Entre Fans

No sé, a lo largo de los ocho episodios de 'El último show', la cantidad de veces que Miguel Ángel Tirado comenta que su nombre no es Marianico, que se llama Miguel. Esa delimitación entre persona y personaje, esas ansias de salir de ese estancamiento, es el punto de partida de esta serie que, tras su emisión en Aragón TV, llega hoy a HBO España. El primer episodio comienza con una actuación de Marianico el Corto en un bar habitual. Cuando las risas de los primeros chistes se agotan, pidiendo más, el cómico cambia de cara y empieza a rememorar esa sencillez con la que se vivía de pequeño, la simpleza de esos tiempos. En Espinof Los 11 mejores especiales de comedia stand-up para ver en Netflix y HBO durante la cuarentena por coronavirus A partir de ahí nos encontramos con dos historias: la de Miguel, al que le queda poco tiempo de vida y quiere deshacerse de su alter ego al realizar una película surrealista en homenaje a su maestro Luis Buñuel; por otro lado, su nieta Claudia (Laura Boudet), que también intenta buscar su sitio e identidad en una situación familiar (padres divorciados, su madre se va al extranjero...) que no le gusta. En el reparto nos encontramos a Luisa Gavasa, Itziar Miranda, José Luis Esteban, Pablo Lagartos, Denis Cicholewski, Ken Appledorn y Laura Gómez Lacueva. Sara Alquézar y Enrique Lojo completan junto a Álex Rodrigo el equipo de guion. Carlos del Val acompaña a Rodrigo en la dirección. Un drama sólido pero con tendencia a perderse A nivel formal, 'El último show' tiene poco para objetar. Si bien como producción es modesta, es más que suficiente para lograr meternos en el mundo ficcionado de un Miguel Ángel Tirado primerizo pero que sabe perfectamente cómo moverse y que desprende mucha candidez. El primer episodio me parece para enmarcar. Es un capítulo muy potente de entrada, con una presentación ejemplar y cargada de melancolía. El resto de la serie, por otro lado, anda con ciertos altibajos a la hora de desarrollar la historia causando una ligera sensación de ir mareando la perdiz. Pero nada grave. Simplemente pequeños traspiés en un sólido drama aliñado con ciertos puntos de comedia y de caricaturización, a veces excesiva, de los nuevos modos de hacer entretenimiento hoy en día. Por otro lado, tenemos un casting bastante acertado al que se suma un buen torrente de cameos. Una obsesión de Álex Rodrigo que redescubre a Miguel Álex Rodrigo, uno de los directores habituales de series como 'La casa de papel' y 'Vis a Vis', se pone a los mandos de 'El último show' que aborda como un proyecto personal. Algo que surge de la fascinación que siente el autor hacia Tirado desde que era un chaval. "Vimos a Marianico fumando un cigarro y mirando al cielo. Me acerqué con unos amigos esperando que nos contara un chiste y nos hizo una reflexión que decía más o menos 'fíjate lo grande que nos creemos el ser humano y lo pequeños que somos al lado del universo con todas esas estrellas que hay ahí arriba' [...] durante años me obsesioné en el buen sentido con quién hay tras Marianico y de ahí nació este personaje del Miguel Ángel intelectual y dramático que hay tras el cómico”. Y esta es la serie que ha querido hacer. En cierto sentido, 'El último show' es profundamente melancólica, quizás más cercana en su reflexión y mirada de la vida a 'Bojack Horseman' que a sus antecedentes patrios como '¿Qué fue de Jorge Sanz?'. Es una luz hacia alguien que huye ya de esas luces, hacia lo que implica estar en el foco y qué es lo que impide retirarse. En Espinof 'Bojack Horseman' y 'The Good Place': dos finales sobre la muerte, los pecados del pasado y la aceptación personal Sin entrar en spoilers, en uno de los últimos episodios de la serie, Marianico reflexiona sobre la nostalgia que, como personaje, él mismo produce. Esa búsqueda de la felicidad ya perdida. De esas sobremesas frente al televisor viendo a toda una generación de cómicos que marcaron los años 90 en España. Un comentario que, de hecho, nos deberíamos aplicar a nosotros mismos y por qué hemos sentido curiosidad para ver 'El último show'. Porque puede que hayamos llegado a ver esta nueva serie buscando una dosis de esa nostalgia tan de moda (y de la que últimamente se vende a granel) y nos hayamos llevado una gratísima sorpresa. Desde luego una de las sorpresas de un 2020 tan atípico como este. A cambio de nuestra curiosidad, estamos recibiendo una historia de fragilidad e inseguridades en la ancianidad, en un yayo que quiere volverse pequeño. En definitiva, y a pesar de ciertas irregularidades, 'El último show' es una oportunidad de oro para redescubrir a un cómico como un gran actor dramático en una ficción inspirada e inspiradora. - La noticia 'El último show': llega a HBO una melancólica deconstrucción de Marianico el Corto (y Miguel) en una de las sorpresas de 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

A veces no hacen falta campañas promocionales descomunales, tráilers con una factura técnica o un reparto rebosante de estrellas para que una serie de televisión capture toda tu atención. Este es el caso de 'Leonardo', la nueva coproducción internacional para la pequeña pantalla de Lux Vide, RAI Fiction y Big Light Productions, cuyo mayor reclamo es la trayectoria de sus dos creadores. Frank Spotnitz —guionista de shows como 'Expediente X' y 'El hombre en el castillo'— y Steve Thompson —responsable de los libretos de, entre otras, 'Sherlock', 'Doctor Who' y 'Jericho'— serán los responsables de mostrarnos las vivencias de Leonardo da Vinci desde sus tiempos de aprendiz hasta que hizo historia con 'La última cena'. En Espinof Las 22 mejores películas biográficas de la historia del cine En el breve avance de 'Leonardo', que podéis ver a continuación, podemos echar un primer vistazo al irlandés Aidan Turner —'El Hobbit', 'Poldark'—en la piel del polímata florentino, quien será dirigido por los realizadores Dan Percival —'El hombre en el castillo'— y Alexis Sweet —'Don Matteo'—. Por el momento no hay fecha de estreno para 'Leonardo', que también contará con la presencia de Freddie Highmore —'The Good Doctor'—, y que debería ver la luz a lo largo del próximo 2021. Tráiler de Leonardo - La noticia Tráiler de 'Leonardo': los guionistas de 'Expediente X' y 'Sherlock' exploran la vida del artista florentino en la serie protagonizada por Aidan Turner fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Home Box Office ha decidido apostar fuerte por su plataforma HBO Max y ha dado un puñetazo sobre la mesa en la encarnizada guerra del streaming que estamos viviendo con el acuerdo firmado con la productora de J.J. Abrams Bad Robot. Un bombazo que, para empezar, trae bajo el brazo el ansiado desembarco de la 'Liga de la Justicia Oscura' a la gran pantalla. Pero la adaptación del cómic de DC no será la única producción surgida de esta relación comercial que hará enloquecer al fandom, porque HBO Max también será el hogar de 'Overlook', una serie inspirada en 'El resplandor' de Stephen King que producirá Warner Bros. Television bajo el ala creativa de Abrams y su equipo. En Espinof Las 23 mejores series para disfrutar en Halloween 'Overlook' es descrita como un thriller de terror que explora las historias jamás contadas del Hotel Overlook, en el que suceden los hechos principales de la novela original del maestro del terror literario. El proyecto, además, contará con el mismo equipo que trabajó en la serie 'Castle Rock' de Hulu. Kevin Reilly, jefe de contenido de HBO Max y presidente de TNT, TBS y truTV ha hablado con entusiasmo sobre los frutos de su negocio con Bad Robot y Warner. "Que forma tan increíble de iniciar nuestra asociación con el salvajemente imaginativo equipo de Bad Robot con JJ. y Katie. ¿Qué podría ser mejor que una idea original de J.J. y que, después, Warner Bros. les deje perderse en propiedades intelectuales icónicas de Stephen King y el Universo DC para producir más programación imprescindible en HBO Max?" Por el momento no han trascendido más detalles sobre 'Overlook', pero es, desde ya, una de las series más esperadas del panorama televisivo. Vía | Variety - La noticia 'Overlook': J.J. Abrams producirá una serie para HBO Max inspirada en 'El resplandor' de Stephen King fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Menudo bombazo. J.J. Abrams acaba de cerrar un acuerdo para adaptar 'Liga de la Justicia Oscura' para HBO Max, la nueva plataforma de streaming que quiere iniciar su andadura haciendo todo el ruido posible. Recordemos que ya tiene entre manos desde hace tiempo una ansiada reunión del reparto de 'Friends'. Hace ya unos meses que se venía rumoreando la posibilidad de que Abrams adaptase a este grupo de superhéroes en forma de serie o película a través de su productora Bad Robot, pero el acuerdo para hacer una serie no ha sido oficial hasta hace apenas unos minutos. En Espinof Las 29 mejores películas de superhéroes de la década (2010-2019) Junto a Abrams también trabajará su esposa y productora Katie McGrath, desconociéndose por el momento la identidad del resto de implicados en una adaptación que apunta a poner punto y final a la maldición que parece perseguir a 'Liga de la Justicia Oscura'. Un proyecto maldito hasta ahora Hace ya casi seis años que se empezó a hablar de la posibilidad de que Guillermo del Toro llevase a este peculiar grupo de superhéroes a la gran pantalla, pero el proyecto se desinfló. Posteriormente entró en escena Doug Liman, pero la cosa no terminó de prosperar. Esperemos que con el cambio de película a serie no surjan nuevos problemas. Vía | ComicBook - La noticia J.J. Abrams adaptará 'Liga de la Justicia Oscura' para HBO Max en forma de serie fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Se nos ha ido una leyenda. El gran Brian Dennehy ha fallecido a los 81 años, dejando un legado imborrable plagado de grandes clásicos del cine, éxitos de videoclub, series de televisión y cine de puro culto. Uno de los grandes de los años 80 que supo robar escenas y películas como muy pocos. La versatilidad por bandera Ganador del Tony y del Globo de Oro, con una carrera en el cine, la televisión y las tablas que abarcó casi medio siglo, Dennehy ha sido siempre uno de esos rostros que engrandecían cualquier proyecto con su presencia. Desde que su papel de sheriff en 'Acorralado' lo catapultase al estrellato, la carrera de Brian Dennehy nunca titubeó, poniéndose al servicio de cineastas como Peter Greenaway, Alan J. Pakula, John Flynn, Ivan Reitman, Ron Howard, Lawrence Kasdan... una leyenda que siempre dio el máximo cuando también se ponía a las órdenes de otros más terrenales. En Espinof John Rambo, una cuestión de sangre: así ha evolucionado el inmortal personaje de Sylvester Stallone en cinco películas Nominado seis veces al Emmy, recientemente había sido visto en 'The Blacklist', '¡Tú la llevas!' o 'Knight of Cups', pero su recuerdo imborrable pertenece a títulos muy concretos y definitorios de un momento determinado. Brian Dennehy no se achantaba en un reparto coral como el de 'Silverado', lideraba otros repartos llenos de promesas como 'Código Azul', de John Mackenzie, donde comandaba una escuadra secundada por Bill Paxton, Joe Pantoliano o Jeff Fahey y emocionó a todos como padre de Chris Farley en el clásico 'Tommy Boy', una de esas comedias que funcionan a ritmo de corazón. Nacido el 9 de julio de 1938 en Bridgeport, CT, Dennehy se unió al Cuerpo de Marines en 1958 y sirvió en Okinawa durante cinco años. Trabajo llevando un camión, fue carnicero y corredor de bolsa junto a Martha Stewart en Moness, Williams y Seidel en la ciudad de Nueva York. Entre horas, Dennehy actuaba en obras de teatro por todo Long Island, perfeccionando sus habilidades en teatros, y luego en el Bucks County Playhouse en New Hope. Esa experiencia lo llevaría a papeles en el off-Broadway de Manhattan. Animado por las buenas críticas hacia su papel en la producción 'Streamers', de David Rabe, se mudó a Los Ángeles, donde se convirtió en actor profesional a la edad de 38 años. Empezaba la leyenda. Descanse en paz. - La noticia Muere Brian Dennehy, uno de los actores de carácter más emblemáticos de los ochenta fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

