas desde hace más de dos meses, el streaming ha servido como válvula de escape para espectadores sedientos de estrenos de estrenos. Vamos a repescar alguno de los más llamativos que Netflix ha sacado en lo que llevamos de año. El cine en casa Para todos los públicos. Drama o comedia, acción o ciencia ficción, la oferta de lo que llevamos de año en Netflix no ha reparado en géneros ni en nacionalidades. Desde la película con la mejor interpretación de la temporada pasada (no era el Phoenix de 'Joker', no) hasta el primer largometraje de un director nacional a tener en cuenta, los estrenos de lo que llevamos de año en Netflix nos han dejado unas cuantas películas más que recomendables. En Espinof Las nueve mejores series de Amazon en 2020 (hasta ahora) Diamantes en bruto (Uncut Gems) Dirección: Ben Safdie, Joshua Safdie Reparto: Adam Sandler, Julia Fox, Kevin Garnett, Eric Bogosian Darius Khondji y el ritmo de la edición elevan por encima de la media lo nuevo de los Safdie. 'Uncut Gems' es una película estupenda y los hermanos Safdie tienen un gran futuro por delante, pero es posible que también va siendo hora de cambiar un poco la fórmula de sus trabajos. Crítica en Espinof: 'Diamantes en bruto'. Ver 'Diamantes en bruto' en Netflix. En Espinof 'Diamantes en bruto': así es Light Ranger 2, el dispositivo detrás de la alucinante fotografía de la película de Netflix Spenser: Confidencial Dirección: Peter Berg Reparto: Mark Wahlberg, Winston Duke, Alan Arkin Aunque nos deja con ganas de más, este rebautizado detective en la sombra, ex-boxeador, ex-policía y ex-presidiario no consigue quitarnos la sensación de estar viendo un piloto descafeinado que funciona mejor en las distancias cortas. Crítica en Espinof: 'Spenser: Confidencial'. Ver 'Spenser: Confidencial' en Netflix. En Espinof Peter Berg: un autor que encontró su lugar entre Michael Mann y Michael Bay El hoyo Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia Reparto: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan, Emilio Buale No es la película más sutil del mundo, pero tampoco es que nuestro cine vaya muy sobrado de género fantástico durante los últimos años. Se agradece el esfuerzo y se agradecen esos aires de tebeo europeo que tan bien le sientan a esta epopeya vertical. Crítica en Espinof: 'El hoyo'. Ver 'El hoyo' en Netflix. En Espinof 'El hoyo' no es redonda ni lo necesita: por qué el estreno de Netflix es importante para el cine español Hogar Dirección: Àlex Pastor, David Pastor Reparto: Javier Gutiérrez, Mario Casas, Bruna Cusí, Ruth Díaz Vibrante thriller sórdido, cruel y con una serie de piruetas y saltos mortales imposibles que ejecuta casi a la perfección. Un desfase noventero y placentero, además de lo mejor que han hecho los Pastor en su vida. Si no hubieras perdido tanto tiempo criticando la película te habrías dado cuenta de que Mario Casas está mejor que nunca. Crítica en Espinof: 'Hogar'. Ver 'Hogar' en Netflix. Coffee & Kareem Dirección: Michael Dowse Reparto: Ed Helms, Terrence Little Gardenhigh, Betty Gilpin Con ese aire retro que ya tenía la anterior película, pero con un humor mucho más afilado y atinado, que la aproxima por momentos a '21 Jump St' o 'Pineapple Express', C&K homenajea algunos de los momentos más recordados de nuestras películas de acción favoritas con una pareja monumental, rebosante de carisma y química. Crítica en Espinof: 'Coffee & Kareem'. Ver 'Coffee & Kareem' en Netflix. El silencio del pantano Dirección: Marc Vigil Reparto: Pedro Alonso, Nacho Fresneda, José Ángel Egido El primer largometraje de Vigil, director curtido en algunas de las series más ambiciosas de nuestra ficción ('Águila Roja', 'El ministerio del tiempo'), es uno de esos thrillers que tanto lucen al aproximarse al género desde una perspectiva, digamos, más asiática. Sorogoyen triunfó con 'Que dios nos perdone' y ahora Vigil va camino de suceder ese éxito. Crítica en Espinof: 'El silencio del pantano'. Ver 'El silencio del pantano' en Netflix. La otra Missy (The Wrong Missy) Dirección: Tyler Spindel Reparto: David Spade, Lauren Lapkus, Sarah Chalke, Nick Swardson Otra deliciosa comedia de la factoría Sandler. En esta ocasión la reina de la fiesta es la diosa Lauren Lapkus, que se convierte en la mejor pareja cómica de David Spade desde los viejos buenos tiempos de Chris Farley. Divertida y eficaz, algo que parece sencillo pero en realidad es muy complicado. Crítica en Espinof: 'La otra Missy'. Ver 'La otra Missy' en Netflix. En Espinof Las mejores comedias románticas: 23 películas de amor inolvidables que conquistan con risas Los tortolitos (The Lovebirds) Dirección: Michael Showalter Reparto: Kumail Nanjiani, Issa Rae, Anna Camp, Joe Chrest Netflix continúa con sus aciertos cómicos con la nueva comedia de Michael Showalter y Kumail Nanjiani, que ya presume de músculos pre-marvelitas en una divertida comedia romántica en clave de thriller. Issa Rae conquista y su ajustada duración hace que pase en un suspiro entre recuerdos de títulos mayores y otras noches locas más memorables. Suficiente si tenemos en cuenta que esas noches pasaron a mejor vida hace muchos años. Crítica en Espinof: 'Los tortolitos'. Ver 'Los tortolitos' en Netflix. Tyler Rake (Extraction) Dirección: Sam Hargrave Reparto: Chris Hemsworth, Golshifteh Farahani, Rudhraksh Jaiswal, David Harbour La llegada de 'John Wick' revolucionó el cine de acción tanto que ahora incluso las películas que no llevan un nombre propio por título tienen a cambiarlo para su explotación internacional. Rodeado de nombres poderosos y fuerza bruta, esta extracción llena de momentos rebuscados e impactantes ha sido una de las pelis con opiniones más divididas de la temporada. Ámala u ódiala. Crítica en Espinof: 'Tyler Rake'. Ver 'Tyler Rake' en Netflix. En Espinof 'John Wick': las 11 mejores escenas de acción de la trilogía Tigertail Dirección: Alan Yang Reparto: Christine Ko, Fiona Fu, Margot Bingham Alan Yang salta al largometraje después de unos cuantos años detrás de algunas de las comedias más elegantes que nuestras teles hayan proyectado. El hombre detrás de 'Master of None' o 'Forever' ha elegido una medio ficción dramática muy personal para dejar claro que es un gran narrador. Ver 'Tigertail' en Netflix. Código 8 Dirección: Jeff Chan Reparto: Robbie Amell, Stephen Amell, Sung Kang Una de las sensaciones durante la temporada de encierro pandémico fue este thriller de ciencia ficción con el que su director, Jeff Chan, retomaba un cortometraje que dio mucho que hablar allá por 2016. Los hermanos Amell hacen más atractivo este interesante híbrido distópico lleno de ideas. Crítica en Espinof: 'Código 8'. Ver 'Código 8'' en Netflix. El declive (Jusqu'au déclin) Dirección: Patrice Laliberté Reparto: Guillaume Laurin, Marc Beaupré, Réal Bossé ¿Un thriller sobre la supervivencia del ser humano en medio de una cuarentena que nos está volviendo locos a todos? A finales de marzo, 'El declive' se convirtió en el planazo de millones de abonados a Netflix. Es posible que un poco más de trabajo en la historia habría ayudado a lograr un impacto mayor, pero el shock está ahí. Crítica en Espinof: 'El declive'. Ver 'El declive' en Netflix. Horse Girl Dirección: Jeff Baena Reparto: Alison Brie, Debby Ryan, John Reynolds Baena sigue retratando las desventuras independientes de las nuevas estrellas underground de la industria mejor que nadie. Tras la sensacional 'En pecado', el cineasta repite con Alison Brie en una comedia dramática con el delicado mundo de las enfermedades mentales como sostén principal de la acción. Mucho más oscura de lo que parece a simple vista y con una espléndida protagonista. Crítica en Espinof: 'Horse Girl'. Ver 'Horse Girl' en Netflix. Los hermanos Willoughby Dirección: Kris Pearn, Cory Evans, Rob Lodermeier Reparto: Ricky Gervais, Will Forte, Maya Rudolph, Martin Short Una de las grandes sorpresas animadas de la temporada de encierros ha sido esta alocada y divertida comedia llena de luz, color y un reparto extraordinario. Una apuesta valiente por parte de Netflix, que tras el éxito de su 'Klaus' sigue apuntando hacia la revolución animada. Crítica en Espinof: 'Los hermanos Willoughby'. Ver 'Los hermanos Willoughby' en Netflix. - La noticia Las 14 mejores películas de Netflix en 2020 (hasta ahora) fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

La muerte de George Floyd a manos del agente de la policía de Minesotta Derek Chauvin, actualmente acusado de homicidio en segundo grado, ha marcado un nuevo punto de inflexión en la lucha de la comunidad negra estadounidense por sus derechos y en contra de la brutalidad policial, encabezada por el movimiento Black Lives Matter. Las manifestaciones multitudinarias, que ya han trascendido a ciudades del territorio norteamericano como Washington, Nueva York o Los Angeles para llegar a grandes urbes europeas como París están encontrando el apoyo de figuras del mundo del deporte y el espectáculo. Entre ellas, se encuentra el actor John Boyega, cuya intervención en la protesta celebrada en Londres el pasado miércoles está dando la vuelta al mundo. En Espinof ¡Black Power! 17 superhéroes negros de Marvel y DC que fueron adaptados antes que Black Panther En el vídeo que podéis ver bajo estas líneas hay un extracto del discurso de Boyega, también recogido por el medio MetroUK. Outside parliament @JohnBoyega tells everyone to take a knee and says black people “I love you” pic.twitter.com/2egDZwmBzE — SymeonBrown (@symeonbrown) June 3, 2020 "Gracias por salir hoy, gracias por estar ahí para mostrarnos vuestro apoyo. Comunidad negra: Os quiero. Os aprecio. Hoy es un día importante. Estamos luchando por nuestros derechos. Estamos luchando por nuestra capacidad para vivir en libertad. Somos una representación física de nuestro apoyo a George Floyd. Somos una representación física de nuestro apoyo a Sandra Bland. Somos una representación física de nuestro apoyo a Trayvon Martin. Somos una representación física de nuestro apoyo a Stephen Lawrence". Además de esto, el intérprete británico, que ha dado vida a Finn en la última trilogía de 'Star Wars', se ha llegado a plantear que este acto reivindicativo podría perjudicar su trayectoria profesional. Pero, por supuesto, la justicia está por delante de todo. "Os estoy hablando desde el corazón. Mirad, no sé si voy a tener una carrera después de esto, pero, que le jodan a eso. Necesito que comprendáis lo dolorosa que es esta ******. Necesito que comprendáis lo doloroso que es que te recuerden todos los días que tu raza no significa nada y que ya no importa, que nunca ha importado". El apoyo de la industria Lejos de hacer oídos sordos o darle la espalda, los compañeros de profesión de John Boyega le han mostrado su respaldo en redes sociales, comenzando por un Mark Hamill que "nunca ha estado más orgulloso" de su compañero de reparto en 'Los últimos Jedi'. Never been more proud of you, John. @JohnBoyega ❤️, dad https://t.co/XcXvBcblPG — Mark Hamill (@HamillHimself) June 3, 2020 La cuenta oficial de 'Star Wars' también le ha apoyado con el siguiente comunicado, también en Twitter. We stand with and support you, @JohnBoyega. View his full speech: https://t.co/Goxb5y2wrK pic.twitter.com/ZvE0t5tRPY — Star Wars (@starwars) June 3, 2020 "Lucasfilm apoya a John Boyega y su mensaje de que, 'Es el momento. Las vidas negras siempre han importado. Las vidas negras siempre han sido importantes. Las vidas negras siempre han significado algo'. El mal que es el racismo debe detenerse. Nos comprometemos a ser parte del cambio tan esperado en el mundo. John Boyega, eres nuestro héroe". La crítica cultural cultural Soraya Nadia McDonald ha pedido a los productores que la siguen en redes sociales que se aseguren de que John continúa recibiendo ofertas de trabajo; una petición a la que figuras como Cathy Yan —'Aves de presa'—, Jordan Peele —'Déjame salir', 'Nosotros'—, Emily V Gordon —guionista de 'La gran enfermedad del amor'—, Edgar Wright —'Baby Driver'—, Duncan Jones —'Moon'— o Matthew A. Cherry —director, productor y ganador del Óscar al mejor cortometraje animado por 'Hair Love'— han respondido sin dudarlo. Porque las vidas negras importan, y aprovechar una posición influyente como la de John Boyega para reivindicarlo no debería tener jamás repercusiones negativas. I would work with John Boyega and I urge other Non-Black creators to affirm that they have his back as well. https://t.co/SqXgmIS5aR — Matthew A. Cherry (@MatthewACherry) June 3, 2020 I would love to work w John Boyega https://t.co/zQTIP29SVR — Cathy Yan (@CathyYan) June 3, 2020 We got you, John. https://t.co/oX7Rr52omx — Jordan Peele (@JordanPeele) June 3, 2020 It would be a dream to write a role for John Boyega. It was already, and nothing has changed that. https://t.co/B7VeY3gLU2 — Emily V Gordon (@emilyvgordon) June 3, 2020 Have before and would again, in a heartbeat. So proud of John today. https://t.co/qLi4cwws2i — edgarwright (@edgarwright) June 3, 2020 Crazy that it even needs to be said, but of course! I mean... he’s from Peckham and I’m from Bromley, but even so, I’ve STILL got his back! ❤️ https://t.co/5kXugkFt2u — Duncan Jones (@ManMadeMoon) June 3, 2020 I would crawl through a barrel of broken glass to have John Boyega even so much as *glance* at one of my scripts. https://t.co/0bcLeldaEg — Charlie Brooker (@charltonbrooker) June 3, 2020 - La noticia "No sé si tendré una carrera después de esto". John Boyega recibe el apoyo de Hollywood tras su visceral discurso antirracista fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Uno de los estrenos de este verano lleva el sello impreso de Jordan Peele y HBO, por lo que no puedo esperar ya a que sea agosto para ver la llegada de 'Territorio Lovecraft' ('Lovecraft Country'), la adaptación de la novela homónima de Matt Ruff que nos sumerge en la América profunda de los años 50, como podemos ver en este nuevo tráiler de la serie. Desarrollada para televisión por Misha Green, a la que hemos visto deambular en las salas de guion de series como 'Hijos de la Anarquía', en 'Territorio Lovecraft' se cuenta la historia de unos jóvenes afroamericanos que se adentran en el condado hogar de varios de los relatos de H.P. Lovecraft. En Espinof HP Lovecraft: las 11 mejores películas que han adaptado al escritor más inadaptable La historia sigue, pues, el viaje de Atticus Freeman (Jonathan Majors), su amiga Letitia (Jurnee Smollett-Bell) y su tío George (Courtney B. Vance) para buscar a su padre desaparecido (Michael Kenneth Williams) en un viaje en el que no solo tendrán que hacer frente a un territorio hostil para forasteros y en especial para los de color sino también de monstruos que podrían haber salido de la mente de Lovecraft. Tendríamos que ver cómo sale el asunto, pero de momento las sensaciones que ha dejado este tráiler y el que pudimos ver el mes pasado son muy prometedoras. A pesar de que Jordan Peele, al menos en televisión, no está siendo garantía de éxito como hemos podido ver con su 'Twilight Zone'. - La noticia 'Territorio Lovecraft': HBO lanza un nuevo y sensacional tráiler que mezcla racismo policial con sucesos sobrenaturales fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

'Peaky Blinders' es una de las series más populares de los últimos años. Buena culpa de ello la tiene Cillian Murphy, el estupendo actor que ha dado vida a Tommy Shelby durante las cinco temporadas que ya se han emitido. Lo que no sabíamos es que estuvo a punto de quedarse sin el papel, porque Steven Knight, creador de la serie, se decantó inicialmente por Jason Statham. La confesión de Steven Knight Por lo visto, Statham y Murphy fueron los dos finalistas para protagonizar la serie, tal y como ha desvelado a Knight a Esquire. Eso le llevó a querer reunirse con los dos y tomar una decisión, pero un mensaje posterior enviado por Murphy le hizo replantearse su elección inicial: En Espinof 'Peaky Blinders': todo lo que sabemos de la temporada 6 Quedé con ambos en Los Ángeles para hablar sobre el papel y opté por Jason. Uno de los motivos fue porque en persona Jason es Jason. Cillian, cuando le conoces, no es Tommy, evidentemente, pero fui lo suficientemente estúpido como para no entenderlo. Después, Cillian me mandó un mensaje diciéndome “Recuerda, soy actor”. Lo que es completamente cierto porque se puede transformar a sí mismo. Si le conoces en la calle, es un ser humano totalmente distinto. Un detalle relevante es que por aquel entonces Knight ya había trabajado con Statham en 'Redención', por lo que tiene más sentido que inicialmente se decantase por él. A fin de cuentas, ese mismo año también estrenó 'Locke' y luego Tom Hardy acabó dando vida a Alfie en 'Peaky Blinders'. Eso sí, que necesitase un mensaje para recordarle que Murphy era un actor y podía convertirse en alguien completamente diferente no habla muy bien de él. Que para entonces ya se le había visto en cintas tan diversas como '28 días después', 'Batman Begins' o 'Luces rojas'. - La noticia 'Peaky Blinders': Jason Statham era el elegido para protagonizar la serie y así fue cómo Cillian Murphy consiguió el papel fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Mejor miniserie, mejor guion para Craig Mazin, mejor dirección para John Renck, sendas nominaciones a Jared Harris y Stellan Skansgard... así hasta 14 nominaciones ha recibido la maravillosa 'Chernobyl' en los premios BAFTA 2020 de televisión. Iguala así la cifra que consiguió 'Killing Eve' el pasado año. Aunque no es la única serie con un puñado de nominaciones, duplica las recibidas por 'The Crown'. Por otro lado, empatadas con seis nominaciones están la nueva 'Giri/Haji' y la veterana 'Fleabag', con Phoebe Waller-Bridge siendo doblemente nominada como actriz y guionista. En Espinof Las 33 mejores series de 2019 Además tenemos presencias notables como 'The Virtues' de Shane Meadows, 'The End of the F***ing World' y la genialidad de 'Derry Girls'. A continuación os dejo con la lista de las principales categorías de los BAFTA TV 2020, cuyos ganadores se anunciarán el próximo 31 de julio. Mejor serie dramática 'The Crown' 'The End of the F***ing World' 'Gentleman Jack' 'Giri/Haji' Mejor actuación femenina en una comedia Gbemisola Ikumelo por 'Famalan' Phoebe Waller-Bridge por 'Fleabag' Sarah Kendal por 'Frayed' 'Sian Clifford' por 'Fleabag' Mejor actuación masculina en una comedia Guz Khan por 'Man like Mobeen' Jamie Demetriou por 'Stath Lets Flats' Ncuti Gatwa por 'Sex Education' Youssef Kerkour por 'Home' Mejor serie internacional 'Euphoria' 'Succession' 'Creedme' 'Así nos ven' Mejor actor protagonista Callum Turner por 'The Capture' Jared Harris por 'Chernobyl' Stephan Graham por 'The Virtues' Takehiro Hira por 'Giri/Haji' Mejor acriz protagonista Glenda Jackson por 'Elizabeth is Missing' Jodie Comer por 'Killing Eve' Samantha Morton por 'I Am Kirsty' Suranne Jonnes por 'Gentleman Jack' Mejor miniserie 'Una confesión' 'Chernobyl' 'La víctima' 'The Virtues' Mejor comedia de ficción 'Catastrophe' 'Derry Girls' 'Fleabag' 'Stath Lets Flats' Mejor actor de reparto Joe Absolom por 'Una confesión' Josh O'Connor por 'The Crown' Stellan Skarsgard por 'Chernobyl' Will Sharpe por 'Giri/Haji' Mejor actriz de reparto Helen Behan por 'The Virtues' Helena Bonham Carter por 'The Crown' Jasmine Jobson por 'Top boy' Naomi Ackie por 'The End of the F***ing World' Mejor director de ficción Harry Bradbeer por 'Fleabag' Johan Renck por 'Chernobyl' Shane Meadows por 'The Virtues' Toby Haynes por 'Brexit' Mejor guionista de comedia Danny Brocklehurst por 'Brassic' Jamie Demetriou por 'Stath Lets Flats' Phoebe Waller-Bridge por 'Fleabag' Sam Leifer y Tom Basden por 'Plebs' Mejor guionista de drama Charlie Covell por 'The End of the F***ing World' Craig Mazin por 'Chernobyl' Jesse Armstrong por 'Succession' Shane Meadows y Jack Thorne por 'The Virtues' - La noticia BAFTA TV 2020: 'Chernobyl' acapara 14 nominaciones en los premios televisivos británicos fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Esta noche a las 22:05 horas, en horario de máxima audiencia, La 1 de TVE emite 'Armageddon', la monumental cinta de Michael Bay (y que fácilmente está en mi top 3 del director). 155 minutos de acción entre la Tierra y el espacio que podremos disfrutar sin interrupciones publicitarias. Protagonizada por Bruce Willis, Ben Affleck, Billy Bob Thornton, Liv Tyler, Steve Buscemi... (¿continúo?) y con guion de JJ Abrams y Jonathan Hensleigh, la película es toda una aventura contrarreloj en la que un asteroide del tamaño de Texas amenaza con destruir la Tierra o, al menos, provocar la extinción de todo lo que existe. En Espinof Todas las películas de Michael Bay ordenadas de peor a mejor Para evitarlo la NASA contacta con Harry S. Stamper (Willis), el mejor perforador del mundo para que, con su equipo, haga pie en dicho asteroide y lo perfore para introducir una cabeza nuclear dentro. Explosión monumental y adiós meteorito. Michael Bay en estado puro (estilo videoclip incluido) En el momento que mezclas Bay con cualquier otra cosa te tienes que olvidar de la veracidad de lo que se muestra. A la película se le puede achacar infinidad de errores científicos pero su público (los que le disfrutamos en 'Dos policías rebeldes' y 'La Roca') ha venido a pasárselo bien y a gozar con esta maravilla. Aquí paro para contar una anécdota personal y es que por aquel entonces yo no sabía que era del mismo director que esas cintas. Y, claro, en mi ignorancia preferí ver 'Deep Impact' de Mimi Leder, protagonizada por Robert Duvall y con, según dicen, mayor rigor científico. Sobre este paralelismo se cuenta, de hecho, que el por entonces presidente de Walt Disney Studios Joe Roth expandió el presupuesto unos tres millones de dólares para agregar efectos especiales y alguna que otra escena adicional para distinguir 'Armageddon' de la cinta de Leder. Un presupuesto agregado a una inversión ya de por sí generosa para la época. Fue la gran jugada del verano del 98 para Touchstone y Disney. Y aun con dudas de si saldrían airosos de la comparación, el público respondió. La crítica no tanto... pero los más de quinientos millones de recaudación de la película no se los quita nadie. - La noticia 'Armageddon': Bruce Willis se lanza a salvar el mundo en una de las películas más míticas de Michael Bay fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Ya está confirmado de forma oficial que este año no se celebrará el Festival de Cannes debido a la crisis del coronavirus, pero sus responsables no quieren que 2020 sea un año perdido para el certamen más prestigioso del séptimo arte. Por eso, hoy se ha anunciado una lista de 56 películas que llevarán el sello de la Sección Oficial, entre las que figura una española: 'El olvido que seremos' de Fernando Trueba. El presidente del festival, Pierre Lescure, y el delegado general, Thierry Frémaux, han revelado los títulos que habrían deseado proyectar en las secciones de competición, "Un certain regard", estrenos fuera de concurso, proyecciones especiales y de medianoche. Desde luego, la 73ª edición de Cannes (prevista entre el 12 y el 23 de mayo) habría tenido un programa apasionante. Esta es la selección: LOS FIELES (o al menos, seleccionados una vez antes) -THE FRENCH DISPATCH by Wes Anderson (USA) -ÉTÉ 85 by François Ozon (France) -ASA GA KURU (True Mothers) by Naomi Kawase (Japan) -LOVERS ROCK by Steve McQueen (United Kingdom) -MANGROVE by Steve McQueen (United Kingdom) (Nota: estos dos trabajos de McQueen son episodios de su serie 'Small Axe') -DRUK (Another Round) by Thomas Vinterberg (Denmark) -ADN (DNA) by Maïwenn (France / Algeria) -LAST WORDS by Jonathan Nossiter (USA) -HEAVEN: TO THE LAND OF HAPPINESS by IM Sang-Soo (South Korea) -EL OLVIDO QUE SEREMOS (Forgotten we'll be) by Fernando Trueba (Spain) -PENINSULA by YEON Sang-Ho (South Korea) -IN THE DUSK (Au crépuscule) by Sharunas BARTAS (Lituania) -DES HOMMES (Home Front) by Lucas BELVAUX (Belgium) -THE REAL THING by Kôji Fukada (Japan) En Espinof Cannes 2019: las 16 mejores películas y lo peor del festival más importante del mundo LOS NUEVOS: -PASSION SIMPLE by Danielle Arbid (Lebanon) -A GOOD MAN by Marie Castille Mention-Schaar (France) -LES CHOSES QU’ON DIT, LES CHOSES QU’ON FAIT by Emmanuel Mouret (France) -SOUAD by Ayten Amin (Egypt) -LIMBO by Ben Sharrock (United Kingdom) -ROUGE (Red Soil) by Farid Bentoumi (France) -SWEAT by Magnus Von Horn (Sweden) -TEDDY by Ludovic et Zoran Boukherma (France) -FEBRUARY (Février) by Kamen Kalev (Bulgaria) -AMMONITE by Francis Lee (United Kingdom) -UN MÉDECIN DE NUIT by Elie Wajeman (France) -ENFANT TERRIBLE by Oskar Roehler (Germany) -NADIA, BUTTERFLY by Pascal Plante (Canada) -HERE WE ARE by Nir Bergman (Israel) UN FILM COLECTIVO: -SEPTET: THE STORY OF HONG KONG by Ann Hui, Johnnie TO, Tsui Hark, Sammo Hung, Yuen Woo-Ping et Patrick Tam LAS ÓPERAS PRIMAS: -FALLING by Viggo Mortensen (USA) -PLEASURE by Ninja Thyberg (Sweden) -SLALOM by Charlène Favier (France) -CASA DE ANTIGUIDADES (Memory House) by Joao Paulo Miranda Maria (Brazil) -BROKEN KEYS (Fausse note) by Jimmy Keyrouz (Lebanon) -IBRAHIM by Samir Guesmi (France) -BEGINNING (Au commencement) by Déa Kulumbegashvili (Georgia) -GAGARINE by Fanny Liatard et Jérémy Trouilh (France) -16 PRINTEMPS by Suzanne Lindon (France) -VAURIEN by Peter Dourountzis (France) -GARÇON CHIFFON by Nicolas Maury (France) -SI LE VENT TOMBE (Should the Wind Fall) by Nora Martirosyan (Armenia) -JOHN AND THE HOLE by Pascual Sisto (USA) -STRIDING INTO THE WIND (Courir au gré du vent) by WEI Shujun (China) -THE DEATH OF CINEMA AND MY FATHER TOO (La Mort du cinéma et de mon père aussi) by Dani Rosenberg (Israel) 3 DOCUMENTALES: -EN ROUTE POUR LE MILLIARD (The Billion Road) by Dieudo Hamadi - (Democratic Republic of Congo) -THE TRUFFLE HUNTERS by Michael Dweck et Gregory Kershaw (USA) -9 JOURS A RAQQA by Xavier de Lauzanne - (France) 5 COMEDIAS: -ANTOINETTE DANS LES CÉVÈNNES by Caroline Vignal (France) -LES DEUX ALFRED by Bruno Podalydès (France) -UN TRIOMPHE (The big hit) by Emmanuel Courcol (France) -L’ORIGINE DU MONDE by Laurent Lafitte (France) - 1st film -LE DISCOURS by Laurent Tirard (France) 4 PELÍCULAS ANIMADAS: -AYA TO MAJO (Earwig and the Witch) by Gorô Miyazaki (Japan) -FLEE by Jonas Poher Rasmussen (Denmark) -JOSEP by Aurel (France) - 1st film -SOUL by Pete Docter (USA) En Espinof Primer festival de cine contra la pandemia en Espinof: 33 películas gratis online que te recomendamos para pasar la cuarentena Según Fremaux, a pesar de las difíciles circunstancias originadas por la pandemia, este año recibieron un total de 2.067 largometrajes candidatos a participar en Cannes, nuevo récord para el festival (el año pasado fueron 1.845); de todos estos, 532 fueron realizados por mujeres (575 el año pasado). Entre los trabajos seleccionados hay 15 debuts en el largometraje y 16 obras de directoras (en la edición de 2019 hubo 14). ¿Y qué significa que estas 56 películas reciban el sello de Cannes? A efectos prácticos, poca cosa más allá del valor y el prestigio que se asocia al festival, pues todas estas obras podrán ser proyectadas en otros festivales. En circunstancias normales, las películas presentadas allí no podrían competir en Venecia, San Sebastián y otros certámenes de "clase A", pero al no celebrarse la 73ª edición del festival francés, eso no será un problema. Y en Cannes se quedan tranquilos (es de suponer) porque de algún modo, el festival sigue vivo este año. - La noticia Cannes 2020 anuncia las 56 películas que reciben el sello de su Sección Oficial, con autores como Wes Anderson o Fernando Trueba fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

‘White Lines’ ha sido uno de los éxitos de Netflix en este 2020 pese a que la plataforma no dio la sensación de dedicarle los mismos esfuerzos publicitarios que a otros de sus lanzamientos. Presencia habitual en los Top 10 de la compañía desde su estreno, todavía no se ha hecho oficial su renovación por una segunda temporada, pero hay bastantes señales que apuntan a que es un mero trámite. De hecho, Andy Harriet, jefe de Left Bank Pictures, una de las productoras detrás de ‘White Lines’, comentó en una charla con Deadline que el plan inicial era que la serie tuviese tres temporadas. Veremos si lo consiguen, pero por el momento vamos a repasar todo lo que sabemos hasta ahora de esa segunda temporada que Netflix todavía ha de anunciar oficialmente. Por qué hay que darla como prácticamente segura El nombre de Tom Rhys Harries seguro que a algunos no os suena, pero es el actor que interpreta a Axel Collins en la primera temporada, siendo él quien dejó claro que ya se trabajaba activamente en la segunda temporada en una entrevista concedida a LADbible: Sé que hay una misión de reconocimiento parala segunda temporada; están buscando lugares, siempre y cuando se haga, eso estaba sucediendo antes de la pandemia global (...) Creo que todos estaríamos encantados de volver y visitar el mundo de Álex Pina de nuevo. En Espinof 'White Lines': por qué la nueva serie de Álex Pina para Netflix no es tan adictiva como 'La casa de papel' La historia Resuelto el misterio alrededor del asesinato de Axel Collins, la gran vía de que tiene la segunda temporada está en explorar esa gran rivalidad entre las dos familias del crimen más poderosas de la Ibiza de ‘White Lines’. En la primera temporada se pasa un poco de puntillas por esa enemistad entre los Martínez y los Calafat, por lo que parece la apuesta más lógica, sobre todo si recordamos que el personaje interpretado por Juan Diego Botto llega a decir que es el momento de devolver los ataques pero multiplicándolo por 10. El reparto Lo más probable es que todos los protagonistas reaparezcan en mayor o menor medida. La gran duda está en que la historia de Axel parece cerrada, por lo que quizá se prescindan de los flashbacks y de Tom Rhys Harries. Otro personaje que quedó en el aire fue Boxer tras su decisión de renunciar como jefe de seguridad de los Calafat, pero el personaje interpretado por Nuno Lopes fue lo mejor con diferencia de la primera temporada, así que seguro que algo piensa Pina para seguir contando con él. Más allá de ellos, raro sería no volver a ver a Laura Haddock, Daniel Mays, Marta Milans, Juan Diego Botto, Pedro Casablanc, Belén López, Angela Griffin, Laurence Fox, Tallulah Evans, Ginés García Millán o Fernando Albizu. Eso sí, seguro que habrá varias novedades, y no descartemos tampoco del todo una renovación radical para contar una historia con otro reparto. En Espinof Las 29 mejores series de intriga y suspense en Netflix, HBO, Amazon y Movistar El rodaje Ya hemos comentado antes que se estaban buscando localizaciones de cara a la segunda temporada, pero nada más concreto se sabe al respecto. La primero comenzó sus grabaciones en junio de 2019 y concluyeron en octubre de ese mismo año. La fecha de estreno Obviamente, no hay. Si ni siquiera está renovada oficialmente, de fecha de estreno ni hablemos. Lo que sí merece la pena tener en cuenta es que desde que se empezó a rodar la primera hasta su estreno pasaron unos 11 meses, por lo que todavía tendremos que esperar bastante para que ‘White Lines’ vuelva a Netflix con nuevos episodios. Puedes ver 'White Lines' en Netflix - La noticia 'White Lines': todo lo que sabemos de la temporada 2 de la serie de Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Parece que nunca llegaría el momento después de estos más de dos meses de confinamiento, pero ya falta muy poco para que muchos podamos volver a ese espacio de calma y sosiego que nos ofrece una sala de cine. Las cadenas de exhibición están comenzando a anunciar sus planes de reapertura, y las distribuidoras trazan sus estrategias para distribuir sus estrenos durante las primeras semanas de una reactivación que arrancará, salvo sorpresas el 26 de junio. Ese mismo día, A Contracorriente Films va a inaugurar su vuelta al ruedo tras el parón por la COVID-19 con un reestreno que no podría ser más apropiado para el momento. El título elegido ha sido la maravillosa, y ganadora del Óscar y el Globo de Oro a la mejor película de habla no inglesa en 1990, 'Cinema Paradiso'. En Espinof Ya estamos (casi todos) en fase 2: cuándo vuelven a abrir los cines y las películas que nos esperan El largometraje, dirigido por Giuseppe Tornatore, no sólo es un sentido homenaje al séptimo arte y al oficio de la exhibición cinematográfica. 'Cinema Paradiso' también es una auténtica joya del medio en la que brilla desde su reparto, en el que figuran nombres como los de Philippe Noiret o Salvatore Cascio —que dieron vida al entrañable dúo compuesto por Aofredo Y Totó—, hasta una inolvidable banda sonora compuesto por el eterno Ennio Morricone. En apenas tres semanas podremos sumergirnos en la oscuridad del patio de butacas, y dejar que se nos derrita el corazón una vez más con una historia de amor atemporal; de esas que trascienden a la pantalla y que, con un poco de suerte, volverá a llenar —hasta donde la permitan los aforos— unas salas de cine que necesitan más que nunca el brillo de la luz de los proyectores. - La noticia 'Cinema Paradiso': la joya de Giuseppe Tornatore volverá a los cines para celebrar la reapertura de salas fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Las protestas del Black Lives Matter se han cobrado una inesperada víctima de los apaleamientos virtuales. Lea Michele, la célebre protagonista de 'Glee', fue acusada de racista por algunos de sus compañeros de reparto en la serie de Ryan Murphy. La actriz, que encarnaba a la resabidilla y señorita perfecta Rachel Berry, se ha encontrado con que su presencia en la serie no era todo lo buena que pensaba. Dando, así, lugar a una vorágine de acusaciones que la han obligado a pedir disculpas por su comportamiento. En Espinof Los verdaderos referentes de 'Glee' Todo comenzó por un tuit de Michele lamentando la horrenda muerte de George Floyd a manos de la policía de Minneapolis el pasado 25 de mayo. Un tuit como otros tantos que hemos podido encontrarnos estos días en las redes sociales respecto a esta tragedia. George Floyd did not deserve this. This was not an isolated incident and it must end. #BlackLivesMatter — Lea Michele (@LeaMichele) May 29, 2020 Lo que no se esperaba (ni ella ni ninguno, creo) era que esto se volvería contra ella. Samantha Ware, que se incorporó al reparto de 'Glee' en la última temporada de la serie, fue la primera en tirar la piedra afirmando mediante retuit que Michele había conseguido que su primer bolo en televisión fuese un infierno. LMAO REMEMBER WHEN YOU MADE MY FIRST TELEVISON GIG A LIVING HELL?!?! CAUSE ILL NEVER FORGET. I BELIEVE YOU TOLD EVERYONE THAT IF TOU HAD THE OPPORTUNITY YOU WOULD “**** IN MY WIG!” AMONGST OTHER TRAUMATIC MICROAGRESSIONS THAT MADE ME QUESTION A CAREER IN HOLLYWOOD... https://t.co/RkcaMBmtDA — SAMEYAAAAAA (@Sammie_Ware) June 2, 2020 A su experiencia se les fue uniendo diversos miembros del reparto y trabajadores de la serie, amén de gente que había coincidido con ella en diversos eventos logrando todo un ingente número de quejas y denuncias hacia el comportamiento de la actriz. Un comportamiento del que Lea Michele no era consciente. O por lo menos eso ha afirmado en la disculpa que ha publicado vía Instagram: "Una de las lecciones más importantes en las últimas semanas es que necesitamos tomar tiempo para escuchar y aprender sobre las perspectivas de otras personas y cualquier papel que interpretemos o lo que podamos hacer para ayudar a señalar las injusticias que sufren. Cuando tuiteé el otro día, pretendía ser una muestra de apoyo a nuestros amigos y vecinos y comunidades de color durante este periodo realmente difícil, pero las respuestas que recibí a lo que publiqué me han hecho ver específicamente cómo era visto por ellos mi propio comportamiento hacia compañeros de reparto. Si bien no recuerdo ni siquiera hacer este comentario específico y nunca he juzgado a los demás por su entorno o color de su piel, eso no es lo importante. Lo que importa es que claramente actué de forma que hería a otras personas. Sea mi posición priveligada y perspectiva lo que causaba ser percibida como insensible o inepropiada a veces o sea solo mi inmadurez o ser solo innecesariamente difícil, me disculpo por mi comportamiento o por cualquier dolor que puedo haber causado. Todos nosotros podemos madurar y cambiar y he usado estos últimos meses para reflejar mis carencias. Estoy a un par de meses de ser madre y sé que necesito continuar mejorándome a mí misma y tomar responsabilidad por mis acciones para que pueda ser un auténtico modelo de conducta para mi hijo y pueda transmitir mis lecciones y errores para que puedan aprender de mí. He escuchado estas críticas y estoy aprendiendo y mientras que lo lamento mucho, seré mejor en el futuro por esta experiencia." Una respuesta que, la verdad, es fácil de entender debido a que, con el tiempo, nos vamos dando cuenta de cosas que hemos hecho mal y que no hemos sido conscientes. Lo que sí que me sigue sorprendiendo es que en una serie como 'Glee' creada por Ryan Murphy y que tanto celebraba la diversidad y la diferencia, se haya podido formar un ambiente tan tóxico. - La noticia Lea Michele se disculpa por su comportamiento racista en 'Glee': "Actué de forma que hería a otras personas" fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

La cuarta temporada de ‘El ministerio del tiempo’ arrancó con cuatro estupendos episodios que han demostrado una vez más que es una serie que merece mucho la pena. Lo malo es que solamente quedaban otros cuatro para una despedida que podría ser definitiva. Esperemos que no sea el caso, pero el propio Javier Olivares, cocreador y showrunner, destacó en una reciente entrevista que ya está satisfecho si estos ocho capítulos son los últimos de ‘El ministerio del tiempo’. El gran golpe de efecto final con el que concluía ‘La memoria del tiempo’ nos dejó a todos con muchas ganas de ver ‘Deshaciendo el tiempo’, un episodio que se estaba vendiendo, entre otros aspectos, por la muerte de alguien, pero sin concretar de quién se trataba. Un misterio que al fin ha sido desvelado en un sensacional episodio en el que se abraza de lleno su componente de ciencia ficción. Cuidado con los spoilers a partir de aquí. Maravilloso Una de las grandezas de ‘El ministerio del tiempo’ es que a lo largo de cuatro temporadas ha sabido equilibrar sus múltiples vertientes, potenciando por lo general los episodios de corte más histórico en los que la mayoría de los espectadores casi siempre acababan habiendo aprendido algo que no sabían que podía interesarles tanto. A cambio, no han sido tantas las ocasiones en las que la ciencia ficción se ha erigido por encima del resto y quizá eso ha ayudado a que funcione tan bien ‘Deshaciendo el tiempo’. La propia serie nos había dicho en infinidad de ocasiones que el tiempo es el que es y solamente una situación auténticamente desesperada como la llegada al presente de Felipe II llevó al ministerio a estar a punto de cambiar la historia para siempre. Otras veces que se había coqueteado con esa idea había sido para potenciar sobremanera su componente más dramático y aquí lo tenían muy fácil para ir por ese camino, pero resulta curioso que lo cómico haya tenido una presencia tan notable en las constantes meteduras de pata de Pacino. En Espinof 'El Ministerio del Tiempo': los grandes momentazos que nos está dejando la cuarta temporada Solamente la idea de ver a Julián y Alonso de chavales ya habría hecho que ‘Deshaciendo el tiempo’ mereciera la pena, pero es que todo el episodio ha funcionado como un tiro. Desde el mayor protagonismo de una impecable Manuela Vellés -la escena en la que habla consigo misma podría haber resultado ridícula con suma facilidad y aquí no se me ocurre pega alguna que ponerle- hasta las reacciones de un magnífico Hugo Silva que es el único personaje de la serie que podría haber manejado algo así. Todo funciona No voy a entrar en ese debate sobre si es mejor personaje Julián o Pacino, pero sí tengo claro que el episodio habría sido menos interesante de haber sido él quien se enfrentase a una situación similar para salvar a alguien. Desde luego mucho más dramático -al caso de Maite me remito-, pero en ‘Deshaciendo el tiempo’ eso es algo que se controla tanto que incluso el shock de descubrir que Julián y Alonso mueren en una línea temporal o que el ministerio salta por los aires se siente diferente. Por no mencionar ese breve pero decisivo momento en el que Pacino explica a cámara que no se arrepiente de nada de lo que ha hecho, algo muy potenciado por la escena en la que vemos a Lola descubriendo el resultado de un test de embarazo. Doloroso y emotivo, pero sin que en ningún momento se sienta como una sobrecarga dramática que desequilibre un episodio cuya función en principio parece la de volver al punto de salida. Eso sí, el adelanto del siguiente episodio deja claro que eso no va a impedir que todo salte por los aires. En Espinof Las 19 mejores películas con viajes en el tiempo Y es que una cosa que sí ha dejado clara ‘Deshaciendo en el tiempo’ es que es una serie que no está dispuesta a seguir el camino fácil -yo ya creía que Diaz Bueno iba a ser el gran villano de esta segunda mitad de temporada- y lo único que espero es que lo que está por llegar en estos últimos tres episodios no sirva para poner punto y final a la serie. Es una serie con demasiadas posibilidades como para quedarse en apenas 42 episodios -43 si contamos la precuela de esta cuarta temporada como un capítulo-. En resumidas cuentas ‘Deshaciendo el tiempo’ ha sido una gozada, un episodio que ha apostado de lleno por la ciencia-ficción sin por ello dejar de lado los rasgos más cómicos y dramáticos de la serie, los cuales han estado perfectamente integrados en un capítulo que se pasa volando y que consigue que el espectador se meta de lleno en la piel de Pacino. A fin de cuentas, todos somos humanos y estaríamos muy tentados de hacer lo mismo en su situación. - La noticia 'El ministerio del tiempo' 4x05: un sensacional episodio que abraza de lleno la ciencia ficción fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Dicen que la mejor manera de entender un suceso, como la de este confinamiento masivo por la COVID-19, es tomarlo desde la distancia. Por eso sigue siendo difícil entender que en los últimos meses se hayan producido ya un puñado de ficciones y ensayos audiovisuales hechas desde el confinamiento como 'Madrid interior' o 'Diarios de la cuarentena'. Es el caso también de 'En casa', producción original de HBO España que se estrena hoy miércoles en la que se propone a cinco directores de cine y televisión el mismo reto: contar cada uno una historia en el marco de esta cuarentena con los medios justos (un móvil de última generación y accesorios básicos). En Espinof Las 23 mejores series para hacer un maratón en Netflix, HBO, Amazon y Movistar+ Así, esta nueva serie es una antología con historias (en orden de episodio) creadas y dirigidas por Rodrigo Sorogoyen, Elena Martín, Leticia Dolera, Carlos Marques-Marcet y Paula Ortiz. Directores que cuentan con la ayuda de sus amigos, parejas y compañeros de piso para el guion y la interpretación de su respectivo episodio. La paradoja del amateurismo del profesional Es casi paradójico ver a estos directores enfrentándose a menos medios de los que cuenta una producción amateur. Sobre todo en cuanto a los humanos (un equipo). Un reto añadido al hecho de grabar con el móvil y las limitaciones, por muy buena cámara que este tenga, que eso implica. Y, quieras que no, se nota. Se nota más en esas limitaciones que todos seguramente hemos notado cuando hemos sacado el móvil para grabar algo sin condiciones óptima de captura (poca iluminación o directamente de noche, por ejemplo) o el uso del zoom que a la que te descuidas te hace un Lazarov de lo brusco que es. En Espinof La cámara no importa: 14 películas que demuestran que se pueden obtener grandes resultados con material asequible Este toque amateur se ve más en el primer episodio, el divertimento realizado por Rodrigo Sorogoyen, que acusa de carencias en la gestión de la iluminación. De hecho hasta podríamos decir que los mejores episodios de 'En casa' son los últimos... los más "tramposos" en su realización. Carlos Marques-Marcet dirige el episodio que es, de lejos, el mejor realizado. Tiene los mejores planos, el mayor cuidado con la iluminación y le mete cierta trampa al usar metraje de cosas que el cineasta fue grabando con su móvil de viaje, proporcionando un relato bastante completo e interesante. Por otro lado, Paula Ortiz (quinto episodio) nos ofrece una estimable comedia en blanco y ***** dirigido mediante videollamada. Un reto asumible cuando tienes la posibilidad de contar con Julia de Castro y Celia Freijeiro como protagonistas y la ayuda de alguien que opere la cámara del móvil. Una antología desigual Ese último episodio es, de hecho, mi favorito de los cinco mientras que el tercero, el de Leticia Dolera, para mí es el peor. No sé si es más por historia o por el hecho de que era la que menos ayuda externa tenía (estando sola en casa) y por tanto la que más limitada andaba. El caso es que las diferencias entre un episodio y otro son bastante evidentes a varios niveles. Tanto a nivel de historia como de realización, haciendo algo difícil valorar el conjunto como un todo cohesivo. Tiene todo un aire amateur de fábrica que tampoco se puede exigir demasiado en ciertos planos de producción. Así que en lo que más podemos jugar es en el nivel artístico más que en el técnico... y aquí es donde se ve que como serie, 'En casa' es una antología bastante notable. Creo que todos los episodios son interesantes y muestran historias muy dispares entre sí. De un drama indie de amistad y convivencia realizado por Elena Martín al disparatado descubrimiento en torno a la pareja de Sorogoyen pasando a lo complicado de las relaciones a distancia en el caso de Leticia Dolera. 'En casa' es una de esas ficciones a las que vas sin mucha idea de qué encontrarte por las circunstancias y terminas sorprendido. La gran pega es que, debido a lo diferente de cada autor, funciona mucho mejor como colección de cortos sueltos que como una antología seriada. - La noticia 'En casa': HBO propone una sorprendente antología sobre el confinamiento marcada por las diferentes miradas de sus autores fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Vilipendiado por buena parte de los más aburridos críticos y/o seguidores únicamente del cine de "calidad", Kevin James parece haber tomado una importante decisión profesional con su nueva película. En 'Becky', el colega de Adam Sandler se pasa al terror y a la invasión doméstica. Invasión USA Los directores de la simpática 'Dulces criaturas' ('Cooties') y la ambiciosa 'Bushwick' que pudimos ver hace unos años en Sitges, vuelven con una nueva entrega de su género predilecto: terror con actores de comedia. Y es que además de James, 'Becky' cuenta en sus filas con el omnipresente Joel McHale. En Espinof Las 37 mejores películas de terror de todos los tiempos Protagonizada por Lulu Wilson, Becky es una niña de 13 años que se va una casa en el lago con su padre (McHale) en un intento de reconexión familiar. Por su parte, el implacable Dominick (interpretado por Kevin James) irrumpe en la casa junto a un grupo de convictos con muy malas pulgas. 'Becky' promete una nueva e interesante propuesta de invasión doméstica y venganza sangrienta que no ha pasado inadvertida entre buena parte de la prensa especializada y que podrá verse en los autocines de Estados Unidos a partir de este fin de semana. Nosotros tendremos que esperar un poco más hasta conocer la venganza girl power que se pude intuir en su intenso tráiler. - La noticia Impactante tráiler de 'Becky': Kevin James se pasa al terror con un nuevo estreno para los autocines de Estados Unidos fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Hace unas semanas hicimos un repaso a las comedias más destacables que estaban disponibles entonces en el catálogo de HBO y ahora es el turno de hacerlo con las mejores películas de terror. La selección es más modesta que en otra ocasiones porque en esta plataforma no abunda precisamente este tipo de género, de ahí que solamente haya incluido nueve. 'Annabelle: Creation' La primera parte de 'Annabelle' fue tan lamentable que había perdido toda la fe en que pudiera salir algo bueno de esta franquicia, pero David F. Sandberg sí estuvo más atinado en esta segunda entrega que funciona a modo de precuela. Una efectiva exploración de los orígenes de esta siniestra muñeca. Crítica en Espinof En Espinof Las 37 mejores películas de terror de todos los tiempos 'Bienvenidos a Zombieland' He tenido mis más y mis menos sobre la conveniencia de incluirla por mucho que HBO España la incluya en su sección de películas de terror -no así otras sí presentes en esta lista que creo que encajan mejor-, pero bueno, no deja de ser un personaje esencial en el cine de terror para ofrecer un acercamiento más cómico con un reparto con bastante química. Va de más a menos, eso sí. Crítica en Espinof 'El orfanato' No soy un gran amante del cine de Bayona, pero justo es reconocer que su estimable ópera prima dejó algunas escenas para el recuerdo, amén de una solvente interpretación de Belén Rueda. Crítica en Espinof 'Hereditary' Una de las grandes sensaciones del cine de terror de los últimos años. Apoyada en una extraordinaria interpretación de Toni Collette que fue injustamente ignorada por los Óscar, es una cinta intensa que evita los jumpscares, prefiriendo potenciar las relaciones entre los personajes a través de una precisa labor de puesta en escena. Crítica en Espinof 'Infierno azul' ('The Shallows') Un gran pasatiempo de terror que desfallece en su último acto, pero antes te había enganchado gracias tanto a la dirección de Jaume Collet-Serra como a la muy convincente interpretación de Blake Lively. Hasta se permite jugar con la presencia de una gaviota de tal forma que en otro lugar podría resultar ridícula y aquí redunda en la empatía del público con la protagonista. Crítica en Espinof En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) 'It' La primera de las dos entregas de la nueva adaptación de la aterradora novela de Stephen King es la mejor con diferencia, ya que consigue exprimir todo el encanto de su joven reparto sin caer en el uso de la nostalgia por la nostalgia. Además, era muy difícil hacernos olvidar a Tim Curry como Pennywise, pero Bill Skarsgård está estupendo. Crítica en Espinof 'La huérfana' ('Orphan') Otra cinta de Collet-Serra con un final que es un salto al vacío sin red. Un alucinante giro que cambia nuestra perspectiva de todo lo visto antes, hasta el punto de que entiendo perfectamente que alguien odie la película por ello. Eso sí, antes tenías un reparto solvente que no se deja llevar y un trabajo de puesta en escena más que estimable. Crítica en Espinof En Espinof Las 13 mejores películas de terror en Netflix 'La señal' ('The Ring') Personalmente me quedo con la versión original asiática, pero este remake americano a cargo de Gore Verbinski es una estimable relectura con una efectiva atmósfera. Aquí se evita caer en los sustos fáciles y el director de 'El llanero solitario' cuenta con una gran aliada en Naomi Watts. 'Musarañas' Una película española que se acerca al terror con un corte más clásico a través de dos hermanas con personalidades contrapuestas. Le falta un poco más de empuje para lograr bordar la atmósfera malsana que busca, pero a cambio va abrazando poco a poco lo esperpéntico con bastante soltura. Crítica en Espinof - La noticia Las nueve mejores películas de terror en HBO fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Con los tres episodios que hay publicados ya en Netflix, queda claro que la serie ‘Snowpiercer: rompenieves’ de TNT no es una adaptación pura y fiel de la película de Bong Joon-ho, lo cual deja abierta su relación real con el cómic original. En realidad, no acaba siendo ni una cosa ni la otra y toma ideas de sus dos fuentes originales mientras trata de crear algo relativamente nuevo, introduciendo subtramas como la investigación criminal. En lo que se diferencian los tres trabajos es que en las dos versiones audiovisuales tratan sobre la revolución. El cómic es más sombrío porque recrea un mundo tan acabado en donde incluso la revolución es inimaginable. Lo que diferencia a ‘Snowpiercer: rompenieves’, la serie, sobre la adaptación cinematográfica, es que supone un punto menos idealizado e irreal que la película. Ya sea por un presupuesto más ajustado y la cualidad de las lentes de televisión, hay un punto menos gillianesco y más de una serie policíaca normal. Las novelas gráficas ‘Rompenieves’ (Le Transperceneige, 1982) de Jacques Lob, Benjamin Legrand y Jean-Marc Rochette es un cómic francés de culto sobre la historia de un mundo destruido por una nueva era de hielo. Como en los films, el resto de la humanidad se encuentra en un tren especial de 1.001 coches de largo que están dando vueltas sin parar alrededor del globo. Las personas más pobres están selladas en la sección de cola y las más ricas están en la sección de primera clase con el resto de la humanidad dividida en vagones. El autor Jacques Lob establece la dura realidad de la vida a bordo de un solo tren con la ayuda del fantástico arte en blanco y ***** de Jean-Marc Rochette, y ambos retratan la vida de Proloff, el personaje principal, que escapa de la cola y lo llevan a encontrarse con los líderes del tren. En el camino, conoce a una activista llamada Adaline con la que descubrirá los secretos del rompenieves. Pese a que la historia que cubre la película pertenece a solo un tomo, hay varios volúmenes que llevan la historia a todo el mundo. En Espinof 'Snowpiercer: Rompenieves' y su accidentado viaje hasta el estreno: todos los problemas que han frenado la serie distópica La primera novela gráfica retrata a una sociedad dura y cruel que se ha hundido en las profundidades de la desesperación. La sección de primera clase está marcada por la opulencia, el sexo decadente y la degradación humana a través del materialismo vacío. Sin embargo, no juega con el blanqueamiento de su protagonista y sus motivaciones no son siempre tan puras e inmaculadas. Sin embargo, no hay tantas diferencias entre la novela gráfica y la serie como con la película. Línea temporal Técnicamente la serie ‘Snowpiercer’ tiene lugar 10 años antes de lo que narra la película, siete años después que la Tierra se congele, sin embargo pese a que están funcionando en un mismo universo hay detalles que hacen pensar en tres productos independientes. Los personajes están igual de demacrados y derrotados, que en las viñetas, pero a diferencia de los del film, no están preparados para una gran revuelta. Por tanto, la serie no parece caminar hacia la sublevación y no pone el cronómetro contrarreloj. Así, hay un desarrollo del personaje principal más pausado y no tiene interés en dirigirse de cualquier forma al fin. Es más, teniendo en cuenta cómo se desarrollan los capítulos que llevamos, y entrando en una secuencia "oficial" de hechos, no tiene pinta de que lleguemos a ese punto en las temporadas que siguen, habría una década hasta la rebelión de Curtis. Y en este aspecto también se diferencia con el cómic hasta ser un producto claramente individual, que no se complementa con las otras ni enriqueciendo ni arruinando la experiencia del otro. Y es que, si bien tanto en la novela gráfica como en la película los personajes llegan al final del tren, las experiencias no podrían ser más diferentes. Sí que hay algún punto en común con la serie y el cómic, ya que cuando Proloff es liberado, lo llevan directamente a conocer personajes. Aunque en el tebeo, conoce a Alec Forrester, un ingeniero que desarrolló la idea del movimiento perpetuo que le hace cargo del cuidado del motor. Luego hay un salto al futuro donde vemos que Proloff se lamenta de que ya nada parece funcionar y que solo quiere que el tren se detenga. Una conclusión anticlimática, deprimente y algo insatisfactoria. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia Entre la versión Hollywood y el cómic En la película, Curtis va superando obstáculo tras obstáculo y debe abrirse camino con la ayuda de otros a través de cada puerta y punto de control en una estructura de videojuego y film de supervivencia que acaba también en la sala de máquinas en donde se encuentra con su creador, el venerado Wilfred. La diferencia es que el final tiene una revelación terrible en la que los niños robados están siendo utilizados para mantener en marcha el motor, con los traidores en la cola colaborando con Wilfred para "equilibrar" la población del tren. En la serie participa de la permeabilidad entre vagones del cómic. Lejos de estar en la cola desde el principio y movernos con ellos “fase a fase”, se puede ir picoteando en la vida de los pasajeros de todas las clases y partes del tren. Además, la serie se desmarca del misterio final exponiendo este equilibrio desde los primeros episodios, cuando sabemos que Wilford Industries ha dado la orden de que no nazcan más niños en la sección de cola, e incluso muchas mujeres han sido esterilizadas. Para mantener este tren y mantenerlo se exige un cierto nivel de orden en todos los pasajeros, por lo que, quitando las similitudes visuales, como la escena de la amputación del brazo como castigo, la comida en tabletas galatinosas, y detalles de la fotografía, ‘Snowpiercer: rompenieves’ de Netflix se aparta del film más que de las viñetas. Pese a que en aquellas no hay una gran importancia a la trama de investigación que se desarrolla en los primeros episodios. Aquí el personaje de Jennifer Connelly, Melanie, es en realidad el Sr. Wilford. Dilemas de clase y ecología Tanto en la película como en la serie la estructura de clase en el tren es lo más importante. Los ricos están al frente y los pobres están atrás. Sin embargo, en la novela gráfica la disminución de los recursos es un tema constante, dando a entender que la causa pudo ser que un tipo de arma salió mal creando un desastre ambiental que condiciona el día a día de todas la población del tren, dejando el tema de la justicia social que tanto preocupa al coreano en su cine. Ahora, el desastre ambiental y el apocalipsis inminente es particularmente oportuno. En Espinof Hoy es cine, mañana puede ser verdad: 11 películas que nos alertan sobre la destrucción del planeta Por ello, la serie comparte con el cómic un menor repiqueteo marxista y pone también peso en el cambio climático, que si bien era importante en 2013, no era tan preocupante y ubicuo en los medios gracias al activismo de personalidades como Greta Thunberg, nombrada Persona del Año, por lo que también se diferencia en el origen del problema, de un lejano 1982 más preocupado en la energía nuclear que el calentamiento global. Este es otro factor que resta importancia a la revolución como motivación principal. El Proloff del cómic solo quiere salir de la cola. Como otros héroes postapocalípticos grises, admite que no tiene interés en ayudar a la cola, su viaje hacia adelante junto a Adaline van con guardias y nadie los sigue. Otro detalle es que ambos van rapados, porque se considera que las personas que viven en la cola están llenas de enfermedades y es un requisito para evitar que propaguen piojos o enfermedades, simbolizando el desprecio que sienten por ellos y la deshumanización. Sin embargo Andre lleva unas generosas rastas en la serie. Maneras de vivir En la novela gráfica comen ratas, y una carne sintética conocida como ‘Mama’ destinada que a la clase media. Más arriba prueban el conejo y los más ricos comen frutas y verduras cultivadas en un vagón del tren, que es más estrecho, por lo que no encontramos vacas. También hay un vagón abarrotado para pobres, la cola, pero en la versión de cine hay algo de luz de ventanas, espacio para caminar y dormir en cubículos. Lo que tiene que ver en la serie es que no hay privacidad en absoluto, y también está sucio, oscuro y demasiado lleno de gente. Como en el cómic, tenemos un prólogo en el que se ve como meten a todos a la fuerza. Un episodio muy descorazonador del cómic ha sido replicado en la serie, el del viejo pide por su cumpleaños que le dejen solo durante tan solo una hora, lo que utiliza para suicidarse con tranquilidad con el cable de carga de un aparato musical. Un horrible recordatorio de lo oscura que se ha vuelto la vida para la clase más oprimida del tren. Como en el cómic, el los sucesivos episodios no hay una presencia constate de este vagón, aunque sí volvemos a el de cuando en cuando. La serie también muestra un interés romántico entre los protagonistas, pese a que no se desarrolla de forma similar. De momento no hay un culto religioso que adora el motor de los trenes, pero sí hemos visto un vagón bar. Sala de espectáculos, que en las viñetas está más inclinado a servir de burdel para la clase alta. En la serie de Netflix hay una representación del sexo como forma de pasar el tiempo, pero no de forma tan depravada y sórdida, sino de forma más aleatoria, con otras implicaciones— la inclusividad y la representación LGTBI—, pero acaba acaba convirtiéndose en insertos pobretones y horteras. La inclusión más importante, quizá es la recuperación de un virus, que en el cómic está infectando los habitantes a bordo del tren y que en la serie aparece de forma tangencial, aunque podría tener que ver con el desarrollo de la parte final de la novela en un futuro. Lo que queda claro es que la serie no es tan parecida al film de Bong Joon-ho como pueden achacar sus seguidores, sino que, de momento, en varios aspectos, se ajusta más al material de base original. - La noticia 'Snowpiercer: Rompenieves': las diferencias entre la serie que emite Netflix, el cómic original y la película de Bong Joon-ho fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Estamos en 2020 y ya es raro que haya alguna productora/distribuidora importante de cine y televisión sin una plataforma de streaming en su poder. Ya lleve tiempo en el mercado (Disney+ o HBO Max de Warner) o esté preparando su lanzamiento (la Peacock de NBC), está claro que la oferta no deja de crecer y nuestros bolsillos no dejen de temblar. La pandemia de la COVID-19 ha hecho, además, que las previsiones de las plataformas para estos primeros meses de 2020 se han visto ampliamente superadas. Por ejemplo, en Estados Unidos tenemos a Netflix con un aumento de un 45% de suscriptores y Disney+ se dispara al incremento del 211%. En Espinof Netflix vs. Disney+: comparativa de precios y catálogo de series y películas Porque claro, a poco que tengamos interés en lo que ofrecen, sus precios asequibles hacen que enseguida piquemos con alguna suscripción (o, al menos compartamos cuenta). Imaginemos a un usuario normal. A uno que le gusta el cine y la televisión y quiere estar a la última con lo que ve todo el mundo. Ahí, Netflix, es imprescindible (7.99 euros al mes). Además, le gusta ver series de calidad... y aquí es donde destaca la oferta de HBO España. Le sumamos 8.99 euros al mes. Además, somos clientes habituales de Amazon, por lo que tenemos Prime Video incluído en nuestra suscripción. Te gusta el anime, ahí está Crunchyroll. Tenemos hijos... así que Disney+ se convierte en una opción bastante atractiva. Haciendo cuentas Ted Sarandos esperando que le lleguen tus datos de pago Y así, vamos sumando plataformas con ofertas e intereses distintos... y si nos descuidamos podemos llegar a superar holgadamente los quinientos euros al año solo en plataformas de vídeo bajo demanda más importantes. De hecho, hagamos cuentas: Netflix (Básico): 7.99 euros al mes = 95.88 euros al año HBO España: 8.99 euros/mes = 107.88 euros al año Movistar+ Lite: 8 euros al mes = 96 euros al año Prime Video: 36 euros al año Disney+: 69.99 euros al año Filmin: 84 euros al año Apple TV+: 4.99 euros al mes = 59.88 euros al año Flixolé: 29.99 euros al año Sky: 6.99 euros al mes = 83.88 euros al año Starzplay: 4.99 euros al mes = 59.88 euros al año Quibi: 8.99 euros al mes = 107.88 euros al año Crunchyroll: 4.99 euros al mes = 59.88 euros al año AcornTV: 49.99 euros al año DAZN: 99.99 euros al año Mitele Plus Básico: 30 euros al año Atresplayer Premium: 29.99 euros al año Total: 1101.12 euros al año. (91.76 euros al mes) En Xataka La fatiga de la suscripción: cuando hasta una aplicación para leer códigos QR te pide siete euros al mes Todo esto suponiendo que no compartamos cuentas para ahorrar algo de dinero y teniendo en cuenta que no he metido ofertas como FuboTV (es bastante menos completo que Sky y Movistar+ en cuanto relación calidad precio) o la suscripción de Rakuten por la poca oferta que tiene. En mi caso personal, tengo Netflix (plan 4K), HBO, Disney+ (me hice la oferta inicial), Filmin, Apple TV+ (gratis al adquirir un cacharro Apple), Prime Video, Movistar+, Sky y Quibi: un total de 767.51 euros al año. Claro, hay que tener en cuenta que servidor es un editor de un medio de cine y televisión como es Espinof y, por tanto, es un gasto útil para tener acceso en cualquier momento a las nuevas series y películas que van llegando sin necesidad de recurrir a otros métodos. Sin tiempo para todo lo que hay para ver Jeff Bezos pensando en qué gastar tus 36 euros anuales Claro, aquí es donde nos encontramos con esa imperiosa necesidad de tener que amortizar nuestras suscripciones y ver que no lo hacemos. Esto termina provocando una fatiga por suscripción que se une a todos esos otros servicios fuera de este campo (Spotify, o las de videoconsolas) que también usamos. ¿Hasta qué punto compensa pagar un servicio por el uso que le damos? Yo reconozco que soy muy impulsivo a la hora de sacar la tarjeta para suscribirme, pero miro mucho el ver si me va a merecer la pena independientemente de si comparto o no la cuenta con terceros. Otra cosa es que me acuerde de desuscribirme cuando un servicio ya no me interesa. - La noticia 1.101,12 euros al año: eso cuesta estar suscrito a Netflix, HBO, Disney+, Amazon, Movistar+ y otras plataformas de streaming fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El inicio del mes de junio de este 2020 viene acompañado de una triste noticia relacionada con el mundo de las bandas sonoras, y es que, según ha informado su propia familia, Lennie Niehaus, el arreglista y compositor de cabecera de Clint Eastwood, ha fallecido a los 90 años de edad en la casa de su hija, ubicada en el estado de California. Niehaus, ganador del Emmy a la mejor banda sonora por la TV Movie 'Lush Life', nació en 1929 en St. Louis, Missouri, en el seno de una familia con estrechos vínculos con la música. Su hermana fue pianista profesional y su padre un experto violinista que impulsó la carrera musical de su hijo, quien comenzó a formarse como saxofonista y clarinetista con tan sólo 13 años. En Espinof Las 23 mejores bandas sonoras de la historia del cine Tras su graduación, decidió estudiar música en el Los Angeles City College, comenzando su carrera profesional de la mano de nombres como Phil Carreón o Stan Kenton. En 1962 Niehaus dio el salto al panorama cinematográfico junto al compositor Jerry Fielding, trabajando en las bandas sonoras de largometrajes como 'Perros de paja' o 'Quiero la cabeza de Alfredo García' de Sam Peckinpah. No obstante, puede que la parte más recordada de su trayectoria sea la compartida junto a Clint Eastwood, cuya pasión por el jazz les unió hasta convertirles no sólo en amigos, sino en estrechos colaboradores. El compositor firmó una docena de bandas sonoras consecutivas para Eastwood, comenzando por 'El jinete pálido' en 1985, y orquestó la música para otros seis títulos del legendario director, incluyendo clásicos como 'Mystic River', 'Gran Torino', o 'Sin perdón'. Para recordar como es debido a Lennie Niehaus, aquí os dejo con una fantástica lista de reproducción con algunos de sus memorables trabajos. - La noticia Fallece a los 90 años Lennie Niehaus, el fantástico saxofonista y compositor de cabecera de Clint Eastwood fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Después de unos días trasteando con Quibi, la nueva plataforma de streaming exclusiva para dispositivos móviles que apuesta por los formatos de corta duración, y disfrutando de algunas de sus producciones como '50 States of Fright', 'Reno 911', 'Most Dangerous Game' o '#FreeRayshawn', ha llegado el momento de poner en orden mis conclusiones sobre el servicio. Si bien su propuesta de ofrecer episodios que, por norma general, se sitúan entre los cinco y los diez minutos de metraje, me parece tan atractiva como interesante en estos tiempos de catálogos saturados y tiempos de atención reducidos; es en sus aspectos técnicos donde Quibi muestra unas claras limitaciones que minan la experiencia. En Espinof Quibi: las nueve mejores series y programas para comenzar a exprimir a fondo la nueva plataforma Estos no se reducen al hecho de que el único modo de pode ver sus series sea a través de dispositivos móviles —a fin de cuentas, ya es práctica habitual—, sino a uno de sus reclamos comerciales; una posibilidad de ver el contenido en formato vertical que, salvo en contadas ocasiones, no muestra aliciente alguno y destruye la intención visual y narrativa de los realizadores y sus equipos. Nota: A día de hoy, Quibi impide que puedan realizarse capturas de pantalla de sus series, así que ilustraré este artículo como buenamente pueda. Los problemas de la verticalidad Convirtiendo un plano bien compuesto en una cosa rara. Tras elegir cualquiera de las series que pueblan el catálogo de Quibi y apretar al botón de play, el usuario tiene la opción de, en cualquier momento, cambiar la orientación de su teléfono móvil para que el formato de visionado de la serie varíe entre el horizontal y el vertical. Una idea, a priori, interesante, que termina lastrada por un buen puñado de problemas que vamos a repasar a continuación. El primero de ellos pasa por el incordio de mover el dispositivo cada dos por tres para ver cómo afecta el cambio de orientación al plano que aparece en pantalla. Un gimmick, que dirían los angloparlantes, que ya de por sí es una molestia, que invita a desconectar de la narración y que, además, hace perder valiosos segundos de información ante los abruptos cambios de valor de plano. Además de los reencuadres mal compuestos, nos perdemos reacciones de otros personajes. Girar la pantalla puede convertir un plano general en un plano medio, y un plano americano en un primerísimo primer plano. Pero, ¿cómo cambia Quibi la escala? La respuesta es muy sencilla: con un —valga la redundancia— reescalado digital; básicamente una ampliación que reencuadra la imagen horizontal y la ajusta a la relación de aspecto vertical con la consiguiente pérdida de resolución y calidad. Pero este es el peor de los males derivados de reconvertir a una relación de aspecto vertical de, por ejemplo, 9:16, un plano rodado en 16:9 —próximo al 1:85.1 cinematográfico—. Esta práctica destruye por completo la composición original, creando aires, escorzos y entradas y salidas de cuadro aberrantes que recuerdan a las remasterizaciones de series como 'Buffy, cazavampiros', 'Friends' o 'Los Simpson'. En 'Buffy, cazavampiros', pasar del 4:3 de emisión al 16:9 de rodaje hizo que se colasen miembros del equipo en plano, entre otras cosas. En los casos mencionados, el salto del 4:3 de las emisiones originales al 16:9 de las nuevas versiones, con la consiguiente ganancia de aire en los laterales del encuadre, propició la aparición de escorzos, personajes que no deberían aparecer en plano e, incluso, miembros del equipo y material de rodaje como focos. En cuanto a la familia amarilla de Fox, la reescalada también afectó a la narrativa, perdiéndose algunos de los chistes visuales por el camino. Desvirtuando la narrativa En este plano abierto se nos cuenta visualmente que el personaje ha vendido casi todo su taller, ahora vacío. Pasamos a vertical y... ¡Significado eliminado! Más allá del incordio que supone rotar el teléfono móvil, y del desastre visual en el que se convierten los planos adaptados al formato vertical, el peor efecto que tiene esta opción sobre las series de Quibi es el modo en que destruye buena parte de su narrativa. Cabe recordar que estamos en un medio audiovisual en el que cada plano tiene —o debería tener— una intención dramática, que se pierde junto a la horizontalidad. Hay un par de ejemplos concretos que ilustran a la perfección este problema, estando el primero de ellos contenido en el segundo capítulo de '50 States of Fright'. La historia nos cuenta cómo uno de los personajes ha vendido todo el material de su taller para poder cumplir el deseo de su pareja; algo que se muestra visualmente por cámara mediante un plano entero del personaje, que muestra el espacio prácticamente vacío. Al cambiar a posición vertical, este plano general se convierte en un plano cerrado sobre el personaje que nos priva de toda la información adicional. Cómo cargarse el simbolismo de un plano con un giro de 90º Más flagrante es el caso de '#FreeRayshawn'. En un momento de su primer episodio, Rayshawn y su mujer discuten frente a frente en un plano conjunto, ocupando la mitad izquierda del encuadre. En la mitad derecha, un espejo refleja la imagen, con el añadido de que, entre medias de la pareja, puede verse al hijo pequeño de ambos separándoles físicamente. Pasamos a vertical y todo el significado del plano desaparece por completo. En Espinof La relación de aspecto: historia y usos narrativos de una herramienta fundamental en el cine El formato vertical también afecta severamente a las conversaciones y a los ejes de miradas, especialmente en lo que respecta a escenas con tres o más personajes interactuando —a mayor número de interlocutores, mayor es el caos—. En el primer episodio de 'Reno 911' hay una charla en una sala abarrotada de personas perfectamente legible en posición horizontal, que se transforma en un auténtico caos cuando cambiamos la relación de aspecto y cerramos el encuadre sobre el emisor, que obtiene respuestas desde personajes fuera de su eje de mirada y habla con interlocutores desconocidos. Caos de miradas. Si en situaciones estáticas la verticalidad se transforma en anarquía audiovisual, cuando la acción hace acto de presencia se antoja necesario tomarse una Biodramina contra el mareo. No necesitamos más que echar un breve vistazo a la persecución a las cuatro ruedas con la que arranca '#FreeRayshawn', rodada por un conocedor del género y sus códigos como Antoine Fuqua, reconvertida en un amasijo de planos claustrofóbicos y sin sentido del espacio ni la distancia entre perseguido y perseguidores si optamos por el 9:16. Los montadores responsables se han esforzado en paliar —infructuosamente— todas las carencias de la relación de aspecto vertical mediante —rancios— zooms y reencuadres digitales sobre la imagen original horizontal para desvelar información o favorecer la aparición de elementos necesarios en pantalla; como sucede en los jumpscares de '50 States of Fright' en los que un personaje se abalanza sobre otro en un plano abierto. La acción tampoco se ve beneficiada del formato vertical. A todo esto hay que sumar el hecho de que los tiempos de lectura de cada plano se muestran visiblemente alterados. Al tener menos información en los reencuadres verticales, su tiempo de lectura es notablemente inferior, pero, al estar el montaje adaptado a la información que se muestra en el original horizontal —y al ser la pantalla tan pequeña—, la duración de cada plano es muy superior a la necesaria, con la consiguiente alteración de ritmo. Aciertos puntuales Mantengan sus dispositivos móviles en posición horizontal. Por supuesto, entre todo este cúmulo de despropósitos hay pequeños rayos de luz que se revelan cuando el formato vertical se utiliza con voluntad narrativa o para aportar algo diferente a lo estándar. Por ejemplo, en un par de momentos de 'Reno 911', girar el teléfono convierte la imagen en una suerte de emisión en directo de Instagram o en la body-cam de uno de los agentes de policía; dos pequeños guiños que dan algo de sentido al sindiós en 6:19. El gran problema con Quibi es que, hasta donde he podido bucear dentro de su catálogo, sus producciones están concebidas y rodadas en relaciones de aspecto tradicionales. De haberse rodado con varias cámaras en ambas relaciones de aspecto y con planificaciones independientes, otro gallo hubiese cantado, pero, por el momento, la horizontalidad es el único modo de disfrutar plenamente de las interesantes propuestas de este servicio de streaming. - La noticia Quibi: cómo la reproducción en vertical del Netflix para móviles afecta a la narrativa de sus series fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

'The Good Fight' (que en España se ve vía Movistar+) concluyó el pasado jueves una cuarta temporada acortada por obra y gracia del coronavirus en un episodio excepcional y, como siempre, pegado a la actualidad explorando el caso de Jeffrey Epstein de manera casi simultánea al estreno del documental sobre él en Netflix. El episodio comienza con dos frentes: uno en el que Liz (Audra McDonald) lleva al bufete la investigación de la muerte del controvertido y convicto milmillonario tras meses de estar en un punto muerto con demasiado hilos de supuestas conspiraciones. Por otro lado, Adrian (Delroy Lindo) y Diane (Christine Baranski) se encuentran con la noticia de que tienen que prescindir del 20% del personal. En Espinof Las 11 mejores series de abogados en Netflix, HBO, Amazon y Movistar No voy a meterme en el devenir del caso (ese finalazo habla por sí mismo), pero este episodio es el paradigma de lo que es la serie: una exploración certera, valiente y sin tapujos de la actualidad política y social sin dejar de ser una serie de abogados y sin olvidarse de sus casos. Yo reconozco que el paso entre 'The Good Wife' y 'The Good Fight' se me hizo un poco arduo sobre todo con la obsesión de los King, a través de los ojos de Diane, con la América de Trump. Sin embargo, creo que poco a poco fueron cogiendo el tranquillo a la integración del comentario político en la serie y a lo largo de estos cuatro años lo han perfeccionado. Una temporada que ha ido a más Como ya comentó Mikel, la temporada comenzó magnífica con esa reimaginación de una Estados Unidos sin Me Too y sin Trump en el poder. Un pequeño ejercicio de historia alternativa en el que se pone en entredicho esa costumbre de considerar que con otros en el poder las cosas hubieran sido perfectas. Un momento de reflexión tras el cual íbamos al misterio del informe 618 y la presunta relación entre riqueza, poder e inmunidad legal/judicial que implica a varios casos de Julius (Michael Boatman). Trama que ha quedado en un continuará (y de hecho las escenas que hemos visto en el séptimo episodio con Julius correspondían a lo poco que habían grabado del octavo). En Espinof 'Watchmen': más que una serie de ficción, un inteligente retrato de la realidad sociopolítica y racial contemporánea Podando jardines nuevos y complejos Pero también hemos tenido episodios de meternos en jardines importantes como en el sexto, en el que se explora un caso de una nadadora que queda fuera del equipo olímpico y cómo la estrategia va cambiando, sin saber muy bien cómo afrontarlo (de una cuestión de raza pasan a uno de género) y las consecuencias de hacerlo. Con la temporada 4 de 'The Good Fight' nos encontramos con una tanda truncada pero igualmente disfrutable y excelente. Robert y Michelle King han logrado perfeccionar las dinámicas entre personajes y cómo afrontan las situaciones y los casos que exploran, recordando magníficamente que, si bien estamos en una ficción, no se alejan demasiado de la realidad. La futura quinta temporada de 'The Good Fight' queda ahora mismo con la incógnita de cómo resolverán las tramas plantadas en esta. En especial las que atañen a Delroy Lindo (Adrian) y Cush Jumbo (Lucca), quienes han anunciado su salida de la serie. Si bien hay ahí semillas (Adrian está preparando una carrera política y el bufete se encuentra ante la necesidad de recortar personal...) sería una pena verles, simplemente, fuera del mapa sin más explicación que una línea suelta de diálogo. - La noticia 'The Good Fight' aborda el caso Epstein para concluir una temporada 4 que roza la excelencia fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Hay países en los que las cosas van volviendo poco a poco a la normalidad y James Cameron tiene la suerte de que Nueva Zelanda es uno de ellos. El cineasta ha viajado al país acompañado del productor Jon Landau para retomar el rodaje de 'Avatar 2', pero antes tendrá que someterse a una cuarentena de 14 días supervisada por las fuerzas del gobierno. Dos meses sin poder rodar Recordemos que el rodaje de 'Avatar 2' se paralizó a mediados de marzo por culpa de la crisis del coronavirus, tiempo que Cameron ha aprovechado para ver películas como 'Resident Evil', la cual reivindicó recientemente. Imagino que seguirá siendo uno de sus pasatiempos favoritos en estos 14 días de aislamiento. En Espinof Estas son las 46 películas que han recaudado más de 1.000 millones de dólares en taquilla Nueva Zelanda anunció que se podían reiniciar las grabaciones de producciones audiovisuales a mediados de este pasado mes de mayo, algo que afectaba a títulos como 'Avatar 2' o 'El señor de los anillos'. En el caso de 'Avatar 2' se anunció ya el 22 de mayo que todo el equipo evacuado volvería al país en breve, aunque por el momento nada se sabe sobre el resto de implicados. Ahora está por ver si esto va a afectar a la fecha de estreno de 'Avatar 2', previsto para el 17 de diciembre de 2021. Cameron comentó a mediados de mayo que tenía confianza en poder tener la película lista para entonces porque seguían trabajando en ella de forma remota, ya que no faltaba mucho por rodar de la segunda entrega, pero habrá que estar atentos. - La noticia James Cameron se somete a una cuarentena para reiniciar el rodaje de 'Avatar 2' y confía en mantener la fecha del estreno fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Netflix acaba de hacer oficial que 'Ofrenda a la tormenta' se va a saltar su paso por salas para estrenarse de forma directa en la plataforma. De hecho, ya tenemos también fecha de estreno: el 24 de julio podremos ver el final de la trilogía del Baztán. No estaba previsto así Inicialmente estaba previsto que 'Ofrenda a la tormenta' llegase a los cines como hicieron en su momento 'El guardián invisible' y 'Legado en los huesos'. El pasado 27 de marzo era la fecha de elegida, pero la crisis del coronavirus provocó su retraso y la oferta de Netflix ha debido ser demasiado tentadora como para dejarla pasar. En Espinof Las 22 mejores películas españolas de 2019 Por mi parte no lo veo tan sorprendente, ya que recuerdo que 'Legado en los huesos' fue durante bastante tiempo una de las películas más vistas de la plataforma. A eso hay que unir que la recaudación de 'Legado en los huesos' fue sensiblemente inferior a la de 'El guardián invisible', pues la primera entrega rozó los 3,7 millones de euros, mientras que la segunda ingresos dos millones menos. La inspectora Salazar (Marta Etura) no va a dejar ningún cabo suelto en el final de la trilogía. ‘Ofrenda a la tormenta’ llega el 24 de julio. pic.twitter.com/2YcptLIycF — Netflix Pelis España (@NetflixPelis) June 2, 2020 En 'Ofrenda a la tormenta' volveremos a ver a Amaia Salzar, la inspectora interpretada por Marta Etura, investigando un complicado caso que servirá para poner punto y final a los sucesos que han asolado el valle de Baztán. En concreto, la repentina muerte de una niña en Elizondo lleva a Amaia a investigar otras muertes con un origen similar... Al igual que en las dos anteriores entregas, Fernando González Molina se ocupará de la puesta en escena, contando para ello con un guion de Luiso Berdejo. Junto a Etura podremos ver a Carlos Librado “Nene”, Leonardo Sbaraglia, Francesc Orella, Imanol Arias, Susi Sánchez, Álvaro Cervantes, Elvira Mínguez, Itziar Aizpuru, Benn Northover, Patricia López, Pedro Casablanc, Eduardo Rosa, Paco Tous, Ana Wagener y Marta Larralde. - La noticia 'Ofrenda a la tormenta' llegará a Netflix sin pasar por los cines: el final de la trilogía del Baztán ya tiene fecha de estreno fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Netflix lleva tiempo apostando por la realización de series y películas fuera de Estados Unidos. No deja de ser una forma de tener contenido local pero con el suficiente interés como para que también pueda ser devorado fuera de sus fronteras y hoy vengo a hablaros de uno de esos títulos. Me refiero a ‘Betaal’, una miniserie india de cuatro capítulos producida por Blumhouse -en colaboración con Red Chillies y Sk Global, eso sí- que la plataforma de streaming estrenó este pasado 24 de mayo. ‘Betaal’ es una obra que inicialmente parece incluir varios elementos de crítica social que pronto quedan de lado en beneficio de un relato opresivo que funciona mejor cuando apuesta de forma decidida por el terror, dejándonos algunas imágenes con una fuerza visual innegable. Eso sí, no esperéis que ninguno de los personajes atrape realmente vuestra atención, pero sí que consigue ser entretenida en todo momento. Lucas y sombras de ‘Betaal’ La premisa de ‘Betaal’ es bastante sencilla: la construcción de un túnel choca con los miedos de los habitantes de la zona porque para hacerlo tendrán que pasar a a través de un túnel sobre el que pesa una maldición. El primer episodio gira sobre todo alrededor de ese conflicto, añadiendo antes algunos detalles que dejan clara que la opción inteligente sería dejar las cosas estar, pero claro, nadie cree en las maldiciones hasta que sufre los efectos de una. Por ello, ese primer capítulo es algo más relajado, permitiéndonos conocer un poco tanto a los personajes principales como la aproximación a esta clase de mitos dentro de la cultura hindú. No es nada excepcional, pero al menos aporta cierta singularidad a una historia que no tarda en abrazar los lugares comunes del género una vez se empieza a desatar el apocalipsis. En Espinof Las 23 mejores series para disfrutar en Halloween Ahí ‘Betaal’ se convierte en una propuesta ya totalmente accesible para el espectador occidental, cayendo la mayor parte de su interés en la capacidad de Patrick Graham, también creador y coguionista de todos los episodios, y Nikhil Mahajan para potenciar una atmósfera opresiva que va llevando al límite a sus personajes. Vital para ello es el uso de la iluminación de Tanay Satam, quien se excede un poco con el uso de la oscuridad en ciertos momentos, pero en general consigue crear el clima propicio para sumergir de lleno al espectador en lo que sucede. A eso hay que añadir otro detalle esencial que depende sobremanera de la preferencia cada espectador: el diseño de las criaturas, unos zombis de ojos rojos que parecen sacados de otra época. Es una apuesta arriesgada porque resulta esencial que su presencia motive al espectador y aquí se opta por un estilo más a la vieja usanza, propio de otra época en la que todo resultaba más artesanal. Por mi parte, me pareció que tenía bastante encanto y además se le sacaba especial partido en la estupenda secuencia en la que inician el asalto a donde se refugian los protagonistas. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora Es cierto que el guion es el eslabón más débil de ‘Betaal’, pero nunca llega a resultar tan nocivo como para cargarse lo que estamos viendo. Sí que deja con la sensación de que con este material (superficial en personajes, obvia en la forma de abordar los problemas, etc.) probablemente habría funcionado mejor como película que como miniserie, pero será mejor quedarnos con lo bueno, que lo hay. En resumidas cuentas ‘Betaal’ no ofrece nada nuevo y se apoya bastante en el tópico, tanto para la construcción de los personajes como de las diferentes situaciones a las que han de ir enfrentándose, pero consigue crear un clima opresivo y acierta con su peculiar diseño de los monstruos. Eso sí, cumple como terrorífico pasatiempo, tenedlo en cuenta si vais a darle una oportunidad. Puedes ver 'Betaal' en Netflix. - La noticia 'Betaal': una opresiva miniserie de Blumhouse para Netflix con alguna escena memorable fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Tras ocho episodios, este lunes HBO España ha despedido la tercera temporada de 'Killing Eve', el drama de espionaje original de BBC America protagonizado por Sandra Oh y Jodie Comer. Una temporada bastante distinta en varios sentido y que, por mi parte, ha supuesto un punto de inflexión en mi relación con una serie que me tenía enamorado hasta ahora. El hecho de cambiar de guionista jefa cada temporada hace que cada año podamos ver una visión distinta en la cambiante e intensa relación entre Eve y Villanelle y el mundo de espías y asesinatos que les rodean. Sin embargo, la sensación general en esta temporada es la misma que cuando te pasan una fotografía por Whatsapp: pierde respecto a lo original. En Espinof Siete series imprescindibles para ampliar tu imaginario feminista Suzanne Heathcore asume la escritura de estos episodios desde una óptica distinta a la de Phoebe Waller-Bridge y Emerald Fennel en sus respectivas segundas y tercera temporada. También es verdad que estamos ante un acto completamente distinto de la serie. La familia se expande Siguiendo la historia de la relación amorosa, estos nuevos episodios nos muestran el duelo por la pérdida. Ese momento de "divorcio" y cómo afecta no solo a las protagonistas sino también a sus allegadas. La familia está en el centro de todo esto. De lo inevitable que es, en el fondo, el tenerla. Ya sea la biológica o la que eliges. Y las contradicciones que se producen al forjar los lazos. Se abre el foco, también a la complicada y compleja relación de Konstantin (Kim Bodnia) y Carolyn (Fiona Shaw) y cómo encajan dentro de la "guerra" entre los Doce y el MI6. Ahí se incluyen una mayor presencia de Yuli Lagodinsky y Gemma Whelan como sus sendas hijas. En Espinof Quibi: las nueve mejores series y programas para comenzar a exprimir a fondo la nueva plataforma Ya se atisbaba en el primer episodio: la temporada 3 estaba llamada a ser distinta en lo argumental. Ya no tenemos esa caza entre Eve y Villanelle ni la colaboración forzosa. No es tanto una búsqueda de la una hacia la otra sino la exploración de cómo el destino y su codependencia las va entrelazando de nuevo en un final en el que se pone las cartas sobre la mesa. A medias. A medias porque la pluma de Heathcore evita ser contundente. Sí, hay muertes y asesinatos... pero en todo momento se huye un poco de explorar unas consecuencias que puedan alterar demasiado el statu quo del núcleo de personajes (lo de Niko es un claro ejemplo). Una sensación de que todo es circular, de que en el fondo nada va a cambiar que se hace todavía más patente en los últimos momentos de la temporada 3. Una temporada en la que pasan muchas cosas pero que no avanza Hasta cierto punto entiendo las pocas ganas de quemar trama que tiene Heathcore. Sabiendo lo caduco de su puesto y que la serie continúa sin ella, ha querido jugar lo que ha podido antes de guardar todo en la caja en un estado semiusado. Su interés está más en la crisis de identidad de Villanelle (¿quién es si deja de ser una asesina?) y ver cómo acepta Eve que su rival es parte de su vida para bien y para mal. En definitiva, creo que a esta temporada 3 de 'Killing Eve' le ha faltado la fuerza suficiente como para que no se note el encanto perdido. Sigue siendo digna de ver, continúa entregando sólidos cuarenta minutos semanales pero ha caído víctima de una historia que daba la continua sensación de no ir a ningún lado a pesar de que pasan muchas cosas en cada episodio. Una paradoja peligrosa cuando ya superamos la veintena de episodios. - La noticia 'Killing Eve': culmina con sosiego una temporada 3 más interesada en expandir su universo que en la trama fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

RTVE ya ha emitido cuatro de los ocho episodios que dan forma a la temporada 4 de 'El ministerio del tiempo'. Durante un tiempo creímos que nunca llegaría a hacerse, pero finalmente el ente público nos dio una alegría y la serie creada por Javier Olivares junto a su hermano Pablo ha regresado a nuestras vidas. En Espinof hemos tenido la ocasión de charlar con Javier Olivares sobre esta cuarta temporada, abordando todo tipo de temas, desde el proceso que llevó a que tuviese ocho capítulos, las audiencias, las comparaciones con 'Doctor Who', las perspectivas de futuro de la serie o el regreso de Francesc Orella como Díaz Bueno. La creación de la cuarta temporada La cuarta temporada es la más corta desde la primera al tener ambas ocho episodios, ¿cómo fue el proceso para llegar a esta cifra de capítulos? En marzo del 2019 teníamos una biblia conceptual (temas y personajes) tras recibir la llamada de TVE para producir una cuarta temporada. Dieron el ok a dicha biblia y, a partir de ahí, empecé a llamar a los actores y comenzaron (lógico) a surgir problemas de agendas. Hicimos un plan de 10 capítulos, que era el encargo original. Luego, nuevos cambios de agenda y a reestructurar de nuevo. Y al comenzar el diseño de producción, para que quedara una temporada potente, vimos que mejor rebajar a 8. Y a reestructurar de nuevo, porque aparte del ritmo de cada capítulo, tiene que haber un tempo de la propia temporada. Hay que pensar que es una cuarta temporada, pero que, en realidad, era como hacer una primera. Al llevar 3 años sin emitir, no teníamos decorados. Y construirlos nos dejaba secos para abordar otros temas. TVE nos apoyó y nos ayudó muchísimo en todo este proceso. En definitiva, hemos pensado tres veces la temporada. Y eso nos ha permitido serializarla mejor, jugar a lanzar tramas, sumergirlas y que aparezcan otra vez. En Espinof 'El Ministerio del Tiempo': los grandes momentazos que nos está dejando la cuarta temporada Además, uno de los aspectos más llamativo de esta cuarta temporada es el regreso de Rodolfo Sancho, ¿eso era ya algo previsto desde la primera vez que pensasteis esta temporada, en qué momento se concreta su vuelta? Sí. Ya para la tercera quería contar con él y con Lorca, pero no pudo ser. Su vuelta se concretó ya desde las primeras llamadas y fue una alegría muy grande, la verdad. Tenía claro que el Julián que volviera no podía ser el mismo, eso sí. Plantear una lucha interna entre el Julián que conocimos y el que ha vivido una experiencia tan traumática como la posguerra y la División Azul... Por mi parte, no quería que la serie se acabara algún día sin la escena de Julián llevando a Lorca a escuchar a Camarón. La tenía continuamente en la cabeza. Esa secuencia y la de Velázquez con el trap de Velasque, yo soy guapa?" delante de Las Meninas me han acompañado todo el tiempo. Ahora, si no hay más temporadas, ya estoy satisfecho. Eran cuentas pendientes que he podido saldar conmigo mismo. Comparaciones y trato con los fans Aprovechando que mencionas el homenaje a 'Las puertas de Anubis', esta semana hubo también un homenaje a 'El Anacronópete', pero lo más habitual es leer que se busque siempre el parecido con 'Doctor Who', ¿estás cansando de que se os compare siempre tanto con esa serie británica cuando existen tantas obras que han tratado el tema de los viajes en el tiempo? Creo que ya lo dije una vez: prefiero que me comparen con una gran serie como Doctor Who que con otras que no son tan grandes. Pero hay diferencias evidentes. Aquí no salen alienígenas, ni viajamos por el espacio. Cuando hay un homenaje (como el de Cervantes en referencia al que se hizo con Van Gogh en la serie inglesa) se avisa. Por cierto, lo de Lorca y Camarón es otra cosa. También hice un homenaje a Torchwood en el capítulo de los nazis de la primera temporada que pocos pillaron (y eso que avisé también). Cuando la gente identifica al Anacronópete con la Tardis, simplemente digo que no lo es. Y cuando me muestran interiores antiguos de Doctor Who, cito la estética de la peli que se basó en la novela de H.G. Wells y dejo claro que es una referencia a una estética steampunk que el Ministerio asume desde su mismo logo y su cabecera. Y cuando respondo todo eso, alguno se ofende. Es curioso, porque probablemente, ninguno de los que se ofenden tanto han visto todos los capítulos y películas de Doctor Who, como he hecho yo. Soy whovian confeso, aunque últimamente bastante insatisfecho (sobre todo con la era Capaldi). Fíjate, creo que en lo que más nos parecemos a Doctor Who es en su sentido ético y, en temporadas muy anteriores suyas, por el valor que se le otorga a la Historia. No en su narrativa, en la que somos muy diferentes. En Espinof "Era un desperdicio no hacer la temporada 4 de 'El ministerio del tiempo'". Rodolfo Sancho No son muchos los creadores que interactúan con los seguidores de una serie tanto como tú y eso a veces tiene su cara negativa, ¿cuántas veces has pensado en tener una actitud algo más distante y por qué no lo has hecho finalmente? Sí. Es cierto. Y prefiero ver el lado positivo. Aunque esta temporada está siendo más agotadora que las otras porque hay mucho más movimiento en redes sociales. No he pensado tanto en tener una actitud más distante como en ser más selectivo. Y que, creo, lo seré cada vez más, porque (más allá de mis obligaciones profesionales y sumar en redes es una de ellas) personalmente cada vez valoro más el silencio frente al ruido. Otro aspecto que diferencia a 'El ministerio del tiempo' respecto a otras series es su fuerte apuesta por el contenido transmedia. En esta cuarta temporada destacó la precuela lanzada online, ¿va a haber algún otro contenido de importancia similar de aquí al final de la cuarta temporada? Hay y habrá un apoyo a la emisión de la serie (publicación de guiones, gifs, piezas sobre lo emitido...), pero el plato fuerte de esta temporada ha sido esa precuela. Esta precuela (con Galdós de estrella) es la continuidad de un ciclo que suma ya 4 libros, 2 cómics, un podcast de radio (a la manera clásica de relatos radiofónicos con el superequipo de RNE), dos capítulos de realidad virtual... No hay muchas series con este bagaje, algo que tengo que agradecer a TVE y, ahora al departamento digital de Mediapro. Y, sobre todo, a dos personas, Agustín Alonso (con el que se diseñaron estrategias transmedias ya en Isabel y fue quien empezó todo esto) y a Pablo Lara Toledo, que me acompaña siempre en estos asuntos y creador de esta precuela. De Netflix a HBO En Espinof Las 19 mejores películas con viajes en el tiempo También llama la atención que en la tercera temporada hubiese apoyo de Netflix y en este caso la cuarta (y todo lo anterior) se vea también en HBO además de en RTVE, ¿nos podrías hablar un poco de cómo ha sido ese cambio de plataforma, qué ha supuesto para la serie? - No tengo mucho que decir porque no me encargo de esos temas. Sólo que agradezco a Netflix la dimensión internacional que ha dado a la serie. Y a HBO que estén al lado nuestro en esta cuarta temporada. Cuando Netflix decidió no continuar, lo primero que hice fue contactar con HBO. Para un guionista que ha tenido siempre como referencia esa marca (junto a la BBC), es un honor. Los villanos Además del regreso de Rodolfo Sancho, otra vuelta que está dando mucho de lo que hablar es la de Francesc Orella como Diaz Bueno, ¿que se convirtiera, por así decirlo, en el gran villano de la temporada (o esa sensación queda al menos) era algo que ya tenías previsto desde la primera temporada? Cuando pasan los años, los recuerdos vuelven a aparecer. Por eso, esta temporada volvemos a ver a Felipe II (más joven), a Picasso (más mayor), a Franco (más o menos igual), a Díaz Bueno...En el caso del personaje del estupendo actor que es Orella, supone un punto de variación del personaje de Lola Mendieta, que esta temporada tiene un arco sorprendente. De todos modos, no me gustan los villanos para toda la temporada, ni las historias de amor tópicas... Me gustan más las sorpresas. Y si las cuento, le quito la gracia al asunto. En Espinof Las 34 mejores series españolas que puedes ver en Netflix, HBO, Amazon, Movistar+ y otras plataformas de VOD Siendo un recurso tan utilizado en otras series, ¿por qué no te gustan los villanos de toda una temporada? ¿La cosa cambia si su presencia es más prolongada en el tiempo, pero no tan constante? Ya siento recurrir como ejemplo a 'Doctor Who', pero pienso por ejemplo en el Master de la serie inglesa. Porque me parece un recurso muy visto: el bueno contra el malo. Nunca me ha gustado elegir solo entre el blanco y el *****, sino entender por qué el villano hace lo que hace, en sus razones. Y en que el bueno, lo mismo no lo es tanto, por acción o por omisión. En el caso que citas, hay veces que aparece en el final de una temporada... Desaparece, vuelve a aparecer. En la última de la doctora, de hecho, su presencia no es continua... Y cuando vuelve al final, me daría igual que fuera él u otro, francamente. Son opciones. Yo prefiero que el verdadero enemigo de nuestros protagonistas sea el lado oscuro del Ministerio y de ellos mismos. En lo que se cambian después de viajar por el tiempo tantas veces. En sus propias torpezas o egoísmos, que pueden generar consecuencias peores que un villano tipo. Me gusta más narrar el demonio que todos tenemos dentro, que a un demonio/villano en particular. El regreso de Aura Garrido y las audiencias Antes decías que si no hay más temporadas, ya habías quedado satisfecho, pero sospecho que te hubiese encantado poder contar con Aura Garrido más episodios de esta cuarta temporada y su historia, sobre todo en relación con Julián, no da la sensación de haberse quedado cerrado, ¿sería una pequeña espinita clavada tener que dejarlo así si no hay más temporadas o quedarías del todo satisfecho si su historia se queda en el punto que deja 'Bloody Mary Hour'? Contar con Aura es un lujo. Siempre. Respecto a la historia con Julián, tenía un plan distinto, incluso tenía previsto otro final de temporada si hubiera estado ella. Pero cuando no puedo contar con alguien (también me ha pasado con Macarena, que tenía otro compromiso), no intento acomodar lo que tengo a lo que quería haber hecho. Empiezo de cero. No me gusta dar a un personaje lo que tenía pensado para otro. Del mismo modo, por cuestiones de producción, he debido alternar a los actores en diversas patrullas, porque era imposible económicamente contar con todos todo el rato. Pero sin quejas, todo lo contrario. Sencillamente, diseñas un puzle distinto. En el caso de Amelia, se ha dado así y para mí, la historia está cerrada, porque lo que va a pasar a partir de ahora lo cambia todo. Y a todos. Así que no hay espinita clavada. Creo que el equipo de guión (Jordi Calafí, Carolina González, Isa Sánchez, Daniel Corpas y Pablo Lara) ha hecho un trabajo estupendo. Y que Marc Vigil y yo hemos llevado la historia a donde deseábamos, asumiendo muchos riesgos. Esta serie nació arriesgando y, lo que dure, seguirá haciéndolo. Prefiero equivocarme antes que acomodarme. Y si, al final, el público y la crítica pensáis que me he equivocado, os daré la razón. Y me tocará aprender de eso para la siguiente serie que haga, si la hago. En Espinof 38 series españolas que puedes ver online gratis Al día siguiente de cada episodio es inevitable hablar de las audiencias, ¿hasta qué punto los espectadores con audímetro que ven la serie en directo influyen en que la serie pueda o no tener más temporadas en el caso de 'El ministerio del tiempo'? Está claro que si tuviéramos el doble de audiencia (en audímetros) habría más temporadas. Está tan claro como que si esta serie hubiera tenido esa doble audiencia en audímetros (insisto), no sería El Ministerio del Tiempo que ha sido y es (mezclando Historia, género fantástico, aventura, planteando muchas capas narrativas y no siempre fáciles: hay capítulos que cuando se ven por segunda vez, te das cuenta de cosas que no pillaste en el primero) y no me hubiera merecido la pena hacerla. Aún así, creo que, muy probablemente, de aquí a seis o siete meses, sumando la audiencia en diferido, en web, en plataformas donde se pueden ver las generalistas, la de HBO... habrá más personas que hayan visto cada capítulo que el número de personas que vieron el programa que nos dobló y arrolló en audímetros cada martes. Programa y cadena que respeto, que conste. El problema no es ya debatir cómo ha cambiado la forma de ver las series. El problema es por qué sólo se habla de un dato (el de los audímetros) y casi nunca de los otros. Otra cuestión, es que las series que emitimos en abierto cargamos con ese lastre (menos los cracks de los hermanos Caballero). Y las que emiten en plataformas, no. De hecho, si el Ministerio fuera una serie que no se emitiera en abierto, probablemente no me habrías hecho esta pregunta, porque no sabrías los datos. Ha cambiado todo muy deprisa. Recuerdo que la primera temporada de Isabel lideraba los lunes y acabamos con más de cuatro millones y medio de espectadores, siendo una serie histórica. Está todo tan confuso que el otro día, tuve dos entrevistas. En una, me preguntaron cómo me explicaba el éxito de la serie. En la otra, me preguntaron cómo explicaba continuar con el fracaso que somos en audiencias. Y los dos tenían razón al preguntarme eso. Pero también quiero recordar que esta serie (que nace en una productora pequeñita, Cliffhanger) ha tenido el prestigio del apoyo de la crítica (imprescindible), ha creado un fandom como no se conocía y que ahora es más internacional que nunca (desde Latam hasta China), que arrasa en redes sociales, y que ha ganado los premios que ha ganado. Cuando ocurre todo eso, poca gente no te ve. A partir de ahí, la decisión de renovar o no es legítima y respetable, sea cual sea. Si se renueva, habrá que plantear las condiciones necesarias (personales y profesionales) para seguir haciéndola lo mejor posible. Y si se acaba, dar las gracias y a otra cosa. Todo tiene su principio y su final. Es ley de vida. El futuro ¿Y sería posible que hubiese una quinta temporada no ya en RTVE, sino directamente en alguna plataforma o el destino de la serie está asociado totalmente a que RTVE decida o no renovarla? Eso sólo lo puede responder RTVE, que es quien tiene los derechos. Particularmente, creo que El Ministerio del Tiempo está muy bien en la televisión pública. Se hizo pensando en ella y TVE nos ha dado a nivel creativo una libertad impresionante, que agradeceré siempre. Como el apoyo que esta temporada he tenido al producirla con Globomedia (The Mediapro Studio).Pero como no es un tema de mi incumbencia, paso palabra. Prefiero disfrutar de lo que queda de serie que pensar en lo que podría venir después. - La noticia "Si después de la cuarta no hay más temporadas de 'El ministerio del tiempo', ya estoy satisfecho". Javier Olivares fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .