Entre Fans

Ayer os trajimos con todo el entusiasmo del mundo la primera imagen oficial de la 'Dune' de Denis Villeneuve, en la que podíamos ver a Thimotée Chalamet en la piel de Paul Atreides. Pues bien, esa instantánea ha sido tan sólo un pequeño aperitivo del aluvión de material promocional e información sobre el largometraje que Vanity Fair acaba de publicar. Las nuevas instantáneas, que podéis ver a continuación, nos permiten echar un vistazo más detallado al Paul Atreides de Chalamet, además de presentarnos, entre otros, al Thufir Hawat de Stephen Mckinley henderson, al Duke Leto Atreides de Oscar Isaac, al Duncan Idaho de Jason Momoa, al Gurney Halleck de Josh Brolin, a la Chani de Zendaya y a la Lady Jessica Atreides de Rebecca Ferguson. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia De parajes inhóspitos y licencias cinematográficas Junto a las nuevas imágenes, que también dejan entrever los terrosos parajes de Arrakis, también llegan nuevos detalles sobre la producción de la mano de sus protagonistas, comenzando por un Thimotée Chalamet que recuerda la dura —y hermosa— experiencia que fue rodar en Abu Dhabi, combinando temperaturas extremas y vestimentas gomosas y pesadas —los stillsuits que aparecen en la novela—, en absoluto adecuadas para ellas. "Era surrealista. Están esos paisajes, que podrías imaginar que existen en planteas de nuestro universo, pero no en la Tierra. Recuerdo salir de mi habitación a las 2 de la madrugada y estar, probablemente, a 38 grados. La temperatura al rodar era, a veces, de 50 grados. No recuerdo el número exacto, pero no puedes seguir trabajando. Si lo piensas fríamente, ayudaba estar en los stillsuits y a ese nivel de agotamiento". Por su parte, Rebecca Ferguson, que interpretará a Lady Jessica, ha hablado sobre su rol y sobre el tratamiento de los personajes femeninos en el largometraje, contrapuesto al del material original. "Es una madre, es una concubina, es una soldado. Denis fue muy respetuoso con el trabajo de Frank en el libro, pero la calidad de los arcos para muchas de las mujeres se ha llevado a un nuevo nivel. Ha hecho algunos cambios, y ahora se han representado de un modo hermoso". La importancia de la mujer en 'Dune' también se ve reflejada en el personaje del Doctor Liet Kynes, el líder ecologista de Arrakis que siempre fue descrito como un hombre blanco y que, ahora, será interpretado por Sharon Duncan-Brewster, una mujer de raza negra. Así ha razonado la actriz esta licencia. "Lo que Denis me expresó fue que había una falta de personajes femeninos en su reparto, y que siempre había sido muy feminista, pro-mujer, y quería escribir el papel para una mujer. Este ser humano se las arregla para, básicamente, mantener la paz entre muchas personas. Las mujeres son muy buenas en eso, así que, ¿por qué no puede Kynes ser una mujer? ¿Por qué no debería Kynes ser una mujer?". Este no es el único cambio que ha hecho Villeneuve respecto a la novela de Frank Herbert. Otro de ellos está centrado en el barón Vladimir Harkonnen, interpretado por Stellan Skarsgård, creado para la ocasión con prótesis corporales y descrito como "un rinoceronte con forma humana". "Por mucho que adore profundamente el libro, siento que el barón coqueteaba muy a menudo con la caricatura. Intenté darle algo más de dimensión. Es por eso que traje a Stellan. Stellan tiene algo en sus ojos. Puedes sentir que hay algo pensando, pensando, pensando... algo que tiene esa tensión y que está calculando, dentro, en el fondo de sus ojos. Puedo dar fé de que puede ser bastante aterrador". El proyecto más difícil de la carrera de Villeneuve El director francocanadiense también ha aportado su punto de vista sobre la importancia y lecturas del material original. "No aceptaría hacer esta adaptación del libro en una única película. El mundo es demasiado complejo. Es un mundo que se nutre de detalles. No importa lo que creas, la Tierra está cambiando, y tendremos que adaptarnos. Es por lo que creo que 'Dune', este libro, fue escrito en el siglo XX. Era un retrato distante de la realidad por el petróleo, el capitalismo y la expoliación de la Tierra. Hoy, las cosas han ido a peor. Es una historia iniciática, pero también una llamada a la acción para la juventud". Interpretaciones aparte, lo que ha quedado claro es que dar forma a 'Dune' ha sido todo un reto para Denis Villeneuve. "Es un libro que aborda la política, la religión, la ecología, la espiritualidad... y con muchos personajes. Creo que por eso es tan difícil. Honestamente, es, de lejos, la cosa más difícil que he hecho en mi vida". Hasta el 18 de diciembre no veremos el resultado, pero esto cada vez tiene mejor pinta. Más imágenes de 'Dune', de Denis Villeneuve - La noticia 'Dune': nuevas imágenes de la épica adaptación de Denis Villeneuve, que habla del proyecto "más difícil" de su vida fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

El próximo 8 de mayo Netflix estrena una de las adaptaciones españolas que tenía en cartera para este año: 'Valeria', basada en las novelas de Elísabet Benavent cuyo primer tráiler podemos ver un poco más adelante. La serie nos cuenta la historia de Valeria (Diana Gómez), una escritora bloqueada, y sus cuatro amigas: Lola (Silma López), Carmen (Paula Malia) y Nerea (Teresa Riott), quienes son su ancla en el torbellino de amor, sexo, secretos, celos y demás circunstancias en las que navegan. En Espinof Las 21 mejores series románticas en Netflix Como podemos ver en el tráiler, en este momento en el que Valeria parece necesitar un revulsivo en su vida conocerá al misterioso Víctor (Maxi Iglesias). Ibrahim Al Shami interpreta a Adrián, el marido de nuestra protagonista. María López Castaño es la encargada de adaptar las novelas de Benavent en una serie que crea junto a Aurora Gracià, Almudena Ocaña y Fernanda Eguiarte. En la dirección está Inma Torrente y Nely Reguera. Visto el tráiler, tengo la sensación de que 'Valeria' bebe de muchísimas otras ficciones, de 'Sexo en Nueva York' hasta 'Vida perfecta'. No conozco las novelas y, por tanto, no sé qué es lo que la hacen especiales, pero lo que me ha dejado el tráiler es esa impresión de estar en terrenos mil veces visto. Espero que no sea así y que me sorprenda en este sentido. - La noticia Tráiler de 'Valeria': la nueva serie española de Netflix promete llevarnos por un torbellino de amor, dudas y amistad fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Casi una década ha tenido que pasar desde el estreno de 'Rango', primera película animada dirigida por Gore Verbinski, para que el autor de la reivindicable 'El llanero solitario' pruebe a hacer otra. Por ahora no tiene título, pero Discussing Film desvela que la hará para Netflix. Una idea del propio Verbinski Se desconoce cuál será el argumento de la película, pero sí se sabe que partirá de una idea original del propio Verbinski y que contará con animación realizada por ordenador. Una lástima que no se anime a seguir el camino abierto por la estupenda 'Klaus'. En Espinof Las 29 mejores películas de animación de la historia Recordemos que Verbinski lleva sin estrenar película alguna desde 2017, fecha de llegada a los cines de la hipnótica 'La cura del bienestar'. Curiosamente, su último trabajo lleva tiempo disponible en Netflix, ¿habrá ayudado su popularidad en la plataforma a cerrar su nuevo proyecto con esta plataforma de streaming? Ahora toca esperar a la llegada de nuevos detalles, pero parece que el trabajo de animación en el proyecto comenzó a finales del año pasado, por lo que imagino que lo retomarán donde se quedó cuando llegue a su fin el encierro por el coronavirus. - La noticia Netflix ficha a Gore Verbinski: el director de 'Rango' hará su nueva película de animación para la plataforma fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Ya asentada la polvareda tras el estreno de la temporada 4 de ‘La casa de papel’ en Netflix, el recibimiento efusivo de todo en todo el mundo se empieza a medir con estadísticas gráficas y las propias listas de lo más visto y popular dentro de la plataforma. Hablábamos del fenómeno internacional que supone la serie española pero eso puede silenciar un poco las voces críticas que han surgido en el primer periodo de repercusión. ¿Ha estado a la altura la cuarta temporada? Para muchos les da exactamente lo que buscan de la misma, otros no han visto las expectativas cumplidas. Siempre ha habido un debate sobre si ‘La casa de papel’ es “tan buena” o no, siempre ha habido espectadores que no pueden abrazar su singular estilo hiperbólico y maniqueo, pero en cierta medida, eso se ha convertido en esencia de la serie. Fuera de esa diatriba, es positivo, para los que seguimos la serie, analizar qué ha funcionado mejor y peor en los nuevos ocho capítulos. SPOILERS EN TODO EL TEXTO Tokio y sus momentos de videoclip erótico El personaje de Úrsula Corberó es el cordón umbilical de la serie con sus conexiones con el cine de Hollywood. Un estereotipo morboso de modelo de portada de revista masculina con pistola, mujer fatal con agallas, que intimida a hombres y mujeres por igual. No hay nada diferente con su personaje en esta ocasión, pero sí que es obvio que su unidimensionalidad acaba cargando un poco. Uno pierde la cuenta de las veces que dice “¿te pongo cachondo/a?” o ”¿estás cachondo/a?” y sí, resulta a veces un poco ridículo que no haya algo más detrás del personaje. En Espinof 'La casa de papel', todo lo que sabemos de la temporada 5 de la serie de Netflix Sufre del síndrome del falso protagonista, la persona que se supone que sigues en la serie —un ejemplo, Piper en ‘Orange is the New Black’— que acaba siendo devorado por los secundarios, a menudo mucho más carismáticos gracias a sus debilidades o espontaneidad. Pero quizá el mayor problema con ella no sean los bailes eróticos —ese lado chusco, casi entrañable, ya es parte de la serie— sino en que Tokio no ha demostrado ser la persona estable, inteligente y de sangre fría que el líder del atraco debe tener. No tiene sentido que tome ella el mando. Ritmo frenético Algo que no se le puede negar a la cuarta temporada es su ritmo. Es como una larga escena de tensión en una película extendida en casi ocho horas que vuelan. A menudo vemos series con grandes presupuestos, fotografía cinematográfica, actores de primer nivel, cuidado en los guiones y prestigio en cada poro. Pero estamos viendo que en muchas no hay material suficiente para completar una historia con cadencia cinematográfica de verdad, es decir, una urgencia que haga de la experiencia algo satisfactorio. A veces, en las series parece que los personajes hablan lentos y se tardan en contestar, pero más que para establecer un tono, una atmósfera, parece un patrón que se sigue a causa de la necesidad de rellenar horas de las plataformas. ‘La casa de papel’ puede pecar de exceso de intensidad a cada minuto, pero en ese aspecto, su narrativa es casi la de un manga, irreal, exagerado, pero siempre hacia delante. Es una de las ficciones más entretenidas del año, por derecho propio. El dilema Belén Cuesta Belén Cuesta es una de las grandes actrices del panorama nacional, probablemente, ella sola sea lo que hizo que ‘La llamada’ (2017) funcionase como lo hizo, pero su papel en la temporada 3 despistó a muchos porque aparecía como figurante entre todos los rehenes. En aquella época ya iba siendo muy conocida, por lo que se sabía que tenía que jugar un papel más importante. Así, en la última temporada tiene ese protagonismo que muchos esperaban, pero ha acabado siendo el elemento más criticado en el lanzamiento. El hecho de que Manila sea un transexual ha tenido contestación por parte del colectivo LGTB, que consideran que un papel trans debe ser interpretado por alguien trans, por lo que las buenas intenciones de la actriz y la producción por hacer más visible al colectivo han recibido su “dosis de twitter”. Pero, más allá de la torpeza o no, la interpretación de Cuesta es más que competente y en el ámbito de la ficción es bastante creíble como personaje, otra cosa es que su rol dentro del atraco quede un poco desdibujado. En Espinof "Deseo que haya temporada 5 de 'La casa de papel' porque la 4 deja todo con un final muy heavy". Jaime Lorente Hay una sensación de oportunidad perdida en la idea de un infiltrado entre los rehenes, porque básicamente no se ha construido antes. La escena de Denver y Moscú discutiendo sobre si debían meter a “Paquito” o no debería haberse presentado antes, el efecto de la sorpresa y la revelación en flashback del rehén topo habría tenido más entidad, incluso justificando más la elección de Cuesta para el juego del despiste. Tampoco se juega la baza como sorpresa o as bajo la manga del profesor para resolver las cosas cuando peor están. Acción espectacular El plan puede que no sea tan brillante, la resolución de los problemas no tienen tanto guante blanco, sino pólvora y metralla. El hecho de colocar a un John McClane real dentro del Banco de España genera un caos que se ve desde la otra barrera. No mola tanto cuando estás de parte de los atracadores, pero sí que genera una sensación de peligro constante que se resuelve con muchas secuencias de acción muy bien resueltas. El talento de los directores detrás de los episodios se nota y el tiroteo rodado por Koldo Serra deja ver cinefagia en cada fotograma. El efecto autoremake No hay nada como saber cuáles son tus fortalezas y defectos para tratar de perpetuarlos, por eso, en las dos últimas temporadas hay un efecto déjà vu respecto a la primera que recuerda a esas segundas partes, como ‘Terroríficamente muertos’ (Evil Dead 2, 1987), que en realidad son remakes más costosos, espectaculares y conscientes del éxito original. ‘La casa de papel’ se beneficia de esto, ofreciendo un espectáculo más hollywoodiense y con más de todo, desde acción a momentos de tensión y oscuridad, pero también deja notar ciertos patrones en la estructura se revelan más artificiales, llegando a ser demasiado evidente en la forma en la que Alicia Sierra descubre al profesor, una repetición del mismo proceso de encontrar las cintas de seguridad que dejan expuesto a Sergio. Es inevitable no pensar que tan meticuloso no será cuando tropieza dos veces en la misma cámara de seguridad. Personajes que brillan El truco final de Alicia sería más molesto si no estuviera interpretada por una Nawja Nimri espectacular, que compone ella sola un villano a la altura de la serie, una némesis tan peligrosa que realmente consigue poner en problemas a la banda. Su mezcla entre chulería e ironía es tremendamente efectiva en la boca de Nimri, que incluso sabe cómo hacer que la tragedia que esconde el personaje se transforme en una empatía de dos filos. En Espinof 'La casa de papel': la serie de Netflix sigue enganchando en una vibrante temporada 4 que ya comienza a estirar de más el chicle Otro descubrimiento es Estocolmo, que pasa a ser un miembro de la banda con más cabeza que la mayoría, consiguiendo al mismo tiempo una candidez humana retratada con sencillez por Esther Acebo. Denver también va construyéndose como impulsivo tierno cuyas dualidades se hacen fortalezas y resulta más entrañable en esta temporada. El lado negativo es que perdemos a Nairobi, probablemente el miembro que añadía más espontaneidad y personalidad a la serie. Atajos de guion ‘La casa de papel’ sigue teniendo una entidad conjunta que hacer merecer su popularidad, pero sí que pueden encontrarse algunas costuras en los devenires del guion de los ocho capítulos del arco del atraco al Banco de España. Aunque tiene muchas frases y diálogos gloriosos, también hay monólogos cuestionables, como el del Maserati, existen muchos saltos de fe para llegar a ciertos puntos que no acaban de tener coherencia con la lógica de disciplina del grupo. Las subidas y bajadas emocionales de algunos personajes acaban teniendo saltos de lógica que llevan a errores demasiado previsibles. El cambio de tornas de Palermo es relativamente creíble y está bajo sospecha por lo que se revela hacia el final, pero no se explica que Manila no lo detecte o no reaccione. En general hay pequeños detalles que dejan una mayor sensación de “vale todo” que, al fin y al cabo tiene que ver con la sensación de caos que viven los protagonistas. En Espinof "La temporada 4 de 'La casa de papel' baja al Profesor a los infiernos". Álvaro Morte El plan final Aunque la razón de reintroducir a Lisboa dentro del banco nunca se justifique —ni tenga mucha lógica, a priori, salvo para sustituir a Nairobi en las fases finales del robo— el plan con el que es rescatada y reintroducida es por lo que vemos películas de golpes. Presentar el momento de la azotea para reconstruir todo lo que ha pasado hasta ese momento es digno de George Roy Hill. El plan es ingenioso, divertido y su ejecución cinematográfica, brillante. El hecho de poner a unos mineros asturianos disfrazados de jueces como parte del plan es lo que hace que ‘La casa de papel’ se haga querer. El clímax sin final El episodio 8 de la serie es genial, pero deja la conclusión del atraco al banco de España en un punto de cliffhanger demasiado abierto. No es que no sea un buen final, siempre el sabor de boca amargo hace que la serie tenga un punto oscuro muy de agradecer, pero rompe la regla no escrita establecida en las dos primeras temporadas. Esto es, 16 episodios para narrar un solo atraco se perciben un poco arriesgados, ¿De verdad necesitarán 24 capítulos para completar el plan del Banco de España? Queda la duda si en la temporada 5 lo resolverán en dos episodios y se abrirán otras tramas, pero ocho horas más para un solo atraco es demasiado. Lo que sigue funcionando, lo que habría que cambiar Los flasbacks se han convertido en un sello de la serie y la vuelta de Berlín tiene una subtrama pasada que a priori parece que no es demasiado importante y sí lo acaba siendo cuando se revela cómo acaba su relación con Palermo, poniendo en cuestión las intenciones de un despechado lleno de odio hacia el profesor. También es muy interesante cómo va dando consejos desde el pasado sobre el peligro de Gandía o lo que puede ver en sus visitas al gobernador. Sin embargo, es difícil seguir estirando la presencia de Berlín en una nueva temporada. Por otra parte, el formato de la serie, de atracos desde dentro que duran horas y horas necesita una revisión si la serie quiere seguir resultando fresca. No es fácil romper ese sello de identidad, pero nuevos escenarios y situaciones para la banda serán esenciales si no quiere caer en la monotonía. A este respecto, le sienta bien el formato antológico de distintos arcos por cada dos temporadas, pero el horizonte es brumoso sin un objetivo de largo plazo para los protagonistas y tras el fin de este atraco las posibilidades son muy amplias. En Espinof Más allá de 'La casa de papel': de 'Atraco a las tres' a '70 binladens', otros grandes robos a la española Las cosas que hacen especial a ‘La casa de papel’ son sus personajes, la cercanía de muchos de ellos, el uso de detalles costumbristas y castizos, como ese ejército introduciendo paellas, casi riéndose de los estereotipos españoles que recibirá la audiencia internacional. Lo que no ha perdido es su poder adictivo. Es casi imposible no querer ver todos los episodios del tirón, y sus 45-50 minutos suelen pasarse volando. Ese es el verdadero valor de una serie que deja ver el amor y la voluntad de sorprender y superarse de sus creadores, hoy por hoy, algo a valorar. - La noticia 'La casa de papel': qué funciona y qué no en la temporada 4 del fenómeno de Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

El primer trabajo en solitario de Joel Coen, 'The Tragedy of Macbeth', que estárá protagonizada por Denzel Washington en el papel principal y está producida por A24, estará aproximado al género thriller, según Indiewire. El director y la actriz Frances McDormand hablaron sobre la adaptación de la tragedia de William Shakespeare en una reciente sesión de preguntas y respuestas en vivo de Instagram. Mucha nueva información sobre el proyecto Si bien, en la icónica historia de Shakespeare sigue a un hombre (Washington) que es convencido por un trío de brujas de que su destino es convertirse en rey de Escocia. Con la ayuda de su ambiciosa esposa (Frances McDormand), Macbeth intenta apoderarse de la corona por cualquier medio necesario. Brendan Gleeson, está en conversaciones para unirse al elenco como el Rey Duncan, el papel de Corey Hawkins actualmente es un secreto. En Espinof Así se adapta una novela inadaptable: nueve consejos para que no te digan que el libro era mejor que la película En el Q&A, Coen afirmó que su adaptación puede considerarse un thriller: "Creo que eso es algo que siempre he sentido al ver la obra y también algo que se volvió más claro y más interesante para mí cuando me estaba metiendo y haciendo la adaptación. Es interesante cómo Shakespeare pre-imaginó ciertos tropos en la literatura de suspense y de crimen estadounidense que eran comunes en la primera parte del siglo XX. Además, es un thriller contrarreloj, porque para el matrimonio es un elemento de la historia, desarrollándola como un thriller y poniendo una presión de tiempo muy específica-“ McDormand unió el detalle del tiempo a la importancia de la edad de los protagonistas: “En la adaptación de Joel, estamos explorando la edad de los personajes y en nuestra adaptación los Macbeth son mayores,tanto Denzel como yo somos mayores que lo que se suele interpretar como los Macbeth. Somos posmenopáusicos, no estamos en edad de procrear. Entonces eso ejerce presión sobre su ambición de tener la corona. Creo que la distinción más importante es que es su última oportunidad para un momento de gloria". la verdadera brillantez de la adaptación de Joel es que Lady Macbeth nunca haya tenido un hijo, tras muchos embarazos y quizás niños nacidos que han muerto de fetos o muy jóvenes, da sentido al título porque es realmente su tragedia personal, alimentando su ambición de empujar a su esposo a tomar la corona. Centrar la historia en una pareja de unos sesenta años, agrega la tensión y urgencia de que se les acaba el tiempo". En Espinof 'Macbeth', prodigio estético, cansancio narrativo 'The Tragedy of Macbeth' tendrá música compuesta por Carter Burwell, colaborador de toda la vida de los hermanos Coen y el guion corre a cargo del propio director aunque afirma que usará el 85% del diálogo de la obra de Shakespeare. A24 aún no ha anunciado una fecha de estreno, aunque con la crisis es de esperar que tardará en rodarse. - La noticia El Macbeth de Joel Coen será un "thriller a contrarreloj" que rodará por primera vez sin su hermano fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

El estado de alarma ante el Coronavirus COVID-19 sigue su curso y las televisiones están empezando a sugerirnos contenido basado en nuestra realidad diaria. En este sentido, HBO España ha anunciado 'En casa', una miniserie de cinco episodios realizados por otros cinco directores de cine y televisión. En concreto nos encontramos con Leticia Dolera, Rodrigo Sorogoyen, Paula Ortiz, Carlos Marqués-Marcet y Elena Martín, quienes escriben y dirigen cada uno de los cinco episodios con sendas historias de ficción en un mismo contexto: la cuarentena. En Espinof 'Diarios de la cuarentena': un inofensivo pasatiempo de RTVE que busca la sonrisa cómplice del espectador Los capítulos se filmarán en el ámbito doméstico de las casas donde están confinados estos directores, con las personas con las que están aislados y provistos de un kit formado por un teléfono de última generación y algunos complementos. Todavía no hay fecha de estreno para 'En casa', pero lo que sí que nos dicen es que se verá en los 21 territorios de HBO Europe. No es el primer proyecto de ficción española hecha en el contexto de este confinamiento. La semana pasada La 1 de TVE estrenó 'Diarios de la cuarentena', una sitcom estructurada en forma de tira de sketches en los que seguíamos la vida y circunstancias de varias personas. Si la de La 1 es comedia, en esta antología nos encontraremos con varios subgéneros que van desde la comedia al drama en pequeños episodios de quince minutos en los que se plantearán cuestiones como qué pasaría si tu novio te dejara la mañana en que decretan el confinamiento, cómo sería vivir la experiencia en una comuna o qué pasa si el confinacmiento te hace descubrir que tu pareja no es quién tú crees entre otras premisas. Independientemente del plantel de directores, lo que ya no sé es hasta qué punto estamos receptivos ante este tipo de propuesta. Ya con 'Diarios de cuarentena' hubo bastante polémica por su mera existencia y por hacer humor sobre la situación en la que estamos obligados a vivir. - La noticia HBO España ficha a Leticia Dolera, Rodrigo Sorogoyen y más directores para 'En casa', una nueva serie sobre la cuarentena fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Ayer, acompañando a la primera imagen oficial de 'Dune', en la que podíamos echar un primer vistazo a Thimotée Chalamet como Paul Atreides, os contábamos que el largometraje de Denis Villeneuve era uno de los pocos que mantenían su fecha de estreno original en pleno aluvión de retrasos a causa del coronavirus, siendo otro de los grandes títulos que permanecían inalterables 'Soul', lo nuevo de Pixar. Pero, como decía mi abuela, la alegría dura poco en casa del pobre, ya Disney acaba de anunciar que, con los cines cerrados, la aventura animada de su estudio más prestigioso retrasará finalmente su lanzamiento del 19 de junio al 20 de noviembre de este mismo año. El atracón de taquillazos que nos espera en la campaña prenavideña empieza a dar vértigo. En Espinof Todas las películas de Pixar ordenadas de peor a mejor El retraso de 'Soul', dirigida por Pete Docter y Kemp Powers, se une así a la reestructuración masiva del calendario de la Casa del Ratón que ha afectado a títulos como 'Mulan', 'Viuda negra' y 'The Eternals'. Además, se ha informado de que 'Raya and the Last Dragon', también ha desplazado su llegada a cines del 25 de noviembre al 12 de marzo de 2021. Ayer mismo, durante su última comparecencia, el presidente francés Emmanuel Macron estimó que la reapertura de cines y la celebración de festivales en el país galo se pospondrá hasta, aproximadamente, mediados de julio. Teniendo en cuenta esto, y extrapolándolo fuera de sus fronteras, podemos hacernos una idea de cómo quedará este curso cinematográfico 2020. - La noticia 'Soul': lo nuevo de Pixar también retrasa su estreno frente al cierre de cines por el coronavirus fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Tras el sensacional episodio de la semana pasada, 'Westworld' no mantiene el ritmo en un nuevo capítulo con altibajos que, sin embargo, no da respiro al espectador. Ofrece algunas estimulantes respuestas, adelanta una gran sorpresa y deja echar un vistazo a los planes de los dos grandes cerebros que han entrado en combate. Además, nos deja una escena memorable que parece ideada especialmente para estos momentos. Aviso: a partir de aquí hay SPOILERS de 'Westworld'. No sigas leyendo si no estás al día con la serie... En esta entrega titulada 'Genre', como la droga que fue presentada en el anterior episodio y cuyos efectos son revelados a través del sufridor Caleb (Aaron Paul), la serie de HBO nos lleva al pasado para conocer mejor a Serac, el villano al que encarna Vincent Cassel. Como venimos diciendo, el actor ha sido un gran fichaje, aporta carisma a un personaje que podría resultar anodino en otras manos, y cada una de sus apariciones eleva el interés de 'Westworld'. Quieres saber más de él... Un dios humano y una realidad confusa Pero como en toda ficción serializada, la información se va dosificando poco a poco, manteniéndonos enganchados semana tras semana, a la espera de más respuestas. Tras este episodio 3x05 ya sabemos cómo surge Rehoboam, ese extraordinario cerebro informático (¿Skynet?) que recopila y analiza datos de todo el mundo, además de ofrecer un formidable herramienta: anticipar eventos con alta probabilidad de acierto. En Espinof Las 53 mejores series de la década (2010-2019) Rehoboam se presenta como un auténtico Dios artificial capaz de predecir el futuro, y Serac no solo es su protector, es su intérprete; la mano ejecutora. Con esas escenas del personaje sobrevolando el cielo y apareciendo en cualquier parte gracias a la tecnología, aparentemente intocable, Serac aparenta ser una especie de divinidad humana, responsable del curso correcto de la Historia (lo que planteaba Isaac Asimov en su saga 'Fundación'). La misión a la que ha dedicado su existencia, tras asistir siendo niño a la destrucción de París, es evitar el caos y el fin de la humanidad. Y para ello va a cruzar cualquier límite. Encerrar a su hermano, si es necesario. Asesinar a quien ponga en peligro esta cruzada. Su oscuro pasado, antes protegido, cae en manos de Dolores (Evan Rachel Wood), que ya no solo tiene en jaque a Serac sino que ha puesto en marcha su revolución. Por otro lado, la serie no abandona su faceta de thriller de acción y vuelve a ofrecer escenas de tiroteos, persecuciones y peleas, de nuevo con Dolores y Caleb como protagonistas. No obstante, los creadores de 'Westworld' siguen esforzándose por ofrecer algo diferente y esta vez nos sumergen en el extraño punto de vista de Caleb; con "género" corriendo por sus venas, el mundo se vuelve aún más extraño e intenso para este personaje. Y la serie nos deja algunos momentos sorprendentemente oportunos... "¿Qué género es este?" "Es la realidad, tío." De pronto, la increíble realidad que nos ha tocado vivir, encerrados a causa de la pandemia, parece reflejarse de algún modo en planos de 'Westworld', que como cualquier relato de ciencia ficción usa el género como recurso para hablar de la naturaleza humana. En este sentido, es interesante el dilema sobre la información que se pone sobre la mesa: ¿deberíamos saber todo sobre nosotros, hacia dónde nos dirigimos, o conviene que algo, o alguien, nos proteja de nosotros mismos? Tráiler de 'Westworld' 3x06: 'Decoherence' - La noticia 'Westworld' 3x05: nuevas pistas y más acción en un capítulo irregular que establece un inesperado vínculo con nuestro presente fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Apple también ha querido unirse a las iniciativas ofreciendo contenido gratuito para que podamos entretenernos durante la cuarentena. En concreto ha decidido ofrecer acceso libre por tiempo limitado a siete series y un documental de su catálogo de producciones originales de Apple Tv+. Propuestas para todos los gustos Entre las series a las que podremos ver de forma gratuita accediendo aquí conviene hacer una distinción entre dos grupos. Por un lado, las orientadas al público adulto son 'Servant', un thriller psicológico en el que participa M. Night Shyamalan, 'Para toda la humanidad', una serie de ciencia ficción que ofrece un mundo alternativo en el que la URSS llegó primero a la luna, 'Dickinson' y 'Little America'. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora Además, para los más pequeños de la casa lanza de forma gratuita 'Helpsters', de los creadores de la mítica 'Barrio Sésamo', 'El escritor fantasma' y 'Snoopy en el espacio', nueva serie animada del popular universo de Charlie Brown creado por Charles Schulz. Por último, Apple TV+ también nos permitirá acceder sin coste alguno el documental 'Reina de elefantes'. Narrado por Chiwetel Ejiofor -'Black Panther'-, cuenta la historia de Athena, una matriarca elefante que guía a su familia en un épico viaje. Para acceder al resto del catálogo de Apple Tv+ sigue en marcha la promoción que permite probar su servicio durante siete días de forma totalmente gratuita. - La noticia Apple TV+ ofrece gratis siete series y un documental para entretenernos durante la cuarentena fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Hace bien poco os hablaba de ‘Mi primer gran combate’, uno de los últimos estrenos cinematográficos de Netflix, pero es que el mismo día que esa discreta carta de amor al wrestling llegaba a la plataforma también lo hacía ‘Amor. Boda. Azar’ -título claramente inspirado en el magnífico eslogan de ‘Al filo del mañana’-, una comedia romántica sobre el papel destinada a un público completamente diferente. En mi caso siempre he sentido cierta debilidad por ese subgénero -incluyendo su vertiente más comercial y normalmente no muy trabajada-, así que aproveché que el encierro por el coronavirus ha trastocado mis horas de sueño para darle una oportunidad a este remake de la producción francesa ‘Plan de table’. No es que acabara horrorizado, pero sí tengo claro que es una propuesta solamente recomendable para los amantes más incondicionales de este subgénero. Poco inspirada Podría decirse que ‘Amor. Boda. Azar’ está dividida en dos mitades. En la primera parece quererse jugar con unos recursos similares a los utilizados con bastante acierto en su momento por ‘Cuatro bodas y un funeral’, introduciendo varios invitados a la boda que podrían resultar simpáticos en su excentricidad pero que aquí carecen de elementos que los hagan especiales. En parte por no querer darles espacio, pero con otros porque simplemente son encaminados rápidamente hacia tramas convencionales que no te terminan de atrapar. En Espinof La decadencia de la comedia romántica: cómo Hollywood ha hincado la rodilla y Netflix se ha llevado el género a su terreno Además la dinámica que se establece entre Sam Claflin y Olivia Munn también busca algo parecido a la que surgía entre Hugh Grant y Andie McDowell en la película de Mike Newell, pero cuando mejor funciona es cuando algo externo interfiere. Pienso sobre todo en su primer y último encuentro, donde hay dos pequeños chispazos cómicos de agradecer. El resto del tiempo, incluso cuando se recurre de forma puntual al humor, hay algo que no termina de cuajar, quizá sea porque no existe la química necesaria entre ellos para el juego que nos plantea la película. Y es una pena, porque ambos por separado sí que cumplen, sobre todo él como el pobre diablo que antepone la bienestar de los demás al suyo propio. Así es como ‘Amor. Boda. Azar’ va perdiendo poco a poco el interés del espectador, incluso el más paciente que tampoco está pidiendo más que una comedia romántica que cumpla unos mínimos. Queda el clavo ardiendo del enredo, nunca suficientemente potenciado, pero es como si todo en la película se conformase con ser poco más de lo que esperaríamos en un telefilm anodino de los que a veces nos cruzamos durante la sobremesa de los fines de semana. En Espinof Las 21 mejores series románticas en Netflix Incluso visualmente hay algo en la fotografía que no termina de encajar, es como si se quisiera jugar con el hecho de transcurrir en Italia para dar una luminosidad naturalista que a veces resulta ligeramente artificiosa. El director y coguionista Dean Craig busca limitar eso a través de un uso de la cámara que busca el movimiento y la fluidez siempre que le resulta posible durante los primeros minutos, buscando quizá dotar de un acabado formal más dinámico, pero es un esfuerzo que cae en saco roto. Un giro agradecido Por el camino sí que surge algún secundario que puede llamar la atención del espectador, pero más en función de cómo puede verse reflejado parcialmente en lo que nos muestra la película o de lo ridículo que le resulte. En mi caso fue con el invitado con habilidades sociales escasas que se presenta con un kilt sin ser escocés, quizá por ser el personaje en el que percibí un poco de verdad. No es que el tratamiento del mismo sea gran cosa, pero tampoco lo arruinan con excesos innecesarios. Eso sí, cuando uno está a punto de tirar la toalla llega un giro que ya se nos había adelantado previamente en cierta medida para dar ofrecer un enfoque -literalmente- diferente a lo que acabamos de ver. De esta forma, los personajes se enriquecen ligeramente y el peso de sus acciones tiene algo más de amplitud dramática. Sigue sin hacer despegar la película, pero sí ayuda a que uno siga adelante con ella con algo de curiosidad en lugar de limitarse a hacer de tripas corazón. En resumidas cuentas ‘Amor. Boda. Azar’ es una adición al creciente catálogo de comedias románticas originales de Netflix que se queda lejos de alcanzar el nivel de propuestas estimables como ‘A todos los chicos de los que me enamoré’ o ‘Quizás para siempre’ y se asemeja más a una más de cuando Hollywood las estrenaba con asiduidad. Puede servir si “necesitas” ver una película así, pero incluso en esa situación no esperes encontrar nada del otro mundo aquí. - La noticia 'Amor. Boda. Azar': una comedia romántica de Netflix para los más incondicionales del subgénero fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Un mes después de haber parado por la misma razón por la que se ha parado todo en el mundo, el equipo de 'Saturday Night Live' ofrece una nueva entrega en remoto a través de 'Saturday Nigh Live At Home', un irregular programa con alguna sorpresa, algún invitado de excepción y sorteando como puede alejarse de su esencia: grabado y sin público. Live from the end of the world El mismísimo Tom Hanks, una de las cinco estrellas más veces invitada al programa, lo reconocía: "No resulta sencillo tratar de ser gracioso ahora miso, pero intentar ser gracioso es la esencia de SNL, así que, qué diablos, intentémoslo". Tal vez así la estrella, que junto a su esposa Rita Wilson fue diagnosticada con el virus, se curaba de cualquier crítica que pudiera caer sobre sus hombros ahora que la ciudad de Nueva York permite escuchar el canto de los pájaros. En Espinof "Marcha, marcha, es genial": diseccionamos la escena de Bohemian Rhapsody en 'El mundo de Wayne' No es la primera vez que el programa intenta poner una sonrisa en los ciudadanos tras una crisis, porque ahí estuvo Paul Simon interpretando The Boxer después del fatídico 11 de septiembre y al Nat X de Chris Rock tras los disturbios de Los Ángeles, dando la bienvenida a "todos mis seguidores que me estarán viendo en televisores nuevos". Como dijo Hanks: "Ya no existe un sábado. Todos los días son hoy. Y no estamos realmente en directo, pero estamos haciendo todo lo posible para que esto se sienta como el SNL que conoces y amas". En su monólogo desde la cocina de su casa, bromeó sobre desprenderse del chándal para la ocasión y señaló: "Ahora sí que soy el verdadero padre de América, ya que nadie quiere estar cerca de mí y hago que la gente se sienta incómoda". Homenaje a los caídos El momento más conmovedor de la noche fue sin duda el homenaje al director musical de sketches del programa, Hal Willner, fallecido por COVID-19 hace unos días, y con homenajes de miembros históricos del reparto como Tina Fey, John Mulaney, Bill Hader, Adam Sandler o Amy Poehler. El show terminó con una conmovedora versión del 'Perfect Day' a cargo de sus viejos amigos. Bastante más emocionante que nuestro 'Resistiré', qué duda cabe. Larry David también se presentó como Bernie Sanders para explicar su decisión de terminar su campaña esta semana: "Finalmente tengo tiempo para relajarme y terminar ese ataque al corazón que empezó en octubre". El invitado musical oficial de la noche fue Chris Martin, vocalista de Coldplay, que interpretó el 'Shelter from the Storm' de Bob Dylan. Como advirtió Hanks al principio, este no era un episodio típico del show, fue solo parte de un esfuerzo global para comprobar cómo funciona un espectáculo de la vieja escuela en esta nueva realidad provocada por una pandemia. 'SNL at Home' resultó ser un experimento algo insatisfactorio, principalmente al carecer de las carcajadas del público en directo, algo que evocaron sus inquietantes créditos finales, recorriendo un escenario tan vacío como las calles de la ciudad de Nueva York. Ellos ahora están, en directo, en otra cosa más seria. - La noticia 'Saturday Night Live At Home': el histórico programa se sobrepone a la cuarentena con la feliz vuelta de Tom Hanks fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Puedo afirmar sin miedo a equivocarme que la 'Dune' de Denis Villeneuve es la película que más espero de este malogrado curso cinematográfico 2020, ya no por el material original en el que se basa este nuevo proyecto, sino por poder disfrutar de nuevo de la excelente mano del realizador francocanadiense en el campo de la ciencia ficción, en el que ya ha demostrado su valía en las fantásticas 'La llegada' y 'Blade Runner 2049'. Al máximo responsable de la nueva adaptación de la épica literaria en clave sci-fi de Frank Herbert, debemos sumar un reparto compuesto por estrellas de la talla de Stellan Skarsgård, Rebecca Ferguson, Javier Bardem, Dave Bautista y un Timothée Chalamet que será el encargado de dar vida al protagonista del relato; un Paul Atreides a quien, al fin, podemos dar un primer vistazo en la imagen podéis ver sobre estas líneas. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia Según comentó Chalamet a Vanity Fair sobre su personaje, lo más interesante es que huye del arquetipo de héroe clásico. Atreides no busca la aventura, sino que se resiste a ella. "Lo que atrae inmediatamente de Paul es el hecho de que en una historia con semejante nivel de detalle, escala y creación de mundos, el protagonista está en un tipo de anti viaje del héroe. Cree que va a ser una especie de joven general estudiando a su padre y su liderazgo de una fuerza de combate antes de madurar, con suerte una década más tarde, o algo parecido". A pesar del caos que está generando la crisis del coronavirus en el calendarios de estrenos, el lanzamiento de 'Dune' ha permanecido inalterable y continúa estando fijado para el próximo 18 de diciembre de este 2020. El propio Villeneuve se ha manifestado al respecto, lanzando unas palabras de aprecio al equipo que ha hecho posible la gesta. "Dune fue hecha por gente de todo el mundo. Muchas de esas personas son como parte de mi familia, y pienso muchísimo en ellos. Estoy muy orgulloso de mostrar su duro trabajo. Espero que llegue el momento en el que podamos estar todos juntos de nuevo, ya que 'Dune' se hizo para ser vista en la gran pantalla". - La noticia 'Dune' revela su primera imagen oficial: aquí tenemos a Timothée Chalamet en la piel de Paul Atreides fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

La esperada temporada 4 de la sensacional 'El ministerio del tiempo' está calentando motores y haciendo todo el ruido que puede, incluyendo la magnífica noticia de que estrenará los nuevos episodios tanto en La 1 como en HBO España. La serie está más cerca de lo que parece y la semana que viene podremos hincar el diente a una precuela. Así, el próximo lunes 20 de abril, RTVE.es estrena “Antes de que no haya tiempo”, una precuela transmedia de diez minutos que promete estar "llena de sorpresas reveladoras" y situar a los ministéricos en el marco de los próximos episodios. En Espinof 'El ministerio del tiempo': todo lo que sabemos de la temporada 4 Escrita por Pablo Lara y dirigida por Carles Torrens, esta precuela cuenta con Jaime Blanch como Salvador, Hugo Silva como Pacino, Cayetana Guillén Cuervo como Irene, Juan Gea como Ernesto, Francesca Piñón como Angustias y Manolo Cal como el personaje histórico invitado: Benito Pérez Galdós. No sabemos qué implica "transmedia" más allá de que se podrá ver en la web oficial del Ministerio del tiempo en RTVE, lo que sí que nos han contado es que nos situaremos dos años y medio después de los hechos de la tercera temporada y que la patrulla se enfrenta ante una alarma temporal que falla y las consecuencias de ello. No es la primera incursión de este estilo de 'El ministerio del tiempo' que desde sus inicios ha estado muy pendiente de la comunidad de ministéricos en sus redes sociales y han experimentado con su universo transmedia incluyendo inmersiones de realidad virtual. - La noticia 'El ministerio del tiempo' regresa la semana que viene con la precuela transmedia de la temporada 4 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Aunque en esta época parece que tenemos tiempo para todo, reconozco que mi propósito de ponerme al día con series ya veteranas va un poco cojeando. Sin embargo en estos días pude ponerme al día con 'Insecure', la comedia de HBO cocreada y protagonizada por Issa Rae cuya temporada 4 aterriza hoy a HBO España. Es muy manido eso de hablar de series como estas como "la mejor cosa que no estás viendo", pero sí que es verdad que la propuesta de Rae es muy refrescante dentro de su género semiautobiográfico, metiéndonos en una montaña rusa emocional por temporadas e implicándonos con Issa y su panda. En Espinof Las 31 mejores series de comedia en Netflix, HBO, Amazon y demás plataformas de streaming Porque, de hecho, ese era el objetivo original de Issa Rae con su serie: el simplemente mostrar las inseguridades de una chica joven, cercana a los treinta, su relación con sus amigas, sus peleas, sus errores y esos momentos de tierra trágame. Y en esta cuarta temporada hay de eso. Y mucho. Un ánimo moderado En cada temporada hay un ánimo dominante, que se refleja de algún modo en los títulos de los episodios y en esta ocasión la palabra clave es "lowkey", que podríamos traducir como moderado, discreto, incluso suave. Así es la vida para Issa en estos momentos. Sin grandes sobresaltos, con su trabajo de gerente de unos apartamentos e intentando sacar adelante su primer gran evento: el Block Party. Pero claro, esta discrección, esta suavidad es como el agua contra la roca. Es ver cómo se erosiona una amistad hasta que no puede más. De hecho, las primeras palabras de Issa en toda la temporada sientan como un tiro. Se refieren a Molly (Yvonne Orji) y ya sabemos que ha habido problemas. En Espinof Netflix vs HBO: Comparativa de precios y catálogo de series y películas Y que se viene a lo largo de estos episodios "flashbacks", un tsunami ante el que no sabemos cómo actuar, si no tocamos mucho nos ahogamos; si damos un paso en falso, nos ahogamos... Será el camino hacia esta fiesta y la fiesta en sí lo que vertebren los cinco primeros episodios de esta nueva temporada (los ofrecidos a la prensa y que he visto) y lo que dinamitan las cosas. Es curioso lo bien que funciona como comedia 'Insecure' aun estando presenciando la fabricación de un cataclismo y estando con un ánimo general de bajona. Issa Rae ha querido hablar de inercia, de erosión y eso se nota en el ritmo, en el ánimo general de las protagonistas e incluso en la intención del humor. Inercia, que no desgaste. Porque 'Insecure' está muy lejos de estar desgastada y el guion sigue destilando un humor preciso en las ironías que se presentan en la vida de Issa y sus amigas, un amor hacia Los Ángeles en general e Inglewood y sus habitantes en particular, una selección musical impoluta y una mirada certera hacia la vida de los que rondamos (y superamos) los treinta. - La noticia 'Insecure': la comedia de HBO pone a Issa en un rumbo al desastre en una temporada 4 no exenta de buen humor fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

En 1987, Clive Barker actuó de hombre orquesta escribiendo y dirigiendo la adaptación de su propia novela 'Hellraiser', un fantástico ejercicio de terror que, además de convertirse en un clásico imperecedero y suponer el nacimiento de uno de los grandes iconos del género, dio pie a una franquicia, compuesta hasta la fecha por diez títulos, que está lejos de detenerse. Hará cosa de un año os contábamos que el guionista David S. Goyer tenía entre manos el guión de un reboot de la saga producido por Spyglass. Pues bien, hoy, al fin, hemos conocido que David Bruckner será el encargado de reencontrarnos con Pinhead desde el asiento del director bajo un guión de Ben Collins y Luke Piotrowski basado en una historia de Goyer. En Espinof Toda la saga 'Hellraiser' en el cine: diez viajes sin billete de vuelta a un infierno de placer y dolor La verdad es que el fichaje de Bruckner invita a confiar en el proyecto. El georgiano no es, ni mucho menos, ajeno al terror, habiendo recibido su último largometraje 'The Night House' —escrito por Collins y Piotrowski— una cálida acogida en la última edición del Festival de Sundance. Su magnífico debut en solitario 'El ritual' —que podéis ver en Netflix— y sus segmentos en antologías como 'V/H/S' y 'Southbound', terminan de situarle como uno de los nombres más prometedores del panorama actual entre sus congéneres. He de confesar que toda la indiferencia que me generaba el regreso de los cenobitas acaba de convertirse en un gran interés por redescubrir su oscuro universo de placer, dolor y horror a espuertas. Veremos cómo evoluciona la cosa y si al fin encontraremos una producción a la altura del original. - La noticia El reboot de 'Hellraiser' se acerca: el director de 'El ritual' abrirá la Configuración del Lamento fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Con un adelanto de dos semanas respecto a su fecha de estreno original, BBC America nos ha traído un regalo de Pascua con el estreno de la temporada 3 de 'Killing Eve', que podemos ver a través de HBO España. Al igual que con la temporada 2, en esta nueva temporada nos encontramos con un relevo en el guion. En esta ocasión es Suzanne Heathcote quien se pone a los mandos de estos nuevos episodios para trazar las líneas maestras de los "nuevas" vidas de Eve (Sandra Oh) y Villanelle (Jodie Comer) tras el traumático final en Roma. En Espinof Las mejores series feministas actuales que demuestran que el remanido "chica busca chico" ha muerto (al menos en la tele) La primera vez que vemos a Villanelle, la vemos en su boda en España. Eso sí, al hablar vemos que no está del todo contenta con esta nueva vida y que el creer muerta a Eve le ha despojado de un sentido para su vida. Por otro lado, su "némesis" vive y está logrando mantener un perfil bajo para estar a salvo. Un prólogo que tarda en arrancar Como podemos imaginar, pronto las tornas cambiarán... pero no adelantemos acontecimientos. Sobre todo porque el primer episodio de la temporada 3 de 'Killing Eve' se toma toda la calma del mundo para presentarnos toda esta nueva situación. Más que un episodio inaugural, Suzanne Heathcote diseña uno de transición. Esto viene también de la mano de la propia tesis que tiene la serie en torno a la relación entre nuestras protagonistas. De la tensión al romance y luego a la ruptura del amor. Estamos en el momento del duelo, en el que todo parece pararse pero en realidad la vida sigue. Algo que hubiera funcionado mejor como una suerte de epílogo de los episodios anteriores que para arrancar la temporada. Al presentar todo esto al inicio de la temporada, Heathcote tiene el reto de atinar a la hora de presentar la nueva historia navegando en cierto desequilibrio entre la exploración del cacao emocional que son ahora mismo nuestras protagonistas y los puntos de ignición de la trama (una tragedia muy cercana a Eve, y hasta aquí puedo leer). 'Killing Eve' se acomoda Aquí debo incidir que estas impresiones vienen del visionado del único episodio al que hemos tenido acceso y puede haber un buen margen de mejora. De hecho, la prensa internacional ha podido ver más y parece que así es. La sensación general es que 'Killing Eve' se ha acomodado en sus esquemas y sus personajes, perdiendo algo de la chispa original (y el humor raro) que nos ha mantenido enamorados dos temporadas. Todo esto no quiere decir que sea un mal regreso. Ni mucho menos. Simplemente algo decepcionante, como que han relajado el nivel. En Espinof Las 29 mejores series de intriga y suspense en Netflix, HBO, Amazon y Movistar Por lo demás, creo que la serie sigue funcionando como un reloj y es todo un gusto ver de nuevo a los personajes principales, incluyendo los interpretados por Fiona Shaw y Kim Bodnia. Con un poco menos de ese humor ***** tan característico, 'Killing Eve' presenta una temporada 3 que nos deja muchas dudas. La serie se sigue disfrutando y este primer momento tiene momentos muy curiosos, incluyendo a Jodie Comer hablando catalán en una tienda de Girona. En definitiva, creo que la serie ha dado un pequeño paso atrás. Afortunadamente nada demasiado grave pero sí lo justo como para que la gente se pueda bajar del carro. - La noticia 'Killing Eve' se acomoda en su temporada 3: la serie sigue funcionando pero empieza a perder encanto fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Puede que el mundo del wrestling no pase por su momento de mayor popularidad entre el público, pero sigue siendo una práctica deportiva con millones de fans a lo largo de todo el planeta y ese es un nicho que Netflix no podía dejar pasar. De hecho, ya le había servido como base para ‘GLOW’, una de las mejores series originales de la plataforma, y ahora también se convierte en el eje de ‘Mi primer gran combate’, una de sus últimas películas. Orientada abiertamente al público infantil, ‘Mi primer gran combate’ es una carta de amor al wrestling pensada para que los más pequeños de la casa se enamoren de este deporte. Con múltiples apariciones de luchadores y otros integrantes de WWE, la compañía detrás de lo que en España conocimos durante mucho tiempo como ‘Pressing Catch’, es una cinta inofensiva que sirve para pasar un rato en el que pongas tu cerebro fuera de cobertura. La máscara del wrestling Leo es un chaval apasionado del wrestling que un día encuentra una máscara que le hace obtener una fuerza prodigiosa, por lo que no duda en aprovechar que WWE va a visitar su ciudad para intentar conseguir su sueño de convertirse en un luchador profesional. Aquí la película dirigida por Jay Karas podría haber optado por ser una especie de variante infantil de ‘La máscara’, pero ya os adelanto que el cambio entre que el protagonista la lleve o no está mucho más medido. Es simplemente como si pasara de ser un chaval inseguro a que su confianza se salga de la escala. Al respecto conviene la pena destacar que la estructura familiar que plantea ‘Mi primer gran combate’ es de lo más peculiar, pero también que nunca llega a explorarla realmente y se queda normalmente como algo latente en lo que solamente se incide para transitar por caminos tan conocidos que es difícil conseguir por ahí esa empatía emocional que busca la película. Por no hablar del lamentable personaje de la abuela. En Espinof Las 27 mejores películas de deportes de la historia Eso se busca más a través de la amistad con otros chavales de su edad y de la niña por la que se muestra interesado. No esperéis más que un enfoque totalmente inocente en este último punto, sirviendo para incidir de forma más clara en lo que cambia el protagonista interpretado con soltura por el joven Seth Carr cuando lleva o no esa máscara prodigiosa. Ahí ‘Mi primer gran combate’ resulta correcta teniendo en cuenta su enfoque infantil, pero en todo momentos estamos deseando que se centre en aquello por lo que hemos empezado a verla. Lo mejor en el ring Desde un principio está claro que ‘Mi primer gran combate’ no va a ofrecer un dibujo ajustado a la realidad del wrestling, pero sí que sabe captar algo esencial que traspasa los límites de ese mundo: la pasión del protagonista, ya sea imitando a muchos de sus ídolos o animándose a ejecutar un alocado plan para conseguir un contrato con WWE. Sí, narrativamente está construido de forma mejorable, pero logra transmitir ese energía necesaria para que al menos quedamos seguir viendo y no dejemos lo que queda de película para otro momento. Lo que busca la película es combinar el sentido del espectáculo de estos shows de lucha libre, la grandilocuencia de los luchadores -y de las rivalidades entre ellos- con un elemento fantástico -el protagonista casi se convierte en un superhéroe al ponerse la máscara- que hace que cualquier posibilidad de ese acercamiento realista salte por los aires para optar por una caricatura ligera y bienintencionada. En Espinof El 'Pressing Catch' no para por el coronavirus: los shows de WWE se han convertido en espectáculos que rozan lo surrealista De hecho, incluso las apariciones de personalidades auténticas de este mundillo se pliegan a esa enfoque, alterando sus personajes o actitudes habituales por el bien mayor, destacando sobre todo un Keith Lee que ya debería ser una superestrella y no un luchador de la, por así llamarlo, liga de desarrollo de WWE. Si consigue que sus diálogos suenen naturales, es que puede con todo. Hay que reconocerle a Karas cierta pericia para equilibrar el lado más cómico del relato -ahí ojalá hubiese contado con más actores como Ken Marino- con la necesidad de darle un toque humano, aunque a cambio su habilidad visual es un tanto mediocre. Además, en ningún momento abandona esa perspectiva infantil y creo que de haberse estrenado hace 25 años podría haberse convertido en un titulo que recordar con cariño. Hoy en día creo que tiene un alcance más limitado en todos los sentidos, pero cumple hasta cierto con lo que se propone. En resumidas cuentas ‘Mi primer gran combate’ no engaña a nadie pero podría llegar a resultar un poco frustrante para el que no sea bien consciente del tipo de película que va a ver. Un homenaje al wrestling pero con moraleja y pensado para que los chavales se contagien del amor por esa industria. Por ello paga varios peajes que como mucho le permiten ser un pasatiempo casi digno. Ya es más de lo que esperaba, la verdad... - La noticia 'Mi primer gran combate': una bienintencionada carta de amor al wrestling de Netflix destinada al público infantil fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El tiempo parece pasar más lento de lo habitual durante el encierro por el coronavirus, pero vuelve a ser domingo y toca una nueva entrega de Cazando Gangas. Hoy encontraréis, entre otros chollos, 'El caballero oscuro' en UHD, el pack con las dos primeras temporadas de 'La casa de papel' y ropa de 'Rick y Morty'. Películas Blu-ray Muy buena pinta tiene este pack británico -ojo al tema doblaje y subtítulos- de Princesas Disney que incluye doce clásicos animados de la compañía, empezando por 'Blancanieves y los siete enanitos' y concluyendo en 'Vaiana'. Por 71,49 euros será vuestro. Disney Princess Complete Collection PVP en Zavvi 71,49€ Una edición de Arrow es sinónimo de calidad pero también casi siempre de que no tendrá nada en español. Si os vale con el inglés, ojo a esta colección de la saga 'The Ring' por 27,49 euros La trilogía del Cornetto puede ser vuestra por un precio risible: 13,49 euros. Ojo, que es la edición británica. 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Steelbook Si te quedaste en su momento sin la edición española de 'Skyfall', una de las mejores películas de James Bond de todos los tiempos, no dejéis pasar la francesa, ya que contiene el mismo disco que el español y además lleva unas postales de regalo: 11,78 euros Skyfall [Francia] [Blu-ray] Hoy en Amazon por 8,78€ Ojo a la edición británica de 'El rey de la comedia', una gran película de Martin Scorsese que influenció de forma notable a 'Joker': 18,99 euros Si te gustó la nueva versión de 'Los ángeles de Charlie' y además tienes debilidad por las ediciones en caja metálica, no esperes más: 11,99 euros Uhd Por 12,72 euros podréis conseguir la edición italiana de 'El caballero oscuro' que incluye doblaje y subtítulos en español. Il Cavaliere Oscuro (4K Ultra Hd+2 Blu Ray) [Blu-ray] Hoy en Amazon por 12,72€ Gran precio para la edición en 4K de la estupenda película animada 'Spider-Man: Un nuevo universo': 12,99 euros La puesta al día de 'Los vigilantes de la playa' no llegó a editarse en 4K en España, pero sí en Italia y ahora podéis haceros con ella por 19,58 euros Series de televisión Blu-ray Ya no tiene nada de serie completa, pero este pack con las dos primeras temporadas de 'La casa de papel' se queda muy bien de precio: 23,99 euros La Casa de Papel - Serie Completa [Blu-ray] Hoy en Amazon por 23,99€ PVP en Fnac 36,99€ Por 61,99 euros podréis conseguir la serie completa de 'House'. Es la edición británica, pero idéntica a la española cuyo precio habitual es de casi 40 euros más. En Fnac tenéis activa una oferta de lo más interesante: un 40% de descuento en una amplia selección de series editadas por Divisa, tanto en blu-ray como en dvd. 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Cuaderno Caballero Oscuro Batman: la serie animada PVP en Zavvi 11,99€ Mucho ojo a esta selección de merchandising de más de 110 artículos, ya que podréis elegir 4 x 22 euros. Estos días seguro que estás pasando mucho más tiempo de lo habitual en tu sofá. Dale un poco de color con esta selección de cojines frikis con un 30% de descuento adicional utilizando el código SUPER30. Imagen y Sonido Televisores Una oportunidad de oro para hacerse con un smart Tv OLED a precio ajustado: Hisense 55O8B se queda a 1199 euros. cuenta con una pantalla de 5 pulgadas 4K, Dolby Vision HDR, Audio Dolby Atmos, compatible con Alexa y con con VIDAA U 3.0 como sistema operativo (el propio de la marca). 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A pesar de ello, ninguno de los artículos mencionados han sido propuestos ni por las marcas ni por las tiendas, siendo su introducción una decisión única del equipo de editores. - La noticia 'El caballero oscuro' en 4K, pack de 'La casa de papel' y ropa de 'Rick y Morty' en nuestro Cazando Gangas fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Ruby está en su coche, después de dejar el teléfono recibe un mensaje. El agobio, la tensión es real. Tres letras: “RUN” (corre). Tras un momento de reflexión decide responder con lo mismo. Va al aeropuerto con lo puesto tirando de camino la esterilla de yoga, coge el primer vuelo a Nueva York, va a la Grand Central Station y coge un tren. Allí se encuentra con Billy e inician un viaje a lo largo del país. Ese es el comienzo de 'Run', la nueva comedia de HBO (de estreno esta noche en Estados Unidos, mañana en España) que viene con el aval así en grande de tener en la producción ejecutiva a Phoebe Waller-Bridge pero a quien debemos la serie es a Vicky Jones, amiga de la guionista británica a la que, precisamente, dirigió en 'Fleabag' (la obra de teatro) y ha colaborado con ella desde entonces. En Espinof 'Crashing': la serie de Phoebe Waller-Bridge en Netflix carece del ingenio de 'Fleabag' pero es una comedia ideal para maratón En esta ocasión nos encontramos con una comedia romántica con ligeros toques de thriller en el que nuestros protagonistas deberán explorar y descubrir junto con los espectadores, de qué están huyendo exactamente para decidir fugarse con un amor de juventud. Esta pareja está interpretada por Merritt Wever como Ruby, una arquitecta casada y con hijos y Domhnall Gleeson como Billy, un exitoso gurú en problemas. En el reparto también nos encontramos con Archie Panjabi como Fiona y Rich Sommer como Laurence... y también estará Phoebe Waller-Bridge pululando por ahí. Un comienzo entre raíles descontextualizado Si no conocéis la premisa de 'Run', el inicio no os lo va a descubrir. La serie va directa en su primer episodio a ese viaje en tren, a ese extraño reencuentro de gente extrañada. Es más, incluso juegan un poco con ese momento plantándonos dudas sobre esta pareja. De hecho, no es hasta mitad de temporada (he podido ver cinco episodios) cuando se nos explica los puntos clave del pacto que Ruby y Billy hicieron hace casi dos décadas. La serie prefiere centrarse más en lo que no se cuentan el uno al otro y que les ha llevado a coger, tras tanto tiempo, ese tren continental cuando apenas han mantenido el contacto durante 17 años. En Espinof Las mejores comedias románticas: 23 películas de amor inolvidables que conquistan con risas Gran parte de estos primeros cinco episodios de 'Run' transcurren en el tren. Podríamos incluso hablar de que la serie, de por sí, es bastante "embotellada" con continuos paseos, tensión sexual, discusiones, búsquedas del uno y por el otro recorriendo los vagones y butacas. Como guionista, Vicky Jones tiene ante sí el gran reto para que no se desgaste enseguida el electrizante comienzo de la serie y no logra resolverlo demasiado bien. Al limitar el contexto y centrarse mucho en esta pareja y en esos "sí pero no", tras el eléctrico y vibrante comienzo, el engranaje empieza pronto a chirriar. Afortunadamente la aparición de Fiona (Archie Panjabi), asistente de producción de Billy, pone las cosas patas arriba y le da el toque de thriller que nos han venido prometiendo desde que se anunció la serie. Logrando, a partir del tercer episodio, volver a engrasar la propuesta de 'Run' y darnos una mezcla que funciona. Una notable alumna de la escuela de Phoebe Vicky Jones se nota discípula de Phoebe Waller-Bridge y en 'Run' reconoceremos ese sentido algo oscuro del humor, ideas retorcidas sobre la vida y sobre el amor y ese diseño de personajes que nos han enamorado tanto en 'Fleabag' como en 'Killing Eve'. Y, si sois fans de estas, 'Run' os conquistará. Y, sobre todo, por Merritt Wever, que está espléndida. Tampoco es que esto sea algo inusual, pero se come cada escena de la serie. No es que su contrapartida Gleeson esté mal, pero a mí en particular no me termina de enamorar tanto. Mención aparte tiene Archie Panjabi, que es siempre un gustazo ver. En tiempos de confinamiento, 'Run' nos propone una notable comedia romántica escapista. En líneas generales, si bien tiene sus altibajos en interés, el guion logra atinar poniendo los giros en los momentos precisos para volvernos a meter en los raíles (y ciudades por las que pasa) gracias a un excelente reparto. - La noticia 'Run': HBO entusiasma con una electrizante comedia romántica de escapismo sobre raíles fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

La emisión del piloto de ‘Twin Peaks’ acaba de cumplir 30 años. Tres décadas que definen una piedra angular del audiovisual moderno, completado hace unos años por la espectacular tercera temporada, que renovaba el imaginario de la serie para los tiempos del terror de autor. Sin embargo, en primera instancia, fue un folletín co-creado por David Lynch y Mark Frost, que dejó a los espectadores de los años 90 rascándose la cabeza, pero muy enganchados. Durante sus dos primeras temporadas los seguidores originales no respondían al arquetipo cinéfilo que acogió con prestigio el regreso de 2017. Podía ser tu madre, tu cuñado o tu hermana mayor; el mundo quería saber quién había matado a Laura Palmer y se perdía con gusto entre la marea de personajes. Sin embargo, extrañados o alucinados, los espectadores aplaudían la extraña habilidad de la serie para generar escalofríos y risas incómodas por igual. La investigación del excéntrico, pero atractivo, agente Dale Cooper (Kyle McLachlan), en busca de la persona que mató Laura Palmer, la chica más popular del pequeño pueblo que da título a la serie, era casi una excusa para ir administrando las escenas plagadas de surrealismo cotidiano que acabaron por cimentar su personalidad. Pero, ¿cómo nace un proyecto tan transversal y sorprendente? ¿Cuál fue la idea germinal? En Espinof Cinco consejos para ver 'Twin Peaks' por primera vez Para desentrañar la difícil madeja de influencias, referencias y orígenes, nos ha iluminado Javier J. Valencia, quien puede considerarse, sin duda, el estudioso de ‘Twin Peaks’ más destacado en habla hispana. Con algunos libros en su haber, su última referencia ‘Universo Twin Peaks’ de la editorial Dilatando mentes, es un volumen esencial para comprender la dimensión del legado de la obra, con extensos análisis e interpretaciones que conectan las piezas de un puzzle imposible encontrando patrones muy lúcidos. Un origen casual La serie sería inconcebible sin estar asociada al nombre de David Lynch. Llena de sus características y su amor por el contraste entre lo misterioso y lo cómico, la luz y la oscuridad, lo popular y la alta cultura. Lo que siempre ha llamado la atención es cómo llegaría un director de cine ya más o menos consagrado a un medio que se consideraba menor. Javier J. Valencia nos explica: “Fue a raíz de la sugerencia que le hizo su agente Tony Krantz (que curiosamente es el hijo de la escritora de novelas románicas Judith Krantz, cualquiera diría que el culebrón estaba llamando a la puerta de Lynch) de que trabajara con Mark Frost y desarrollaran juntos algún proyecto. Al ver que alguna intentona previa para el cine no cuajó, Krantz insistió en que intentaran dar forma a algún proyecto para televisión. Lynch trabajó en ello con total naturalidad, del mismo modo que pasa de dirigir una película a pintar un cuadro o a construir una mesa. De hecho, siempre ha dejado claro que no ve ninguna diferencia en lo que se refiere al trabajo 'de campo' entre un medio y otro (me refiero al rodaje en sí, no tanto a la post-producción), y que veía las ventajas de poder contar una historia que se continuara de una semana a otra”. Pero a menudo se olvida —o se quiere olvidar— el papel de Frost, y su experiencia televisiva. Veremos el rol de ambos y su importancia en el conjunto pero, en cuanto al elemento de autoría de uno y otro, Javier J. Valencia afirma: “Sinceramente, creo que Frost y Lynch son ‘culpables’ al 50% del nacimiento del universo de Twin Peaks. Ambos dieron forma al pueblo y a sus personajes antes incluso que surgiera la idea del asesinato de Laura Palmer, que siempre han confesado que cuando les llegó esta idea por fin tuvieron el punto de partida y catalizador. Creo que es importante que fuera así y no al revés, porque debe de resultar muy diferente construir a personajes de manera natural que no haciéndolo como potenciales sospechosos de un crimen. Durante la primera temporada el desarrollo de la historia estaba ya establecido antes de empezar a rodar, por lo que me mojaría a pensar que ambos comparten por igual la responsabilidad. Actualmente, Lynch ha expresado en varias ocasiones que él personalmente solo siente como ‘Twin Peaks’ el episodio piloto, algo que personalmente considero que es tan exagerado como ocurría en los años 90, cuando se colocaba su nombre siempre por encima del de Frost. En la segunda temporada ya se empieza a notar un paulatino desinterés de Lynch”. En Espinof 11 secuencias de 'Twin Peaks' que confirman que la serie de David Lynch sigue siendo única Crímenes reales El mayor pilar de la serie y la precuela es el argumento de los primeros episodios, con la muerte de una joven en un pequeño pueblo. La versión más conocida es que fue el co-creador Mark Frost quien se inspiró en un crimen real para configurar las ideas que suponen el punto de partida: el asesinato de Hazel Drew en Sand Lake, Nueva York. Cuando Frost pasaba sus vacaciones en Taborton, su abuela le relataba relatos del folclore local, incluyendo el misterioso crimen de Hazel, que se solía contar como una vieja historia de fantasmas para asustar a los niños y advertirles de no salir al bosque de noche. La historia era un triste misterio sin resolver cuando el cuerpo sin vida e hinchado de Drew fue descubierto flotando boca abajo en las orillas del pantano de Teal. En sus primeros contactos para desarrollar las primeras ideas de la serie, Frost y Lynch hacían lluvia de ideas y se les ocurrió la imagen de un cuerpo sin vida de una joven en la orilla de un pequeño lago. Por una parte, Lynch tiene fijación artística para representar mujeres jóvenes y vulnerables, a menudo rubias, y Frost recordó a Hazel y su historia, cuando caminaba por una zona con lago similar al que veríamos en ‘Twin Peaks’. En Espinof La extrañas y alucinantes conexiones del universo 'Twin Peaks' y el de 'IT' de Stephen King Así, hay detalles del caso real, como un cuerpo en la orilla, el asesinato aún no resuelto o los sospechosos de todo tipo de clases sociales con los que interactuaba y que convivían en el pueblo. Citas y reuniones clandestinas de la chica con varios sospechosos, un rico empresario que domina el pueblo, la industria maderera y, por supuesto, historias esotéricas y extrañas del lugar real, como un médicos que se creía que practicaba artes oscuras o supersticiones que afirmaban que, subiendo a la montaña Taborton, se veían mujeres corriendo semidesnudas. Este quizá sea el caso más conocido, pero Javier J. Valencia cree que hay otro suceso real que no suele considerarse y tiene tanta o más importancia: “Otro crimen auténtico que podría haber sido influyente en la construcción del relato es el de Nancy Easton, que fue asesinada en 1974 en un municipio californiano llamado precisamente ‘Twin Peaks’, localidad que por cierto tenía su propia serrería, su propio ‘Roadhouse’ y a un detective de policía llamado ‘Hawks’. El novio de Easton, Harry ‘Buzz’ Teter, fue acusado pero liberado por falta de pruebas aunque su vida quedó marcada para siempre por el suceso. Años después, en el 2004, el caso pareció aclararse cuando Chris Davis (presuntamente) confesó su culpabilidad en su lecho de muerte: había tenido una relación secreta con Easton pero como era un joven aparentemente saludable y popular (e hijo de un policía para más ‘inri’) nadie sospechó de él. Podría tratarse de una casualidad cósmica o quizá el suceso sirvió de inspiración para al menos construir el piloto, usando a Teter y Davis como unas ‘proto’ versiones de James y Bobby. Al menos así lo considera el propio Teter…” En Espinof La influencia del arte en la obra de David Lynch revelada en un fascinante ensayo visual Arte y ocultismo David Lynch es uno de los directores de cine más visuales que ha trabajado en la industria, y es conocida su fijación por la pintura y la historia del arte. Sus mayores influencias visuales son obras de pintores icónicos como el surrealista René Magritte. Pero en el primer ‘Twin Peaks’ puede que cale más el realista Edward Hopper, y sus retratos pop de la vida cotidiana de la América urbana y rural, con bares de carretera y Dinners iluminados con fluorescentes. Este calado ya se intuía en ‘Terciopelo azul’ (Blue Velvet,1986), que no dejaba de ser un retrato de Missoula, Montana, donde nació el propio Lynch; con un retrato naif e idealizado de Norteamérica, que también puede rastrearse en la obra de Norman Rockwell o en las ilustraciones de un viejo manual de urbanidad, ‘Good Times on Our Street’ (1945), que el director de ‘Dune’ (1984) repasaba durante la infancia y que inspiró los planos iniciales de la mentada ‘Terciopelo azul’, sugiriendo un lado oscuro del ambiente campestre de EE.UU. La parte con interés estético era su ultramundo fantástico, la logia y sus ramificaciones que va desde lo lovecraftiano, al surrealismo de El Bosco o los espacios estáticos e irreales de Giorgio de Chirico o Salvador Dalí. Un imaginario pintoresco y delirante que se complementan con iconografía oscura y esotérica, que abren una vía de ocultismo que se va implementando en la serie. En este ámbito, Javier J. Valencia afirma: “A nivel de construcción mitológica, Frost ha reconocido haber sido influenciado por escritores y pensadores esotéricos que le interesaron en su juventud, como Aleister Crowley o Alice Bailey. Los conceptos de Logia Blanca y Logia Negra nacen de H. P. Blavatsky, fundadora de la Sociedad Teosófica. Incluso en la tercera temporada puede intuirse la influencia del escritor polaco Stefan Grabinski, en cuyo relato ‘La venganza de los elementales’ de 1922 (incluido en la antología de Valdemar ‘El demonio del movimiento’) un bombero descubría la existencia de unos elementales del fuego a los que asociaba a Júpiter y a Jowday”. En Espinof Las 47 mejores series de la historia La importancia de la televisión ‘Twin Peaks’ significó pura vanguardia y la revisión irónica de los clichés de la narrativa serial, y tenía mucho que ver con los seriales radiofónicos y televisivos de la primera edad de oro de la tv. La serie era al fin y al cabo una heterodoxa soap opera ambientada en una pequeña comunidad Y aquí es donde quizá pese más la presencia de Frost. Según J. Valencia: “Cuando ‘Twin Peaks’ apareció como un cohete en la televisión de los años 90, fue enseguida acogida por la crítica cinematográfica más que por la televisiva (al menos en España, donde la segunda no era desde luego como la de hoy en día) y si te fijas, los referentes de la gran pantalla siempre aparecieron mencionados en primer plano (véase ‘Laura’ de Otto Preminger o ‘Vertigo’ de Alfred Hitchcock— NdA: discutidos más adelante—) antes que los televisivos, a los que en ocasiones se suele referir muy por encima”. El nombre principal que se suele como influencia es la serie ‘Peyton Place’ (1964-1969), de la que se puede intuir la forma en la que se presentan los habitantes de la ciudad, y otras ideas, como que ambas giran en torno a una niña que fue abusada sexualmente por un miembro de la familia, el escándalo y la hipocresía debajo de la cuidada fachada de una pequeña ciudad de Estados Unidos. Sin embargo, J. Valencia aclara que: “Lynch vio la versión cinematográfica (nunca el serial, como a veces se dice por ahí) por deseo de Tony Krantz cuando estaba trabajando con Frost para desarrollar algún proyecto de TV y al director de ‘El hombre elefante’ ni siquiera le gustó”. En Espinof David Lynch, criatura humana La adaptación de Mark Robson de la novela sensacionalista del escritor Grace Metalious, de 1956 fue analizada por Lynch y Frost en una proyección privada, pero según el agente de Lynch, Tony Krantz, ya habían imaginado el mundo de ‘Twin peaks’ antes de verla. Aunque sí presentó a Russ Tamblyn, quien interpretaría al Dr. Jacoby en el programa. Lo que sí que pesa en el formato de serie es la experiencia televisiva de Frost: “En términos de estructura, de dotar de forma a la serie, se suele dejar de lado el bagaje de Mark Frost en ‘Canción triste de Hill Street’ (Hill Street Blues, 1981-1987), una serie revolucionaria en su momento al alejarse de la concepción de la tv de entonces (donde las series de argumento criminal solían ser auto-conclusivas), que aplicó los arcos argumentales de varios episodios para desarrollar tramas y a su vez contaba con numerosos personajes principales cuyo protagonismo podía variar de un episodio a otro. Ese estilo estaba reservado entonces casi en su totalidad a los soap-opera, las series de “belleza y poder” tipo ‘Dallas’ pero Steven Bochco y su equipo (donde aparte de Frost estaba David Milch, futuro creador de ‘Deadwood’) aplicaron esa “tridimensionalidad” al género policiaco y se siguió aplicando en series que tuvieron un gran prestigio en su momento como ‘St. Elsewhere’ o ‘La ley de Los Ángeles’. Frost fue muy hábil en llevar ese modelo de narración a ‘Twin Peaks’, dotar de vida a los habitantes de un pueblo —cada uno con sus miserias y alegrías, que cuando se da forma a un guion pasan a ser puras tramas— y encima arreglárselas para que el muy personal estilo de David Lynch brillara con fuerza”. Otro de los referentes televisivos, consciente o no, fue ‘El prisionero’ (The Prisoner, 1967-1968), una serie bastante adelantada a su tiempo, y un toque experimental propio de la psicodelia de los 60 que fue uno de los primeros ejemplos de ficción catódica desconcertante, y el lugar en donde transcurría, The Village, es un escenario bastante Lynchiano, en donde se mezclan lo agreste e idílico con lo perturbador o inquietante. La presencia del Hollywood Clásico El aire retro de ‘Twin Peaks’ también se contagia a las formas de sus personajes, el envoltorio de sus relaciones y la sencillez narrativa, todo ello fruto de un fetichismo iconoclasta del Hollywood clásico que no sorprende de Frost y Lynch, cuyo primer trabajo juntos fue el guion de un biopic de un icono cuya muerte tiene un misterio no muy diferente al de Laura Palmer: “Juntos, intentaron primero llevar a la gran pantalla la biografía ‘Goddess’ de Anthony Summers (editada en España por Planeta como ‘Las vidas secretas de Marilyn Monroe’). Quién sabe cuánto de las sensaciones que le transmitió el mundo privado y secreto de la Monroe sirvieron al dúo para dar forma al tormento de Laura Palmer”. Son muchas las pequeñas lascas de cine clásico a lo largo de tantos capítulos, pero uno de los referentes estructurales es la mismísima ‘Ciudadano Kane’ (Citizen Kane, 1941), que utilizaba una muerte enigmática para ir explorando una serie de personas peculiares. Otro germen muy importante es ‘Rebelde sin causa’ (Rebel Without a Cause, 1955), en la que Natalie Wood y James Dean inspiraron los personajes y relación adolescente intensita de Donna y James. La huella fatalista del cine ***** Hay un gran listado de películas de cine ***** que definen el estilo expresionista de muchas de las obras de David Lynch, especialmente en su tramo de los 90 y de nuevo milenio, pero alguno tienen más importancia en la serie, especialmente los que tienen lugar lejos de una zona urbana típicamente asociada con el género, como ‘El desvío’ (Detour, 1945) o ‘Retorno al pasado’ (Out of the Past, 1947), que reflejaban las ansiedades de EE.UU. en la época de la posguerra, lo que en los 90 se traducía en las miserias ocultas bajo la alfombra de la América de la era Reagan. Como comentaba Valencia, más arriba, ‘Twin Peaks’ posee elementos sacados de ‘Laura’ (1944) de Otto Preminger, en la que tenemos un detective que se enamora de la mujer cuyo asesinato está investigando. Los retratos de Laura Palmer (Sheryl Lee) y Laura Hunt (Gene Tierney) sirven de eje visual en ambos casos y hay nombres que se reutilizan en forma de guiño. Otras influencias confesas fueron ‘La mujer del cuadro’ (The Woman in the Window, 1944), ‘Secreto tras la puerta’ (Secret beyond the Door, 1947) y ‘Out 1, noli me tangere’ (1971). El Hitchcock telúrico Alfred Hitchcock es una presencia constante en ‘Twin Peaks’, pero quizá no sus obras más encajables el suspense puro, sino el que cultivó el noir más pastoral en ‘La sombra de una duda’ (Shadow of a Doubt 1943) y el más entregado a la psicología de sus personajes. Uno de los ejemplos más claros, ‘Recuerda’ (Spellbound, 1945), se encuentra con las interacciones en sueños de Laura y Cooper, gracias a sus paisajes de sueños junguianos diseñados por Salvador Dalí, que tienen las clave del misterio en símbolos y significantes compartidos. Una matriz de teoría del psicoanálisis, que en ‘Twin Peaks’ encarna el Dr. Jacoby, también con fuerte relación con ‘Vértigo: De entre los muertos’ (1958) a la que se referencia nombrando a la prima de Laura, Maddy Ferguson como el personaje de Kim Novak, compartiendo ideas de doppelgängers e identidades suplantadas y, por supuesto ese tejido de realidad elástica, envuelta en brumas de romanticismo. Surrealismo y experimental Hacer un compendio de la influencia de los surrealistas y el cine experimental en la obra de Lynch es digno de un volumen aparte, pero la cantidad de imaginería recurrente y símbolos oníricos nos llevan a la obra experimental de Maya Deren, de nuevo clave en las descripciones de la dimensión alternativa de ‘Twin Peaks’. Además, hay muchas referencias mitológicas, al igual que los trabajos de Jean Cocteau sobre el mito griego de Orfeo, donde Cooper sería elegido como el héroe descendiendo al inframundo para salvar a Laura / Eurydice. Musicales Los cincuenta aparecen con frecuencia en todas las películas de Lynch, a través de su música y estética pero, en ‘Twin Peaks’, el enfoque se mueve más hacia el musical francés. Lynch cita ‘Una mujer es una mujer’ (Une femme est une femme, 1965) como influencia y se deja notar en momentos como Audrey bailando, siguiendo con Godard en ‘Vivir su vida’ (Vivre sa vie, 1962). De ellas nace el énfasis de las bruscas paradas y cambios de volumen, un elemento que acaba teniendo mucha importancia en los cambios de estado entre el sueño y la realidad de Cooper. En Espinof Las 21 mejores películas musicales de todos los tiempos Fantástico y Terror Partiendo de que ‘El mago de Oz’ (The Wizard of Oz, 1945) es uno de los filmes más referenciados en toda la filmografía de Lynch, no es difícil encontrar notas de fantasía en ‘Twin Peaks’. Pero si ‘Peyton place’ estaba dirigida por Mark Robson su debut como director, ‘La séptima víctima’ (The Seventh Victim, 1943) es uno de los pináculos del cine ocultista que puede seguirse en las subtramas más oscuras de la logia y los ritos asociados a la muerte de Laura Palmer. No es de extrañar que trabajara para el productor Val Lewton cuyo ciclo de terror de la RKO es una gran influencia en Lynch, especialmente en la obra de Jacques Tourneur. Algunas de películas tienen guiños en ‘Twin Peaks’, pero su adaptación de M.R. James, ‘La noche del demonio’ (Night of the Demon, 1957) tiene elementos de folk horror, por su conexión mística —las raíces nativas en el caso de EE.UU— del mal en el bosque, con iconografía constante de madera y árboles, algo que se hace más evidente en, ‘The Secret History of Twin Peaks’ (2016), la novela de Frost, en la que crea un mito alternativo del nacimiento de América. En Espinof Las siete películas que conviene ver antes de 'Midsommar', el nuevo film de horror de Ari Aster Un estudio de los orígenes ancestrales del mal en el pueblo que conecta con ‘La garra de satán’ (Blood on Satan's Claw, 1971) o ‘El hombre de mimbre’ (The Wicker Man, 1973) como equivalentes en el Reino Unido. Tampoco se puede obviar la obra previa de Lynch, con elementos como el patrón del piso de la logia negra, apuntado en ‘Cabeza borradora’ (Eraserhead, 1977) o el irreal club de ‘Terciopelo azul’, con su Frank Booth, que podría encabezar el grupo proxeneta que explotaba a las jóvenes de la serie. Como apuntes adicionales, la fascinación por los sueños es muy deudora de ‘El año pasado, en Marienbad’ (L'Annèe dernière à Marienbad, 1961) de Alain Resnais, cuya música amenazante y embriagadora trata de conseguir e efecto febril al igual que ‘Twin Peaks’. En la italiana ‘La mujer del lago’ (La donna del lago, 1965) hay muchos elementos de misterio similares a los 'Twin Peaks', con notas de gótico y atmósfera irreal en un evocador blanco y ***** que inflama el enigma hasta lo inquietante. Además, a menudo se relaciona la logia negra con la dimensión paralela descrita en el corto ‘Poslední lup’ (1988), cuya acción está rodada al revés, como el efecto del baile de Michael J. Anderson. El legado de ‘Twin Peaks’ Para calcular la influencia que ha tenido la serie en los formatos, imaginario colectivo y cultura popular necesitaríamos tres artículos como este, pero aprovechando que Javier J. Valencia nos comentó sus apreciaciones sobre su origen, le preguntamos por el impacto que tuvo la serie en el tejido cultural televisivo de los 90: “En un primer momento, en la década de los 90, no tuvo tanto impacto como se predijo durante la emisión de su primera temporada. Sirvió para que se diera luz verde a proyectos que llevaban años buscando ser producidos como ‘Doctor en Alaska’, con la que compartía la visión de las pequeñas comunidades del norte de América y el toque bizarro. También ayudó a que vieran la luz proyectos como ‘Wild Palms’ (1993), cruce entre cyberpunk y soap opera que venía con la firma de Bruce Wagner y Oliver Stone y que la cadena ABC se esforzó en vender como un producto en la línea de Peaks, aunque fue un fracaso. Hasta cuando uno lee artículos sobre el remake de ‘Dark Shadows’ en 1991 de la cadena NBC se sorprende leyendo que los productores pensaron que era un buen momento para hacerlo debido al éxito de series como la de Lynch y Frost. Pero realmente en aquellos tiempos no tuvo tanta repercusión”. En Espinof Los 17 momentos más rotundos y sorprendentes del regreso de 'Twin Peaks' Sin embargo, el hechizo de Frost y Lynch se fue asimilando en los años posteriores y el valor de la serie acabó multiplicándose con el tiempo, cuando su culto se fue transmitiendo ya sea por la bibliografía a raíz de su fandom o por la propia transformación del formato televisivo, incapaz ya de huir del influjo de la serie. “A raíz de la llamada ‘segunda edad de oro de la televisión’, con el éxito de Los Soprano y del auge de las series de la TV por cable, mucho mejor elaboradas que (por lo general) las de la TV generalista, puede rastrearse la influencia de ‘Twin Peaks’ en muchos de los creadores más prestigiosos de series de nuestro tiempo. Desde David Chase a Matthew Weiner, de Alan Ball a Damon Lindelof, de Bryan Fuller a Blake Crouch, a todos ellos les marcó y la interpretaron como casi una fuerza de creatividad salvaje que les hiciera enfrentarse a las limitaciones del medio televisivo. Fue como una semilla que se plantó en su cabeza e iba a florecer dos décadas después. Quizá la manera de revolucionar la televisión de ‘Twin Peaks’ no iba a ser la de un abanderado con metralleta disparando al aire. Quizá iba a ser algo más parecido a un fantasma. Estuvo por un breve tiempo, desapareció… pero dejó a un montón de mentes creativas siguiendo el rastro que había dejado. Nunca lo iban a encontrar (no del todo), pero por el camino iban a descubrir sus propios caminos, y estos iban a ser igualmente excitantes y emocionantes. Solo intentarlo ya valdría la pena…” En Espinof 'Twin Peaks': por qué tiene sentido que la temporada 3 sea la "mejor película" de la década para Cahiers du Cinema Mejor que J. Valencia no se puede expresar, pero como coda, es obligado mencionar la polémica selección de ‘Twin Peaks: el regreso’ (2017) como la "mejor película" de la década para la prestigiosa revista de cine Cahiers du Cinema. Algo que no es una elección, sino casi un manifiesto que extiende el debate sobre qué construye la definición de película, en un escenario de cine estrenado en plataformas donde existe ya el debate de si pueden o no entrar en las ceremonias como los Óscar. La criatura de Lynch y Frost, al fin y al cabo, sigue remodelando el medio, treinta años después. - La noticia 30 años de ‘Twin Peaks’: así se creó la serie con la que David Lynch cambió la televisión para siempre fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

La película de la que habla todo el mundo iba de un tipo que nunca fue muy normal y terminó con el pelo verde, los labios pintados y ejerciendo de maestro del caos. Con la llegada de 'Joker', la némesis de Batman se convirtió en el personaje más popular de Gotham. ¿Es la creación de Joaquin Phoenix la mejor versión del personaje? Un payaso muy molesto Animado, interactivo, clásico, guasón, sádico, depresivo y siempre enfermizo, el loco de la cara blanca ha estado presente en el bat-universo desde el primer día, cuando se enfrentaron por primera vez en las páginas del primero número de Batman allá por 1940. Inspirado por el largometraje de Paul Leni 'El hombre que ríe', el personaje del Joker ha estado presente en todas y cada una de las traslaciones del universo de Batman, así que es un buen momento para recordar sus versiones más populares ahora que el hombre murciélago no está ni tampoco se le espera tras la salida de Ben Affleck del proyecto que Warner y DC necesitan más que el aire que respiran. En Espinof Las 29 mejores películas de superhéroes de la década (2010-2019) Versiones animadas multi-formato Aquí el personaje solo tiene un dueño: Mark Hamill. La estrella de 'Star Wars' ha prestado su voz al personaje en la serie animada, en las películas animadas, en los videojuegos de súper villanos de LEGO y en los estupendos videojuegos de Batman de las nuevas plataformas. Si tenemos que elegir solo uno de ellos, bueno, está claro que nos quedamos con la serie de Bruce Timm. El guasón Este título nobiliario de la maldad superheróica se lo queda el gran trabajo de Cesar Romero durante los veintidós episodios que estuvo en la mítica serie protagonizada por Adam West. Su Joker histérico y pasado de rosca fue sin duda la gran inspiración para el siguiente de la lista. "El primero" Tim Burton decidió que Jack Nicholson sería un Joker tan estupendo que no quedaría más remedio que colocarlo el primero en los títulos iniciales de su rompedora película de 1989. Su 'Batman' cambió el concepto de cine de superhéroes que teníamos hasta entonces y es recordado desde hace treinta años como el más clásico de todos. El oscuro El malogrado Heath Ledger dejó para el recuerdo un puñado de interpretaciones estupendas y, según buena parte de Internet, el mejor villano de la historia de DC. Posiblemente también sería del cómic en el cine de no ser por un tal Thanos al que han visto chasquear los dedos por el universo. Su ladrón demente sin sentimientos y con gusto por los lápices quedará en la memoria de todos los aficionados. El emo Jared Leto tiene una carrera bastante singular. Estrella de la música indie, oscarizado intérprete del cine más independiente y cabeza de cartel en festivales y películas grandes, también tuvo tiempo de meterse en la cabeza de un Joker que no se vio nada favorecido por la tremenda colección de estupideces que fue 'Escuadrón Suicida'. Que no lo digo yo, que Warner va a hacer un reboot completo de la película con un guionista de verdad. En Espinof Todas las películas del Universo Extendido de DC, ordenadas de peor a mejor El de Gotham Estos de DC no dan puntada sin hilo, y a rebufo del cartel y el tráiler de la esperada película de Todd Phillips han decidido que era el mejor momento de anunciar al hombrecillo pálido de pelo verde que cerrará 'Gotham', aquella serie que muchos pensamos que sería una buena idea y que a la hora de la verdad casi ninguno tuvo tiempo para ver. El moderno Si pienso en el Phillips de hace unos años, desde luego que no parecía la mejor opción para una película como la que reventó el cine de 2019. Potencialmente asombrosa, con aroma a gran manzana podrida y a callejones apestosos, lo que se traían entre manos Phoenix y el director de 'Aquellas juergas universitarias' se llevó algún Óscar y más de mil millones de dólares de recaudación mundial. La broma asesina, sí. - La noticia En busca del mejor Joker: así han sido las diferentes encarnaciones del mal en Gotham fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

No solo de revisionados de sagas galácticas, de aventuras de superhéroes o de joyas de Pixar vive la esperada Disney+. La plataforma ha llegado a países como España por todo lo alto, y está llena, no solo de películas, sino también de series para todos los miembros de la familia. Y de extensiones para todos los gustos: de algunas nuevas como 'The Mandalorian' solo podemos ver (de momento) los cinco capítulos, y de otras más veteranas como 'Los Simpsons' podemos disfrutar nada menos que de 30 temporadas. ¡Necesitaríamos varias cuarentenas recluidos para poder verla! Pero si lo que te apetece es sentarte delante de la tele, poner el encefalograma plano y encadenar episodios, empezar y acabar una serie en un día o un fin de semana, echa un ojo a esta selección de nueve series recomendables para maratón en Disney+. 'Agente Carter' Ambientada después de la 2º Guerra Mundial, retoma el personaje de Peggy Carter tras los eventos de 'Capitán América: el primer vengador'. Con Hayley Atwell de nuevo en el papel, en esta ocasión, el gran amor de Steve Rogers se pone al servicio de Howard Stark en la clandestinidad, para ayudarle a recuperar varios de sus inventos que, si caen en manos equivocadas, podrían ser muy peligrosos. Emitida entre 2015 y 2016, 'Agente Carter' cuenta con 18 capítulos divididos en dos temporadas, una ambientada en Nueva York y la otra en Los Ángeles. Imprescindible para fans de Marvel. Ver en Disney+ 'High School Musical: The Musical: The Series' Si en los '00 eras fan de Troy, Gabriella, Sharpay y compañía, los protagonistas de la trilogía 'High School Musical', no puedes perderte estos 11 episodios que funcionan precisamente como eso, como un caramelito para quienes deseaban entonces estudiar en el instituto East High. En Espinof El lado oscuro de Disney: 13 películas de acción real tenebrosas de culto, y cuáles están en Disney+ Ahora esa misma localización regresa, y lo hace con aires renovados: nuevos alumnos y una nueva directora de teatro, que pretende rendir un homenaje al musical original. La serie, que de momento tiene una temporada de 11 capítulos, ya ha sido renovada por una segunda entrega. Ver en Disney+ 'Big Hero 6: la serie' El primero de los 25 capítulos de la única temporada que tiene esta serie, emitida originalmente en 2017, arranca justo en el punto en el que termina 'Big Hero 6'. En esta ocasión, Hiro, sus amigos y Baymax, el robot que creó su difunto hermano, se ponen al servicio de la ciudad de San Fransokyo para combatir contra los villanos que la acechan. Una aventura high-tech que cosechó muy buenas críticas y que también es ideal para ver con toda la familia. Ver en Disney+ 'La ley de Milo Murphy' Ningún fan de 'Phineas y Ferb' debería perderse 'La ley de Milo Murphy', cuya primera temporada (tiene dos) está subida entera a la plataforma. En Espinof Las 21 mejores series infantiles que puedes encontrar en Netflix, HBO, Disney+, Movistar+ y Amazon Prime De los mismos creadores que la serie de los hermanos inventores, en esta ocasión el protagonista es Milo (a quien presta su voz en la versión original Weird Al' Yankovic), un descendiente de Edward A. Murphy, creador de la famosa ley que dice que si algo puede salir mal, saldrá mal. La primera temporada contiene varios easter eggs de su predecesora, y en la segunda incluso hay un crossover. Ver en Disney+ 'Inhumans' La miniserie basada en la familia de superhumanos de Marvel fue la primera gran apuesta televisiva de la factoría, cuenta con 8 capítulos, y sigue a la Familia Real de Attilan hasta la Tierra. En concreto hasta Hawai, después de que su hogar fuese destruido. Allí tendrán que adaptarse a su nuevo hogar, aprender a pasar desapercibidos... y proteger al planeta de quien quiere destruirlo. Ver en Disney+ 'Hulk y los agentes de S.M.A.S.H.' Las dos temporadas de esta serie fueron emitidas en 2014 y 2015 por DisneyXD, pero ahora puedes ver seguidos sus ¡52 capítulos! de 23 minutos cada uno. Junto a She-Hulk, A-Bomb, Skaar y Red-Hulk, Bruce Banner formará su propio equipo, cuya lucha contra los villanos rodarán las cámaras de la webserie de Rick Jones en un intento de mostrar el lado más sensible y humano de Hulk. Ver en Disney+ 'LEGO Star Wars: Las aventuras de los Freemaker' Un total de 31 capítulos divididos en dos entregas narran las aventuras de los tres hermanos Freemaker, una suerte de chatarreros que componen y venden naves que hacen con piezas sueltas de otras. En Espinof 'Star Wars': en busca del orden definitivo para ver la saga ahora que tenemos Disney+ Cuando uno de los protagonistas descubre una parte de lo que fue un antiguo sable láser, comenzará una desternillante serie de acontecimientos que les llevará a una batalla entre el Imperio y la Alianza Rebelde. Otra propuesta para los fans de 'Star Wars'. Ver en Disney+ 'Nuestro Planeta' Aunque este documental narrado por Will Smith, que hace dos meses estrenó 'Bad Boys for life', cuenta ya con dos temporadas, de momento en Disney+ solo podemos ver la primera. Producida por National Geographic y dirigida por Darren Aronofski, la serie consta de 10 episodios en los que Will explica, para toda la familia, la historia de la Tierra. Ver en Disney+ 'El mundo del futuro' Otra serie de National Geographic que no puedes perderte es esta, basada en el libro Year Million: Science at the Far Edge of Knowledge y que incluso estuvo nominada al Emmy. Narrada por Laurence Fishburne, consta de solo seis capítulos en los que explora cómo podría ser la vida en varios años del futuro: desde el 2050 hasta el 1.000.000. Ver en Disney+ - La noticia Las nueve mejores series para hacer maratón en Disney+ fue publicada originalmente en Espinof por María Alba .

Disney no va a dejar de exprimir su catálogo de clásicos animados para hacer nuevas versiones de ellos. En esta ocasión es el turno de 'Robin Hood', pues ya es oficial que la compañía trabaja en una versión en "imagen real" que estrenará de forma directa en Disney+. Ya tiene director y guionista Por ahora, Disney ha contratado a Carlos López Estrada, responsable de 'Blindspotting', para dirigirla, mientras que Kari Granlund, que ya escribió la reciente 'La dama y el vagabundo', está actualizando el guion de la cinta animada de 1973. En Espinof Las 23 mejores películas de Disney de todos los tiempos Sin embargo, lo más llamativo del proyecto es que va a mezclar acción real y CGI y estará protagonizado por animales antropomórficos. Ahora la duda está en qué puede salir de ahí, porque está muy reciente la sombra de 'Cats' y lo de mezclar zorros, leones y otros animales actuando como humanos en una producción de estas características no suena especialmente bien. Ahora habrá que esperar a tener más detalles, pero el hecho de estrenarla directamente en Disney+ da a entender que la compañía tampoco tiene tanta confianza en el proyecto. A fin de cuentas, no va a descartar ingresar cientos de millones de dólares por las buenas... Vía | Slashfilm - La noticia 'Robin Hood' también tendrá remake: la nueva película para Disney+ será un híbrido de acción real y CGI fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La religión es una cosa muy seria, y precisamente por eso es tan jugosa a la hora de hacer humor a través de su prisma. Aunque eso en realidad no quiere decir nada, puesto que comedias religiosas memorables no nos salen demasiadas. De todos modos, la figura de Dios, sea cuál sea la encarnación elegida, sí que ha dado alguna alegría en cine o televisión. Veamos por qué y por dónde. Ay señor, señor No es fácil encontrar el lado divertido de la espiritualidad oficial de millones de fieles sin herir alguna sensibilidad, pero de eso saben un rato Trey Parker y Matt Stone, genios, dueños y señores de cada decisión detrás de 'South Park'. ¿Y sabéis qué? Que todas son acertadas. Ya sea la visión del paraíso, del infierno o de ese Jesucristo radical, en la serie o en los videojuegos, su personaje es un arma de destrucción masiva dentro y fuera del contexto del episodio que reclame su presencia. Otro que no se casa con nadie, ni siquiera ahora entre toneladas de dinero y contratos con las compañías más importantes del mundo, es James Gunn. El cineasta de 'Guardianes de la galaxia' también realizó un sorprendente casting divino en su obra maestra (otra más) 'Super', la verdadera película sobre los verdaderos héroes que necesitamos. Este año cumple 10, nada menos. Pero las comedias también pueden incluir trasfondos religiosos algo más amables, como en 'El alucinante viaje de Bill y Ted' las dos entregas de 'Como Dios'. En 'La vida de Brian', los miembros de Monty Python se jugaron la carrera y la vida, y unos cuantos años más tarde, la divertida 'Dogma' de Kevin Smith demostró que el fanatismo no entiende de alta comedia. De elevada comedia. En Espinof 'La vida de Brian': así se reían los Monty Python del mito religioso en 1979 Nuestro querido (y ateo) Ricky Gervais se burló de los Mandamientos, el cielo y demás parafernalia religiosa en su (mediocre) 'Increíble pero falso' ('The Invention of Lying'). 'Juerga hasta el fin' ('This is the End') o el documental 'Religulous', de Larry Charles, también metieron el dedo en la llaga, aunque con diferentes intenciones y resultados. En 2021 se cumplirá el 20 aniversario de 'Jesucristo, cazador de vampiros', un divertimento campy a medio camino del cine de Pedro Temboury o Jesús Franco, pero con ese aire cutresco digno de las producciones más infrahumanas del cine de explotación filipino. Eso sí, es mucho más amigable y soleada que cualquier producción de ese tipo. Aunque seamos fans de 'Kárate a muerte en Torremolinos' y 'Ellos robaron la picha de Hitler'. En Espinof 'Jesucristo Cazavampiros': una macedonia irreverente de religión, kung fu y grindhouse estilo años 70 Nosotros también supimos aprovechar en algún momento las corrientes divinas y celestiales. 'Año Mariano', la película con la que Karra Elejalde y Fernando Guillén Cuervo intentaron continuar el legado del 'Airbag' de Juanma Bajo Ulloa, no funcionó como esperaban y se convirtió rápidamente en un título de culto. Por otra parte, también de culto pero con una corriente de opinión mucho más positiva, el salto a la gloria de Javier Ambrossi y Javier Calvo, 'La llamada', fue un soplo de aire fresco. No se me ocurre una película de terror, exorcismo y muerte más optimista y bienintencionada en toda la historia del cine español. Lo que debería haber sido 'Camino', la película aquella con la que Fesser se alejó temporalmente de las ganas seguir viviendo, lo empaquetan en papel biodegradable cuqui bien fluorescente. Dos de las últimas adiciones al movimiento vienen de sitios inesperados y con muy diferentes tradiciones. 'El nuevo Nuevo Testamento', del belga Jaco Van Dormael. Llevo siete años viviendo en Bruselas y tengo un par de cosas que decir sobre ella: Dios no vive allí y la película funciona y tiene sentido del humor. Aunque a ratos peque de belga. Benoît Poelvoorde es un fuera de serie. La última en llegar y no por ello menos polémica ha sido la comedia brasileña 'Especial de Natal: Se Beber, Não Ceie', un mediometraje paródico sobre las consecuencias de una última cena un tanto pasada de rosca. Obviamente, ha sido la última en encender los fuegos protestantes de los más fieles. Bueno, en realidad todos sabemos que la última, lo que se dice la última, no será. - La noticia ¡Oh, Dios mío! Las apariciones divinas más cómicas del cine y la televisión fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Una de las primeras cosas que quería hacer cuando llegase Disney+ a España era ver, de una tacada, todos los cortometrajes de Pixar. Y dicho y hecho. Son 35 joyas, pequeñas historias animadas que, muchas de ellas, ya habían sido exhibidas en los cines antes de prácticamente todas las películas de Pixar, excepto 'Toy Story' y 'Coco'. Otros se lanzaron directamente en Internet, e incluso algunos se han estrenado exclusivamente en la plataforma, antes de que aterrizase en nuestro país. John Lasseter, el que fuese productor ejecutivo de Disney y Pixar hasta finales de 2018 (cuando abandonó su puesto tras varias acusaciones de, ejem, "comportamientos inadecuados"), firma la gran mayoría de ellos, y sus estanterías cuentan, entre otros galardones, con cinco premios Oscar al mejor cortometraje de animación. En Espinof Todas las películas de Pixar ordenadas de peor a mejor Con argumentos para todos los gustos, desde pequeños spin-offs o explicaciones a cosas que se quedaron en el aire en algunas de los largometrajes de Pixar, hasta creaciones nuevas, estos son los 35 cortometrajes disponibles en Disney+, ordenados de peor a mejor: 35. 'Las aventuras de André y Wally B.' (1984) No elegimos el primer corto de Pixar (en este caso, realizado por Lasseter en Lucasfilm) como el "menos bueno" por, obviamente, tener la peor animación, sino porque la historia... digamos que no es la más currada: al protagonista le persigue una avispa a la que distrae para salir corriendo. 34. 'Las 500 millas y media de Radiador Springs' (2014) Entre 'Cars 2' y 'Cars 3', Rayo McQueen reapareció en este aburrido corto de seis minutos donde compite con un nuevo rival. 33. 'El sueño de Red' (1987) La primera aparición de la clásica pelota de Pixar fue en este oscuro cortometraje (oscuro literalmente por falta de luz), en el que un monociclo rebajado en una tienda de bicicletas sueña con ser una gran estrella de circo. No apto para coulrofóbicos. 32. 'La leyenda de Mordú' (2012) El mismo año que se estrenó 'Brave', la bruja hizo doblete: en la peli de Mérida y en este corto, donde cuenta la historia de Mordú, un sanguinario príncipe. Tan aburrido como suena. 31. 'Smash y Grab' (2019) El primer corto estrenado en la era post-Lasseter pertenece al programa SparkShorts de la compañía, donde buscan nuevos talentos en el mundo de la animación. En esta ocasión, con la historia futurista de dos robots en un tren de vapor, no estuvieron muy acertados. En Espinof Disney+, ¿merece la pena? Analizamos el catálogo de una plataforma de streaming con mucha nostalgia y pocas sorpresas 30. 'Tin Toy' (1988) Este corto, cuya idea de juguetes vivientes sentó las bases para 'Toy Story' le valió a Pixar el primer Oscar al mejor cortometraje animado. Y no es que su argumento esté mal (un muñeco huye de un bebé baboso que solo quiere jugar), pero ha tenido un envejecer regular. 29. 'Luxo Jr.' (1986) Aquí vemos de nuevo la pelota y, por primera vez, el clásico flexo de Pixar al que Lasseter dio vida. Las aventuras de padre e hijo en forma de lámparas jugando con una pelota han sido todo un referente en el mundo de la animación, pero con los avances de hoy, se han quedado cortas... 28. 'Kitbull' (2019) Otro de los cortos salidos del programa SparkShorts explora la curiosa amistad entre un gatito callejero y un pitbull maltratado por su dueño. Un corto bastante MEH, salvado por la moralina lacrimógena tan típica de Disney. 27. 'Presto' (2008) La pelea entre mago y conejo en pleno escenario que se proyectó en el cine antes de 'Wall-E' no está mal pero tiene un defecto: la parte buena tarda en arrancar. 26. 'Burn-E' (2008) El mismo año que 'Presto', cuando Pixar se relamía el éxito de su peli de robots, también estrenaron este cortometraje con Wall-E y Eve de fondo, que cuenta la historia de un pequeño soldador de la nave AXIOM que tiene que arreglar una lámpara. 25. 'La misión especial de Dug' (2009) Sabemos cómo conoció Dug a Carl y a Russell en 'Up', pero ¿a qué se dedicaba antes este peculiar perrete? Este corto, cuya acción sucede a la vez que la película, lo explica. 24. 'Azulado' (2013) La historia de amor entre dos paraguas durante una tarde de lluvia torrencial en Manhattan es bonita, no se puede negar, pero en ocasiones sus niveles de azúcar superan la cantidad diaria recomendada. 23. 'George y A.J.' (2009) El segundo corto que bebe de 'Up', también estrenado en el mismo año que la peli, cuenta la historia de los dos enfermeros a los que Carl deja plantados tras huir en su casa llena de globos. El resto de ancianos de la ciudad copian su idea y se escapan en sus viviendas... cada uno de una manera diferente. En Espinof Las 19 mejores series de Disney+ 22. 'Knick Knack' (1989) Aunque 'Knick Knack' tiene 21 años, es un relato que, viendo la evolución de los guiones de Pixar, perfectamente podría haberse creado hoy día. Narra la lucha de un muñeco de nieve que quiere escapar de su bola de cristal para estar junto al resto de souvenirs de la casa, todos típicamente veraniegos. 21. 'El juego de Geri' (1997) El segundo cortometraje de Pixar que cuenta con un Óscar lo protagoniza Geri, un jubilado que se dedica a jugar al ajedrez contra sí mismo, haciendo de dos personajes diferentes. 20. 'Abducido' (2007) Un alienígena tiene que pasar el examen de abducción intentando atraer a un granjero hasta su nave... pero todo se complica. 19. 'La tía Edna' (2018) Como perfecto aperitivo a 'Los Increíbles 2', en este corto, el pequeño Jack Jack le muestra a Edna todos sus poderes. La única pega es que poco se explota el personaje de la excéntrica diseñadora italoamericana, uno de los más divertidos que ha creado Pixar. 18. 'Pajaritos' (2001) 'Pajaritos' es otro de los más conocidos, y le valió a la factoría el tercer Óscar al mejor cortometraje animado. El cuentito con moraleja de aceptación al diferente representado por un montón de pájaros sobre un cable eléctrico en el que se posa uno más grande ya tenía hace casi dos décadas el espíritu Pixar de hoy día. En Espinof Las 23 mejores películas de Disney+ 17. 'Jack Jack Ataca' (2005) Un año después de 'Los Increíbles', este corto nos enseña la primera manifestación de los poderes del benjamín de la familia de superhéroes. Al cuidado de su niñera, el pequeño le hace pasar la noche más atareada de su vida. Cinco (escasos) minutos divertidísimos. 16. 'La luna' (2011) Nominado a un Óscar y exhibido junto a la peli 'Brave', 'La luna' nos presenta a un niño que alucina al descubrir a qué se dedican su abuelo y su padre. Un precioso cuento familiar que da ganas de una cosa: robar esas estrellas solo para repetir continuamente el sonido que hacen al chocar unas con otras. 15. 'El coche nuevo de Mike' (2002) Un año después de conocer a Mike y a Sulley en 'Monstruos, S.A.', pudimos volver a ver a sus carismáticos protagonistas en esta mini-historieta, donde Mike le enseña a su compañero el cochazo que se ha comprado... y presume de todos sus extras. Pero igual no ha sido tan buena compra... 14. 'Vacaciones en Hawaii' (2011) Tras 'Toy Story 3' y ya en propiedad de Bonnie, los juguetes le hacen creer a Ken que está junto a Barbie de vacaciones en Hawaii, en una especie de 'Goodbye Lennin' animado de lo más entretenido. En Espinof ¿Se ha estancado Pixar? Cómo 'Toy Story 4' encuentra una nueva fórmula para continuar con los éxitos del estudio de Disney 13. 'Las aventuras de Bo Peep' (2020) En un corto exclusivo para Disney+, los creadores de 'Toy Story 4' cuentan la vida de la pastorcilla desde que desapareció en 'Toy Story 3' hasta que se encontró con Woody en la cuarta entrega. 7 minutos de empoderamiento femenino que estaba pidiendo a gritos la factoría. 12. 'Tu amiga la rata' (2007) Remy, de 'Ratatouille' y su hermano regresar para, a modo de TEDtalk, exponer la historia de las ratas a lo largo de la historia de la humanidad. Un cortometraje divertido ¡y educativo! 11. 'Lava' (2015) Si fuiste al cine a ver 'Del revés' hace cinco años, seguro que recuerdas este cortometraje musical que, a golpe de ukelele, narra la historia de amor de dos solitarios volcanes en Hawaii. Tan bonito como pegadizo. 10. 'Fiesta-Saurio Rex' (2012) Harto de ser un juguete aburrido y aprovechando que Bonnie lo deja en el baño, Rex aprovecha para montar una gran fiesta con los juguetes acuáticos. Una rave apta para todos los públicos que, si no te saca más de una carcajada, estás muerto por dentro. 9. '¿La primera cita de Riley?' (2015) Incluido en la copia digital de 'Del revés', ahora Riley tiene 12 años, y un chico va a su casa a recogerla. En seguida, las emociones de sus padres comienzan a funcionar. Ideal para fans que se quedaron con ganas de más. 8. 'Lou' (2017) La historia que cuenta que hasta los más malos del cole tienen su corazoncito se pudo ver en el cine previa a 'Cars 3'. En esta ocasión, es la caja de objetos perdidos la única que se atreve a plantarle cara al niño que tiene a todo el recreo aterrorizado. Un corto anti-bullying lleno de ternura. En Espinof Las seis escenas más tristes del cine de Pixar prueban que nadie les gana manipulando emocionalmente al espectador 7. 'Parcialmente nublado' (2009) Mientras todas las nubes fabrican bebés y cachorritos preciosos que las cigüeñas recogen y llevan con sumo cuidado a sus familias, la nube protagonista no tiene tanta mano y solo sabe hacer pequeñas criaturas salvajes. La enésima historia de Pixar de aceptar al diferente es, en esta ocasión, una de las más bonitas. 6. 'El superequipo de Sanjay' (2015) El director Sanjay Patel cuenta su historia en este homenaje a la cultura india, a su religión, y al amor de un niño por los superhéroes. Porque ¿quién dijo que no era compatible? Bonus track lacrimógeno: las fotos reales de Sanjay con su padre en los créditos finales. 5. 'Día y noche' (2010) Con solo dos muñecos animados sobre un fondo *****, representando uno al día y otro a la noche, este hipnótico cortometraje lleno de detalles se coloca en el top 5 de la lista. 4. 'Vuela' (2019) Bobby Rubio, dibujante y colorista de pelis como 'Up', debuta en la dirección de este precioso corto, en el que cuenta la dificultad de un padre para aceptar que su hijo es diferente al resto. Una bonita historia que, además, es real: el propio Bobby reconoció que creó este cortometraje para ayudar a otros padres que, como él, tienen hijos con autismo. 3. 'Purl' (2018) Otro de los cortos incluidos en el proyecto SparkShorts es 'Purl', en el que un ovillo de lana comienza a trabajar en una oficina e intenta encajar con sus compañeros. De los pocos proyectos de Pixar dirigidos por una mujer, esta bonita historia pretende hacer reflexionar sobre la importancia de ser uno mismo. En Espinof Más competencia, más peluches y más secuelas: la nueva era de Pixar 2. 'Piper' (2016) La del pequeño pajarito que tiene que atreverse a llegar hasta la orilla para abastecerse es una de las historias más bonitas de Pixar. Para muestra, el Óscar al mejor cortometraje que se llevó el año de su estreno. 1. 'Bao' (2018) También premiado con la estatuilla dorada más famosa del cine, el cortometraje que refleja el síndrome del nido vacío a través de la historia de una madre sobreprotectora es, sin duda, el que más 'ohhhh' y 'ahhh' ha provocado en el cine. Lo hizo unos minutos antes de que empezase 'Los Increíbles 2'. - La noticia Pixar: todos los cortos en Disney+ ordenados de peor a mejor fue publicada originalmente en Espinof por María Alba .