HBO acaba de lanzar el tráiler de 'Perry Mason', nueva adaptación televisiva del mítico abogado creado por Erle Stanley Gardner que en esta ocasión cuenta con el rostro de Matthew Rhys. Inicialmente iba a estar interpretado por Robert Downey Jr., pero el actor finalmente solo ejerce como productor ejecutivo. Un gran reparto para una serie muy prometedora Esta nueva 'Perry Mason' nos traslada a 1932 con el protagonista que no está pasando precisamente por su mejor momento cuando un caso histórico se cruza en su camino. Su implacable búsqueda de la verdad no tarda en sacar a luz los problemas que asolan la ciudad de Los Angeles y quizá el inicio de su camino hacia la redención. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 Junto a Rhys también veremos a Tatiana Maslany, John Lithgow, Robert Patrick, Chris Chalk, Shea Whigham, Nate Corddry, Veronica Falcon, Jefferson Mays, Gayle Rankin y Lili Taylor. Un gran reparto para la que sin duda es una de las obras más ambiciosas de HBO para este 2020. Además, el tráiler también ha desvelado el fundamental dato de su fecha de estreno: será el 21 de junio cuando HBO lance el primer episodio de 'Perry Mason'. Yo ya estoy deseando ver esta miniserie, ¿y vosotros? - La noticia 'Perry Mason': el tráiler de la adaptación de HBO pone fecha de estreno al regreso del legendario abogado fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Hace unos días, el director Richard Kelly anunciaba que iba a realizar su versión 3.0 de ‘Southland Tales’, su obra maldita e incompleta, que constaría de los tres primeros capítulos en forma de precuela y una edición extendida de la película que añadiría animación y metraje inédito a esta distopía sobre el fin del mundo. Se estrenó en 2006, con resultados desastrosos a nivel comercial y crítico. No es el primer caso de una joven promesa del cine que se estrella en su segunda película tras un prometedor debut. De hecho, en EE.UU. utilizan el término Sophomore Slump para definir esos desastres tempranos en directores talentosos que comenzaron con grandes debuts. Los casos funcionan igual, películas con repercusión importante y muchos medios hablando de una nueva voz de cine prematuramente, creando una gran presión sobre el siguiente trabajo del joven prodigio. Esto ha pasado con muchos que tropezaron, algunos han sobrevivido y otros no tienen tanta suerte y quedan con carreras asfixiadas por el peso de un gran fracaso. Casos como el de George A. Romero y su ‘There’s Always Vanilla’ (1971), Vincent Gallo y ‘The Brown Bunny’ (2003), Neill Blomkamp con ‘Elysium’ (2013), Vigalondo y su ‘Extraterrestre’ (2011) o recientemente David Robert Mitchell con ‘Lo que esconde Silver Lake’ (Under the Silver Lake, 2018) resuenan en la memoria, pero incluso Dennis Hooper o John Huston lo han sufrido en sus carnes. Cuando el talento se come al artista Algunas de esas obras son más reivindicables que otras, algunas incluso superiores a sus cacareados debuts, pero en el caso de Richard Kelly hay un elemento de grandilocuencia que pocos estuvieron dispuestos a perdonar en el momento. Lo curioso es que ‘Donnie Darko’ (2001) no fue precisamente un éxito de taquilla, pero los críticos la elogiaron y se convirtió en objeto de un culto que no cesa con el paso de los años. Normal que se considerase a Kelly como el gran talento a seguir durante la década de los 2000. Sin embargo, tardó cinco años en reaparecer. En Espinof Philip K. **** en el cine de la década actual (II) Su regreso fue, como no podía ser de otra forma, con una muy ambiciosa cinta de ciencia ficción que trataba de retratar la Norteamérica post-11 de septiembre, con un Los Ángeles aternativo en el filo del apocalipsis. Un hype inicial alimentado por los primeros efectos del marketing en internet se desplomó en una proyección desastrosa en el Festival de Cine de Cannes, lo que hizo dar marcha atrás a Sony y Universal Studios, que se encontraron con un proyecto envenenado que no supieron cómo salvar. La primera reacción fue obligar al director a recortar las casi tres horas de ‘Southland Tales’ en algo más estrenable, pero no sirvió más que para codificar una trama ya de por sí obtusa, y acabaron haciendo un humillante estreno limitado que dio 374.000 dólares de un presupuesto que se estimaba en casi 18 millones, pero que viendo la película y su reparto puede ser mucho más. Un desastre que casi acabó con la carrera de Kelly, aunque tres años más tarde tuvo otra oportunidad con ‘The Box’ (2009), esta sí, que terminó de enterrarle profesionalmente. El tiempo suele tratar bien los trabajos de los grandes talentos, por ello, 15 años más tarde es curioso retomar el film y analizarlo desde una perspectiva lejos de la ferocidad que surge en los momentos de estreno, cuando la popularidad del personaje, las pasiones y decepciones, se entremezclan con la obra, lo que ofrece y lo que vale por sí misma. Muchos la consideran una obra maestra incomprendida, un film único que retrata muy bien un sentimiento de decadencia de la sociedad, visionaria incluso para lo que vivimos a día de hoy. Experiencia multimedia También hoy sabemos que tiene asociada una precuela de novelas gráficas que hacen que su visionado sea menos extraño y caótico. Realmente, la cantidad de personajes in media res pueden despistar, es fácil no entender sus motivaciones ni comportamientos, y los cómics ayudan un poco a ubicar todo y tener ciertos cimientos de la sociedad y dilemas que presenta la película, llenando algunos huecos argumentales, aunque también reiterando cosas que sabemos y utilizando muchas páginas para contar cosas que no tienen continuidad. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia Así, ‘Southland Tales: The Prequel Saga’ (2006), que se supone serán los seis capítulos previos de la historia que adapta la nueva película de Kelly, sirve de equivalente al esquizofrénico prólogo de cinco minutos de la película, una cantidad de información que conviene asimilar antes de afrontar el visionado de lo que componen los tres últimos capítulos. No hacen a film necesariamente mejor, pero desde luego demuestra que hay un trabajo de construcción de un mundo menos casual y caprichoso, con reglas políticas más claras. Lo primero que llama la atención es el reparto, con un emergente Dwayne Johnson, y dos consagrados, Sarah Michelle Gellar y Sean William Scott rompiendo su imagen arquetípica de films adolescentes previos, junto a grandes como John Larroquette o Christopher Lambert Teniendo en cuenta que ni siquiera pudieron promocionar la película, debido a la huelga de guionistas de 2007, su tirón tampoco ayudó a que nadie viera ‘Southland Tales’, pero es gracias a ellos que la película mantiene el interés y se puede seguir pese a su densa estructura. El efecto tuenti También hay actores que volarían más alto, como Amy Poehler o incluso Justin Timberlake —tuvo sus momentos en la comedia SNL— y en general, el aspecto es el de una producción con cierta entidad, aunque no esté plagada de escenas de acción y los efectos especiales estén colocados solo en momentos particulares. De hecho, ocurre que visualmente se queda un tanto anticuado, en cuanto a que representa mucho las formas de la época, reflejándose en su diseño como un producto muy de los años 2000. Pese que el videoclip de Timberlake y The Killers es ya icónico por derecho propio, se percibe hoy una falsa modernidad que alterna temas atemporales como los de The Pixies, Louis Amstrong, The Shakers, otros menos, como los de Moby, y otros muy anacrónicos como el de Black Rebel Motorcycle Club, que hace añorar la magnífica OST de ‘Donnie Darko’, en la que no se notaba ninguna necesidad de ubicarlo el lado cool de su momento, dando un efecto casual equivalente de algunos films actuales de Danny Boyle o Alex Garland, con cierto aroma de señor Burns llegando a la fiesta rave. Esto, junto a la representación de los temores posteriores y referencias constantes la Ley Patríotica del 11 de septiembre o el sobreuso de la sátira a los realities que ya hemos asimilado, la revelan como producto de su tiempo que no ha envejecido tan bien como pudiera hacer creer el hecho de que sea un film de culto. El diseño de vestuario y el planteamiento de casi ficción tangible dejan ver muchos tics de moda de la época y no deja de tener un tufillo a bromita interna constante propia de un cineasta veinteañero con ganas de destacar. Un retrato de lo que seríamos ‘Southland Tales’ no está exactamente adelantada a su tiempo, aunque hoy sí que podría funcionar como una miniserie que creara cierta obsesión, por la cantidad de cosas que cuenta tanto dentro como fuera de la película. Desde luego, habría funcionado mejor en un momento en el que el mundo estuviera lleno de vídeos de youtube explicando sus tramas, subtramas y mitología de fondo que nunca fue filmada, pero que la conectan con la obsesión por los universos compartidos y films con un mundo propio que hoy son tendencia. En Espinof Después de 'Donnie Darko', Richard Kelly vuelve con 'Southland Tales' Su ángulo satírico no siempre da en la diana, pero los segmentos de noticias son tan irónicos y predictivos como los de Paul Verhoeven en ‘Starship Troopers’ (1997), e ideas como la estrella porno interpretada por Gellar, con su propio reality show para hablar de valores feministas, pardiaba a Paris Hilton, pero no está muy lejos de lo que vemos con Amarna Miller. El hecho de que en tenga un imperio de música, y anuncios de su propia bebida energética recuerdan mucho a lo que ha acabado pasando con las Kardashians y, sin ir más lejos, a cómo alguien como Donald Trump (o Joe Exotic) tiene una oportunidad legítima de ser elegido Presidente de los Estados Unidos. El grupo radical de activistas neomarxistas hoy sería visto como una caricatura de veganos, ecologistas y activistas de sofá que probablemente metieran a Kelly en un buen lío en las interminables diatribas woke, o no, que se formarían en redes sociales. Y al final, el formato de internet controladísima que propone el orwelliano USident, no es muy diferente a lo que google y Facebook hacen con nuestros datos, a un momento en el que la privacidad online es muy diferente a cómo era en 2006. La clave del Nuevo Testamento Con el gobierno a una llamada a las proveedoras de adsl y datos para conseguir lo que quieran saber, también predijo de forma intuitiva nuestra fijación por el mundo virtual y las pantallas. Representadas en ‘Southland Tales’ por pcs y portátiles, la presencia de monitores con información está tan integrada en el lenguaje narrativo que parece estar advirtiendo de una invasión de interfaces de tablets y smartphones que hemos incorporado a nuestro día a día, con lo que el product placement que deja ver como broma es más o menos la realidad. Kelly absorbe muy bien las sensaciones de nuevo milenio y representa el 11-S como una bomba que cambia los Estados Unidos y su distopía va hablando del próximo fin de mundo, con un tono de fin de ciclo con bastante sentido, cuando en 2008 la crisis se llevó todo por delante. También aparece el dilema de las renovables en forma de una energía creada por una especie de Elon Musk que resulta ser el equivalente del Anticristo, porque, además de todo ello, ‘Southland Tales’ es una adaptación del libro de las revelaciones. Todo el film está lleno de detalles, símbolos y equivalencias al apocalipsis según San Juan, lo que hace que podamos volverla a ver con una nueva capa de significado, porque los paralelismos aparecen aquí y allá a lo largo de sus dos horas y media. Esto, además de las muchas interpretaciones y explicaciones del film, que pueden leerse en foros y entrevistas al director, hacen de la obra un abismo para saciar la curiosidad al que se puede volver una y otra vez, con nuevas informaciones que aclaran más y más su extraño puzzle. El multiverso compartido de Richard Kelly Estas cosas, además, se pueden convertir en obsesión si atendemos a las declaraciones del director en algunas de sus entrevistas, en las que relaciona el universo de ‘Donnie Darko’ con el de ‘Southland Tales’ y ‘The Box’: “Diría que son universos tangentes. Creo que están conectados como un multiverso, pero definitivamente, creo que hay una conexión temática y definitivamente hay una mitología de ciencia ficción para conectarlos a todos”. Esto da pie a muchas teorías fans que conectan el final de ‘Southland Tales’, que estaría ocurriendo simultáneamente en una dimensión paralela al de ‘Donnie Darko’, con el famoso fin del mundo de aquella, que dejaría de tener un significado para Donnie y tener que ver con lo que ocurre en el lado alternativo, con lo que los hechos podrían ser un punto de contacto entre ambas. También tiene conexiones con ‘Alicia en el país de las maravillas’, como el conejo de ‘Donnie Darko’ y se basan en conceptos de ciencia ficción de Philip K. ****, aunque mientras una es un coming of age, a otra es una gran sátira política. De cualquier forma, es otro factor que elonga la vida de un proyecto incompleto. Pero, más allá de lo interesante de consultar, regresar a ella, leer y volver a comentarla, la película de Kelly exige demasiado y la recompensa final no es suficiente. Hay una exposición constante de detalles, idas y venidas de un aluvión ininterrumpido de personajes que no acaban teniendo una resolución satisfactoria. En este aspecto, el montaje final de ‘Donnie Darko’ se encargaba de ir cerrando los arcos de cada uno, con un sencillo encadenado, pero aquí la sensación es la de que muchos importaban muy poco. En Espinof 17 películas de ciencia ficción imprescindibles en lo que llevamos de siglo XXI Una nueva oportunidad Todo es caos, todo es excéntrico, todo es ligeramente cómico pero nunca acaba de ser realmente gracioso. Hay un giro en la trama flojito que no acaba de conectar todos los elementos del mundo que Kelly construye, resultando una experiencia agotadora que no deja realmente ganas de empezar la exploración de textos y materiales para encontrarle sentido. Es como una presentación de un tema ligeramente interesante del que puedes leer más, pero que no acaba de merecer la pena el esfuerzo por ninguna razón particular. No es tanto un horror como un accidente, Kelly tiene una visión complejísima y completa de lo que quiere representar en pantalla, pero las ideas le salen a mayor velocidad que los fotogramas por frame. Para empeorar las cosas, tiene momentos irritantes, autocomplacientes, que buscan provocar o ser icónicos de alguna forma y acaban siendo demasiado cargantes. ¿Puede solucionar esto un montaje extendido, una restauración o una precuela? La noticia de la precuela implica una metanarrativa puesto que adaptaría dentro el libreto de ‘The Power’, la película que se supone que es el futuro lejano, o más allá en el futuro, por lo que también serviría como secuela, sabiendo que existen saltos temporales y que dicho guion es una visión. Probablemente, ‘Southland Tales 3.0’ no acabe de solucionar grandes problemas del montaje original, pero la curiosidad por el proyecto vuelve a atraernos como un campo gravitatorio invisible que nos hace querer saber más y, bien, esa es la magia del film maldito de Richard Kelly. - La noticia 'Southland Tales': el visionario y épico desastre que derrumbó la carrera del director de 'Donnie Darko' fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Peacock, la nueva plataforma con la que NBCUniversal se suma a la guerra del streaming, ha sido lanzada hoy en Estados Unidos con una versión de prueba. El 15 de julio estará disponible el servicio definitivo para todo el país y, a la espera de su llegada a España, ya podemos echar un vistazo a sus contenidos "originales". Hemos visto los trailers de dos reboots cargados de nostalgia, 'Salvados por la campana' y 'Punky Brewster'; aquí tenemos el adelanto de otra serie, 'Brave New World', basada en el clásico distópico de Aldous Huxley. La adaptación está liderada por Alden Ehrenreich, conocido por encarnar a Han Solo en el spin-off de 'Star Wars' sobre los orígenes del contrabandista más famoso de la galaxia. El joven Han Solo contra una sociedad "perfecta" La novela de Aldous Huxley nos lleva a un Londres futurista para presentar una sociedad que ha alcanzado la paz y la estabilidad a través de un orden social que prohíbe la monogamia, la privacidad, el dinero, la familia y la Historia, y donde los niños ya no nacen de forma natural. En Espinof Las 21 mejores películas de ciencia ficción y fantasía de la década (2010-2019) La historia, claro, nos descubre los problemas de este sistema aparentemente perfecto, empezando por el detalle de que la población se ve sometida a un riguroso control psicológico y emocional llevado a cabo mediante una droga conocida como SOMA. Además de Alden Ehrenreich, que da vida a John el Salvaje, el reparto se completa con Demi Moore, Jessica Brown Findlay, Harry Lloyd, Kylie Bunbury, Hannah John-Kamen, Sen Mitsuji, Joseph Morgan y Nina Sosanya. Owen Harris ('Black Mirror: San Junipero') dirige los dos primeros episodios mientras que David Wiener ('Homecoming') ejerce de guionista y showrunner de 'Brave New World', que de momento carece de fecha de estreno. - La noticia Tráiler de 'Brave New World': la serie basada en la novela distópica de Aldous Huxley nos invita a descubrir un mundo feliz fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Muchos todavía apenas sabrán nada de Peacock, el nuevo servicio de streaming de NBCUniversal, pero los responsables de la plataforma se están asegurando de que eso cambie rápidamente. Hace nada os trajimos el primer adelanto del regreso de 'Salvados por la campana' y ahora es el turno del tráiler del reboot de 'Punky Brewster'. La nueva Punky La actriz Soleil Moon Frye vuelve a meterse en la piel de la popular Punky Brewster. Eso sí, ahora ya es adulta y tiene que lidiar con los problemas de ser madre soltera de tres hijos. Además, todo se complica más cuando conoce a Izzy, una niña huérfana que le recuerda mucho a sí misma a su edad. En Espinof 'Punky Brewster', Nostalgia TV En el reparto de este reboot también encontramos a Cherie Johnson volviendo a interpretar a la mejor amiga de la protagonista, la debutante Quinn Copeland como Izzy y a Freddie Prinze Jr. como el antiguo marido de Punky. Al igual que sucedía en el caso de 'Salvados por la campana', esta nueva 'Punky Brewster' todavía carece de fecha de estreno en Peacock. El principal responsable de ello es el coronavirus, ya que eso provocó una pausa en su rodaje que podría retrasar su lanzamiento hasta 2021. - La noticia 'Punky Brewster': el primer tráiler del reboot convierte a la querida huérfana en madre de tres hijos fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

'Los Simpson' son de Disney. Decir esto a estas alturas no es ninguna noticia pero si lo pensamos detenidamente es una situación que todavía se nos hace rara. Quizás por esto desde la gigante han puesto cierto empeño en que la treintañera serie tenga una presencia prominente en Disney+. De hecho, hace unos días llegó a la plataforma 'Jugando con el destino' ('Playdate with Destiny'), el nuevo cortometraje protagonizado por Maggie Simpson (quien ya protagonizara el laureado 'El día más largo de Maggie') y el primero que llega como original de Disney+. En Espinof La muerte de los Simpson en papel: el fin de Bongo Cómics Estrenada originalmente en los cines estadounidenses como el corto de antes de 'Onward', la última película de Pixar (otro paso en el camino de ligar ), 'Jugando con el destino' pone nuevamente en el centro a la pequeña bebé de la familia en una aventura romántica en pañales. La premisa es sencilla. Marge lleva a Maggie al parque y allí conoce a Hudson, quien la salva del caos de los columpios. El flechazo es automático, pero el día de juegos/primera gran cita termina y la incertidumbre reina, ¿volverán a verse los enamorados?. Los inofensivos Simpson de 2020 David Silverman, decano director de la familia amarilla, se encarga de dirigir este cortometraje al igual que hizo con el de 2013. Sin embargo, si esperamos algo tan original e inteligente como 'El día más largo de Maggie' nos llevaremos un chasco. 'Jugando con el destino' encapsula, perfectamente, lo que son 'Los Simpson' hoy en día. Siguen inspirando alguna que otra risa pero, por lo general, es una serie bastante inofensiva. Y, teniendo en cuenta el destino inicial del corto, este es más inofensivo que de costumbre. En definitiva, estamos ante un pequeño divertimento (logra sacar alguna risotada) con una buena animación en una traslación de los tropos de la comedia romántica (o sin la comedia) al mundo y las características de los bebés. Sin más ambición que eso pero que nos planta en el ejemplo perfecto de qué podemos esperar de unos Simpson producidos por Disney. - La noticia 'Jugando con el destino': Maggie se enamora en el primer e inofensivo corto de 'Los Simpson' en Disney+ fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El reboot de 'Salvados por la campana' iba a ser una de las grandes cartas de presentación de Peacock, el nuevo servicio de streaming de NBCUniversal, pero la crisis del coronavirus puede hacer que acabe retrasándose. Sin embargo, los responsables de la plataforma no han querido esperar más para lanzar el primer tráiler de la serie que trae de vuelta a Bayside a varios viejos conocidos. "¿Recuerdas lo divertido que solía ser el instituto?" le comenta A.C. Slater (Mario Lopez) a Jessie Spano (Elizabeth Berkley) poco después de comenzar este adelante, solamente para que le respondan que eso fue hace 30 años. Lo primero la nostalgia para recuperar a los seguidores de la serie original. En Espinof 'Salvados por la campana', Nostalgia TV Luego descubrimos más detalles como que Slater es actualmente profesor de Educación Física en el instituto de Bayside y conocemos a Marc Morris (Mitchell Hoog), el hijo de Zach, y Jamie Spano (Belmont Cameli), el hijo de Jessie. Curiosamente, uno de los grandes ausentes de este tráiler es Zach Morris, pero tranquilos, que volveremos a ver al mítico personaje interpretado por Mark Paul-Gosselaar, y también a Tiffani Thiessen como Kelly Kapowski. Por el momento no hay fecha de estreno prevista para esta nueva 'Salvados por la campana'. Uno de los motivos es que el rodaje de la serie tuvo que interrumpirse este pasado mes de marzo por culpa del coronavirus y se desconoce cuándo podrá retomarse. - La noticia 'Salvados por la campana': el tráiler del reboot trae de vuelta a varios viejos conocidos a Bayside fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El polémico director de la no menos polémica 'Cuatro Fantásticos' y de la sensacional 'Chronicle', el desterrado Josh Trank, cambia el título de su biopic demente sobre el mítico personaje popular. Ahora 'Fonzo' es 'Capone'. Más directo, imposible. Io sono il capone della mafia El drama de Al Capone y Tom Hardy, originalmente titulado 'Fonzo', ha sido rebautizado como 'Capone' y acaba de presentar su tráiler con vistas a su estreno en streaming el próximo mes de mayo. El drama biográfico tiene lugar 10 años después de la sentencia de prisión de Capone. El gángster, con 47 años, comienza a sufrir demencia y se vuelve perseguido por su pasado violento. Junto a Hardy veremos en la pantalla a Linda Cardellini, Matt Dillon, Kyle MacLachlan y Jack Lowden. En Espinof Las 31 mejores películas de gángsters y mafiosos de la historia 'Capone' está siendo esperada con mucha curiosidad al ser el primer trabajo de Trank desde la tormentosa película de los personajes de Marvel. La pelea del director con 20th Century Fox por el corte final y los nuevos retoques sufridos dio para años de agria polémica en redes sociales. Especialmente por parte del propio director, que no descansó en su empeño por aclarar su postura. La experiencia de Trank congeló una temporada al director, y ahora 'Capone' pretende ser un regreso más o menos por todo lo alto como director y guionista. TRAILER. Tom Hardy. Capone. Coming MAY 12. (Different title. My cut. 🤩) pic.twitter.com/2PLdrcFxY6 — Josh Trank (@joshuatrank) April 15, 2020 Vertical Entertainment tiene los derechos de distribución de 'Capone' y estrenará el drama en streaming en unas semanas. Trank escribió en Twitter que el plan original para la película era lanzar la película en los cines, y agregó: "Esperemos que aparezca en la pantalla grande a finales de este año". Trank agregó que si bien la película tiene un nuevo título, el corte de 'Capone' que se estrenará es suyo y no ha sufrido intromisiones indeseadas. La película marcará el regreso de Hardy tras 'Venom', de 2018, que se convirtió en un éxito de taquilla mundial con más de 800 millones en la taquilla. - La noticia 'Capone': Tom Hardy se pone en la piel del gángster en este interesante biopic fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Netflix, por el momento, vale más que Disney después de que las acciones de la compañía de streaming llegasen a su máximo histórico este miércoles. Con el mundo encerrado en sus casas, las plataformas de streaming aumentan sus valores de mercado. La carrera del siglo Las acciones de Netflix cerraron con una subida del 3.2%, dejando un 426.75 dólares por acción, lo que le otorga una capitalización de mercado actual de 187,3 mil millones, situándola por encima de los 186.6 mil millones de Disney, que ha visto cómo sus acciones se quedaban en un 2.5%. El anterior mejor valor histórico de las acciones de Netflix fue de 418.97, cifra a la que llegó el 9 de julio de 2018. En Espinof Netflix vs HBO: Comparativa de precios y catálogo de series y películas Obviamente los inversores esperan que Netflix, como el resto de servicios de streaming, se beneficie de la crisis de COVID-19, que tiene a millones de personas encerradas en sus casas en busca de contenidos con los que pasar la cuarentena. La compañía tiene previsto informar sobre su balance del primer trimestre de 2020 el próximo martes 21 de abril, tras el cierre de mercado. Se han pronosticado unas ganancias netas de 7 millones a nivel mundial, aunque muchos analistas esperan que la plataforma salga mejor parada. Pivotal Research Group espera que Netflix obtenga 8,45 millones de nuevos suscriptores para el primer trimestre. “Creemos que la desafortunada situación de COVID-19 está consolidando el dominio global de la compañía, en parte impulsado por el contenido que está habilitando con su creciente base de suscriptores", afirmaba el analista Jeffrey Wlodarczak. En Espinof Las 31 mejores series de comedia en Netflix, HBO, Amazon y demás plataformas de streaming Por su parte, Cowen & Co. estima de manera más conservadora un total de 7.1 millones de suscriptores netos nuevos de Netflix: "Esperamos un trimestre fuerte impulsado por su nuevo contenido y con una audiencia constantemente en casa por la crisis del COVID-19", asegura su analista principal John Blackledge. Sin duda, Disney+ también se ha beneficiado del bloqueo global del coronavirus. La plataforma de Disney superó los 50 millones de clientes en todo el mundo, tras su reciente lanzamiento en India y ocho países de Europa occidental. También Amazon llegaba a su máximo histórico esta semana. - La noticia Netflix vale más que Disney: las acciones del servicio de streaming superan su máximo histórico fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Daisy Ridley echa de menos el amor de los seguidores de 'Star Wars'. La última película, 'El ascenso de Skywalker', se vendió no solo como la culminación de la nueva trilogía sino como el gran desenlace de los nueve episodios de la saga; finalmente, se convirtió en la entrega peor valorada de la franquicia. Y claro, la actriz está disgustada. La estrella inglesa, que encarna a Rey en la nueva trilogía, ya debe estar acostumbrada a la polémica después de 'Los últimos jedi', que causó una fuerte división de opiniones, sin embargo, declara que sus sensaciones fueron diferentes con 'El ascenso de Skywalker'; no encontró el apoyo de los fans que había recibido por los otros episodios. Culpa a las redes sociales pero, indirectamente, señala también a los medios de comunicación. "Veía titulares y era como: oh, Dios mío, esto es muy molesto." "[La corriente de opinión] ha cambiado película a película, sinceramente, como el 98% es increíble, este último film fue realmente complicado. Enero no fue tan agradable. Fue extraño, sentí que [faltaba] todo este amor que nos habían mostrado la primera vez, pensaba: '¿Dónde ha ido ese amor?'. Esta semana vi el documental, el making of ['El legado de Skywalker', incluido en la edición doméstica del film]. Y está lleno de amor, y creo que eso es lo delicado cuando eres parte de algo que está tan lleno de amor y luego a la gente [no le gusta]. Ya sabes, todo el mundo tiene derecho a que no le guste algo, pero se siente como si algo hubiese cambiado ligeramente. Pero creo que, en general, es por las redes sociales y lo que habéis... Supongo que ahora las conversaciones simplemente son más públicas, así que habrá cosas que ni he visto pero, sinceramente, intentar avanzar por mi fuente de noticias en enero y no ver cosas de 'Star Wars'... Veía titulares y era como: 'Oh, Dios mío, esto es muy molesto'. Así que ha sido complicado, pero luego es tener esa cosa de 'Me siento realmente orgullosa de ello', y 'Estoy muy emocionada de ser parte de ello'. Sí, pero es algo raro." 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' no es la primera película de la franquicia que recibe el odio de la mayoría de fans. Ya ocurrió con las precuelas, y en especial con 'La amenaza fantasma', hasta el punto de que uno de sus actores, se planteó el suicidio. 'Los últimos jedi' también indignó a muchos seguidores. La diferencia esta vez es que, además de ser el episodio peor valorado, los resultados en taquilla del Episodio IX han sido decepcionantes: con 1.074 millones de dólares en todo el mundo, es la entrega que menos ha recaudado de la nueva trilogía. En Espinof 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': 41 referencias, easter eggs y homenajes para disfrutar a fondo el final de la trilogía Quizá no es culpa de este film, o de las decisiones que tomó J.J. Abrams con la dirección o el guion; quizá es la consecuencia del rumbo que ha tomado la franquicia en los últimos años. Ya la película de Han Solo dejó cifras de taquilla por debajo de lo que esperaban sus responsables; en Disney reconocieron que se habían equivocado dando luz verde a tantas películas y que bajarían el ritmo. Ahora con Disney+, y el éxito de la serie 'The Mandalorian', puede que encuentren la manera de corregir la situación y recuperar la conexión con los fans. O, al menos, con los que hacen más ruido. - La noticia 'Star Wars': Daisy Ridley culpa a las redes sociales del odio recibido por 'El ascenso de Skywalker' fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

"Oye, si mi serie se está vendiendo por 1.99 dólares cada episodio en iTunes, ¿por qué yo no estoy viendo tajada de ello?, ¿y los DVDs cómo van?" Un proceso mental parecido recorrió las mentes de los showrunners y guionistas de televisión de todo Estados Unidos a mediados de la década pasada. Este asunto fue uno de los que obligó a doce mil profesionales de gremio a ponerse en huelga desde noviembre de 2007 hasta febrero de 2008. Unos cien días que paralizaron y cambiaron Hollywood y la televisión norteamericana para siempre. Doce años después del final de dicha huelga, la industria del cine y la televisión global se enfrenta a una situación de cierre temporal sin fecha de reapertura en el horizonte: decenas de películas han visto pospuestos sus estrenos y sus producciones y solo en EEEU nos encontramos con un centenar largo de series y programas de televisión paradas. En Espinof Qué pasa con las series USA en emisión afectadas por el coronavirus: finales aplazados, temporadas acortadas y más En España la situación es bastante parecida pero a una escala cuantitativamente menor. Los platós están cerrados al público, algunos late nights se están haciendo desde casa y tanto los estudios de rodaje como de doblaje se encuentran cerrados. En el cine también hay diferencias: mientras que en el país americano muchas distribuidoras han decidido ir directamente al mercado doméstico con sus estrenos, las españolas andan divididas. Si bien pueden estrenar online las internacionales, las absurdamente rígidas ventanas de distribución con el cine español supone un impedimento importante a la hora de estrenar online. 'Vivarium', una de las cintas estrenadas online en España por el coronavirus Las estimaciones iniciales hablan de 20 mil millones de dólares en pérdidas en Estados Unidos Un asunto más en la lista de temas que han querido reivindicar algunos miembros y trabajadores del sector cultural para reclamar un “apagón”/”huelga” cultural ante la inacción del ministerio de Cultura. Una iniciativa controvertida, entre otras cosas, por el momento y el poco ruido de las propuestas de protesta. Por otro lado, las primeras estimaciones hablaban de pérdidas por valor de cinco mil millones de dólares y al menos 170 mil empleos de la industria perdidos, pocos días después esa cifra superaba los 20 mil millones de dólares. Si bien es verdad que en televisión ya no se depende de publicidad tanto como hace unos años (con el auge de los modelos de suscripción), sigue siendo un factor importante. Las majors están, por otro lado, reclamando a las aseguradoras todo lo que puedan así que me temo que hasta que no se tranquilicen las cosas no sabremos la profundidad del impacto. La huelga de guionistas de 2017: DVDs, vídeo bajo demanda, realities y guionistas descontentos Una parálisis del sector que tiene su antecedente más próximo en la huelga de guionistas de 2007 y 2008. Una huelga que, aunque los daños en el cine fueron menores por cómo es el trabajo y la dependencia del guionista en un medio y otro, afectó tremendamente el mundo de la televisión. Sobre la mesa de negociaciones había tres asuntos primordiales. El primero giraba en torno a la compensación a los guionistas por la venta de DVDs de las series, que se estaban calculando en base a lo que veinte años antes se acordó con las ventas de VHS y otros medios de vídeo doméstico. En Espinof La muerte del formato físico: el streaming se come al Blu-ray y por qué hay motivos para preocuparse Hola, streaming El segundo asunto, quizás más relevante y urgente "para el futuro" de la época implicaba el mercado online y el streaming. Por defecto, las grandes majors se quedaban gran parte de lo que generaban por "los nuevos medios". Poco antes, sí que habían llegado a acuerdos oficiosos con la WGA para compensar a los guionistas, pero seguían en muchos casos calculando el valor residual aplicando las fórmulas del formato físico aun cuando el coste es considerablemente inferior. Las majors querían tirar balones afuera en un principio, como declara Barry Meyer, por entonces Presidente de Warner Bros: "Estos modelos de nuevos medios estaban empezando a surgir. Dijimos, "Veamos qué hay en tres años. Si realmente hay algo ahí lo trataremos entonces". Sonaba perfectamente lógico para nosotros, pero había un problema en torno a la credibilidad que teníamos con los gremios ya que hicimos el mismo discurso sobre el vídeo doméstico y tuvieron que luchar años para lograr sus metas." Las majors hablaban de Internet como si de un futuro lejano se tratase, pero plataformas como Hulu (en la que Warner tenía parte en aquel entonces como AOL) ya estaban en marcha. El servicio se abrió al público en marzo de 2008 después de llevar varios meses en beta por invitación. Netflix ya empezaba a darse a conocer en ese mercado online. La era del reality Concursantes de la primera edición de Survivor (2000) Otro punto a tratar era el de los realities. A finales de siglo XX en el horizonte se atisbaba una huelga importante y las productoras y cadenas se sacaron de la manga todo un arsenal de realities importados y de nuevo cuño, lo que supuso la entrada del género tal y como lo conocemos en Estados Unidos. Esto mandaba un mensaje a los guionistas de televisión: no os necesitamos tanto como creéis. Los realities venían pisando fuerte y en 2008 eran toda una golosina para las cadenas Una carta que ya probaron en la de huelga de 1988 y de la que surgieron docuseries como la mítica 'C.O.P.S.'. Pero en los dosmiles el auge era temible: 'Survivor' y 'The Amazing Race' explotaron los audímetros, las cadenas de cable encontraron en el género un modo barato de llenar horas de televisión y alrededor de la temporada 2007/2008 había al menos un centenar de realities bien en emisión o bien a punto de estrenarse. Una tendencia que no iba a medrar. En Espinof El 'Gran Hermano', refugio contra el coronavirus: hay concursantes que aún no se han enterado de la pandemia Los guionistas de estos realities no entraban, al igual que las series y películas de animación, en la jurisdición del WGA. Esto abarataba, de hecho, los costes al no tener que aplicar las tablas del convenio del gremio. Lo que llevó a reclamar terreno y considerar que los que introduccían elementos de guion a los realities (por temas de narrativa y narración) debían estar acreditados (Story Editor, por ejemplo) y entrar en este género televisivo. 60 series en parón Damon Lindelof y Carlton Cuse ('Perdidos') durante la huelga Con estos asuntos sobre la mesa, el 5 de noviembre de 2007 comenzó la huelga. Ningún guionista del gremio trabajaría desde entonces. En otras palabras, ningún episodio se podía escribir y solo se podría trabajar con los episodios cuyos guiones se hubieran completado antes de ese día. Para poner en contexto de temporada televisiva tradicional (o de networks), en noviembre se está empezando a escribir la segunda mitad de la temporada de una serie de 22 episodios que se estrene en septiembre y termine en abril/mayo. En Espinof Cómo funciona le televisión americana: así se hace un episodio de una serie El ciclo, de hecho, implica que la sala de guionistas abre en junio/julio y los tiempos de rodaje hace que siempre guionización y rodaje estén muy pegados en el tiempo. Un estudio trabaja, en todo momento, al menos en tres episodios a la vez, cada uno en una fase de producción diferente. A lo que íbamos: desde diciembre (con un parón navideño anticipado) hasta abril, las cadenas tuvieron que sobrevivir con la reserva y, después, de reposiciones en los huecos de las series. Series cuyo número de episodios se redujo drásticamente. Por ejemplo, la temporada 2 de 'Heroes' se quedó en el undécimo episodio de los 24 planificados; 'Bones' se quedó en quince; las comedias, con un ciclo de producción más rápido, lograron alcanzar los 19 episodios (en una temporada de 'The Office' que iba a constar de 30) o los 20 (de 24 en el caso de 'Cómo conocí a vuestra madre'). Al ser la televisión un medio que depende del guionista como nigún otro, la situación era extraña. Craig Thomas y Carter Bays, cocreadores de 'Cómo conocí a vuestra madre' cuentan una anécdota que ocurrió al terminar el guion del 3x11 conscientes de que no entrarían al set de rodaje para supervisarlo: "Intentamos hacer el guion todo lo ceñido y manejable posible sabiendo que no habría guionistas en el set para afinar alguno de los chistes o arreglar cualquier palabra. A cierta hora de la noche solo teníamos que darle a enviar y el guion fue a nuestro productor y director y dijimos "Pasad una gran semana de rodaje. Estaremos de piquetes fuera del set" Un cine sin reescrituras de guiones Al igual que lo que pasaba en platós televisivo en el cine, donde las fases de escritura y rodaje están más diferenciadas, la huelga de guionistas puso bajo llave los guiones de muchas producciones. Esto implicaba que no se podrían llevar a cabo ni reescrituras ni la más mínima modificación. Por ejemplo, Billy Ray recuerda haber estado discutiendo justo antes de la huelga el final de 'La sombra del poder' y, siendo consciente de que no podría volver a escribir una sola palabra en no se sabe cuánto tiempo, envió a la productora diez finales diferentes para que escogieran. J. J. Abrams se vio debatido entre sus facetas de guionista y de director y comenta cómo vivió esa época: "Era absurdo. Por la mañana iba de piquete a Paramount como guionista. Entonces, cuando tocaba cerrar, bajaba las pancartas y me transformaba en director para trabajar en una película [Star Trek] que no podíamos reescribir porque el guion debía estar candado." Un 2008 sin Globos de Oro, pero con Late nights Pero no solo las series. Los Late Night desaparecieron del mapa... al menos durante los dos primeros meses de huelga. A mediados de diciembre NBC anunció que tanto 'The Tonight Show' de Jay Leno como 'Late Night' de Conan O'Brien volverían tras las navidades. Sin guionistas, eso sí. Y, en el caso del pelirrojo, fue una de sus mejores etapas. La situación económica empezó a pasar factura a los presentadores de late shows Anuncio que se sumaba al del resto de cadenas con sus programas nocturnos. Poco a poco, en un enero en el que se decidió suspender la ceremonia de Globos de oro, se fueron reincorporando en la parrilla todos los presentadores, de Letterman a Fallon y Kimmel. Este último justifica su decisión: "La huelga limpió todos mis ahorros porque estaba pagando a un montón de la plantilla que estaba sin trabajo. Esta fue una gran razón por la que debía volver al ruedo. No estaba haciendo un montón de dinero en la época y no podía permitirme seguir así mucho tiempo. Además sentía que si nos quedábamos fuera, habría daños permanentes a nuestros programas." En Espinof Quién es quién en los programas de late night de la tele americana Una justificación parecida a la de O'Brien, Jon Stewart y Stephen Colbert, quienes decidieron volver sin guionistas (respetando así la huelga) debido a la situación económicamente comprometida en la que se encontraban. Quien volvió con guionistas fue David Letterman, en un trato complicado y complejo que se intentó replicar sin mucho éxito (por diversas circunstancias incluyendo el que los guionistas eran empleados suyos y no de la cadena) por el resto. Enero fue, quizás, el mes más decisivo. El 14 de ese mes se rescindieron masivamente los contratos de unos cuarenta guionistas por "fuerza mayor", un golpe monetario que debió acelerar las cosas. El 17, el gremio de directores había firmado su nuevo acuerdo con la patronal hollywoodiense y empezó a haber muchas presiones por parte de miembros importantes del WGA para que dicho trato no perjudicara demasiado a lo que se estaba negociando. En febrero de 2008 llegó a su final la huelga. Al final no habían conseguido todo lo que hubieran querido pero sí que habían logrado una pequeña victoria: los residuales de vídeo online (algo que tuvieron que renegociar en 2017). Con los DVDs se tuvieron que conformar con lo de antes, mientras que el tema de los realities y la animación fue retirado de la mesa al inicio de la huelga. De las cenizas a una nueva era televisiva Según Jack Kyser del Los Angeles Economic Development Corporation, los guionistas dejaron de ganar unos 260 millones de dólares. Según Milken Institute, la huelga ocasionó una pérdida de 37.700 empleos y 2100 millones de dólares solo en California. Algunas de las series más interesantes de la temporada perdieron su momentum En televisión, series muy prometedoras de aquel entonces, como 'Pushing Daisies', perdieron su momentum, y tras su acortada primera temporada llegó una segunda que ya no alcanzó las cifras de audiencias saludables para su continuidad. Esta huelga también supuso un periodo de inestabilidad para los guionistas, incluso los más veteranos. Esto implicaba ver a guionistas de cierta talla dispuestos a aceptar menores sueldos con tal de trabajar, lo que ya de por sí limitaba aun más las posibilidades de encontrar trabajo de los guionistas noveles. En Espinof Las 53 mejores series de la década (2010-2019) En este aspecto, las cadenas y los estudios (estos últimos los que más capital arriesgan) confían más que nunca en propiedad intelectual ya existente, dando lugar a un aumento sin precedentes de remakes, spin-offs y adaptaciones (los derechos de libros son bastante asequibles), lo que dificulta la incorporación al mercado de nuevos guionistas y de guiones originales. Algo que incluyen a los "specs", es decir, los guiones no solicitados. Manteniendo así una tendencia de la industria (se acabaron los buenos tiempos de los 90) que se extiende hasta nuestros días. Excepto en un par de años de repuntes, el auge de las adaptaciones/remakes hace que apenas haya hueco para estos specs. En 2019, por ejemplo, solo se vendieron 32 de estos guiones. Sin embargo, el número de proveedores de contenido ha ido subiendo desde esa época. Hulu y Netflix se convirtieron en esos tiempos post-huelga en insufladores de nueva vida tanto a las series en emisión como al catálogo algo más añejo de las productoras para poco después comenzar con la producción de series propias. En Espinof Mediaset en la guerra del streaming: acuerdos con Amazon y Netflix, series exclusivas y fin de lo gratis Las cadenas de cable, quienes sobrevivían mayormente gracias a reposiciones (y cosas sindicadas) parecían empezar a tomar dos bandos: las dedicadas tradicionalmente a entretenimiento y estilo de vida tiraron por llenar su parrilla de realities mientras que las que apostaban más por el cine y las series, empezaron a producir series de ficción. Cada vez se animan más a la ficción, incluso canales como History ('Vikingos') han caído en las redes de la ficción. Entre piquetes, la creatividad bullía y durante la década de los diez, el todavía incipiente Peak TV dio lugar a una era de televisión de prestigio. Este aumento de necesidad derivó, también, a nuevos modos de plantear la producción de una serie alejados de las fórmulas de la televisión generalista. Unas cadenas que, además, veían cómo sus audiencias medias disminuían y lo que antes significaba un fracaso y cancelación segura, ahora era un éxito rotundo. El Peak TV ante el coronavirus Datos: FX Networks Research En 2015, John Landgraf, presidente de FX, afirmó en conferencia de prensa que "hay demasiada televisión" acuñando el término Peak TV. Y no le falta razón. Si en 2009, la temporada justo posterior a la de la huelga el número de series de ficción estrenadas en EEUU fueron de 210, en 2019 nos encontramos con 530. "Hay demasiada televisión" Por comparar a nuestro terreno, la Unión Europa no es ajena a este crecimiento. Según el último informe del Observatorio de la producción audiovisual, en 2018 se superaron los mil títulos de ficción (1016), de los cuales 296 eran telefilmes (lo que nos pondría en 820 series para todos los países de la Unión). Ese mismo año, España produjo 44 ficciones, un incremento notable respecto a los 28 de 2017. Ahora, en la 2020 de la pandemia, estamos ante un momento decisivo. Al igual que la totalidad de la industria global, toca reconstruir (y repensar) lo que hasta ahora dábamos por sentado. No sabemos el alcance preciso de esta crisis, la producción audiovisual está sufriendo un momento más que delicado con las producciones paradas y la falta de inversión en general. Me gusta pensar en el relato de la crisis de guionistas de 2007/2008 como en uno que, con sus penurias, fortaleció una nueva era televisiva que acababa de nacer. El futuro no es muy esperanzador, de momento, pero de este parón puede salir cosas muy interesantes. - La noticia La última vez que se paralizó Hollywood: 100 días que cambiaron la televisión para siempre fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El canal norteamericano ABC al fin ha anunciado la fecha de estreno de la séptima y última temporada de 'Agentes de SHIELD', la serie más longeva de Marvel: el próximo 27 mayo se emitirá el primer episodio y luego cada miércoles se lanzará uno más. Un crossover con sentido Además, la noticia viene acompañada de una grata sorpresa para los fans de 'Agente Carter', ya que esta séptima temporada incluirá un crossover con la serie protagonizada por Hayley Atwell entre 2015 y 2016. Eso sí, no será la actriz quien participe en 'Agentes de SHIELD', pues quien reaparecerá aquí será el agente Daniel Sousa interpretado por Enver Gjokaj. En Espinof Las nueve mejores series para hacer maratón en Disney+ Recordemos que los protagonistas de 'Agentes de SHIELD' viajaban a los años 30 al final de la sexta temporada, por lo que el regreso de este personaje es un movimiento con todo el sentido del mundo. Lo que se desconoce por el momento es en cuántos de los 13 episodios de la séptima temporada podremos verle. Además, la buena noticia es que todos los capítulos de esta última temporada de la serie acabaron de rodarse en verano de 2019, por lo que no va a verse afectada en ningún modo por la crisis del coronavirus. De esta forma, Coulson y compañía podrán tener una despedida a la altura de lo que se merecen. Vía | Tv Line - La noticia 'Agentes de SHIELD': ya hay fecha de estreno para una temporada final que tendrá crossover con 'Agente Carter' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El próximo 4 de mayo, Disney+ celebrará por todo lo alto el Día de Star Wars con nuevos contenidos originales completamente nuevos que pasarán a formar parte del catálogo de películas y series de 'Star Wars' ya disponibles en la plataforma. El más esperado, una serie documental sobre el proceso de creación de 'The Mandalorian'. En una plataforma muy cercana Con motivo del Día de Star Wars, Disney+ rendirá homenaje a los fans del universo galáctico creado por George Lucas con dos nuevas incorporaciones. El Día de Star Wars, que se originó como una modesta fiesta entre los fans se ha convertido en una celebración global entre los millones de seguidores de la franquicia. En unas semanas, estos fans podrán disfrutar del esperado final de 'Star Wars. The Clone Wars. La Temporada Final' y del estreno mundial de la nueva serie documental de ocho episodios 'Galería Disney: Star Wars: The Mandalorian'. En Espinof 'Star Wars': en busca del orden definitivo para ver la saga ahora que tenemos Disney+ El productor ejecutivo Jon Favreau ofrecerá una aproximación, junto al reparto y al equipo de la serie, sin precedentes. Nos adentraremos entre las bambalinas de una serie que se convirtió de inmediato en un fenómeno cultural que ha traspasado todas las fronteras. 'Galería Disney: Star Wars: The Mandalorian', llegará a la plataforma el 4 de mayo. Durante cada uno de sus ocho capítulos el documental explorará diferentes aspectos de la primera serie de imagen real de 'Star Wars' a través de entrevistas, imágenes y conversaciones dirigidas por Jon Favreau. "'Galería Disney: Star Wars: The Mandalorian' ofrece a los fans de la serie una aproximación desde una perspectiva diferente de la mano de algunos de los responsables de la primera temporada de 'The Mandalorian'" ha asegurado Favreau. “Tuvimos una muy buena experiencia haciendo esta serie y estamos deseando compartirlo con vosotros”. En la serie documental se tratan temas como el proceso de rodaje, el legado de George Lucas, cómo el reparto se involucró con los personajes, la innovadora tecnología de la serie, el trabajo artístico de sus maquetas, sus efectos, criaturas y conexiones con la galaxia. Este trabajo documental se estrenará tres días después de que 'The Mandalorian' finalice su emisión en los países europeos que ya disponen de la plataforma y se emitirán cada viernes en Disney+. Por su parte, tras siete temporadas, 'Star Wars: The Clone Wars. La Temporada Final', llegará a su fin el mismo 4 de mayo. La esperada conclusión de la aclamada serie explorará los acontecimientos que condujeron a 'La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith'. - La noticia Disney+ celebrará el día de Star Wars estrenando una serie documental de 'The Mandalorian' y el final de 'The Clone Wars' fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Sin los fans, el cine no sería lo mismo. Tendríamos que decir adiós a esas acaloradas batallas dialécticas sobre qué entrega de una saga es mejor o sobre qué personaje de ficción podría hacer morder el polvo a otro en un combate cuerpo a cuerpo y, lo que es más importante, nos perderíamos un buen puñado de teorías descabelladas —y no tan descabelladas— sobre largometrajes de todo tipo. A continuación os propongo repasar 17 teorías surgidas de las mentes y cavilaciones del fandom que, más tarde, fueron confirmadas por los directores, guionistas, intérpretes y demás implicados en las producciones aludidas. 'Blade Runner': Deckard es un replicante Empezamos con un clásico de las teorías de espectadores confirmadas por autores que, en este caso, se reafirmó no sólo con unas simples declaraciones de Ridley Scott, sino también con varios montajes que constataron lo que ya era algo evidente. Por supuesto, estoy hablando del hecho de que Rick Deckard, el protagonista de esa catedral de la ciencia ficción titulada 'Blade Runner', es un replicante. Y, por mucho que Harrison Ford discrepe —a pesar de las muchas evidencias presentes en pantalla desde el corte original del filme—, el propio Scott se ha pronunciado al respecto en numerosas ocasiones. Como muestra, aquí tenemos estas declaraciones de 2017. "Tyrell es multimillonario, entre un 5% y un 10% de su negocio es la inteligencia artificial. Como Dios, ha creado seres perfectos que, para todo tipo de intenciones y propósitos, no pueden diferenciarse de los humanos. Luego dice, '¿Sabéis qué? Voy a crear una inteligencia artificial. Haré un hombre y una mujer, no sabrán que son inteligencias artificiales, haré que se encuentren, se enamorarán, consumarán, y tendrán un hijo'. Esa es la primera película". 'El retorno del Jedi': el destino de Boba Fett Como no podía ser de otro modo, 'Star Wars' ha sido —y es— caldo de cultivo para las teorías fan, siendo una de las más célebres la relacionada con el destino de Boba Fett en el Episodio VI de la franquicia, 'El retorno del Jedi'. En la película de 1983, el cazarrecompensas galáctico terminó cayendo en las fauces de un Scarlacc durante su pelea con Luke, Han y compañía. No obstante, el fandom especuló que Fett sobrevivió a su fatídico destino utilizando los gadgets de su armadura para zafarse de la criatura. Esta idea fue utilizada en diversas novelas y cómics del antiguo Universo Expandido —ahora no canónico—, pero Jonathan Rinzler, autor y editor de la división literaria de Lucasfilms, confirmó que George Lucas ha hablado —en privado— del tema, y ha sugerido que debería referirse al personaje como "El superviviente" en las convenciones. 'La venganza de los Sith': Palpatine asesinó a Darth Plagueis Sin abandonarla, vamos a dar un salto atrás en la cronología de la saga galáctica por excelencia hasta ubicarnos en los acontecimientos del Episodio III, 'La venganza de los Sith'. En ella, Palpatin relata a Anakin la leyenda de Darth Plagueis, un poderoso Lord Sith que fue asesinado por su aprendiz. Como era de esperar, este pasaje no cayó en saco roto, y los aficionados hablaron largo y tendido sobre la posibilidad de que la historia de Plagueis no sólo fuese real, sino que fue el propio Palpatine el aprendiz quien tuvo que asesinarle para cumplir con la "Regla de Dos" creada por Darth Bane. Esta conexión entre Palpatine y Plagueis fue confirmada tanto en The Databank —una web oficial de 'Star Wars', ya obsoleta—, como en la novela 'Star Wars: Tarkin', escrita por James Luceno y publicada el pasado 2014. En Espinof Star Wars: todas las películas de la saga ordenadas de peor a mejor 'Iron Man 2': Peter Parker es el niño de la Stark Expo Junto a 'Star Wars', otra de las grandes franquicias que lleva más de una década generado teorías a toda máquina ha sido la construida en torno al Universo Cinematográfico de Marvel. De entre todas ellas, destaca la que sitúa a un jovencísimo Peter Parker en la escena de la Stark Expo de 'Iron Man 2'. Tom Holland, el encargado actual de interpretar Spider-Man, confirmó esta teoría durante una entrevista con el Huffington Post hace un par de años. "Puedo confirmarlo desde hoy. He tenido una conversación con Kevin Feige hace, literalmente, veinte minutos. Puede que haya hecho un gran y antiguo spoiler, pero ya es público. Es guay. Me gusta la idea de que Peter Parker haya estado en el universo desde el principio". 'Robocop' es una alegoría de la resurrección de Cristo Que 'Robocop' es una de las mejores películas de acción y ciencia ficción de todos los tiempos no es algo abierto a discusión. Otra cosa son las lecturas e interpretaciones que se han dado al clásico de Paul Verhoeven, que algunos fans han catalogado como una interpretación moderna de la muerte y resurrección de Cristo; una idea que el realizador holandés confirmó en una entrevista con MTV en el año 2010. "'Robocop', por supuesto, es una historia de Cristo. Es sobre un tipo al que crucifican en los primeros cincuenta minutos, y luego es resucitado en los siguientes cincuenta minutos, y es como el superopolicía del mundo, pero también es una representación de Jesús cuando camina sobre el agua al final". 'Prometheus': uno de los Ingenieros fue Jesucristo Continuando con las alegorías cristianas, no podemos perder de vista la teoría que apunta a que, en el universo de la controvertida 'Prometheus', Jesucristo fue realmente uno de los Ingenieros. En la cinta, dirigida por Ridley Scott, se plantea que los Ingenieros intentaron destruir a la raza humana. El motivo de este genocidio intergaláctico, según los fans, estaría relacionado con el hecho de que los Ingenieros decidieron que ya no quedaba esperanza para la humanidad después de que crucificasen a uno de los suyos, que enviaron para guiarnos, y que sería el mismísimo Cristo. Ridley Scott admitió que, en efecto, esta idea estuvo presente durante la creación de 'Prometheus'. "Si la miras como una situación de 'nuestros hijos se están comportando mal ahí abajo', hay momentos en los que parece que hemos perdido el control, corriendo con armaduras y faldas que, por supuesto, representarían al Imperio Romano. Y puedes decir, 'Vamos a enviar abajo uno más de nuestros emisarios para ver si consigue detenerlo'. Adivina. Le crucificaron". 'Aladdin': el mercader del inicio es el Genio Desde el mismo momento de su estreno en un ya lejano 1992, fueron muchas las voces que se alzaron señalando que el mercader que aparece al comienzo de 'Aladdin' no es otro que el Genio. El hecho de que fuese interpretado por el propio Robin Williams ya daba una pista sobre la autenticidad del rumor, pero la confirmación llegó de la mano de Ron Clements, codirector del filme, en una entrevista con E! News. "Originalmente, esa era la intención. Incluso lo teníamos al final de la película, cuando él mismo revela ser el Genio. Por supuesto, Robin Williams interpretó al mercader. A través de algunos cambios en la historia y del montaje, perdimos la revelación del final. Así que es una leyenda urbana que resulta ser cierta". 'Cars': los coches se deshicieron de la humanidad ¿'Cars' os parece una película infantil inofensiva? Pues bien, después de esto, los enormes ojos y la sonrisa de Rayo McQueen os van a parecer más siniestros de lo que deberían; y es que existe la teoría de que, en el universo de la obra de Pixar, los vehículos exterminaron a la raza humana. Existen varios indicios en el metraje del filme que apuntan a la existencia pasada de seres humanos, pero la confirmación definitiva de esta truculenta comidilla llegó junto a una entrevista del director creativo de 'Cars', Jay Ward, para ScreenCrush. "Si lo piensas, tenemos tecnología con coches autónomos a la vuelta de la esquina. está llegando al punto en el que puedes relajarte y el coche se conduce a sí mismo. Imagina que, en un futuro próximo, cuando los coches continúen haciéndose más y más listos, un día piensen, '¿Para qué necesitamos todavía a los humanos? Tan sólo nos están frenando. Son una carga extra, deshagámonos de ellos'. Pero el coche adquiere la personalidad de la última que lo condujo. Ahí lo tienes". En Espinof Todas las películas de Pixar ordenadas de peor a mejor 'X-Men: La decisión final': El Profesor X tenía un gemelo Somos muchos los que creemos que 'X-Men: La decisión final' es un auténtico desastre en el que se tomaron decisiones narrativas sin ningún tipo de filtro, siendo una de ellas la muerte de Charles Xavier a manos de una Jean Grey desatada bajo la influencia de la Fénix Oscura. El hecho de que el Profesor X terminase sobreviviendo a la desintegración abrió la puerta tanto a las críticas como a unas especulaciones que llegaron a la conclusión de que, al igual que en los cómics, el mutante tenía un gemelo —en el material original es una mujer—, siendo este el hombre hospitalizado que vemos en la escena post-créditos de la película, al que Xavier transfirió su consciencia durante el ataque de Grey. La teoría del gemelo fue confirmada en la pista de audiocomentarios del DVD de 'La decisión final'. 'Lobezno Inmortal': El final de 'Logan' se planta en 'Lobezno Inmortal' Continuamos con el universo X-Men, pero esta vez centrados en el carismático Wolverine. En 'Lobezno Inmortal', nuestro protagonista mantiene una conversación en la que Yukio, una mutante que puede ver el futuro y, más concretamente, las muertes de las personas de su entorno, describe al Arma X el momento de su fallecimiento: "Te veo tumbado sobre tu espalda, hay sangre por todas partes. Estás sujetando tu propio corazón en tu mano". Esto es exactamente lo que sucedió en 'Logan' cuatro años más tarde —siendo el corazón una metáfora sobre su hija—, y el director James Mangold confirmó que esto estaba más que preparado en una contestación a un tuit que señalaba la conexión entre ambos filmes. 'Wonder Woman': Chief es un semidiós Saltemos de franquicia y vayamos directamente al Universo DC de la mano de la Wonder Woman de Gal Gadot. En su primera aventura cinematográfica en solitario, la princesa Diana conoce a Chief, un personaje con el que mantiene una conversación en un idioma extranjero que no es subtitulado. Lo que podría haber sido una nimiedad se convirtió en objeto de investigación para el fandom, que descubrió que la lengua que hablaban en la escena no era otra que Blackfoot, hablada por diferentes tribus de Canadá y Estados Unidos. Después de traducir el diálogo, se descubrió que Chief se presenta a Wonder Woman como Napi, un semidiós de la cultura Blackfoot. ¿Significa esto que Chief es una deidad? Según confirmó el actor encargado de darle vida, Eugene Brave Rock, en su cuenta de Twitter, sí. 'El hombre de acero': Aquaman salva a Superman de ahogarse Aunque pasase inadvertido para la inmensa mayoría —por no decir la totalidad— de espectadores que pudieron disfrutar de la magnífica 'El hombre de acero' de Zack Snyder, la primera película de Henry Cavill como Superman contiene el primer crossover del DC Universe. Durante la escena en la que Clark salva a los trabajadores de la plataforma petrolífera en llamas, después de que la estructura colapsa sobre el kryptoniano, este flota inconsciente hacia la superficie del océano. Para el fandom, esto no fue fruto de las corrientes marinas, sino del mismísimo Aquaman. Las primeras especulaciones apuntaron a que el atlante envió ballenas para ayudar a Kal-El, pero tanto Zack Snyder como Jason Momoa confirmaron que fue el propio Aquaman quien sacó de allí a su futuro compañero en la Liga de la Justicia. "En 'El hombre de acero', cuando Henry está en la plataforma petrolífera, la está sujetando y, de repente, le ves subiendo en el océano, como si flotase hacia arriba. Según Zack, yo [Aquaman] lo había salvado para que se cruzasen en algún momento; así, cuando Bruce dice, '¿Has oído hablar de Superman'?, yo ya lo he hecho, y hemos cruzado nuestros caminos". En Espinof Todas las películas del Universo Extendido de DC, ordenadas de peor a mejor 'Watchmen': Ozymandias y su relación con los nazis La 'Watchmen' de Zack Snyder recibió —y continúa recibiendo— una cantidad ingente de inmerecidos palos, pero está llena de pequeños detalles que la enriquecen, y uno de ellos es el que aporta algo de trasfondo a los orígenes de Adrian Veidt, alias Ozymandias. En el cómic original, Veidt revela que sus padres llegaron a América en 1939, el año de su nacimiento. Cuando cumplió diecisiete años, sus progenitores fallecieron dejándole una gran herencia. La gran diferencia entre la versión impresa y la cinematográfica de este origen se encuentra en el acento con el que Ozymandias habla en privado. Si nos fijamos, por ejemplo, en la escena en la que el villano se enfrenta a con Búho Nocturno y Rorschach al final de 'Watchmen', Veidt habla con un deje alemán que levantó las suspicacias sobre cierta conexión con el nazismo; algo confirmado por Matthew Goode en una entrevista con el medio Collider. Según Goode, mientras preparaba su personaje con Snyder, llegaron a la idea de que el Veidt del largometraje creció en Alemania, procediendo la fortuna de sus padres de ciertas acciones perpetradas durante su pertenencia al Partido Nazi. 'La princesa Mononoke': la misteriosa enfermedad representa la lepra El universo del clásico de Studio Ghibli 'La princesa Mononoke' contiene entre su infinidad de detalles y su amplio lore una misteriosa enfermedad incurable que, tomando como base su representación en pantalla, muchos fans han relacionado directamente con la lepra desde el estreno del filme en 2001. Fue Hayao Miyazaki quien puso fin a las especulaciones, casi convertidas en leyenda urbana, cuando reconoció que su intención era aludir a susodicha enfermedad. El motivo se encuentra en una traumática experiencia que vivió en su juventud, cuando visitó un sanatorio de Tokyio en el que se trataba a pacientes de lepra. Las dos realidades de Quentin Tarantino Las conexiones entre largometrajes y personajes de la filmografía de Quentin Tarantino —tanto en su faceta de director como de guionista— están a la orden del día. Ahí están los hermanos Vega que relacionan 'Pulp Fiction' y 'Reservoir Dogs', o el hecho de que Donnie Donowitz de 'Malditos Bastardos' sea el padre de Lee Donowitz de 'Amor a quemarropa' para demostrarlo. No obstante, entre estos deliciosos guiños, comenzó a especularse que los trabajos del bueno de Quentin podrían estar ambientados en dos universos diferentes; separándose los más "realistas" de los que incorporan elementos fantásticos, como 'Kill Bill' o 'Abierto hasta el amanecer'. Tarantino explicó que, efectivamente, sus largometrajes se dividen en un universo "real" y otro "cinematográfico". “Hay dos universos separados. Está el universo más real que lo real, y todos los personajes habitan en él. Luego hay otro universo de cine, así que 'Abierto hasta el amanecer' y 'Kill Bill' tienen lugar en ese universo cinematográfico especial. Básicamente, cuando los personajes de 'Reservoir Dogs' o 'Pulp Fiction' van al cine, ven películas como 'Kill Bill'.” 'Zootrópolis': Bucky y Pronk son pareja La representación LGTBI en los largometrajes de Disney no es que sea, que digamos, para tirar cohetes. Existen dos opciones, o se omiten por completo este tipo de personajes, o se disimulan hasta lo prácticamente anecdótico como ocurrió con Le-Fou en el remake live-action de 'La bella y la bestia' o con la policía de la reciente 'Onward'. 'Zootrópolis' se apuntó a esta tendencia, incluyendo a dos personajes homosexuales, Bucky y Pronk, cuya relación no fue desvelada hasta después del estreno del filme. Tras los rumores que giraron en torno al dúo, Jared Bush, codirector del filme, confirmó en Twitter que, en efecto, son matrimonio. 'La cosa': uno de los dos supervivientes está infectado La escena final de esa obra maestra del terror que es 'La cosa' de John Carpenter nos muestra a MacReady y Childs sentados en medio de una tormenta de nieve. Ambos han pasado un buen rato separados y una extraña tensión reina en el ambiente. Uno de ellos podría estar infectado, pero antes de recibir respuestas al respecto, el largometraje termina. Con semejante final abierto, es normal que las teorías comenzasen a circular como la pólvora, predominando las que invitaban a pensar que uno de los dos supervivientes estaba infectado. Una idea que el propio Carpenter confirmó en su cuenta de Twitter: "la cosa" está en el organismo de MacReady o en el de Childs, pero el master of horror se ha negado a desvelar cuál de los dos es el portador. - La noticia Cuando el fandom acierta de pleno: 17 teorías sobre películas que fueron confirmadas por sus creadores fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Hace unos días realizamos un repaso a las mejores películas de terror en Netflix para ver si así podíamos haceros más llevadero el encierro por el coronavirus. Sin embargo, quizá prefiráis echaros unas risas y por ello hoy es el turno de las 17 mejores comedias en acción real que se pueden ver actualmente en esa plataforma. 'Birdman' Ya adelanto que es probablemente la peor opción de la lista para aquellos que simplemente busquen el mayor número posible de carcajadas, ya que Iñárritu se marcó aquí una frenética comedia negra sin interés alguno en el gag y en la que la carga dramática también es notable. Y es que se trata de una obra de una gran riqueza tanto en el contenido como en lo formal, sin olvidarme tampoco de su maravilloso reparto comandado por Michael Keaton. Crítica en Espinof En Espinof Las 27 mejores comedias de la historia del cine 'Dos buenos tipos' La dinámica que se establece entre Russell Crowe y Ryan Gosling aquí es tan maravillosa que uno solamente puede desear volver a verlos juntos en infinidad de películas. Para ello resulta esencial la aportación del director y guionista Shane Black, quien sabe dar con el tono ideal para exprimir a fondo la historia que propone y también su reparto, pues hay motivos para el aplauso más allá de sus dos protagonistas. Crítica en Espinof En Espinof 15 películas imprescindibles que mezclan comedia y acción 'Crazy, Stupid, Love' Lo que sobre el papel parece una comedia romántica más acaba siendo una propuesta muy divertida apoyada en parte en la química entre Steve Carell y Ryan Gosling, pero lo cierto es que todo su reparto lo borda. Cuenta con grandes diálogos, el humor es el gran eje, pero no tiene problemas en dar algo más de fondo dramático al guion sin que eso suponga que la diversión decaiga. Crítica en Espinof 'Fe de etarras' Una comedia que estuvo varios años dando vueltas sin que nadie se animase a realizarla. Finalmente fue Netflix quien puso el dinero suficiente para que el estupendo guion de Borja Cobeaga y Diego San José saliese adelante. Huyendo de cualquier tipo de polémica, estamos ante una obra que potencia lo divertido de las situaciones por encima del gag y que cuenta con uns inspiradísimo Javier Cámara. Crítica en Espinof 'La vida de Brian' La comedia religiosa definitiva convertida ya en todo un clásico de la Semana Santa. Una concatenación de gags casi impecable que sabe reírse de todo y todos a cargo de unos Monty Python en el momento más dulce de su carrera. Crítica en Espinof 'Lío embarazoso' Judd Apatow fue uno de los grandes controladores de la comedia norteamericana durante varios años y 'Lío embarazoso' es quizá su mejor película hasta la fecha. Una cinta muy divertida que combina con acierto lo romántico con lo gamberro. Crítica en Espinof 'Lock & Stock' Guy Ritchie ya mostró en su ópera prima su notable talento para unir con estilo el thriller, la comedia y los bajos fondos de Londres en una película con un ritmo envidiable y una estimulante galería de personajes. 'Los caballeros de la mesa cuadrada' Lo único que falla en esta tronchante comedia es su brusco final, porque antes está repleta de escenas antológicas, personajes inolvidables y algunos de los mejores gags de la carrera de los Monty Python. Crítica en Espinof 'Los otros dos' Una comedia de acción de lo más entretenida que se apoya en la buena dinámica que se establece entre Will Ferrell y Mark Wahlberg, pareja en la ficción que volvería a repetirse en 'Padres por desigual'. Ojo también a su estupendo arranque con la pareja mucho más preparada que ostentaba el protagonismo antes que ellos dos... Crítica en Espinof 'Más extraño que la ficción' Hasta cierto punto parece una especie de versión más comercial de las películas de Spike Jonze escritas por Charlie Kaufman. El viaje de alguien que descubre ser el personaje de una novela está repleto de momentos tronchantes, contando además con un gran reparto. Es una propuesta excéntrica pero de lo más accesible. Crítica en Espinof En Espinof Las 33 mejores películas cómicas del siglo XXI 'Noche de juegos' Una divertida película que propone una simpática variante de lo que ya vimos en su momento en 'The Game'. Para ello usa la dinámica entre tres parejas y nos plantea un cruce entre comedia y misterio bastante bien llevado. Además de dejar con buen sabor de boca tras verla, va mejorando en el recuerdo y con el tiempo te entran ganas de volver a verla. Crítica en Espinof 'Paddington 2' Debería haber incluido las dos entregas existentes hasta ahora -pero la segunda es mejor que la primera, en parte por el antológico villano de Hugh Grant-, ya que son grandes ejemplos de comedias tiernas, esas con las que quizá no vayas a estar partiéndote de risa, pero sí que te ponen de buen humor gracias a un tratamiento impecable de una historia que otras manos podría haber sido un desastre. En Espinof Feel Good Movies: las 17 mejores películas para sentirse bien en el peor momento 'Popstar' Es una pena que una comedia tan hilarante como ésta sea tan poco conocida en España. Un falso documental con el grupo The Lonely Island detrás de sus tronchantes canciones, está repleto de escenas maravillosas como la de la boda que cuenta con una inolvidable aparición especial del cantante Seal. En Espinof The Lonely Island, los tres californianos que se convirtieron en reyes de la comedia norteamericana 'Regreso al futuro' Quizá encajaría mejor en una lista de mejores películas de ciencia-ficción, pero es que la película no sería ni por asomo lo mismo sin su notable carga cómica. Tengo claro que fue eso lo que hizo que su popularidad se disparase hasta el infinito, y obviamente ayudó también mucho que Michael J. Fox fuese su protagonista. Crítica en Espinof 'The Disaster Artist' Una celebración del rodaje de 'The Room', una de las cintas aspirantes al discutible privilegio de peor película de todos los tiempos. Tanto es así que surgió a su alrededor un culto que sirvió como base para una película en la que sobresale la increíble transformación de James Franco en Tommy Wiseasu. En una línea similar, también podéis echar un vistazo al documental 'Best Worst Movie'. Crítica en Espinof 'Yo soy Dolemite' La vuelta a primera línea de Eddie Murphy con una película en la que ofrece la que quizá sea la mejor interpretación de su carrera. Como biopic en sí mismo quizá sea algo convencional, pero lo que cuenta tiene la fuerza suficiente para que eso nos importe poco y nos centremos en el entusiasmo tanto de sus personajes como de su reparto en abordar un caso real que derrocha encanto. Crítica en Espinof 'Zombies Party' La primera entrega de la trilogía del Cornetto es una divertida parodia del cine de muertos vivientes con un dúo protagonista inolvidable. Una cinta enérgica y con un gran ritmo a la que conviene volver de vez en cuando si uno quiere pasárselo en grande. Crítica en Espinof - La noticia Las 17 mejores películas cómicas en Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El nuevo episodio de 'Tiger King' de Netflix se titula simplemente 'Tiger King y yo' y fue añadido el 12 de abril a la plataforma. Sin ser un especial propiamente dicho, separado del contenido de la serie, sí que funciona como epílogo virtual de lo que hemos visto, pero no añade mucho a la historia y ni siquiera aparece Joe Exotic. Lo primero que llama la atención es el formato elegido para esta nueva entrega, básicamente un conjunto de entrevistas separadas a personajes del mismo llevadas por el actor Joel McHale realizadas en chat de video debido a las limitaciones del aislamiento debido al brote de coronavirus. Ni una imagen editada, cero material nuevo y tan solo alguna foto de Joe Exotic o Carole Baskin aquí y allá. Un material prescindible y sin profundidad Más allá del interés que puedan tener los protagonistas de la increíble historia que cuenta 'Tiger King', el estilo del episodio no está a la par del documental y no guarda una coherencia argumental o de estilo. Ni tiene dirección ni ritmo, más allá de las cadencias que llevan las conversaciones de McHale con cada uno de los entrevistados. Aumenta la impresión de que, en realidad, la idea de la serie tiene más que ver con los realities más zafios. En Espinof 'Tiger King': dónde están hoy los protagonistas de la serie de Netflix, del caso aún abierto a Joe Exotic en confinamiento En los siete episodios previos hay una narrativa, que va dejando ver el estado surrealista de la cultura white trash norteamericana, los problemas de la falta de regularización de armas y explotaciones de zoos como los que aparecen, y de ahí que la singularidad de Joe Exotic y derivados tenga mucho de documental casi antropológico. Pero a veces daba signos de estar demasiado enamorada del circo que presenta con detalles sensacionalistas que aquí, finalmente, se hacen norma. El estilo no se diferencia mucho del que puede tener un Jorge Javier Vázquez, preguntando a personajes sobre los que se siente superior, con la posición de Joel McHale siendo especialmente altiva cuando les pregunta por temas peliagudos. Se nota demasiado que tanto él cómo los entrevistados están a disgusto, haciendo el trabajo porque hay dinero de por medio, sin una muestra de interés honesto en los temas que comentan. Poca nueva información, ninguno de los verdaderos protagonistas La falta de empatía de McHale y los guionistas tiene su punto álgido cunado entrevistan a Josh Dial, al que le preguntan con ninguna educación por sus dientes, que se arregló al acabar la serie. La forma en la que habla McHale a Dial recuerda a las rondas de preguntas a "el Pirri" por periodistas españoles, que le invitaban para poco más que reírse de él. Un poco lo mismo que hacían 'Cronicas Marcianas' y la actitud de Javier Cárdenas. Quitando esto, los "protagonistas" (no están ni Carole Baskin, ni Bhagavan Doc Antle, ni Exotic) actualizan cómo están: El zoo de Jeff Lowe está cerrado por coronavirus, John Reinke está lidiando con su nueva fama en medio de la pandemia y Saff revela que tuvo que ver el vídeo de su accidente muchas veces porque Exotic solía usarlo como formación de seguridad para nuevos empleados. Josh Dial revela que nunca recibió tratamiento después de presenciar la muerte de Travis Maldonado y comenta que sabe que Joe Exotic "Está al tanto del éxito de la serie está disfrutando de cada minuto de todo esto". En Espinof 'Tiger King': Netflix estrena la serie documental más salvaje y delirante del año Más allá de que todos piensen que Joe Exotic debería permanecer entre rejas, como "plato fuerte" dejan la entrevista a Rick Kirkman, cuya mayor aportación es el macabro relato de una mujer que llevó al zoo un caballo porque no podía cuidarlo y Joe dijo que se encargaría de él, pero en cuanto se fue, supuestamente, disparó al animal para dárselo de comer a los tigres. El hecho de que este dato se deje para el final habla mucho de las intenciones de Netflix con este pobre y efectista especial, que no resulta interesante ni como material satélite extra de los siete episodios anteriores. - La noticia 'Tiger King y yo': Netflix recluta a Joel McHale para un oportunista especial que no aporta nada al documental del momento fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Hay veces en lo que sucede eso de que un gran actor puede elevar un guion que no esté a la altura. Con 'Mrs. América', la nueva miniserie de FX on Hulu que llega hoy este sábado a HBO España, tenemos un claro ejemplo. No es que nos encontremos con un mal guion, ni mucho menos, pero sí que se nota un cierto desequilibrio entre el nivel del reparto y el de la narración. Creada por Dahvi Waller, retrocedemos unos cuarenta años en el pasado hasta llegar a principios de los años 70 del siglo XX, en pleno auge de la segunda ola del movimiento de liberación de la mujer y la campaña en torno a la ratificación de una de las enmiendas malditas de la constitución estadounidense. En Espinof Las mejores series feministas actuales que demuestran que el remanido "chica busca chico" ha muerto (al menos en la tele) Cate Blanchett es la cabeza de cartel de 'Mrs. América', encarnando a Phyllis Schlafly, la principal oponente a la ratificación de la Enmienda de Igualdad de Derechos (ERA) y mujer de bandera del sector conservador estadounidense. Inteligente y que sabe de lo que habla. El antifeminismo encarnado En este sentido, independientemente de lo parecido o no a la personalidad real de Schlafly, Blanchett se lo está pasando bomba con su interpretación. Es una villana (o, al menos, la antiheroína) con una posición muy clara, que no cejará en su empeño por derrotar al movimiento feminista, sus contradicciones, sus encantos y sus modos para conseguir ser la portada. Aquí podríamos discutir hasta qué punto es conveniente llegar a romantizar una figura que hizo tanto daño al feminismo (y a la enmienda de derechos igualitario). Es una antihéroe, antifeminista pero de esas que tampoco dicen nada especialmente polémico para los estándares de la época (o al menos en los tres primeros episodios). Es el típico discurso que hoy en día tildaríamos de "cuñado". En Espinof Netflix vs HBO: Comparativa de precios y catálogo de series y películas Para compensar este magnetismo que desprende Blanchett, 'Mrs. América' como serie se pone, en todo momento, del lado pro ERA. Excepto el episodio inaugural, titulado 'Phyllis', el resto de episodios (también titulados como sus protagonistas) ahondan más y mejor en las arquitectas de esta segunda ola del movimiento de liberación femenino. Una crónica de lo especial de esta era Es bastante cuidadosa a la hora de querer mostrar lo especial del momento, los idealismos, los excesos y las diferencias de opinión entre este grupo de feministas. Por ejemplo, los intercambios (y los entornamientos de ojos) entre Gloria Steinem (Rose Byrne) y Betty Friedan (Tracey Ullman) son muy divertidos de ver. El segundo episodio, de hecho, está centrado en Gloria Steinem en uno de los mejores papeles de Rose Byrne en eones y comienza con la fiesta de inauguración de la mítica Ms. Magazine. Un episodio en el que se va dejando claro cómo afecta la brecha generacional a la hora de abordar estos temas y compromisos sociales y políticos. En Espinof 'La conjura contra América': HBO estrena una ucronía esencial con un David Simon en plena forma Si algo destaca en 'Mrs. America' es su reparto. A Blanchett, Ullman y Byrne se les unen Uzo Aduba, Sarah Paulson, Margo Martindale, Uzo Aduba, Elizabeth Banks, James Marsden, John Slattery, etc. Un reparto espectacular que hace que sea todo un gustazo ver esta serie, sobre todo porque se ve que les encanta estar haciendo lo que hacen. Pero esta diversión a veces usa de cierta caricaturización derivada de un diseño de personajes que, para ser un drama inspirado en hechos reales, se siente algo superficial. Al igual que el guion, que no creo que termine de tocar las teclas correctas a la hora de narrar una historia de por sí fascinante. En definitiva, 'Mrs. América' es una notable serie pero que, quizás por temática y ambición, aspiraba a ser mejor de lo que es. Y es buena. Reluce esplendorosamente, pero es un brillo moteado por un desarrollo de historia que no da todo lo que gustaría. - La noticia 'Mrs. América': Cate Blanchett es la antifeminista suprema en una miniserie que no está a la altura de su reparto fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Con mucho retraso y lejos de hacerlo en las mejores condiciones, la última película de Quentin Dupieux llega a nuestras (pequeñas) pantallas con un título al que cuesta acostumbrarse. 'La chaqueta de piel de ciervo' es, de lejos, el mejor trabajo de un cineasta que nunca ha puesto límites a su creatividad. Llega a España a través de Movistar+. Un hombre de los de ante Resulta doblemente complejo hablar de una película como 'Le Daim' (sí, preferible y más enigmático que 'La chaqueta de piel de ciervo'). Primero por estar ante la absurda madurez cinematográfica de un autor multidisciplinar y segundo, y más importante todavía, por no desmenuzar nada de lo que ocurre a lo largo de sus breves, intensos y muy divertidos 77 minutos. En Espinof Las 21 mejores películas de cine de culto de la historia Con 'Rubber', la historia de una rueda asesina, el francés puso a prueba a todo aquel que se atrevió ante su irreverente slasher neumático hace ahora diez años. Desde entonces, el productor musical y cineasta no ha dejado de experimentar con su estilo y sus historias personales, ridículas y fríamente calculadas. Jean Dujardin y Adèle Haene ponen al servicio de Mr. Oizo todo su talento en una comedia negra, cruel y, sobre todo, muy cinematográfica. Divorciado y con la cabeza en otra parte, un hombre empeña todos sus ahorros en una chaqueta de flecos con la que establecerá una relación muy particular. Junto a ella intentará lograr un mundo mejor, sin chaquetas, mientras registra en vídeo todos sus movimientos. Sí, esa es más o menos la sinopsis de la película. Y 'La chaqueta de piel de ciervo' da exactamente lo que promete. Callejeros chaqueteros Desde un intrigante inicio in media res que nos llevará al bendito redescubrimiento del 'Et Si Tu N'Existais Pas' de Joe Dassin, para colocarnos directamente en el epicentro emocional del protagonista, la nueva creación de Dupieux va calando en el espectador, que no dudará en formar parte de una fiesta privada entre cervezas, charlas cinematográficas y un rodaje problemático. Parece que Quentin Dupieux viajará de vuelta al surrealismo puro con su próximo proyecto, pero de momento ha entregado su obra maestra y se ha ganado otra carga importante de confianza. 'Le Daim' es la mejor peli de Dupieux, y presenta a un personaje alucinante que rompe con todo y que permite a Jean Dujardin sacar su lado más, digamos, salvaje y divertido. Y oscuro, muy oscuro. Uno no puede evitar pensar en el Brian De Palma de 'Domino', haciendo milagros por Europa mientras la inversión no llega y la gente se iba esfumando del proyecto. 'La chaqueta de piel de ciervo', en resumen, es un extraordinario retrato de la ruptura cabal y de la posesión. Poco importa que sea material o física, porque sabes que no va a terminar bien, no te engañes. Una comedia sobre la obsesión y la crisis de mediana edad donde uno no sabe si reír o saltar por la ventana. Una genialidad irrepetible que se convierte de manera sorprendente (porque a estas alturas no pensábamos que fuera a llegar por aquí) en el estreno más interesante de la primavera prohibida. - La noticia 'La chaqueta de piel de ciervo': la obra maestra de Quentin Dupieux es un absurdo relato sobre la crisis de la mediana edad fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Ha pasado ya casi un año del estreno de 'Vengadores: Endgame' y la película de Marvel todavía sigue protagonizando titulares de vez en cuando. Ahora es por la aparición online de una escena eliminada que sellaba el destino de Viuda Negra de una forma mucho más espectacular de la que acabamos viendo en cines. Con Thanos en los talones Seguro que todos recordaréis la escena en la que el personaje interpretado por Scarlett Johansson se sacrificaba para poder salvar a Ojo de Halcón y que él pudiera hacerse con la Piedra del Alma. En esta otra visión del momento todo resulta más urgente al estar en medio de una batalla contra el ejército de Thanos, lo cual provoca que todo se precipite. En Espinof Todas las películas del Universo Marvel ordenadas de peor a mejor Personalmente creo que es una escena mucho más emocionante que la que se incluyó en la película, tanto por la amenaza a la que se enfrentan como por el uso de la música, dando un toque mucho más trágico al sacrificio del personaje al convertirlo en algo más universal que una decisión personal para que el superhéroe al que da vida Jeremy Renner pueda volver con los suyos. Natasha's Alternate Death #BlackWidow (Avengers : Endgame | 2019) pic.twitter.com/mXFGHyOXve — MCU Perfect Clips & GIFs 🎥 (@MCUPerfectClips) April 9, 2020 ¿A vosotros os gusta más la escena de la muerte de Viuda Negra que forma parte de 'Vengadore: Endgame' o esta secuencia eliminada de la película? Yo no lo tengo del todo claro en su conjunto y eso habla muy bien de esos dos minutos que no habíamos podido ver online hasta ahora. - La noticia 'Vengadores: Endgame': la brutal escena eliminada que daba a la Viuda Negra una muerte más emocionante fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Apenas tiene una semana de vida, pero Quibi ya tenía en la lista de espera de los aficionados a las serie un par de lanzamientos clave. El primero en llegar ha sido '50 States of Fright', una nueva antología de terror apadrinada por Sam Raimi. Os contamos qué tal arranca la cosa. Masters of micro-horror Las antologías de terror siempre son uno de los platos más apetecibles para los amantes del género. Mucho más interesantes que una idea desarrollada y agotada, como 'American Horror Story', las variedad de directores y temáticas, además de la posibilidad de basarse en relatos cortos de terceros más o menos clásicos, hacen de ellas una apuesta segura, aunque siempre teniendo en cuenta algún borrón en el historial. Ni 'Masters of Horror' ni 'Terror en estado puro', dos de las más recordadas de los últimos años, eran precisamente inmaculadas. En Espinof Las cenas de los "maestros del horror" y Mick Garris: dentro del aquelarre oculto de las leyendas del cine de género Ahora es el momento de arrastrar el formato hacia el nuevo lenguaje audiovisual. '50 States of Fright' se convierte en la primera serie de terror de Quibi, la nueva plataforma de streaming exclusiva para teléfonos móviles. Y la jugada es inteligente, aunque aún es demasiado pronto para valorar la serie en su totalidad, sí podemos disfrutar de la primera entrega, dividida en tres pequeños episodios de apenas cinco o seis minutos. La serie rescata 50 leyendas urbanas de los Estados Unidos, y vienen escritas y dirigidas por distintos directores y guionistas. En un movimiento inteligente, parece que cada una de ellas vendrá dividida en tres partes, por lo que nos iríamos hasta los 150 episodios-micro-clips. 'The Golden Arm', escrito por los hermanos Raimi y dirigido por el creador de 'Posesión infernal', es un modesto y discreto punto de partida de una serie que aún debe encontrar su rumbo. Planteada como ficciones que recrean testimonios ficticios, pero basados en leyendas urbanas reales, aún necesita una identidad y un tono algo más coherente con lo que desarrolla, puesto que es difícil salir del estado de "todo vale". La mujer de oro 'The Golden Arm' está protagonizada por Travis Fimmel y Rachel Brosnahan leñador y bella esposa ambiciosa necesitada de un estilo de vida que un pobre maderero artesano de las montañas no tiene a su alcance. Pero lo que no tiene, se lo inventa. Cuando un trágico accidente requiera la amputación de una de las extremidades de Heather, su marido intentará aliviar la depresión de su mujer, provocada por la pérdida de su belleza. Coescrito con su inseparable hermano Ivan Raimi, el cinesta aporta su visión de las tinieblas y las apariciones como siempre las ha entendido, aunque ahora todo luzca mucho más limpio que en los buenos viejos días correteando entre arboledas. 'The Golden Arm' es una historia que se hizo popular en los Estados Unidos gracias a Mark Twain. Como la mayoría de las leyendas urbanas y los cuentos populares, la leyenda cambia a lo largo de los años y en realidad poco importa su situación geográfica, puesto que la serie arranca en Michigan como podría haberlo hecho en cualquier otro estado del país. Como digo al principio, aún es demasiado pronto para empezar a valorar este ambicioso proyecto de Quibi. Probablemente nos encontremos con luces y sombras, con nombres más o menos conocidos, pero seguro que no todos parecerán tan encorsetados como un cineasta que, tal vez, ya está cansado de asustar a una audiencia que en realidad no tiene miedo a nada. De momento la siguiente historia, a cargo de Yoko Okumura, nos llevará a Kansas para conocer la 'America's Largest Ball of Twine'. Seguiremos informando. - La noticia '50 States of Fright': Sam Raimi arranca la nueva antología de terror de Quibi con una discreta historia clásica fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

WWE, la compañía detrás de lo que en España conocimos durante años bajo el nombre de 'Pressing Catch', nos sorprendió al decidir seguir adelante con las emisiones de sus programas de wrestling en plena crisis por el coronavirus. Eso sí, los grababan antes, pero eso va a cambiar a partir de ahora tras ser declarado como un "negocio esencial" por la oficina del Gobernador de California Ron DeSantis. Todavía sin espectadores Eso supone que a partir de hoy mismo se emitirá en vivo 'Monday Night Raw' desde las instalaciones para entrenamientos que la compañía tiene en la ciudad de Tampa. Lo cierto es que sus shows ya estaban grabándose allí desde que se dejó de contar con público como medida preventiva contra el coronavirus y ahora seguirá haciéndose sin espectadores. En Espinof El 'Pressing Catch' no para por el coronavirus: los shows de WWE se han convertido en espectáculos que rozan lo surrealista Esa instalación también se usará para realizar 'Smackdown' los viernes, mientras que NXT seguirá haciéndose los miércoles en la universidad de Full Sail. WWE ha lanzado el siguiente comunicado tras saberse la noticia: Orange County Mayor Demmings just now on WWE maintaining live tapings: "Originally, they were not deemed an essential business. With some conversation with the governor's office regarding the governor's order, they were deemed an essential business." — Harry (@harryaaron) April 13, 2020 Creemos que ahora más que importante que nunca ofrecer entretenimiento a la gente en estos duros momentos. Estamos produciendo contenido en un set cerrado con la única presencia de personal esencial siguiendo las medidas apropiadas y tomando precauciones adicionales para asegurar la salud y el bienestar de nuestros artistas y equipo. Como marca que ha pasado a formar parte del tejido de la sociedad, WWE y sus superestrellas unen a las familias y entregan esperanza, determinación y perseverancia. Personalmente no termino de ver el motivo por el que el Gobernador de California ha cambiado de idea, sobre todo tras haberse sabido recientemente que un trabajador sin identificar de WWE ha contraído coronavirus. Desde entonces permanece en cuarentena, pero no es precisamente un buen precedente para aligerar las medidas hacia la compañía... Vía | CBS Sports - La noticia ¡'Pressing Catch' es un "negocio esencial"! Los programas de wrestling de WWE volverán a emitirse en vivo tras la decisión de la oficina del Gobernador de California fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .