Entre Fans

Los fans del cine de terror en general, y los del coreano en particular, estábamos esperando este momento como agua de mayo. Se ha hecho de rogar, pero ya tenemos entre nosotros el primer teaser tráiler de 'Peninsula', la secuela de ese bombazo titulado 'Tren a Busan' que dejó a muchos alucinados en Sitges 2016 y que reventó taquillas, convirtiéndose en el primer filme en superar la barrera de los 10 millones de espectadores en su país de origen. Hace poco más de un mes os contábamos que 'Peninsula' no continuaría la historia del filme original pese a ambientarse en su mismo universo, y echando un vistazo a los escasos 90 segundos de este avance queda claro que, además, la propuesta ha optado por ponerse totalmente posapocalíptica aprovechando el lapso de cuatro años transcurrido entre ambas partes. En Espinof Las 17 mejores películas de zombies de todos los tiempos El encargado de dar forma a lo que parece ser un cóctel de acción, supervivencia y miserias morales en tiempos de no-muertos volverá a ser Yeong Sang-ho, director tanto de 'Tren a Busan' como de su recomendable precuela animada 'Seoul Station', así como de títulos tan estimulantes como 'The Fake' o 'Psychokinesis'. 'Peninsula', que en nuestro país estrenará A Contracorriente Films en algún momento aún indeterminado del primer semestre de 2021, llegará a los cines surcoreanos, si todo va bien, a lo largo de este mismo 2020. Con un poco de suerte, y si cierto virus no lo impide, podremos disfrutarla en la próxima edición del Festival de Sitges. Mientras esperamos confirmaciones de fechas y un tráiler más extenso, os dejo con la sinopsis oficial de la película. "Jung-seok, un soldado que escapó del páramo infectado, revive el horror cuando se le asigna una operación encubierta con dos simples objetivos: rescatar y sobrevivir. Cuando su equipo se tropieza inesperadamente con supervivientes, sus vidas dependerán de si lo mejor —o lo peor— de la naturaleza humana prevalece en las circunstancias más extremas". - La noticia Espectacular tráiler de 'Peninsula': la secuela de 'Tren a Busan' se pone totalmente posapocalíptica fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Movistar+ estrenará en mayo una nueva serie de ficción, esta vez de la mano de Dani de la Torre y Alberto Marini (dueto detrás de 'El desconocido'). Aun sin día concreto, la plataforma ha lanzado hoy el tráiler completo de 'La unidad'. Con un reparto encabezado por Nathalie Poza, 'La unidad' retratará en seis episodios una "realidad nunca mostrada": la del operativo especial contra el terrorismo yihadista de la policía nacional. Unidad liderada, en este thriller, por Carla Torres y cuya detención del líder terrorista más buscado convierte a España en el principal objetivo. En Espinof 'ETA, el final del silencio': Jon Sistiaga profundiza en el terrorismo vasco con un documental imprescindible de Movistar+ En el reparto nos encontraremos con Nathalie Poza, Michel Noher, Marian Álvarez, Luis Zahera, Fariba Sheikhan, Raúl Fernández de Pablo, Carlos Blanco, Fele Martínez, Alba Bersabé, Francesc Orella, Pepo Oliva, Amina Leony, Hamid Krim, Mourad Ouani, Mekki Kadiri, Moussa Echarif, Omar Bentaleb, Bouzan Hadawi, Said El Mouden y Tarik Rmili. Alberto Marini y Amèlia Mora son los responsables del guion de este thriller de seis episodios dirigidos por Dani de la Torre. Y ojo, porque 'La unidad' se verá fuera de España. No será en la aventura latinoamericana de Movistar sino que HBO ha adquirido los derechos para dicha región. - La noticia Tráiler final de 'La unidad': la nueva serie de Movistar+ se basa en una "realidad nunca mostrada" fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Desde que comenzaron a ver la luz las primeras informaciones sobre el coronavirus, que ahora tiene paralizada buena parte del planeta, fueron muchos los que apuntaron al realismo del largometraje 'Contagio', señalándolo como una suerte de premonición de todo lo que estaba por llegar, y ha terminado convirtiéndose en pandemia. Con el COVID-19 poniendo en jaque a algunas de las naciones más poderosas —véase Estados Unidos—, la división de salud pública de la universidad de Columbia ha decidido aliarse con los interpretes principales de la película de Steven Soderbergh —a excepción de Gwyneth Paltrow y Jude Law— para dar forma a una serie de vídeos en los que se dan consejos para afrontar la crisis global. En Espinof Las 11 mejores películas realistas sobre pandemias y virus mortales En ellos, que podéis ver al final de este artículo, Matt Damon habla sobre la importancia de escuchar a los expertos en la materia, Laurence Fishburne da pistas sobre qué podemos aportar para impedir la propagación del virus, Jennifer Ehle aporta información sobre la vacuna y su desarrollo, Kate Winslet nos da una masterclass sobre la importancia de lavarse las manos, y Marion Cotillard da una visión general de la pandemia y de lo crucial del confinamiento. Imposible no. Inevitable. Más allá de lo acertado de esta iniciativa, durante estos días ha trascendido una información de lo más curiosa. Mike Ryan, escritor en el medio Uproxx, ha compartido recientemente un extracto de una entrevista que realizó a Steven Soderbergh en el año 2011. En ella, el director afirmaba que, tras reunirse con expertos en la materia preparando 'Contagio', llegó a una inquietante conclusión: una pandemia como la del coronavirus era inevitable. "Hay dos cosas que eran perturbadoras. Una de ellas es que todo el mundo con el que hablabas, decía, 'esperamos una de las grandes'. Y algunas de las historias de la gente que abordaba las situaciones, cómo los políticos les impedían hacer su trabajo, eran realmente deprimentes. Cómo tenían que aparecer en el lugar donde hubiese un brote de una enfermedad tratable, preparados con suministros, y cómo a causa de una situación política volátil, no se les permitía evitar que la gente muriese. No tienen jurisdicción en ningún sitio. Tienes que pedirles que vengan. Tienen que ser invitados". Por otra parte, el guionista de la película, Scott Z. Burns, que trabajó estrechamente con el Centro de Control de Enfermedades estadounidense entre 2009 y 2010 mientras se documentaba, ha cargado en una entrevista reciente con el medio Slate contra la gestión del presidente Trump de la crisis del COVID-19. "He escuchado una rueda de prensa que dio el presidente en la que se describe a si mismo como un hombre de negocios al que no le gusta que la gente esté sentada. Bueno, puedo imaginarme su opinión sobre el departamento de bomberos. Vivo cerca de una estación, y se pasan algún tiempo sentados cuando no hay fuego, pero no puedes construir un departamento de bomberos cuando tu casa ya está ardiendo. Desgraciadamente, esta administración ha decidido que esto es lo que quiere hacer, lo cual deja a la gente atrás. Cuando miras a la cantidad de pruebas que ha hecho este país y la comparas con la de otros países, esa es la parte que me asusta. Me parece increíble que nuestra administración sea incapaz de lanzar un mensaje sobre cómo la gente puede estar segura y cuáles son nuestras herramientas para comprender el brote actual. Hay un vídeo en YouTube con una canción que hicieron en Vietnam sobre cómo lavarse las manos y lo importante que es. ¿Por qué nuestro gobierno no está emitiendo mensajes institucionales sobre cómo estar seguros? No es tan complicado". Todos los vídeos de la campaña de la Columbia Public Health con el reparto de 'Contagio' - La noticia 'Contagio': los protagonistas dan consejos sobre el coronavirus y Soderbergh sabía que una pandemia así era inevitable fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

La serie documental de ESPN Films sobre Michael Jordan estaba prevista para este verano, pero los últimos acontecimientos han acelerado el proceso. Finalmente y con cadencia semanal, 'The Last Dance' llegará a USA en mayo... y al resto del mundo a través de Netflix el próximo mes de abril. Usted creerá que un hombre puede volar La serie constará de 10 episodios y llegará a Netflix (fuera de territorio estadounidense) a partir del 20 de abril. Este movimiento ha sido impulsado en parte por la cancelación deportiva, dejando a ESPN y otros canales deportivos sin programación. En Espinof Cine y baloncesto: las 13 mejores películas con jugones, mates y canastas en el último segundo "A medida que la sociedad navega, esta vez sin deportes en directo, los espectadores aún miran el mundo del deporte para tratar de escapar y disfrutar de una experiencia colectiva. Hemos escuchado las llamadas de los aficionados que nos piden que adelantemos la fecha de estreno de la serie, y estamos felices de anunciar que hemos podido acelerar el cronograma de producción para hacer precisamente eso", dijo ESPN en un comunicado. Coming soon. The Last Dance begins April 19th on @espn...and if you're outside of the US, stream it on @Netflix. #TheLastDance #JUMPMAN pic.twitter.com/FjckBeNhw9 — Jordan (@Jumpman23) March 31, 2020 La NBA suspendió su temporada el 11 de marzo hasta nuevo aviso debido al brote de coronavirus. ESPN Films y Netflix se han unido para la distribución de lo que promete ser la obra definitiva de Michael Jordan, con plena participación personal de la leyenda. 'The Last Dance' seguirá el impresionante ascenso de Jordan durante la década de los noventa, el éxito de los Chicago Bulls y el aumento simultáneo de la popularidad de la NBA. Dirigida por Jason Hehir y producida por Mike Tollin, la serie tiene más de 500 horas de material inédito del último campeonato de los Bulls en 1997-98, con Jordan, otras figuras de Bulls y docenas de leyendas deportivas y del entretenimiento en los comentarios. - La noticia 'The Last Dance' adelanta su fecha de estreno: el esperado documental sobre Michael Jordan llegará a Netflix en abril fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Es curioso cómo, sin saber nada de un caso en concreto, nos queremos posicionar claramente e identificamos enseguida los villanos y héroes en un documental de crímenes a pesar de no tener claro qué está pasando en concreto. 'The Scheme', centrado en el escándalo que sacudió el baloncesto universario estadounidense en 2017, logra mostrarnos que no todo es lo que parece. 'The Scheme: El escándalo de Christian Dawkins' es una película documental de HBO (que estrena hoy su filial española) que a lo largo de dos horas pone en el centro al protagonista y presunto artífice de la trama criminal que implicaban grandes sobornos en el fichaje a jóvenes promesas del baloncesto estudiantil. En Espinof Cine y baloncesto: las 13 mejores películas con jugones, mates y canastas en el último segundo En resumidas cuentas, las acusaciones eran que diversos agentes y asesores embaucaban a jugadores de instituto para que jugasen en universidades específicas (como por ejemplo, la de Arizona) a cambio de becas deportivas y dinero en efectivo para él y su familia. Algo que contraviene el reglamento de la NCAA. Una investigación del FBI que hace aguas La investigación del FBI tuvo su momento culminante en septiembre de 2017, cuando en rueda de prensa se presentó en sociedad cómo funcionaba esta trama y advertía al resto de equipos de la NCAA que poseían su manual de estrategias, lo que dejaba ver que estos primeros arrestos era solo la punta del iceberg. Y aquí viene uno de los giros del documental: no había más iceberg. O no fueron capaces de rascar más. Así, 'The Scheme' relata una investigación un tanto turbia con el FBI tirando la casa por la ventana, el agente encubierto liderando el caso despareciendo repentinamente y detenciones más propias de terroristas que de estafadores. El documental, eso sí, está fuertemente apoyado en testimonios de Christian Dawkins, uno de los principales jugadores de la trama. En primera persona vamos conociendo cómo su experiencia y conocimientos del baloncesto de instituto en Michigan le hizo abrir su propio negocio de oteador y cazatalentos para poco a poco convertirse en un "runner" y crear su propia agencia. Agencia que hacía esos servicios de pagar por jugar en una liga amateur. Un documental con más preguntas que respuestas Uno de los problemas que tiene 'The Scheme' es que su director, Pat Kondelis, juega intencionalmente con la sombra de que esto es solo una fracción de algo mayor y que hay mucha corrupción en la NCAA y el baloncesto universitario. Las dos horas se construyen con una serie de dudas y cuestiones con las que cuenta Kondelis, quien asegura que su intención no es la de que la audiencia se posicione. 'The Scheme' habla de vacíos legales, grises éticos y hasta qué punto puede ser realmente terreno del FBI involucrarse en normas de una asociación privada. En Espinof Las 19 mejores series documentales sobre criminales El documental comienza con una cita de un entrenador que dice que "9 de cada 10 escuelas hacen trampa y la que no va última". Una afirmación prometedora pero, al igual que el FBI, no logra ir más allá de la trama en torno a Christian Dawkins y sus contactos. Personaje que, por cierto, nunca vio nada malo en el tema de pagar por jugar. Esto deja la sensación de que 'The Scheme' es mucho ruido y pocas nueces. Tienen un buen cebo pero no logra profundizar en las ramificaciones o perspectivas distintas, dejando al espectador con una sensación de que el documental queda o bien corto y cojo a la hora de explorar esta red de corrupción o bien que ha magnificado la historia. - La noticia 'The Scheme: el escándalo de Christian Dawkins': el documental de HBO juega con los grises éticos del baloncesto universitario fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

La crisis el coronavirus también ha afectado a las series de televisión en Estados Unidos y poco a poco iremos viendo las consecuencias de la paralización de multitud de rodajes. Las primeras series afectadas serán aquellas que ya estaban en emisión y ahora es el turno de hacer un repaso a cómo van a verse afectadas. Hay bastantes como 'Westworld', 'Better Call Saul', 'Outlander' o 'Modern Family' que ya habían concluido sus grabaciones y se seguirán emitiendo con normalidad, por lo que a continuación nos vamos a centrar en todas las series que van a perder episodios de sus respectivas temporadas, cuáles podrían hacerlo y cuáles han optado por un aplazamiento. Ojo, que la lista es muy larga e incluye títulos como 'The Walking Dead', la temporada final de 'Sobrenatural', 'Anatomía de Grey', 'The Flash' o 'El joven Sheldon'. Os dejo con ellas: 'All Rise' La primera temporada no había llegado a grabarse completamente. Es probable que se acorte en unos pocos episodios. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 'Anatomía de Grey' Su temporada 16 va a perder cuatro episodios por el coronavirus, pasando de los 25 previstos a 21. 'Batwoman' Se habían completado 19 de los 22 episodios de su primera temporada. Parece probable que se acorte, pero por el momento la serie ha hecho un parón hasta el próximo 26 de abril. Será entonces cuando The CW emita el episodio 17. 'Bob Hearts Abishola' Mismo caso que con 'All Rise'. Faltaba poco para acabar de rodar la primera tanda de episodios y es probable que acabe perdiendo alguno. 'Bull' Su cuarta temporada no había llegado a rodarse en su integridad. Es probable que acabe perdiendo alguno de sus 22 episodios. 'Chicago Fire' Faltaba poco para terminar de rodar los 23 episodios de su octava temporada y todo apunta a que NBC va a prescindir de ellos. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora 'Chicago Med' Exactamente lo mismo que con 'Chicago Fire', pero en este caso de su tercera temporada. 'Chicago P.D.' Mismo caso que con las dos anteriores pero de su séptima temporada. 'Dinastía' Se habían terminado de rodar 20 de los 22 episodios de su tercera temporada y el futuro de esos dos capítulos está en el aire. 'El joven Sheldon' La temporada 3 estaba a punto de terminar de rodarse. No se ha tomado una decisión. 'Embrujadas' Se habían acabado de rodar 20 episodios de los 22 de su tercera temporada. No se ha tomado una decisión por el momento. 'Empire' Se habían acabado de rodar 18 de los 20 episodios de su sexta y última temporada. Está en el aire el futuro de los dos que faltan. 'FBI' No se había terminado de rodar la segunda temporada y el episodio 19 hará las veces de season finale. Se emitió en Estados Unidos el 31 de marzo. En Espinof Las 47 mejores series de la historia 'FBI: Most Wanted' Faltaba poco para terminar de rodar su primera temporada. Se espera que CBS prescinda de los episodios restantes, pero se desconoce cuántos. 'God Friended Me' Faltaba muy poco para terminar de rodar la segunda temporada y lo más probable es que se prescinda de esos episodios. 'Legacies' El 26 de marzo de emitió el episodio 16 de su segunda temporada, el último que pudo completarse. Su creadora espera poder rodar los restantes cuando todo vuelva a la normalidad. 'Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales' Se terminaron de rodar 20 de los 24 episodios de su temporada 21. Se desconoce qué será de ellos. 'Los Goldberg' Estaban a punto de terminar de grabar la séptima temporada y todavía no se ha tomado una decisión. 'MacGyver' Faltaba poco para terminar de rodar su temporada 4 y es probable que se acorte. 'Mom' La comedia tuvo que parar su rodaje antes de concluir las grabaciones de su séptima temporada y se desconoce qué sucederá. 'Nancy Drew' La primera temporada de 22 episodios estaba próxima a finalizar su rodaje. Es probable que se acorte. 'Navy: Investigación Criminal' Estaba a punto de finalizar el rodaje de los 24 episodios de su temporada 17. Es probable que se acorte. 'NCIS: Los Angeles' Idéntico caso al de 'Navy: Investigación Criminal' pero en su temporada 11. 'NCIS: Nueva Orleans' Caso idéntico al de las dos anteriores pero en su temporada 6. 'New Amsterdam' Se había completado 19 episodios de los 22 de su segunda temporada. Se ha optado por no emitir por el momento uno sobre una pandemia y la temporada llegará a su fin el 14 de abril. 'Prodigal Son' Casi se había terminado de rodar la primera temporada y no se ha tomado una decisión. 'Riverdale' Se habían terminado de rodar 20 de los 22 episodios de su temporada 4. Es muy probable que se acorte. 'SEAL Team' La serie estaba en pleno rodaje de los dos últimos episodios de su tercera temporada. Es probable que se prescinda de ellos y la temporada se quede en 20 capítulos. 'Supergirl' Falta por rodar uno de los 22 episodios de su temporada 5. The CW todavía no ha tomado una decisión, pero por ahora ha puesto la serie en un parón que concluirá el 26 de abril. Será entonces cuando se emita el 17º episodio. 'Sobrenatural' La temporada final de la serie iba a constar de 20 episodios pero solamente se habían rodado 13. Se retomará en cuanto sea posible. 'Superstore' Faltaba por rodar un episodio de su quinta temporada y se ha optado por prescindir de él. 'S.W.A.T.: Los hombres de Harrelson' Queda por rodar uno de los 22 episodios de su temporada 3. Es probable que se prescinda de él. 'The Blacklist' 18 de los 22 capítulos de su séptima temporada ya se habían completado. Por ahora ya se han emitido 12, así que tiene margen de maniobra, pero lo más seguro es que acabe acortándose. 'The Flash' Un caso similar al de 'Batwoman', pero en esta ocasión se habían terminado de rodar 20 de los 22 episodios de su sexta temporada. Se desconoce qué será de ellos, pero The CW ha ganado tiempo haciendo un parón en la serie que se extenderá hasta el 21 de abril. Será entonces cuando se emita el episodio 16 de la actual temporada. 'The Neighborhood' Falta por rodar un episodio de su segunda temporada. Lo más probable es que se prescinda de él. 'The Resident' La temporada iba a contar con 23 episodios pero finalmente se emitirán 20. El 7 de abril llegará a su fin. 'The Walking Dead' El episodio final de su temporada 10 no podrá emitirse el 12 de abril tal y como estaba previsto por problemas con la post-producción vinculados a la cuarentena por el coronavirus. Ha quedado aplazado y sin fecha por el momento. 'Uno para todas' Falta por grabar un episodio de su octava temporada. No se ha tomado una decisión al respecto. Hemos optado por dejar fuera casos como 'The Good Fight', cuya cuarta temporada se estrena en abril y que solamente ha completado ocho de sus diez episodios, o 'Fargo', cuya cuarta temporada ha sido aplazada al no haber podido finalizarse todos los episodios. Vía | EW y Tv Line - La noticia Qué pasa con las series USA en emisión afectadas por el coronavirus: finales aplazados, temporadas acortadas y más fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Disney+ llegó a España el 24 de marzo y poco a poco va a ir aumentando un catálogo que presenta tantos luces como sombras. Ahora la plataforma ha hecho oficial que novedades podemos esperar en el mes de marzo, destacando nuevos episodios de algunas series ya disponibles como 'The Mandalorian', la llegada de películas como 'Eduardo Manostijeras' y 'Noche en el museo' y un par de nuevos documentales. Todas las películas y cortometrajes 'Sparkshorts: Viento' Cortometraje sobre muestra a una abuela atrapada junto a su nieto en un abismo interminable, donde intentarán recoger todos los escombros a su alrededor para intentar escapar a una vida mejor. Forma parte de un programa de Pixar para dar nuevas oportunidades a algunos de sus empleados. Estreno 24 abril 'Eduardo Manostijeras': 10 abril 'Noche en el museo': 10 abril 'Carlitos y Snoopy: La película de Peanuts': 15 abril En Espinof Las 23 mejores películas de Disney+ Todas las series 'Star Wars: The Clone Wars': dos nuevos episodios cada viernes, a partir del 17 de abril pasa a ser uno. 'The Mandalorian' episodios 4-7: cada viernes un nuevo episodio. 'High School Musical: El Musical: La Serie' episodios 3-6: cada viernes uno nuevo 'Diario de una futura presidenta' episodios 3-6: un episodio nuevo cada viernes 'Bodas de ensueño' episodios 3-6: un episodio nuevo cada viernes En Espinof Las 19 mejores series de Disney+ Todos los documentales 'Los Elefantes' Producción de Disneynature sobre la elefanta africana Shani y su hijo Jomo, tomando como base un viaje que realiza su manada a través del desierto de Kalahari, teniendo que hacer frente a un calor abrasador. Está narrado por Meghan Markle, duquesa de Sussex. Estreno 3 abril 'Delfines: La vida en el arrecife': 3 abril En Espinof: Las claves de compartir cuenta en Disney+: cómo funciona, cuál es su precio y qué límites tiene - La noticia Todos los estrenos de Disney+ en abril de 2020: nuevos episodios de 'The Mandalorian', 'Eduardo Manostijeras' y más fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

¡Grandes noticias para los fans de 'Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales'! Christopher Meloni volverá a interpretar al inspector Elliot Sabler en un nuevo (el séptimo u octavo, según contemos) spin-off de la treintañera franquicia de **** Wolf. Esta nueva serie, sin título todavía, seguirá a una unidad especializada en crimen organizado dirigido por el antiguo líder de la unidad de Víctimas Especiales de la policía de Nueva York. Sería este el regreso de Meloni a la saga despues de dejar la serie tras su duodécima temporada. En Espinof La cantera actoral de Ley y Orden Tras dejar la serie, a Meloni le hemos podido ver en series como 'Happy!', la adaptación del cómic de Grant Morrison, 'Wet Hot American Summer', o como el comandante Winslow en 'El cuento de la criada', entre otros papeles. Según informa Deadline, este nueva serie estará escrita en función de showrunner por Matt Olmstead, antiguo showrunner de 'Chicago PD'. Por lo demás, los detalles de este nuevo spin off de 'Ley y Orden', o en concreto, de 'Unidad de Víctimas Especiales' todavía no están del todo claro. Ni siquiera sabemos un título ni alrededor de cuándo podremos verlo. Esta sería, en todo caso, la primera serie de Wolfworld Entertainment, la productora de **** Wolf, tras el nuevo contrato millonario que firmó con NBC Universal. Trato que ya tuvo en la renovación masiva de sus series hace unas semanas sus primeros réditos. - La noticia Christopher Meloni volverá a ser el inspector Stabler en un spin-off de 'Ley y orden: Unidad de Víctimas Especiales' fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Que el modo de hacer cine —y de consumirlo— ha cambiado drásticamente durante las últimas dos décadas, no es ninguna novedad en pleno año 2020. Los escenarios naturales han abierto paso a chromas gigantescos y pantallas LED, y las más diversas criaturas —reales o no—, antes animatronics, intérpretes caracterizados o animales de carne y hueso, han sido sustituidas por creaciones digitales modeladas con mayor o menor fortuna. Puede que los medios y las técnicas hayan evolucionado, pero lo que continúa, y continuará, inalterable, es el hecho de que la base sobre la que se sustenta el séptimo arte es la emoción. Por mucho que la mirada del público tienda a posarse sobre los efectos digitales, un largometraje con un CGI espléndido pero sin emoción jamás podrá funcionar plenamente, pero, cuando la emoción fluye, casi cualquier carencia visual se transforma en una minucia. En Espinof Los mejores 31 clásicos del cine para ver en familia El último ejemplo que podemos encontrar para ilustrar esto es, sorprendentemente, 'La llamada de lo salvaje'. La nueva adaptación de la célebre novela corta de Jack London 'The Call of the Wild', en manos del realizador Chris Sanders, ha logrado enterrar a su, por momentos grotesco, protagonista canino digital bajo un torbellino de sensaciones a flor de piel que evocan al mejor cine familiar con un agradable sabor añejo. Existencialismo canino No necesitamos más que echar un vistazo a la filmografía de Sanders para percatarnos de que es todo un experto en el noble arte de entretener a públicos de todas las edades. Como guionista, figura en los créditos de clásicos como 'La bella y la bestia', 'El rey león' o 'Mulan'; pero si nos centramos en su breve trayectoria como director, un debut como la entrañable 'Lilo & Stitch' es suficiente indicativo de su valía. Puede que 'La llamada de lo salvaje' se alinee más con el segundo largometraje del de Colorado Springs, 'Cómo entrenar a tu dragón'. De la historia de Hipo y Desdentao hereda su calidez, su enorme corazón y un sentido de la aventura que convierte sus ajustados 110 minutos de metraje en un agradable suspiro que disfrutar sin ningún tipo de prejuicios ni pretensiones. Sin duda, el gran catalizador del buen funcionamiento del filme es Buck, un personaje CGI tan imperfecto en términos de integración y animación como redondo en lo que respecta a empatía. Una vez nos acostumbramos a su chocante presencia, es complicado no dejarnos llevar por la ternura que desprende y por una actitud que no necesita palabras para generar una férrea conexión con el público. Esto es posible gracias al inspirado libreto de Michael Green, que extrae oro del clásico literario original, brindándonos una buena dosis de existencialismo en clave perruna que no se olvida de aderezar el viaje de Buck, que intenta encontrar su lugar en el mundo, con unas secuencias de acción resueltas con brio y con una espectacularidad acorde al decente presupuesto de la cinta. A pesar de algunos altibajos narrativos puntuales, fruto de su estructura narrativa, con un mid-point algo drástico, todo en 'La llamada de lo salvaje' destila un cariño que trasciende a la pantalla; partiendo de un reparto entregado al cien por cien a la causa y terminando por una hermosa banda sonora compuesta por John Powell —responsable de la trilogía 'Cómo entregar a tu dragón'—, de esas que anudan la garganta. Parecía que 'La llamada de lo salvaje' estaba condenada a caer presa de unos efectos visuales que ya fueron criticados antes, incluso, de su estreno. Puede que la representación del bueno de Buck no haya terminado siendo todo lo depurada que cabría esperar, pero el mimo volcado por Chris Sanders en su último trabajo ha convertido lo que podría haber sido un nuevo disparate digital en una enternecedora muestra de cine para todos los públicos que, paradójicamente, captura todo el espíritu de aquellas producciones en las que aún reinaba lo tangible. - La noticia 'La llamada de lo salvaje': una tierna aventura que demuestra por qué la emoción está por encima de la técnica fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Vaya, vaya, mirad quién va a regresar próximamente a nuestras pantallas. La gran serie animada 'Rick y Morty' volverá con la segunda parte de la cuarta temporada el domingo 3 de mayo a [adult swim], su cadena original. En España es de esperar (se emite a ritmo USA) que veamos estos nuevos episodios a partir del 4 de mayo tanto en TNT como en HBO España. Así lo ha anunciado la cadena especializada en comedia y animación para adultos durante el especial anual que realiza con motivo del April's fool, presentado por Post Malone. Este anuncio ha venido con tráiler incluido de "los otros cinco" nuevos episodios, que podéis ver a continuación. A ver qué tal estos nuevos episodios. Yo debo encontrarme entre los pocos a los que esta cuarta temporada, por lo general, me está gustando. Aunque es cierto que se nota cierto desgaste en las dinámicas de 'Rick y Morty'. A ver con qué nos sorprende, eso sí, en estos nuevos cinco episodios. En Espinof Las 31 mejores series de comedia en Netflix, HBO, Amazon y demás plataformas de streaming Las fechas de estreno de Adult Swim para este verano y otoño Además, durante el evento, los fans han podido disfrutar de nuevos episodios de las nuevas temporadas y nuevas series del canal de WarnerMedia, incluyendo el anuncio o recuerdo de fechas de estreno orientativas para varios de estas ficciones. Es el caso de 'Primal', cuya segunda mitad de la primera temporada llegará en otoño. En esos meses también veremos los estrenos de las temporadas 2 de 'Gemusetto Machu Pichu', 'Tigtone' y 'Lazor Wulf'. El 10 de mayo se estrenará 'JJ Villard's Fairy Tales' junto a la temporada 2 de 'The Shivering Truth'; ya en verano volverán 'Robot Chicken', 'Dream Corp LLC', '12 Oz. Mouse', 'Tender Touches' y la nueva serie 'YOLO: Crystal Fantasy' debutará el 9 de agosto. - La noticia ¡Vuelven 'Rick y Morty'! Tráiler y fecha de estreno de la segunda mitad de la temporada 4 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Hulu y BBC han lanzado el primer tráiler oficial de su próxima adaptación en forma de serie de la novela más vendida de Sally Rooney, 'Gente normal', y parece que la plataforma puede tener un éxito en sus manos. 'Gente normal' es la segunda novela de la autora irlandesa de 29 años, que comparan como Lena Dunham como la "voz de una generación", aunque sea por la vía de la literatura. La serie sigue a una joven pareja que recorre en bicicleta las diferentes etapas de su conexión romántica y su dinámica de poder cambiante desde el instituto hasta la universidad. La serie va siguiendo la relación, tierna pero complicada, de Marianne y Connell. Los vemos desde el final de sus días en el instituto de un pequeño pueblo al oeste de Irlanda hasta sus años en el Trinity College. En la escuela, él es muy querido y popular, mientras que ella está sola, es orgullosa e intimidante. En Espinof 'Foodie Love': Isabel Coixet hace un precioso pero indigesto homenaje a la comida en la primera serie de HBO España Cuando Connell recoge a su madre de su trabajo de limpieza en la casa de Marianne, crece una conexión extraña e indeleble entre los dos en la que hablan de todo, pero solo solo en secreto. Honesta, inteligente y embriagadora, la novela muestra a la pareja entrar y salir de la vida de cada uno y explora cuán complicada puede ser la intimidad y el amor joven con una prosa inmersiva y personajes emocionalmente opacos que reflejan la mezcla de apatía y anhelo de conexión que ha llegado a definir gran parte de la vida contemporánea. Rooney ha adaptado su novela a serie en 12 capítulos junto con los escritores Alice Birch y Mark O’Rowe. Ha sido producida por Element Pictures. Dirige el nominado al Oscar por 'La habitación' (Room, 2015) Lenny Abramson junto a Hettie McDonald y está protagonizada por Daisy Edgar-Jones como Marianne y Paul Mescal, como Connell. La filmación tuvo lugar en Dublín, Sligo, Italia y Suecia. Se estrena en BBC Three el 26 de abril, y en EEUU se verá en Hulu el 29 de abril. - La noticia 'Normal People': tráiler y fecha de estreno de la adaptación de la BBC del best seller generacional fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Si ayer hablábamos de una serie de televisión basada en la ópera prima de uno de los co-directores de [REC], hoy toca hablar del otro: Paco Plaza, codirector adaptará la novela gráfica 'Roman Ritual', de El Torres, de la mano del productor Enrique López Lavigne ('28 semanas después', 'Verónica'). Demonios en el Vaticano Actualmente en desarrollo, 'Roman Ritual' está siendo desarrollada por El Estudio, la productora independiente con sede en Los Ángeles, Ciudad de México y Madrid, presentada en febrero en el Festival de Cine de Berlín por Pablo Cruz, López Lavigne y el ex Sony Pictures Intl. Diego Suárez Chialvo. En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) Tras la muerte de un obispo, el sacerdote John Brennan será convocado para enfrentarse al mal dentro de los muros de la Santa Sede. 'Roman Ritual', novela gráfica de culto, ofreció una revolucionaria historia de posesiones en la línea de 'El exorcista', bebiendo de los clásicos con sólido guión y un realismo en las viñetas que hicieron del cómic un objeto de culto. Su edición incluía un prólogo de Paco Plaza, con lo ahora que se cierra el círculo. Plaza y López Lavigne, que ejercerán de showrunners de la serie, seguirán el tono de la novela gráfica, ofreciendo una versión contemporánea de la clásica historia del exorcismo, contando lo que El Estudio describe como "el exorcismo final: el desafío final de los fundamentos de la Iglesia , del más alto representante de Dios en la Tierra, por las fuerzas del mal". El Papa está poseído, y el Vaticano no tiene más remedio que llamar al exiliado Padre Salvador Trinidad para salvar al pontífice. El desafío de Trinidad no será solo expulsar al demonio del Papa, sino también penetrar en una elaborada conspiración de intereses y crímenes encubiertos para salvaguardar a la Iglesia Católica. Con 'Roman Ritual' en desarrollo, 'Los sin nombre' anunciada y la ambiciosa '30 monedas' en marcha, el terror nacional apunta a una segunda juventud a su paso por la pequeña pantalla. - La noticia 'Roman Ritual': Paco Plaza adaptará la novela gráfica de El Torres a una serie de televisión fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

El festival de Sitges 2019 presentó la segunda película de Lorcan Finnegan, un director irlandés, autor de la interesante 'Without Name' (2016), una mezcla entre los mitos folk horror y 'El resplandor' (The Shining, 1980) a recuperar. En 'Vivarium' (2019), estrenada en España de forma online, explora temas diferentes y ofrece un acabado muy pulido en lo que es, en realidad, casi un film de arte y ensayo. 'Vivarium' trata de una pareja, Gemma (Imogen Poots) y Tom (Jesse Eisenberg), que acaban en Yonder, un nuevo complejo residencial suburbano del que no pueden escapar, están literalmente atrapados en un espacio infinito de casas idénticas vacías. Al final, deben rendirse al estilo de vida después de recibir una caja con un bebé dentro y la nota "criar al niño y seréis liberados". Una visión de un mundo único y extraño, con una fuerte metáfora sobre el ciclo social que desgranamos en 11 claves. EL TEXTO QUE SIGUE TIENE SPOILERS IMPORTANTES DE LA PELÍCULA 1- El corto 'Foxes' (2011) es un ensayo en toda regla Finnegan hizo un cortometraje de terror sobrenatural titulado 'Foxes', con Garret Shanley, el mismo guionista de 'Vivarium'.En él exploraban el fenómeno de las casas abandonadas en Irlanda con un argumento ligeramente similar y algunos apuntes visuales (especialmente en el paisaje de construcciones interminables) que se repetirán en la nueva. Según él mismo: "Mientras trabajábamos en este corto, desbloqueamos ciertos temas que queríamos investigar más a fondo; la atomización de la sociedad y la naturaleza aparentemente inevitable del contrato social, una reacción a lo que sucedía políticamente en Irlanda en ese momento. Todo tiene que ver con la economía, el gobierno estaba otorgando todas estas subvenciones de la UE y los bancos estaban otorgando hipotecas al 100% y el resultado fue un desarrollo sombrío donde la gente estaba construyendo estas urbanizaciones de viviendas masivas en el medio de la nada en Irlanda y cobrando un fortuna para ellos." En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia 2- La idea surgió de un documental de David Attenborough Otro impulso de la idea de 'Vivarium' fue un interesante documental sobre el ciclo de vida del cuco europeo, un pájaro que pone huevos en los nidos de otras aves, narrado por David Attenborough para la BBC, además de ser la base del concepto del film, da pie al uso de imágenes reales de ese ciclo de vida en los créditos. Según Finnegan: "Los cucos son parásitos de cría: no crían a sus crías, encuentran padres sustitutos en otras aves. En el guión que habíamos escrito incluso en un borrador anterior, habíamos descrito una escena en la que esto ocurría en el árbol, pero terminamos cortándolo del guión para ahorrar en el presupuesto y el tiempo de grabación, no era algo que se sintiera completamente necesario". 3- Influencia de la pintura y Arte Finnegan desarrolló un gusto especial por las artes visuales mientras estudiaba diseño, Fue un buen entrenamiento formal en composición, color y simetría, que puede seguirse en 'Vivarium', una película extremadamente visual, en la que el autor ha citado a artistas como Magritte, como el famoso 'El imperio de las luces' (también inspiró el famoso plano de 'El exorcista'), que estaba realmente en el guión, así que diseñaron el aspecto del barrio para que pareciera una pintura del surrealista, y se deja intuir mucho en uno de los pósters del film. Otro de los artistas que dejan huella en el barrio de Yonder es la obra de arquitecturas imposibles de M.C. Escher, que se puede rastrear en especial en la caótica distribución de las casas, cuando Emma entra bajo la acera y se puede discernir en la repetición de estructuras, también con un póster muy influenciado por el 'papel pintado' del autor. Citado por Finnegan, también está instalación de 'The Weather Project' de Olafur Eliasson, el artista de la luz, un proyecto meteorológico en el Tate con un sol gigante sol falso, que le inspiró cuando vivió en Londres. La fotografía de Andreas Gursky con sus patrones de repetición también son citadas. Andreas Gursky pic.twitter.com/gogQXunuFQ — yasin (@yasin_zaker) March 29, 2020 Y por último, pero no menos importante, también la fotografías de Gregory Crewdson, inspirador del estilo del nuevo terror independiente urbano de películas como 'It Follows' (2014) o 'Hereditary' (2014). GREGORY CREWDSON, Untitled (2003-2007) Digital pigment print, image size: 57 x 88 in. ©️Gregory Crewdson pic.twitter.com/W7BnDFteUk — Gregory Crewdson (@crewdsonstudio) March 30, 2020 4- 'Juego de niños' (1984) de la Hammer. El rastro de 'The Twilight Zone' y otras antologías de terror Muchos han querido ver en lo nuevo de Lorcan Finnegan un episodio de 'Black Mirror' largo, pese a que el autor prefiere acercar su obra a la cultura del siglo XX: "Mi película es retorcida, extraña, surrealista y oscura. Su tono es cercano al de 'The Twilight Zone' y las películas de ciencia ficción de los 70". Mientras, seguramente que haya capítulos de 'La dimensión desconocida' que tengan un espíritu similar, ay que rescatar el mítico episodio 'Juego de niños' (1984) de la serie 'Hammer's House of Mystery and Suspense', en la que una familia iba dándose cuenta progresivamente de que no tenía recuerdos mientras su casa se iba calentando y no podían salir, para descubrir que son los juguetes de una casa de muñecas de una niña extraterrestre, un episodio progresivamente decadente y con un punto existencialista que parece calcado en 'Vivarium'. En Espinof 'The Twilight Zone': los 21 mejores episodios para adentrarse en la dimensión desconocida original 5- La obra de Kafka A veces es difícil definir lo que es Kafkiano y lo que no lo es por el uso y sobreuso del adjetivo, pero en este caso hay un ejemplo claro de lo que debe ser una obra kafkiana. La repetición y la espiral hacia ninguna parte de un mundo grisáceo, aquí azulado y con verdes de Hospital, y el ingrediente de la trampa de la burocracia y las obligaciones que aquí se traduce en un acceso a una vivienda cada vez más difícil de conseguir. 6- 'La mujer de la arena' (Suna no onna 1964) La película de Hiroshi Teshigahara trata sobre un entomólogo en un desierto de arena que se ve atrapado conviviendo con una mujer que vive sola en una vieja casa, y con la que establece una extraña relación. Para Finnegan "no una influencia estética, es más una influencia esquemática". El tono desesperanzador, el estilo sobrio y la presencia de agujeros en ambos filmes también marcan la relación entre ambos. 7- El cine de Roy Andersson El director sueco, conocido por sus sátiras sobre la condición humana, practica una tragicomedia surrealista que se acerca al esperpento y no solo influye en su tono, sino en su estilo, porque construye sets y exteriores dentro de un almacén. Su 'Canciones del segundo piso' (Sånger från andra våningen, 2000) es un resumen perfecto del desencanto que transmite su cine acentuado por un uso de la luz apagado y crudo que se relaciona con el de 'Vivarium'. 8- 'El pueblo de los malditos' y otros "cucos" extraterrestres Quizá la pieza de ciencia ficción más obvia para citar es 'El pueblo de los malditos' (Village of the Dammed, 1960), que se basa en la novela 'The Midwich Cuckoos' (1957), cuyo título lo dice todo. Una raza alienígena que deja embarazadas a todas las mujeres de un pueblo para que les críen a sus niños de ojos luminosos. Algo similar a lo que hace 'El Hijo' (Brightburn, 2019), ese Superman malvado que imita, esta vez, comparándolo con las avispas y cómo se infiltran en los nidos de las abejas y toman lo que es suyo, haciendo un paralelismo a lo que hace el chico con su familia, otro cuco aún más mortífero. 9 - ¿Qué significa el final de 'Vivarium'? En los momentos finales de la película, Tom muere y Gemma intenta matar al niño ya crecido, pero se convierte en alienígena, levanta la acera y desaparece debajo de ella. Gemma lo sigue y se encuentra en una red tríptica donde otros niños similares parecen estar secuestrando y torturando a otras parejas humanas, lo que sugiere que Yonder Development es toda una red de hogares donde muchos humanos se mantienen en el vivero, obligados a criar niños extraterrestres mutantes. Gemma también muere y son enterrados en el agujero que Tom había excavado. En Espinof Las 21 mejores películas de ciencia ficción y fantasía de la década (2010-2019) El niño criado por Gemma y Tom llega a la misma oficina de Yonder donde empieza la película y sustituye al agente inmobiliario envejecido y lo mete en una bolsa para cadáveres y atraer a otra pareja a su red, con lo que sugiere que la vida útil de estos aliens es muy corta. Básicamente son parásitos que usan a los humanos como anfitriones y luego los matan, lo que explica por qué el niño le dice a Gemma que el trabajo de una madre es solo preparar a su hijo para el mundo mientras él la mete en una bolsa para cadáveres. la Casa número 9 probablemente representa 9 meses de maternidad, hasta que el niño puede salir al mundo real. 9- Metáfora del miedo a la suburbia Los suburbios de Irlanda a los que se refiere Finnegan en el apartado de 'Foxes' para él: "Son manifestaciones de avaricia capitalista. Para esta película, nos sentimos particularmente inspirados por lo que estaba sucediendo en Irlanda con las propiedades fantasmas, pero también en todo el mundo: España tiene el mismo problema, al igual que Grecia, que los Estados Unidos, cuando se produjo el colapso económico en 2008. Cuando era adolescente, Garret tuvo una experiencia tratando de encontrar la manera de salir de un complejo de viviendas donde todas las casas parecían iguales, y eso lo asustó. Así que probablemente ese miedo residual allí que influyó en nuestro miedo a conformarse, a subir a la escalera de la propiedad, obtener una hipoteca, comprar un siti demasiado caro, y dar un paso predeterminado para tí, lo cual es muy extraño. Estos pasos son en realidad cosas hacia las cuales las personas prosperan, son metas reales en la vida. A veces pueden terminar atrapándolos en una vida en la que realmente no pensaron completamente. Pero la niña al comienzo de la película dice: 'No me gusta cómo son las cosas, es horrible'. ella es la única que representa la posibilidad para una alternativa". 10- La música de The Specials La banda sonora de 'Vivarium' tiene himnos de la banda de ska The Specials que representa el único atisbo de vida para una pareja diferente, dos chicos especiales abocados a la monotonía que se aferran a 'Message To You Rudy', canción repitida más tarde por un baile bajo los faros que proporciona un raro momento de caos humano dentro de la perfección forzada de su nueva casa y dando un nuevo significado al 'You better think on your future' de la letra. La presencia del ska redondea la mezcla de influencias y significa el único momento de esperanza para un film verdaderamente *****. En Espinof "Ellos viven, nosotros dormimos": 'Déjame salir' y otros 11 clásicos del horror metafórico 11- La trampa de la familia nuclear Además del comentario sobre el modo de vida se la sociedad capitalista, (irse a vivir donde uno no quiere por imperativo social) 'Vivarium' funciona como alegoría de la paternidad, la monotonía y las dificultades de la vida cotidiana. Asistimos a cómo la relación de la pareja se enfría, nace la ira y, gradualmente, se crea distancia entre ellos. Todo funciona como una parodia de los roles de familia. Gemma abraza la maternidad y Tom se obsesiona con cavar en el jardín con la esperanza de encontrar una salida del infierno interminable de esa vida. Tom y Gemma quedan atrapados en roles para los que no habían firmado. Cuando el niño grita cuando quiere ser alimentado, no es muy diferente a un bebé real. Si tuvieran vecinos, no hablarían entre ellos, como en los barrios residenciales que carecen de comunidades. Realmente no están solos, hay otras casas están ocupadas por personas que también están atrapadas. Si eliminamos el elemento fantástico, no hay mucha diferencia con la vida de cualquier persona de clase media occidental. Para Finnegan, esto responde a un terror más relacionado con el mundo real: "Ya no tenemos miedo a los monstruos, sino un miedo más existencial a que nos quiten nuestra libertad, las esperanzas y los sueños de un futuro emocionante se conviertan en aburrimiento, los padres se alejan de sus hijos, que pasan todo su tiempo en línea, viendo televisión y hablando con extraños en Internet. 'VIvarium' solo amplifica estas ansiedades sociales, por lo que se puede ver cuán extraño y aterrador podría ser ese tipo de vida". - La noticia 'Vivarium': 11 claves, influencias e interpretaciones de una pesadilla suburbana muy actual fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Puede que el nombre de Krzysztof Penderecki no sea muy conocido pero desde luego su obra sí: hemos oído su música en títulos míticos como 'El exorcista' ('The Exorcist', 1973) o 'El resplandor' ('The Shinning', 1980). Lamentablemente, hablamos hoy del compositor polaco para informar de su fallecimiento. Penderecki murió el pasado domingo en su casa, en Krakow, a los 86 años. Nada que ver con el coronavirus, esta vez, pero sí a causa de "una larga y seria enfermedad", sin más detalles, según Reuters. Fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2001. Autor del poderoso treno a las víctimas de Hiroshima Nacido en Dębica en 1933, Krzysztof Penderecki está considerado como uno de los compositores más innovadores, influyentes y prolíficos de su tiempo. Entre los numerosos artistas que han reconocido beber de su trabajo se encuentra Jonny Greenwood, de Radiohead, que ha puesto música a películas como 'Pozos de ambición' ('There Will Be Blood') o 'El hilo invisible' ('Phantom Thread'). Publicó este tuit al conocer la noticia de la muerte de Penderecki: https://t.co/QNPKVGXUOR What sad news to wake to. Penderecki was the greatest - a fiercely creative composer, and a gentle, warm-hearted man. My condolences to his family, and to Poland on this huge loss to the musical world. https://t.co/fRyy53aaEJ — Jonny Greenwood (@JnnyG) March 29, 2020 "Qué noticia más triste para despertar. Penderecki fue el más grande: un compositor ferozmente creativo, y un hombre amable, cariñoso. Mis condolencias a su familia, y a Polonia por esta enorme pérdida para el mundo musical." En Espinof Las 41 mejores bandas sonoras del cine de la década 'Threnody for the Victims of Hiroshima', de 1960, fue la primera creación de Penderecki que le proporcionó fama internacional. El tema se usó en películas como 'Hijos de los hombres' ('Children of Men', 2006) o la última temporada de 'Twin Peaks' ('Twin Peaks: The Return', 2017). 'Corazón salvaje' ('Wild at Heart', 1990), 'Sin miedo a la vida' ('Fearless', 1993), 'Twister' (1996), 'Shutter Island' (2010) o la serie 'Black Mirror' también incorporan piezas del genio polaco. Otros aplaudidos trabajos que llevan su firma son 'Polymorphia' (1961), 'St. Luke Passion' (1966), 'Dies Irae: Auschwitz Oratorium' (1967) o el album 'Actions' (1971). Siempre nos quedará su música. Descanse en paz. - La noticia Fallece el influyente compositor Krzysztof Penderecki, cuya música aparece en 'El exorcista' o 'El resplandor' fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Este viernes 3 de abril llega a Netflix la temporada 4 de 'La casa de papel'. En Espinof ya hemos compartido nuestra opinión sobre sus cinco primeros episodios, pero es que además tuvimos la ocasión de charlar con Álvaro Morte, el actor que da vida al Profesor en la serie de Netflix. En nuestra conversación en exclusiva con él tratamos temas tan diferentes como qué podemos esperar de su personaje en estos nuevos episodios, el futuro de la serie, cómo está llevando él la cuarentena por el coronavirus o en qué otra producción de Netflix le encantaría participar. El Profesor en la temporada 4 ESPINOF: ¿Cómo va a reaccionar El Profesor tras lo sucedido con Lisboa y cómo va a afectar eso a la dinámica de su relación con Alicia? Álvaro Morte: En esta temporada se trataba de bajar al Profesor a los infiernos y la jugada de Alicia de hacerle creer que Lisboa ha muerto le desestabiliza completamente. Creo que una persona que lo tiene todo tan controlado, que desde el primer momento de la primera temporada dice “No quiero que haya daños, que nadie salga herido, que nadie sufra”, no puede evitar enamorarse de esa persona y todo desemboque en su muerte imagínate la desestabilización que genera en el personaje. Creo que es también necesario para llevarle a ese punto que nos interesaba y ver si era capaz de resurgir de ahí o no. En Espinof Las 34 mejores series españolas que puedes ver en Netflix, HBO, Amazon, Movistar+ y otras plataformas de VOD ESPINOF: El Profesor ha evolucionado bastante desde el inicio de la serie, pero en esta temporada en la anterior hay flashbacks a menudo, ¿fue complicado ir cambiando el chip de en qué momento estaba el personaje? Álvaro Morte: Hay que cambiar de chip continuamente. En ‘La casa de papel’ se juega con muchas líneas temporales. Teniendo en cuenta el punto en el que está El Profesor en esta última temporada, no solamente por la concepción del personaje, sino incluso en departamentos como vestuario, si os fijáis, en esta última temporada El Profesor también se va oscureciendo en el vestuario. Cuando hacemos los flashbacks, tiene unos colores un poco más claros, porque todavía no ha sucedido toda la tragedia que supuso la primera y la segunda temporada. Nos parecía muy interesante que evolucionara desde esa teoría cuando genera todo el plan en el salón de su casa a lo que es la ejecución en sí, las consecuencias, los traumas posteriores y cómo los personajes van evolucionando en una u otra dirección, pero a la hora de grabarlo tienes que ir cambiando de una secuencia a otra. ESPINOF: El Profesor interactúa mucho en esta temporada con Marsella, ¿cómo fue trabajar más tiempo con Luka Peros? Álvaro Morte: Luka es maravilloso. Todo lo que tiene de grande lo tiene de corazón. Es un compañero fantástico que siempre está a favor, con un gran sentido del humor. Es de estas personas que estás con ellas y piensas que estás delante de una buena persona. Es un gusto trabajar con él. Tuvimos momentos muy emocionales pero también de mucha complicidad. Además es gratificante poder interactuar con los personajes que entran nuevos, porque te da mucho juego. Me hubiese gustado interactuar mucho más con Bogotá. Con Palermo sí he tenido más capacidad de hacer algunas secuencias muy importantes. Es un aporte de aire fresco. El fenómeno y el futuro de la serie ESPINOF: ‘La casa de papel’ hace tiempo que es un fenómeno mundial, ¿recuerdas cuál fue el momento en el que te diste cuenta que se había salido de madre? Álvaro Morte: No recuerdo exactamente el momento en sí, pero entre los componentes de la serie tenemos un grupo y recuerdo el momento en el que empezó a bullir todo el fenómeno. Echaba humo y decíamos mirad lo que sucede en Argentina, en Brasil, en Arabia Saudí. De repente había gente flipando con la serie, estábamos todos que nos volaba la cabeza y además en un periodo de tiempo muy corto. No recuerdo un día en concreto, pero sí una etapa en la que fue algo desorbitada y todos estábamos flipando. ESPINOF: ¿Sabes algo de una posible temporada 5? ¿Estará El Profesor en ella si se hace? Álvaro Morte: Yo no sé si va a haber quinta temporada, pero si la hubiera, me encantaría. El Profesor es un personaje que me tiene absolutamente enamorado, que me siento honrado de poder ejecutar. Ojalá hubiese una quinta, una sexta y una quinceava, porque yo estaría feliz de seguir interpretando al Profesor si tanto Vancouver como los seguidores piensan que yo pueda seguir mereciendo estar ahí. Es un personaje que me ha dado muchísimas cosas y al que estoy completamente agradecido. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 La carrera de Morte ESPINOF: Donde sí te vamos a ver seguro es en ‘The Head’ y ‘The Wheel of Time’, ¿qué nos puedes adelantar de tus personajes? Álvaro Morte: Son personaje que no tienen nada que ver ni con El Profesor, ni con Óscar (el personaje que Morte interpretó en ‘El embarcadero’). Ahora yo con los proyectos que tengo encima de la mesa intento escapar un poco de otras cosas que haya hecho antes porque es una de las partes que más disfruto, el no meterte siempre en la misma tesitura de personaje. Sí os puedo adelantar que son muy distintos. Para mí cada proyecto requiere un acercamiento distinto desde la creación de personaje y el estilo de interpretación. Tanto con Ramón, que es el personaje de ‘The Head’, como con Logain, el de ‘The Wheel of Time’ cambian completamente. El personaje de Logain está concebido casi desde lo teatral por la situación personal en la que él se encuentra. Hay casi siempre como un halo de mentira, está rozando lo teatral. Me parece algo muy interesante y muy distinta. ESPINOF: Una cosa que me llama la atención es que hiciste ‘El embarcadero’ para Movistar, ‘La casa de papel’ para Netflix, en ‘The Head’ anda metida HBO y Amazon en ‘The Wheel of Time’, ¿notaste alguna diferencia a la hora de abordar las series? Álvaro Morte: No realmente, imagino que cada plataforma tiene sus formas de trabajar, pero cuando tú estás trabajando lo haces básicamente con el equipo técnico y con el elenco. Netflix está en ‘La casa de papel’, pero con quien tú tienes contacto todos los días es con la producción de Vancouver. Yo no diría que hay una gran diferencia, simplemente tienes diferentes equipos con los que trabajar. Yo simplemente cuando llego a cualquier proyecto intento poner la mejor energía, intento ser empático con toda la gente, respetar a todos los departamentos y ayudar en lo que se puede. Una vez estoy trabajando intento focalizarme en el trabajo con los compañeros, la creación del personaje y a nivel artístico. Dentro de esa tesitura no noto diferencias. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora ESPINOF: Ya salió al final de la anterior temporada y aquí vuelve a aparecer Belén Cuesta, que ya había trabajado en otra serie de Netflix, ¿en qué otra serie de la plataforma te gustaría trabajar si surgiera la oportunidad? Álvaro Morte: Justo ayer empecé una serie que me dejó absolutamente maravillado que se llama ‘Esta ****** me supera’. Yo no soy de ver muchos capítulos seguidos pero no pude evitarlo. A mí me gusta ver un capítulo, dejarlo reposar y al día siguiente o dos días ver otro. Hacerlo así, pero ayer vi más de uno y me pareció que era maravillosa, me pareció que hacían un gran trabajo tanto en el planteamiento de la serie como interpretativo, lo que cuentan, el estilo… Ojalá, es una serie americana, pero ojalá algún día pueda tener una participación en alguna temporada de la serie. El coronavirus y su debut como director ESPINOF: ¿Cómo te estás entreteniendo estos días de encierro por el coronavirus? Álvaro Morte: Antes de nada me gustaría decir que creo que es una situación muy tremenda la que estamos viviendo y que tenemos que ser todos tremendamente responsables. Hay muchísima gente que se está dejando la piel para que podamos tener una vida medianamente normal. Muchísima gente que está sufriendo mucho, que ni siquiera puede ir a despedir a sus familiares. Me gustaría mandar un mensaje a todos: Por favor, seamos responsables, quedémonos en casa, todos tenemos que arrimar el hombro porque si no, no salimos de ésta. Desde mi situación, yo soy padre de mellizos de cinco años. He estado mucho tiempo trabajando fuera de casa y lo que estoy haciendo es disfrutar y pasar tiempo con mi familia, jugando con ellos, inventando cosas, coloreando, dejando que me pinten las uñas si hace falta, sesiones de manicura, cosas así. Luego intentando en los ratos que hay libres pues leer, escuchar música, me gustan mucho los musicales, tocas un poco, ver alguna serie como la que te comentaba antes. Hoy lo tenemos relativamente fácil. Tenemos libros, tenemos discos, tenemos Internet, una puerta abierta al mundo. No creo que nadie llegue a aburrirse en casa, tenemos muchas cosas que hacer. Lo importante es mantenerse en casa. ESPINOF: Cuando hablé contigo con motivo del estreno de la primera temporada de ‘El embarcadero’, te pregunté si ibas a dar el salto tras las cámaras en cine o televisión, ¿ha habido algún avance? Álvaro Morte: Por ahora no, pero porque estoy levantando productora y creando contenido. En esta industria los tiempos no son de un día para otro, en muchos casos no son ni de un año para otro, pero estoy trabajando en ello. No puedo comentar cosas, pero sí que hay algún proyecto por ahí y sí que me gustaría dirigir algunos de esos capítulos y tengo el beneplácito de la gente con la que estoy trabajando para poder hacerlo. Ojalá pueda llegar a conseguirlo porque me apetece mucho. Es una profesión que respeto mucho e intento aprender cada día que voy a rodar como actor, intento aprender todo lo posible. Últimamente he tenido mucha suerte de poder trabajar con directores maravillosos y estoy deseando ponerme al otro lado de la cámara. ESPINOF: Eso es todo, muchas gracias Álvaro. Álvaro Morte: Muchísimas gracias a ti. - La noticia "La temporada 4 de 'La casa de papel' baja al Profesor a los infiernos". Álvaro Morte fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

'Castlevania' es mucho más que el enésimo intento de producir un anime fuera de Japón. Adi Shankar, su productor, contempla la serie de Netflix como un homenaje a aquellos videojuegos con los que creció. Un proyecto personal, pero también una serie hecha por fans y para fans que se puede disfrutar sin haber tocado la saga de Konami. Dicho lo cual, la complicidad con aquellos que han purgado el castillo de Drácula en alguna etapa de su vida se palpa, traspasa la pantalla y le da un valor especial al conjunto. A fin de cuentas, es esa complicidad con el lector, el espectador o, en este caso, el jugador de videojuegos la que funciona como elemento esencial a la hora de trasladar bien —o, al menos, correctamente— cualquier clase de obra a la pequeña o gran pantalla. Y en 'Castlevania', pese a sus muy necesarias licencias, se consigue con una naturalidad muy poco común. Y lo que es todavía más curioso, la serie de ‘Castlevania’ no gasta la tan socorrida carta de la nostalgia. Una jugada que rozaría lo arriesgado, si no fuera porque, tal y como se ha planteado su libreto, no la necesita. En Espinof 17 películas basadas en videojuegos, ¿de verdad son todas malas? Un guión que cuenta con un doble mérito si tenemos en cuenta que se trata de una serie dirigida a un público adulto basada en un videojuego que, paradójicamente, muchos disfrutamos en nuestra niñez y juventud: si bien las tres temporadas de 'Castlevania' emitidas hasta hoy toman un poquito prestado de varias entregas, la trama principal se basa en las aventuras que comenzamos a vivir hace treinta años (o más) en la NES a través de 'Castlevania III: Dracula’s Curse'. 'Castlevania' es una serie hecha por fans y para fans que se puede disfrutar sin haber tocado la saga de Konami Eso sí, sembrando el camino de nuevas tramas que también evocan a títulos posteriores, como 'Curse of Darkness' y el universalmente aclamado ‘Symphony of the Night'. Tomando, por cierto, sus ilustraciones y el arte de Ayami Kojima como referente visual. Unas veces con más acierto que otras, todo sea dicho, pero brillando siempre que hay que brillar. Imagen de portada de Castlevania: Symphony of the Night, por Ayami Kojima, Ahora bien, el gran plan de ‘Castlevania’ se manifiesta desde los cuatro primeros episodios —que nos ubican en el referido 'Dracula’s Curse'— y eclosiona precisamente en el clímax de su segunda temporada. Y, desde ahí, la propia trama hipoteca su propia continuidad a través de cabos sueltos meticulosamente escogidos, con el propósito inequívoco de abordar nuevas entregas, ya desde su propia identidad narrativa. Con eso por delante: ¿cómo se ha conseguido esta rara avis dentro de las adaptaciones de videojuegos? ¿Qué elementos la hacen tan especial? ¿A dónde se nos llevará en las próximas temporadas? Bueno, dicen que para comprender el futuro es necesario conocer el pasado. Y, en el caso de 'Castlevania', es todavía mejor haberlo jugado. La premisa: el primer intento de desarrollar 'Castlevania' para la pequeña pantalla Casualidades de la vida, la iniciativa de adaptar ‘Castlevania’ al formato cinematográfico arrancó en 2007, el mismo año en el que Netflix daba el salto al formato de Video On Demand. Eso sí, en aquella etapa tanto la adaptación como el servicio online eran proyectos completamente separados y sin relación. En Espinof Las 11 mejores series de vampiros en Netflix, HBO, Amazon y Movistar El punto de partida fue, lógicamente, la adquisición de los derechos. Frederator Studios (quien tenía su propia trayectoria en Nickelodeon y Cartoon Network) dio el paso aliándose con Konami para lanzar una adaptación de 'Castlevania III: Dracula's Curse' que se distribuiría en formato doméstico, teniendo Koji Igarashi (productor de los juegos) la última palabra en lo referente a las decisiones creativas. La responsabilidad de escribir el libreto fue para Warren Ellis, quien prácticamente desconocía la saga de juegos aunque encontraba en ella una transcripción nipona del encanto de los films de horror de la Hammer que tanto le gustaban. Con todo, el encargo fue más complicado de lo que él esperaba: a petición del propio Igarashi reescribió el guión hasta cinco veces. Ilustración de Trevor Belmont del manual de instrucciones de 'Castlevania III' Por otro lado, todo sea dicho, que se buscase llegar a un público adulto desde el principio permitió a Ellis desatarse un poquito más que con sus trabajos previos. Introduciendo en el proceso escenas realmente explícitas. Debido a que el proyecto se visualizó para tener una duración aproximada de 80 minutos, Warren Ellis visualizó 'Castlevania’, es decir, la adaptación de 'Dracula's Curse', como una historia dividida en tres grandes arcos, presentando a los personajes principales (Drácula, Trevor, Sypha y Alucard) a lo largo del primero.La realidad, por otro lado, es que al año siguiente el proyecto quedó en el temido limbo cinematográfico y las otras dos partes quedaron en el aire. Al menos, hasta 2012. La adaptación de 'Castlevania' estuvo una década en el temido limbo de las producciones cinematográficas Si bien Adi Shankar tuvo la oportunidad de participar en 'Castlevania' a través del guión de Ellis poco después de 'Dredd', el cineasta de origen indio-americano decidió declinar inicialmente debido a algo esencial: Shankar consideró que adaptar 'Castlevania III: Dracula's Curse' a través de una producción en acción real sería un error no muy diferente al de otros proyectos basados en videojuegos que se tradujeron en sonoras decepciones para los fans. Y es ahí donde entra en juego el último de los elementos clave: el director Sam Deats y Powerhouse Animation Studios. Referencias de color para el personaje de Trevor El estudio de animación tejano comenzó a negociar con una ya mucho más poderosa Netflix la posibilidad de adaptar el guión de Ellis aprobado por Konami e Igarashi, haciendo que todos los agentes anteriores (incluidos Frederator Studios, Warren Ellis y el propio Shankar) elaborasen una primera temporada de apenas cuatro capítulos de duración. Las referencias, más allá de los juegos de ‘Castlevania’ y el estilo visual de Ayami Kojima, serían otros animes como 'Ninja Scroll' o 'Vampire Hunter D', más o menos en sintonía con lo que se buscaba ofrecer en pantalla. Y visto el resultado final, todos estaban en lo cierto. En Espinof 'John Wick', 'Crank', 'Scott Pilgrim'... cómo las mejores películas inspiradas en videojuegos no adaptan ningún videojuego Los cuatro primeros episodios de ‘Castlevania’ se estrenaron en julio de 2017 (diez años después de que comenzase la iniciativa) y consiguieron una renovación instantánea duplicando la cantidad de episodios y ambición visual. Cerrando, de manera excepcionalmente satisfactoria los acontecimientos del videojuego 'Dracula’s Curse' en los episodios finales. Y, a la vez, alineando piezas de cara a lo que está por venir. Dracula's Curse: el arte de asentar una línea cronológica Imagen de portada de ‘Castlevania III: Dracula's Curse’ , con Trevor Belmont y Sypha Belnades Publicado en 1990, el videojuego ‘Castlevania III: Dracula’s Curse’ es una precuela jugable cuyos acontecimientos tienen lugar 215 años antes de las anteriores entregas de ‘Castlevania’ en NES. Y pese a que no encabeza la cronología de la serie, es el punto de inicio perfecto desde el que desplegar los destinos del linaje Belmont y el mismísimo Vlad Drácula Tepes. Tanto el juego como la primera temporada de ‘Castlevania’ en televisión nos trasladan la región de Valaquia durante el año 1476, un periodo oscuro en el que el conde Drácula ha comenzado a devastar Europa a través de su ejército de criaturas de la noche y otros seres malvados. Su plan: exterminar la humanidad. Mapa con todas las zonas de ‘Castlevania III: Dracula’s Curse’ (y las dos primeras temporadas de la serie) Si bien en el videojuego de 1990 no es necesario introducir una razón para ello (pese a que Konami se volcó en dar un contexto al juego) el guión de Warren Ellis ofreció un interesante transfondo para la ocasión: Drácula estaba desatando una colérica venganza contra la humanidad, la cual había condenado a muerte a Lisa Tepes su amada mujer y la mortal que consiguió insuflar humanidad en el corazón del señor de los vampiros. Imagen del prólogo de ‘Castlevania III: Dracula's Curse’ En ese oscuro contexto aparece Trevor Belmont, el último descendiente del casi extinto clan cazadores de monstruos, exiliados debido al temor de su sobrenatural fuerza. Y si bien en la serie su intervención en los acontecimientos es debida a una sucesión de eventos, en ‘Dracula’s Curse’ acude a su destino y accede al castillo del enemigo ante un llamado desesperado de aquellos que condenaron a los Belmont en el pasado. A lo largo del juego, Trevor desatará una purga demoníaca a golpe de látigo, enfrentándose a contra toda clase de monstruos y criaturas de la noche. Y no estará solo: tendrá la posibilidad de reclutar hasta tres aliados: Sypha Belnades, una poderosa hechicera capaz de conjurar a los elementos. Alucard, el hijo de Drácula cuyas habilidades vampíricas no han eclipsado el generoso corazón de su madre humana. Además, en ‘Dracula’s Curse’ aparece Grant Danasty, un pirata de enorme movilidad que fue descartado de la serie desde los libretos de 2017, aunque se le hace cierta alusión en el inicio de la tercera temporada. Sería injusto llegar a este punto sin darle un enfoque necesario: en el ‘Dracula’s Curse’ de NES se establecen las primeras conexiones de la saga con la obra de Bram Stoker, pero también hay muchos homenajes realmente especiales, como el nombre de Alucard (originario del filme 'El Hijo de Drácula' de 1943) o que el apellido del descartado Grant Danasty se basa en un linaje que en la vida real estuvo enfrentado al del verdadero Drácula. Tras atravesar las tierras malditas y explorar concienzudamente el Castillo de Drácula, 'Dracula’s Curse’ pondrá a prueba nuestros pulgares enfrentándonos al temido señor de los vampiros. Eso sí, al tratarse de una precuela es de lógica que ni el mal ni las amenazas acabarán extinguidos del todo. Y eso es algo bueno, tanto para el jugador como para el espectador. La 'Castlevania' de Netflix frente a la que pudimos jugar en nuestras NES Como comentamos, la serie de ‘Castlevania’ no busca seguir punto por punto (o pixel por pixel) lo acontecido en el ‘Dracula’s Curse’, aunque las referencias, lugares y acontecimientos que se van revelando a lo largo de los capítulos tienden lazos con el cartucho de la NES. En Espinof Cine y videojuegos: las herramientas técnicas y narrativas que diluyen la separación entre los dos medios Desde el combate contra el poderoso Cíclope antes de liberar a Sypha hasta piezas musicales extraídas de varios de los juegos de la saga en la segunda temporada. Lo cual incluye, entre otros factores, la aparición temprana de personajes que tendrán un rol mayor en juegos posteriores y, por extensión, en futuras temporadas animadas. Nos referimos a Hector, un Maestro de la Forja capaz de crear criaturas de la noche, a quien podemos ver al servicio de Drácula en la segunda temporada y que, junto a Trevor, está llamado a liderar los acontecimientos argumentales mostrados en ‘Castlevania: Curse of Darkness‘ Por otro lado tenemos a Isaac, el contrapunto de Hector tanto en la serie animada como en ‘Curse of Darkness‘, a quien ya podemos ver dando forma a su propio ejército de monstruos durante el desarrollo de la tercera temporada. Además de estas dos apariciones tempranas, durante la segunda y la tercera temporada se nos presenta a la ambiciosa Carmilla, quien curiosamente debutó en 'Castlevania II' en los videojuegos (aunque tendría mucho más peso en juegos posteriores a 'Dracula's Curse' como 'Rondo of Blood', las dos entregas de 'Lords of Shadow' y un ‘Circle of the Moon’ que nos permitirá viajar al castillo de la vampira mostrado en la serie. Sobra decir que del paso del videojuego a la serie animada se hicieron cambios. Algunos más justificables que otros, pero la mayoría no demasiado acusados: se le dio peso y motivación a Drácula, se tomó prestado el Alucard de ‘Symphony of the Night’ (y su semblante melancólico) para la ocasión y se reservaron muchos elementos para poder desplegarse mejor y con más tiempo en el futuro. Y en lo referente al aspecto de los protagonistas, estas dos imágenes hablan por sí mismas: Carátula japonesa de 'Castlevania III' con los diseños originales de Trevor, Sypha, Alucard y Grant Fotograma de la segunda temporada de 'Castlevania', la serie de Netflix, con los rediseños estilizados Sin embargo, el nuevo desafío de cara al proyecto animado de 'Castlevania' ya no reside en encontrar el tono, la ambientación o asentar los personajes de cara al público. Las tres primeras temporadas han cimentado muy bien aquello. Sino el modo de encauzarnos a lo que está por llegar, siendo en conjunto una transición hacia ‘Castlevania: Curse of Darkness’. La tercera temporada de 'Castlevania' alinea la trama hacia los acontecimientos del videojuego 'Curse of Darkness' de PS2 Lanzado en 2005 para PS2, ‘Castlevania: Curse of Darkness’ nos lleva a la Europa de 1479, tres años después de los sucesos de ‘Castlevania III: Dracula’s Curse’, para presentarnos un mundo en el que la maldición de Drácula continúa expandiéndose entre los humanos, incluso tras la caída del señor de los vampiros. Sin entrar en demasiados detalles argumentales, un Héctor rehabilitado de sus días al servicio de Drácula iniciará una venganza tras una dolorosa pérdida: Isaac, el otro gran Maestro Forjador, provocó el asesinato de su prometida, obligándole a regresar a las mismas tinieblas de las que se había alejado años atrás. A nivel visual, el personaje de Isaac fue completamente rediseñado para la adaptación de Netflix En la cronología de la saga de Konami, ‘Castlevania: Curse of Darkness’ es la continuación directa de ‘Dracula’s Curse’ y todos los elementos mostrados a lo largo de la tercera temporada animada nos dirigen hacia esa dirección de cara a los futuros capítulos. Sin embargo, también hay interesantes posibilidades a la hora de expandir la trama. Por un lado, a través de una precuela en la que se nos presenten los acontecimientos de ‘Castlevania: Lament of Innocence’, cuyo protagonista -Leon Belmont- hace una sutil aparición en uno de los cuadros de la biblioteca del clan Belmont, en la segunda temporada. Retrato de Leon Belmont según nos es presentado en 'Castlevania' Por otro, el personaje de Alucard puede reclamar todo el protagonismo si, tras los acontecimientos de la tercera temporada, se decide dar un generoso salto temporal que nos lleve a 1797 y, en consecuencia, a ‘Castlevania: Symphony of the Night’. Alucard tomará el relevo a los Belmont en algunas de las entregas más aclamadas de la saga de videojuegos de Konami Las posibilidades están ahí, y tenemos claro que hay material para muchas temporadas más de ‘Castlevania’ en Netflix. Pero también para otras excepcionales adaptaciones. Qué es el Bootleg Universe y qué podemos esperar La buena acogida de la serie de animación de ‘Castlevania’ no solo ha garantizado su continuidad más allá de la trama de ‘Dracula’s Curse’, sino que la ha convertido en el buque insignia del Bootleg Universe, el particular sello de Adi Shankar dedicado a sus pasiones juveniles. Una suerte de universo cinematográfico que, por cierto, se seguirá expandiendo en Netflix. La iniciativa Bootleg Universe nació en 2012, mucho antes de que se estrenase el primer capítulo de ‘Castlevania’, como una serie de cortometrajes animados y de acción real en el que, de manera no oficial, Shankar experimenta (o juega) con sus personajes favoritos de la cultura popular, llevándolos a su terreno desde el punto de vista creativo. A veces se trata de versiones retorcidas de personajes muy conocidos, en ocasiones rozando la sátira, y en otras una suerte de mundos alternativos. Eso sí, el objetivo en todo caso -más allá de dar rienda suelta a la imaginación como cualquier fan, es no dejar indiferente al espectador. Si bien los primeros cortometrajes del Bootleg Universe se pueden encontrar en YouTube fácilmente, ‘Castlevania’ supone el salto de calidad de la iniciativa: Shankar y Netflix Original Series se encuentran desarrollando nuevas series basadas en videojuegos bajo ese mismo sello, incluyendo ‘Assassin’s Creed’, ‘Devil May Cry’ y la joya indie ‘Hyper Light Drifter’. Alucard frente a los enormes engranajes del castillo de su padre Un filón encontrado a base de maleficios, conjuros y latigazos —los de Trevor Belmont, claro— que se comenzará a desplegar justo a tiempo para contrarrestar la expansión del Universo Cinematográfico de Marvel desde Disney +. ¿Suficiente reclamo? Bueno, Netflix cuenta con la atención de los apasionados por los videojuegos, y eso ya es mucho. - La noticia 'Castlevania', de los videojuegos clásicos a la serie de Netflix: pasado, presente y el futuro de la fascinante saga de Drácula fue publicada originalmente en Espinof por Frankie MB .

Bridget Savage Cole y Danielle Krudy unen fuerzas para realizar su debut en el largometraje con esta película que Amazon Prime distribuye a nivel mundial. 'Derribad al hombre' ('Blow the Man Down'), escrita y dirigida por ambas realizadoras, nos mete de lleno en un diabólico enredo criminal donde todos los personajes tienen más de un secreto oculto. Fargo desde el mar Está siendo un año peculiar para la pesca en el cine. Si hace unos meses asistíamos con gusto a la interesante 'Keepers: el misterio del faro', este primer trimestre de 2020 ha llegado con salitre, sudor, sangre y unas dosis de estilo que hacen de esta 'Derribad al hombre' ('Blow the Man Down') un tercer plato que facilita la digestión de las mucho más arriesgadas 'El faro' y 'Bait', dos de las mejores películas del año de la plaga. En Espinof Más allá de 'Fargo': el universo del thriller rural norteamericano Mary Beth y Pris Connolly son dos hermanas que han cuidado a a su madre enferma durante casi un año. El día de su funeral, Mary Beth, la más volátil de las dos, se entera de que su madre, propietaria de una pescadería local en el pueblo de pescadores de Maine que acoge la historia, solo les ha dejado deudas. En un callejón sin salida, tan metafórico como real, Mary Beth verá como su destino cambiará tras cruzarse en el camino de un hombre peligroso. Tomando un punto de partida atractivo, tanto visual como argumental, la película de Cole y Krudy nos devuelve a los viejos buenos tiempos de 'Fargo', aquel thriller lleno de humor ***** que catapultó a los hermanos Coen a la fama mundial, si es que aún no estaban catapultados ya a mediados de los 90. Personajes interesantes, ambientación espectacular, una comunidad cerrada llena de secretos y un pasado que viene a pasar facturas fotografiados con mano maestra y gélida por Todd Banhazl, nombre a tener en cuenta para el futuro cercano, si es que habrá algo de eso. El pueblo de las malditas Así de espectacular es el inicio de la película, casi una versión coloreada y extra-sonorizada de la obra maestra de Mark Jenkin que os recomendé encarecidamente hace un par de meses. Una apuesta fuerte que se apoya en un reparto coral prácticamente femenino donde brillan, incluso por encima de sus dos protagonistas principales, un reparto de personajes secundarios interpretado por un puñado de actrices en estado de gracia. Sophie Lowe y Morgan Saylor, británica y americana respectivamente, aprovechan esa distancia física para crear lazos fraternales tan fríos como requiere la propuesta, ofreciendo dos interpretaciones notables. Pero entre el resto de personajes, destacan por encima del resto la mítica Annette O'Toole y Marceline Hugot, siendo la reina de la función la veterana Margo Martindale, cuyo personaje es el centro del universo de esta pequeña gran tragedia. Sostenida sobre la saloma del mismo título (canto marinero utilizado para aumentar la productividad), 'Derribad al hombre' ('Blow the Man Down') es un entretenido thriller noir de corte femenino (y feminista) que tiene dos claros puntos destacados en su inicio y desenlace, aunque el camino a transitar entre A y B conlleve también combatir cierto tedio y una sensación de hastío difícil de eliminar. Porque a pesar de resultar un producto fresco y a tener en cuenta, incluso sorprendente, no pasan demasiadas cosas bajo las nubes de Maine que no hayamos visto antes en otros pueblos. - La noticia 'Derribad al hombre' ('Blow the Man Down'): Amazon Prime presenta un entretenido thriller feminista lleno de secretos familiares fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Terminamos un mes marcado por la expansión mundial del coronavirus. Antes de decir adiós a este marzo tan peculiar vamos a pararnos un momento para despedirnos de todas las series y películas que se irán de Netflix el próximo mes de abril. Como es habitual, el listado es provisional pero nos podemos hacer una idea de las bajas. Una de ellas es la mítica 'Rurouni Kenshin', que desaparecerá de la plataforma a mediados del mes tanto en España como en Latinoamérica. Otra baja importante es la de 'Más allá del jardín', esta vez solo en la península ibérica. En Espinof Avance de estrenos en Netflix en abril 2020: vuelven 'La casa de papel' y 'After Life', llega 'Ghost in the Shell: SAC_2045' y más Pero hay bastantes más, veamos: Netflix España 'Wolf Warriors 2' (1/4) 'Guerra mundial Z' (3/4) 'Dos padres por desigual' (3/4) 'Anacleto: Agente secreto' (4/4) 'Chewing Gum' (4/4) 'Los tres reyes malos' (5/4) 'Rurouni Kenshin' (14/4) 'Ben 10' (14/4) 'Las Supernenas' (14/4) 'Más allá del jardín' (14/4) 'Los hermanos Kratts' (14/4) 'The Cravings' (19/4) Netflix Latinoamérica 1 de abril 'Bonnie and Clyde' 'The Client List' 'Iverson' 'Chuck Norris vs. Communism' 'Catching The Sun' 'Confessions of a Brazillian Call Girl' 'Joe Cocker: Mad Dog with Soul' 'The Bad Kids' 'Dancing Quietly' 'Weiner' 'Buddymoon' 'Silicon Cowboys' 'Don't Look Down' 'Cheer Squad' 'Peter: The Redemption' '¿Usted no sabe quién soy yo? 2' 'Alexander and the Terrible, Horrible, No Good, Very Bad Day' 'Cinderella' En Espinof Más allá del Genio de Will Smith: cómo los remakes Disney han perdido la magia de la animación clásica 'Historias del Canal' 'Road to La Paz' 'Fishpeople' 'Great Interior Design Challenge' 'The Undateables' 'Cloudy with a Chance of Meatballs 2' 'Crossroads' 'The Smurfs 2' '1 Mile to you' 'Joseph and Mary' 'Bolt' 'Tinker Bell and the Legend of the Never Beast' 'Hannibal' 'McFarland, USA' 'Toy Story That Time Forgot' 'The Lizzie Borden Chronicles' 'Jessie' 'Gravity Falls' 'The Red Tent' 'The Only Way is Essex' 'Derren Brown: Apocalypse and Fear' 'Derren Brown: The Great Art Robbery' 'Derren Brown: Infamous' 'Hell or High water' 'In the Mouth of Madness' 'Descendants 2' 'Alexander: Theatrical Cut' 'Kangaroo Jack' 'Bad Teacher' 'Poseidon' 'Snowden' 'Piratas del Caribe: The Curse of the Black Pearl' 'Marvel: Cloak and Dagger' 'Dirty Dancing' 'Harry Potter and the Half-Blood Prince' 'Menino Maluquinho' Resto de abril 'Wolf Warrior 2' (2/4) 'Chewing Gum' (4/4) 'Ali Baba ve 7 Cüceler' (4/4) 'Ekşi Elmalar' (4/4) 'Pek Yakında' (4/4) 'Bir Baba Hindu'(4/4) 'Organize Isler' (4/4) 'Aşk Tesadüfleri Sever' (4/4) 'Hadi İnşallah' (4/4) 'İstanbul Kırmızısı' (4/4) 'Küçük Esnaf' (4/4) 'Görümce' (4/4) 'What to Expect When You're Expecting' (4/4) 'Line Walker' (5/4) 'Spellbound' (6/4) 'O Diário de Mika' (8/4) 'Om Nom Stories' (8/4) 'Rurouni Kenshim' (15/4) 'Wild Kratts (15/4)' 'Secret Amazon' (15/4) 'Spooky Stories 2' (23/4) - La noticia Todas las películas y series que abandonan Netflix en abril 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El encierro por el coronavirus todavía va para largo y puede que a algunos de vosotros ya se os estén empezando a acabar las películas que habíais elegido para ver estos días. Para vosotros va pensada esta selección de las 13 mejores películas de terror que podéis encontrar a día de hoy en el catálogo de Netflix: 'Aniquilación' Una película densa con una vinculación probablemente mayor con el cine de ciencia-ficción -aunque Netflix la etiqueta también en cine de terror-, pero esa misión liderada por Natalie Portman acaba adquiriendo unos tintes casi lovecraftianos que van metiendo la inquietud en el cuerpo al espectador. Eso sí, requiere de cierta paciencia por parte del espectador y de aceptar el tono que imprime al relato Alex Garland. Crítica en Espinof 'Babadook' Un fascinante retrato de la relación entre una madre y su hijo que cuestiona el rol de protectora de ella a través de una peligrosa entidad que habita en su casa. Como película de terror es excelente, explorando los miedos infantiles y los traumas adultos con gran precisión, pero es que además cuenta con unas actuaciones impecable de su dúo protagonista. Crítica en Espinof 'El hoyo' Su llegada al catálogo de Netflix ha convertido en un bombazo internacional a esta ópera prima de Galder Gaztelu-Urrutia, seguramente en parte por la lectura social que ofrece a partir de su magnífica premisa. Por mi parte, creo que es obvio que tiene unos primeros 30-40 minutos excelentes y que luego decae un poco, pero sigue siendo una propuesta fresca y que te mantiene en tensión hasta el final. Crítica en Espinof En Espinof 'El hoyo': explicamos el final de la sorprendente película española que está arrasando en Netflix 'El juego de Gerald' Era muy complicado sacar algo interesante de la novela homónima de Stephen King porque se prestaba muy mal a una traducción en imágenes, pero Mike Flanagan consigue lo casi imposible. Para ello opta por un enfoque sencillo pero contundente para ilustrar los miedos de su protagonista, a la que interpreta una Carla Gugino que soporta con suficiencia el peso dramático de la función. Crítica en Espinof 'Horizonte final' Decir que es la mejor película de Paul W.S. Anderson quizá no os parezca gran cosa teniendo en cuenta su filmografía, pero aquí propuse una entretenida y perturbadora pesadilla en el espacio en la que muestra un manejo de la narrativa del que no hemos vuelto a saber gran cosa. Con referentes claros pero sin ser un mero esclavo de ellos, la película se ve beneficiada por el estupendo trabajo de Sam Neill. Crítica en Espinof 'Hush' Segunda parada de esta lista en Mike Flanagan, un realizador muy a tener en cuenta. En esta ocasión propuso un efectivo cruce entre el slasher y el home invasion para dar pie a un juego del gato y el ratón entre un peligroso asesino y una escritora sordomuda interpretada con mucha convicción por Kate Siegel, también coguionista junto a Flanagan. Crítica en Espinof En Espinof Las 37 mejores películas de terror de todos los tiempos 'La bruja' Una ópera prima que convirtió a Robert Eggers en un director para cualquier amante del cine de terror. En ella se apuesta por crear una atmósfera perturbadora que va creciendo de forma constante apoyándose en un cruce entre costumbrismo y elementos sobrenaturales. Ojo además al gran trabajo de Anya Taylor-Joy Crítica en Espinof 'La cura del bienestar' Toda una rareza en el cine de terror de presupuesto más generoso de los últimos años, pues Gore Verbinski se inspira en cierto cine de género de los años 60 y 70 para sacar adelante una cinta enfermiza e hipnótica, que sabe cómo mezclar lo siniestro con lo hermoso y exprimir a fondo el contar con Dane DeHaan en el papel principal. Lástima que pierda algo de fuelle en su colofón final. Crítica en Espinof 'No respires' Es cierto que el tramo final no está a la altura, pero antes tenemos una película con una estupenda y precisa puesta en escena para sacar todo el partido a la pesadilla que vivirá una panda de ladrones tras adentrarse en la casa de un ciego de armas tomar interpretado por Stephen Lang, el villano de 'Avatar'. Crítica en Espinof En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) 'Sinister' Una película con una capacidad envidiable para crear mal rollo, ya que todo lo relacionado con las grabaciones tiene una fuera incontestable. Fuera de eso es una propuesta efectiva con una investigación que se sigue con interés y es elevada por el buen hacer de Ethan Hawke. Huid de la secuela. Crítica en Espinof 'Un lugar tranquilo' Una de las grandes sensaciones del cine de terror de los últimos años que se ve muy beneficiada de contar al frente del reparto con actores de la talla de Emily Blunt y John Krasinski. Este último también coescribe y dirige la película, demostrando un gran talento para aprovechar las particularidades de la historia y dotarla de una belleza siniestra muy estimulante. Crítica en Espinof 'Verónica' La confirmación definitiva de Paco Plaza como uno de los mejores directores de género de nuestro país. Una cinta que aborda un popular caso real y la abraza sin miedo, incluyendo su componente más español. Apoyado en la excelente interpretación de Sandra Escacena y a ritmo de Héroes del Silencio, Plaza sabe cómo ir elevando la tensión hasta casi dejarnos sin aliento en su tramo final. Crítica en Espinof - La noticia Las 13 mejores películas de terror en Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Con el lacónico título de ‘Freud’, no es difícil imaginar que la nueva serie de Netflix esté dedicada al célebre neurólogo sea una biografía canónica, en la línea de películas como ‘Un método peligroso’ (A Dangerous Method, 2011) de David Cronenberg, pero no es así. La vida y obra de Sigmund Freud es solo el punto de partida para que el director Marvin Kren, junto con sus coautores Stefan Brunner y Benjamin Hessler propongan una fantasía diletante. El psiquiatra es aquí una especie de Sherlock Holmes vienés, igual de obsesionado con su trabajo, y también dependiente de narcóticos usados a finales del siglo XIX, un detective de perfil psicológico que podría formar parte del equipo de ‘The Alienist’ (The Alienist, 2017-) aunque a los misterios de asesinatos se añade el mundo de los sueños y las pesadillas por lo que podríamos estar hablando de un Carnacki y otros investigadores de lo paranormal de corte victoriano. Toda una sorpresa. De los ocho episodios que componen la primera temporada, más o menos hay detalles reales durante el primer episodio. El médico, interpretado por Robert Finster, practica su hipnotismo sobre su ama de llaves, Lenore (Brigitte Kern), entrenándola para entrar en trance para dar validez a sus teorías del inconsciente y quitarse el sambenito de judío charlatán. Ansioso por demostrar su valía, especialmente a la madre de su prometida Marta, que desaprueba su práctica médica. Has aquí el inicio de la típica historia de superación y éxito. Miedo, sexo, droga, inconsciente y represión Pero todo da un giro rápidamente hacia lo extraño, cuando una prostituta mutilada aterriza, literalmente, en el escritorio de Freud, gracias a los inspectores Kiss (Georg Friedrich) y Poschacher (Christoph F Krutzler) que sospechan de Georg von Lichtenberg, su antiguo superior militar, porque Kiss tiene un trauma por las atroces órdenes que obedeció bajo el mando de Von Lichtenberg, un caso perfecto para que Freud demuestre que sus ideas del subconsciente tienen efecto. En Espinof Las 29 mejores series de intriga y suspense en Netflix, HBO, Amazon y Movistar Y aquí empieza el carrusel de elementos pulp esotérico con una sesión espiritista en la que se nos presenta a Fleur Salome (Ella Rumpf), una médium húngara que sufre un mal viaje a un reino alternativo en el que es atormentada por una especie de demonio completamente manchado de sangre, un poco al estilo de ‘Insidious’ (2010). Salome, que no por casualidad se parece un poco a la Eva Green de ‘Penny Dreadful’, es susceptible al hipnotismo de Freud, por lo que se convierte en su paciente clave en la búsqueda para explicar el inconsciente, entre otras cosas. La trama va tomando forma hasta que entra en juego la condesa Sophia, cuyos poderes hipnóticos empequeñecen a los de Freud y se basan en una combinación psicosexual de tacto y manipulación verbal y es, básicamente, la villana de la serie y némesis de Freud. La serie toma entonces un cariz completamente despreocupado, de liga de psiquiatras adictos extraordinarios, que se hunde cada vez más en una locura divertida que se toma muy en serio para bien. Pura pulp fiction Entre otras cosas ‘Freud’ muestra un cantante de ópera caníbal, convulsiones inducidas por el hipnotismo, baños de sangre, una cámara de tortura en los túneles del canal, duelos , momias egipcias decorativas, pesadillas y entidades, médiums poseídas… un relato gótico victoriano en toda regla. Importan menos las tramas secundarias sobre una insurrección política contra el emperador, un tanto irrelevantes si las comparamos con las inquietantes manifestaciones de psiques reprimidas que acaban convirtiéndo la serie en los últimos episodios en una ficción de terror psicológico y preternatural en toda regla. En Espinof Las 23 mejores series para disfrutar en Halloween El director de fotografía Markus Nestroy crea una iluminación evocadora de espacios abiertos y cerrados que ayuda a crear una atmósfera misteriosa de suspense que hace que podamos esperar la aparición de alguna criatura de la noche incluso. Recuerda un poco a la misma operación de una serie rusa muy recomendable como es ‘Gogol’ (2018), que convierte a escritor en investigador dentro de sus propias historias, un poco como hizo ‘El enigma del cuervo’ (The Raven, 2012) con Edgar Allan Poe. La diferencia es que aquí va revisando sus ideas de trauma, tabú, histeria… en cada capítulo, para demostrar una característica del conjunto del pensamiento del austríaco, con lo que los amantes de su trabajo lo encontrarán fascinante. Hay un buen equilibrio entre la artesanía y los desviaciones dramáticas pero ‘Freud’ raramente aburre y gustará a los amantes del folletín gótico más decadente o las ensaladas literarias como ‘Estudio de terror’ (A Study in Terror, 1965) pero con un añadido folk horror lisérgico que cabreará a puristas y hará las delicias de los fans del weird fiction. - La noticia 'Freud': Netflix convierte al padre del psicoanálisis en el antihéroe de un folletín criminal con horror alucinógeno fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Parece que Netflix ha activado el modo limpieza para deshacerse de sus series de estreno de los últimos meses que no han funcionado como esperaban. Hace unos días fue el turno de 'Mesías' y ahora The Hollywod Reporter ha desvelado las cancelaciones de 'V Wars' y 'La facción octubre'. Dos cancelaciones cantadas Ambas series están basadas en cómics, pero la cancelación más llamativa es la de 'V Wars', ya que suponía el regreso televisivo de Ian Somerhalder tras 'Crónicas vampíricas' y además en otra serie con chupasangres de por medio. Eso sí, teniendo en cuenta que se estrenó el pasado 5 de diciembre y todavía no sabíamos nada sobre su futuro, tampoco debería ser una gran sorpresa. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora Menos se había hablado de 'October Faction', una señal que adelantaba su cancelación, la historia de un cazador de monstruos y su familia. Protagonizada por Tamara Taylor y J.C. MacKenzie, su primera y única temporada se estrenó el 23 de enero de este año y no consiguió el éxito esperado por Netflix. Parece poco probable que otra cadena o plataforma de streaming vaya a interesarse en rescatar cualquiera de las dos, sobre todo con lo difícil que es hacer algo así con una serie de Netflix, pero estaremos atentos a ello. Vía | The Hollywood Reporter - La noticia 'V Wars' y 'La facción octubre' canceladas: las series de Netflix no tendrán segunda temporada fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Han pasado muchas cosas en el género fantástico nacional desde que hace poco más de veinte años Jaume Balagueró debutase en el largometraje con la impecable puesta en escena de 'Los sin nombre' (1999), basada en la historia de Ramsey Campbell. Ahora, junto a Filmax y Pau Freixas, creador de 'Sé quien eres' y responsable de 'Pulseras rojas', su película será una nueva serie de televisión. Vuelven los extraños Creada por Balagueró y Freixas y actualmente en sus primeras etapas de desarrollo, la serie está producida por Arca Audiovisual, la división televisiva de Filmax. 'Los sin nombre' se basaba en una novela del autor de terror Ramsey Campbell, supuso el debut cinematográfico de Balagueró y lo situó como cabeza visible del nuevo género español. Además, la película también colocó a Filmax, encabezada por Julio y Carlos Fernández, como uno de los principales impulsores de las películas de terror en España durante gran parte de la siguiente década. En Espinof 17 obras maestras del terror español Entre el thriller post-'Se7en' y el horror puro, 'Los sin nombre' tiene suficientes elementos que la hacen ideal para una adaptación televisiva: una extensa trama previa de desarrollo que no se refleja en la investigación de la película, un universo rico y único que se va revelando con cuentagotas y un paulatino descenso a la locura que podría beneficiarse de una narración de más horas. Freixas afirmó a Variety que Balagueró ha trabajado con varios guionistas para crear una "biblia realmente extensa" y una hoja de ruta de tramas. Balagueró entrará en el proyecto por segunda vez "para que tome de su visión profunda del género", dijo Freixas, y agregó: "Siento que el proceso de escritura simplemente ha confirmado nuestra sensación de que el proyecto original es un gran punto de partida, " continuó. "Abre una gama de posibilidades poderosas para la serie, con horror y emoción". "Al igual que con muchas otras propiedades de propiedad intelectual de cine relevantes, como 'Fargo', por ejemplo, haremos una nueva versión en formato de serie, que reunirá a dos de los mayores talentos de nuestra casa: Balagueró, un icónico director de género europeo; y Freixas, responsable de algunos de los éxitos más relevantes a nivel internacional de la ficción televisiva española", dijo a Variety Ivan Díaz, director internacional de Filmax. 'Los sin nombre' marcó un punto de inflexión en nuestra línea y nos transformó en una referencia en el cine fantástico", dijo el CEO de Filmax, Carlos Fernández. "Ahora, entusiasmados con la asociación creativa de Pau Freixas y Jaume Balagueró, estamos convencidos de que daremos un paso más en la ficción fantástica, en este caso para la televisión". - La noticia 'Los sin nombre': Jaume Balagueró volverá a sus orígenes adaptando su película como una serie de televisión fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

A menudo asociado con Brian Yuzna, productor de más de una de sus películas, incluida 'Re-Animator', el inolvidable Stuart Gordon se ha considerado desde entonces, con total merecimiento, un maestro del terror. Por desgracia, también ha sido el último en abandonarnos tras unos años en que también nos hemos despedido de sus colegas Tobe Hooper o Larry Cohen. Va por usted, maestro. Nace la leyenda Nacido el 11 de agosto de 1947 en Chicago, Stuart Gordon comenzó a sorprender tanto a público como a su familia y profesorado al montar una parodia psicodélica y satírica de 'Peter Pan' en la Universidad de Wisconsin en 1968. En la obra, el niño eterno y sus aliados se habían convertido en hippies que luchaban contra piratas sospechosamente parecidos a la policía de Chicago, esbirros al servicio del alcalde de la ciudad entonces. Que también constase con un grupo de bailarines desnudos, supuestamente bajo el influjo de las drogas, fue suficiente para hacer dormir en prisión al futuro cineasta. La única nota triste de todo este asunto es que Stuart Gordon se nos fue sin poder llevar al cine esta visión tan personal. En Espinof Las cenas de los "maestros del horror" y Mick Garris: dentro del aquelarre oculto de las leyendas del cine de género Todavía con ganas de tablas, comenzó una carrera relativamente larga en el teatro dentro del Chicago Organic Theatre, una compañía experimental inspirada en los cómics de Marvel que ayudó a crear en 1971, y donde supervisó muchas obras, incluida 'Sexual Perversity in Chicago' escrita por David Mamet, quien terminaría siendo buen amigo de Gordon. Allí comenzó también una excelente relación de amistad con algunos de los actores, como Dennis Franz o Joe Mantegna. En 1979, adaptó una de estas obras a la televisión, 'Bleacher Bums', una primera experiencia tras las cámaras nada fácil de rastrear en la actualidad. A comienzos de los ochenta, sus deseos por el cine lo llevaron a su primer largometraje, adaptando muy libremente la obra de H.P. Lovecraft en la seminal 'Re-Animator'. Ahí comenzaría otra relación con el productor Charles Band (entonces jefe de Empire Pictures), Brian Yuzna (también productor) y los actores Jeffrey Combs y Barbara Crampton. 'Re-Animator' (1985) ¡La primera película de Stuart Gordon! 'Re-Animator' dio a conocer el nombre de Lovecraft fuera de los circuitos más minoritarios. También es justo destacar que se trata de una fiesta un poco traicionera con el espíritu bastante menos jovial de la obra general del escritor, aunque no tanto con la serie de desventuras que uno se encuentra en 'Herbert West: Reanimador'. Stuart Gordon tuvo una libertad total que se aprecia en su constante derramamiento de sangre y un erotismo retorcido que uno nunca sabrá si se tomaba en serio o no. La película cuenta con un reparto descomunal, con Jeffrey Combs como el eterno reanimador Herbert West, Bruce Abbott, como ideal compañero de fatigas y la grandiosa Barbara Crampton aportando carisma, belleza y sufrimiento. Un clásico del cine que trasciende a la serie B y que aún hoy sigue siendo la mejor adaptación de Lovecraft a la pantalla. Gordon se aproximaría más veces al maestro, pero nunca hilando tan fino. En Espinof HP Lovecraft: las 11 mejores películas que han adaptado al escritor más inadaptable 'Re-Sonator' (From Beyond, 1986) Un año más tarde, la fiesta todavía estaba en pleno apogeo. Cogiendo como base una muy breve historia de Lovecraft, 'Del más allá', de apenas doce páginas, y repitiendo equipo, Stuart Gordon y los suyos se agarraban a un clímax atronador para sostener una película que con el paso de los años ha ido ganando adeptos y, si bien nunca llegará a la altura de su predecesora, sí se considera una más que digna nueva entrega lovecraftiana. En Italia y de nuevo bajo la bandera de Empire y bajo el liderazgo de Brian Yuzna, el resultado fue un cuento de horror sadomasoquista con un éxito mucho más discreto que el de la película anterior. Su ritmo incasable y su no parar de situaciones extremas y grotescas hacen de ella una de las apuestas seguras para una tarde de pandemia aburrida. Dolls (1987) Junto a Ed Naha, colega con el que concebiría 'Cariño, he encogido a los niños', y veterano de la "escena" de Charles Band y compañía, Stuart Gordon se alejó de Lovecraft y de su equipo de estrellas habitual para una aproximación más tradicional al género en lo que sería su tercer largometraje. Con un reparto que por primera vez no está a la altura de su director, 'Dolls' se queda un par de peldaños por debajo de sus trabajos anteriores, aunque eso no la convierta para nada en una mala película. Su atmósfera, la duración ajustada y algunas situaciones protagonizadas por los dueños de la mansión forman, junto al espectacular tratamiento facial de los pequeños seres inanimados (o no) alguno de los recuerdos más memorables de los videoclubs de finales de los ochenta. Robot Jox (1989) Con un presupuesto de 10 millones de dólares, esta película fue la más ambiciosa jamás producida por la Empire. Obviamente, también fue la que echó el cierre. Anunciada entonces como una experiencia "nunca vista antes”, las expectativas provocaron un cortocircuito entre un presupuesto demasiado ajustado en términos de ambiciones y la bancarrota de los estudios Empire durante el final del rodaje y la postproducción. La película pasó una buena temporada en el frío infierno de la nevera hasta salir directamente al mercado doméstico en más de medio mundo. Originalmente un proyecto muy personal, 'Robot Jox' debería haber sido un proyecto de confianza entre Charles Band y Stuart Gordon después de varias colaboraciones, pero en realidad no fue así. Band pidió al director que le ofreciera una demostración (que finalmente servirá como secuencia de apertura) antes de involucrarse en el proyecto. Por su parte, Gordon contrató al novelista Joe Haldeman, autor de ciencia ficción galardonado por 'La guerra eterna', para escribir el guión sobre su propia historia. La relación entre ambos se inició un par de años antes, cuando Gordon pensó en adaptar su exitosa novela, publicada a mediados de los setenta. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia El límite del destino (Daughter of Darkness, 1990) - El foso y el péndulo (1991) Seguimos recorriendo las estanterías de los videoclubs de nuestra vida para reencontrarnos con otro pequeño clásico de Gordon y una película para televisión (en realidad ambos lo eran, puesto que la película con Lance Henriksen haciendo de Torquemada iba directa a vídeo) que en un principio debía rodarse en Rumanía y terminó en Hungría. 'El foso y el péndulo', la más accesible de ambas, fue una experiencia de rodaje. Henriksen y Gordon no se llevaron precisamente bien durante las tres semanas de rodaje. Tres semanas en las que el actor, para meterse del todo en la piel del inquisidor, se alimentó únicamente a base de pan y agua, aunque algo de alcohol también se trincaba durante las visitas de Oliver Reed al plató. La película es una visión mucho más modesta de la que Gordon tenía desde hace años en el punto de mira, y en la que Peter O'Toole, Sherilyn Fenn y Billy Dee Williams eran las estrellas. Fortaleza infernal (Fortress, 1992) Debido a un proyecto abortado titulado 'Thor', una historia de una tortuga asesina que se derrumbó debido al triunfo de, bueno, 'Las tortugas ninja', y un trabajo como productor ejecutivo en 'Cariño, he encogido a los niños', tuvimos que esperar un par de largos años para encontrarnos de nuevo con Stuart Gordon. Primero como uno de los participantes en la escritura del guión del 'Body Snatchers' de Abel Ferrara (también Larry Cohen andaba por ahí), y ya luego dirigiendo la entrañable 'Fortaleza infernal', con Christopher Lambert y, cómo no, Jeffrey Combs. El presupuesto algo más elevado que el de 'Robot Jox', se tradujo en un éxito notable, sobre todo fuera de los Estados Unidos. De hecho, mucho tiempo más tarde el también desaparecido Geoff Murphy se encargaría de una secuela que no interesó a nadie, no sin que 'Escape de Absolom' también se apuntase al mismo carro. Un castillo alucinante (Castle Freak, 1995) Y a mediados de los años 90 volvemos al punto de partida. Charles Band había rehabilitado su salud financiera con su nueva compañía, Full Moon, y el equipo de 'Re-Animator' (excepto Brian Yuzna, liado por entonces entre 'Crying Freeman: los paraísos perdidos' y 'El dentista') se reunió para la ocasión. Ah, Lovecraft también se apuntó a la fiesta, puesto que la película adapta su relato 'El intruso'. Extrañamente poética, evidentemente televisiva y tan teatral como debe ser viniendo de donde viene, la película cuenta con Jeffrey Combs y Barbara Crampton echando una mano a una historia que habría necesitado una buena inyección de suero verde fluorescente para revitalizar un poco el tono. Esta producción Full Moon es una película con un par de buenas ideas, pero es fácil comprender que, con la mitad de presupuesto que 'Re-Animator', también ofrezca la mitad de diversión. Lógico teniendo en cuenta que tras unos cuantos años era la primera película de Gordon con un control total y sin restricción alguna más allá de la presupuestaria. En Espinof Más allá de 'Star Wars': 14 películas (y un cortometraje) de culto para fans con más ganas de aventura, diversión y explotación galáctica Space Truckers (1996) Una película que, como siempre en la filmografía de Stuart Gordon, da lo que promete: camioneros del espacio exterior. A simple vista todo esto puede parecer una broma, una parodia de otras epopeyas de ciencia ficción más 'serias'. En parte lo es. Pero solo en parte. Esta digna sucesora de 'Flash Gordon' debía ser una lanzadera definitiva para el cineasta tras el éxito de 'Fortaleza infernal', pero nada salió como debería. Los sempiternos problemas de distribución que acompañaron a Gordon durante toda su vida hicieron que el estreno norteamericano de la película fuera a través de HBO. Gordon tuvo la idea de los camioneros espaciales durante años, y terminó reuniendo un presupuesto de 25 millones de dólares. Como buen cineasta curtido en el teatro, la química de los actores se logró con mucho tiempo de ensayo antes del rodaje. Solo hubo un integrante del reparto que no quiso hacer nunca un solo ensayo y al que vemos casi siempre en una primera y única toma. A ver si adivinas quién. The Wonderful Ice Cream Suit (1998) Otra de esas películas que nadie parece haber visto a pesar de estrenarse en Sundance en 1998. Disney presupuestó la película a nivel televisivo, puesto que el estudio se dio cuenta de que no podían estrenar la película en salas de cine sin aumentar los salarios de los actores, por lo que finalmente se lanzó directamente al video después de aparecer en algunos festivales de cine, Fantasporto o Austin entre ellos. Adaptando una obra de Ray Bradbury escrita por el propio autor, está protagonizada por un atractivo reparto encabezado por Joe Mantegna, que ya había hecho lo propio con su versión teatral a mediados de los 70. Ojalá Disney+ la termine por incluir entre su oferta, aunque en terreno USA la película está disponible en Amazon Prime. En Espinof Un perturbador viaje por las escenas más desagradables de la historia del cine Dagon: la secta del mar (2001) La tercera aproximación de Stuart Gordon al mundo de Lovecraft es sin duda alguna la mejor película salida de la Fantastic Factory, demencial fábrica de horror patria que posiblemente se adelantó a su tiempo. 'Dagon' es una película llena de luces y sombras que se complementan con gusto. La atmósfera es implacable y las localizaciones gallegas son uno de los grandes aciertos de la película. Su singular reparto presentaba a Ezra Godden, el héroe de la historia, evocando constantemente a Jeffrey Combs. Macarena Gómez debutaba en el cine como sacerdotisa y Paco Rabal se despedía del cine y del mundo de los los vivos como veterano alcoholizado conocedor de la oscuridad que rodea al pueblo. A nivel visual, las máscaras de piel humana utilizadas por las criaturas resulta una idea tan económica como efectiva. Por desgracia, la infografía de la post-producción no estaba a la altura de todo lo anterior, dejando un regusto amargo a pesar de ser la más redonda, honesta y frenética epopeya de horror de la extinta FF. King of the Ants (2003) Esta modesta y punzante producción demostraba que detrás de la firma de Stuart Gordon había un autor con mayúsculas. Inicio de la que sería su trilogía final, la trilogía del pesimismo, era parte de un proceso de renovación que con el tiempo ha demostrado ser uno movimiento maestro solo a la altura de muy pocos elegidos. Inclasificable, seguramente la más compleja de su carrera, 'King of the Ants' es una obra asombrosa. Nos encontramos ahora con los excesos habituales de un director que no quiso pasar al lado fácil, pero sin la socarronería de fondo que siempre manejaba hasta entonces. La violencia de la película perdura en el tiempo, cogiendo por sorpresa a cualquier aficionado despistado: las heridas de esta película no cicatrizan con el tiempo. Una de sus películas más ricas y personales, a pesar de no estar detrás de un guión de Charlie Higson que adaptaba su propia novela. Edmond (2005) Al fin los dos amigos encontraron la ocasión de trabajar juntos. David Mamet adapta su obra para que su amigo Stuart Gordon encuentre en William H. Macy a su protagonista ideal. Segunda entrega de la trilogía del pesimismo, el infierno de 'Edmond' evoca a Paul Schrader y al Scorsese de las noches locas, mientras el personaje desciende a un abismo fantasmal, estrellándose contra sus valores. Por supuesto, sus diez millones de dólares jamás fueron amortizados en su trayectoria comercial, aunque puede que su estatus de culto y los quince años que han pasado desde su estreno hayan devuelto algún dólar más. Se lo merecería. Stuck (2007) Final de la trilogía y de una carrera en el cine, 'Stuck' mantenía la buena forma de sus últimos títulos, siendo la más cínica, fantasiosa y, a su manera, explícita. En una sociedad donde la indiferencia hacia los demás es casi obligación, Gordon y su guionista John Strysik consiguen que su fiesta resulte simpática mientras vomita toda la bilis que sobra en su interior gracias a la medida en que sus personajes son caricaturizados. 'Stuck' fue toda una sorpresa para quienes tuvimos el privilegio de asistir a su proyección en Sitges 2007. Una película sencilla, sin pretensiones que tiene el mérito de meternos de lleno en una historia demencial capaz de hacernos olvidar la triste realidad. Una obra a recuperar por muchos motivos. Pocos cineastas de género han dejado un epitafio tan certero. Ah, por cierto: la película está inspirada en un hecho real sucedido en 2001 en Fort Worth, Texas. Con la pérdida de Stuart Gordon se nos va un cineasta del género irrepetible. Único y capaz de transmitir toda su personalidad a trabajos colectivos tan irregulares como los 'Masters of Horror' o 'Fear Itself'. Además, supo seguir a lo suyo y descartar una carrera entre millones y éxitos tras la creación de 'Cariño, he encogido a los niños' para seguir haciendo de las suyas con sus colegas de profesión y mundos bajos. Buen viaje, maestro. Aquí seguiremos disfrutando de tu legado hasta que nos encontremos otra vez. - La noticia Stuart Gordon (1947–2020): repasamos las 14 películas de un verdadero maestro del cine fantástico fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

En la guerra del streaming, cada vez más intensa con la llegada de nuevos jugadores como Disney+, y durante esta inusual situación que nos obliga a pasar más tiempo en casa, HBO tiene en 'Westworld' la gran oportunidad de dar otro golpe sobre la mesa, reafirmarse como una plataforma de calidad sobre cantidad, y ganar un buen número de fieles/suscriptores. Con una triunfal primera temporada y una segunda marcada por la pérdida de audiencia, los nuevos episodios tienen el objetivo de recuperar el éxito de sus inicios. Parece claro a estas alturas que HBO no ha encontrado en 'Westworld' a la sucesora de 'Juego de Tronos' (a la que hizo un simpático guiño), sin embargo, la tercera temporada está ofreciendo suficientes motivos para engancharse (o reengancharse) a una ambiciosa historia que no deja de crecer. Aviso: a partir de aquí hay SPOILERS de la temporada 3 de 'Westworld'. Una historia que, a simple vista, está apostando más por la acción que por el rompecabezas aunque conservando la esencia de la serie y, sobre todo, sin perder de vista la atención por los personajes, siempre obligados a reflexionar sobre su naturaleza, su libertad y su destino. En definitiva, 'Westworld' está reinventándose y, por ahora, funciona. En Espinof Todas las temporadas de 'Juego de Tronos', ordenadas de peor a mejor El primer capítulo sirvió para presentar el nuevo escenario y un nuevo protagonista, Caleb (Aaron Paul) al tiempo que nos hacía seguir a Dolores (Evan Rachel Wood) y Bernard (Jeffrey Wright). El segundo hizo que nos reencontrásemos con Maeve (Thandie Newton) y nos descubrió al que parece ser el gran villano de la temporada: Serac (Vincent Cassel). El tercero continúa la trama de Caleb y Dolores pero está más centrado en Charlotte (Tessa Thompson). Una nueva Charlotte O mejor dicho, en el misterioso personaje que hay bajo la apariencia de Charlotte, porque la auténtica murió en el violento parque de atracciones. Pero Dolores necesita a Charlotte para ejecutar su plan maestro y ha creado una copia; la cuestión es, ¿a quién ha elegido para ponerle esa máscara? Los creadores de 'Westworld', Jonathan Nolan y Lisa Joy, recuperan aquí una de las claves de la serie: los enigmas que mantienen al público jugando a las adivinanzas y lanzando teorías hasta su resolución. El misterio es atractivo, no obstante, el episodio se fundamenta en el conflicto, el drama y la tensión. Quien sea que está reemplazando a Charlotte está sufriendo una transformación mientras intenta cumplir la misión que le ha encargado Dolores, metiéndose en la piel de otra persona; eso es lo más interesante. Nos recuerdan todo lo malo de Charlotte pero ahora echamos un vistazo a su lado más humano con una grabación y la relación con su hijo. En Espinof Las 14 mejores series de 2019 que puedes ver en HBO Esta otra faceta conduce a un par de momentos emocionantes en un capítulo bastante intenso donde nos sumergen en otro vistazo al pasado, un flashback que nos da más información sobre Caleb. Tras el trauma por la muerte de su compañero ahora tenemos otro sobre su madre esquizofrénica, que le dejó abandonado en una cafetería. ¿Altas probabilidades de suicido? No me digas... En este punto, el fichaje de Aaron Paul se revela como un arma de doble filo. Ya demostró en 'Breaking Bad' que puede dar lo mejor de sí mismo con un personaje de estas características, sin embargo, ya lo hemos visto; no hay nada nuevo o estimulante en Caleb. Que sea un "buen hombre", tal como lo define Dolores, lo hace aún más plano y aburrido. De momento. Claro, soy consciente de que solo estamos en el episodio 3x10. Aún quedan cinco. Y si algo ha demostrado 'Westworld' es que las apariencias engañan. Los guionistas se están guardando más de un as bajo la manga; nos esperan revelaciones y giros inesperados, no hay duda. En el caso de Caleb: quizá no es humano, quizá cambie de bando cuando descubra lo que se propone Dolores... Ya lo descubriremos. Tráiler de 'Westworld' 3x04: 'The Mother of Exiles' Desde luego, los tres primeros episodios han plantado semillas para lo que promete ser una temporada apasionante que irá más allá de un sencillo y espectacular duelo a muerte entre máquinas y humanos. Una de las diferencias entre HBO y Netflix es que la primera no apuesta por el maratón así que tendremos que esperar una semana para saber cómo sigue la historia. Mientras tanto, si te consume la impaciencia, aquí tienes el tráiler del siguiente capítulo de 'Westworld': - La noticia 'Westworld' 3x03: el episodio más emocional hasta ahora nos deja un nuevo enigma fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Nuestro sevillano más internacional, Paco Cabezas, ha pasado los últimos años, como él dice, haciendo callo en la industria televisiva hollywoodiense, firmando episodios para producciones de la talla de 'Penny Dreadful', 'The Strain', 'El alienista' o 'American Gods', y labrándose un nombre y una gran reputación en la Meca del cine. Pero la tierra es la tierra, y Cabezas decidió rechazar al mismísmo Steven Spielberg para regresar a su hogar y firmar uno de los thrillers más emocionantes y lúcidos que nos ha dado el cine español reciente: 'Adiós', protagonizada por Mario Casas, Natalia de Molina, Ruth Díaz y Carlos Bardem. En Espinof Las 22 mejores películas españolas de 2019 Hemos charlado con el cineasta andaluz sobre su último trabajo, ya disponible en el mercado doméstico, sobre los entresijos de la industria norteamericana y sobre la pasión y la adrenalina que dispara estar en un set de rodaje. "Cada película es como un milagro". Lo primero de todo, enhorabuena, porque la película me ha parecido un bombazo. He quedado encantado. Muchas gracias, tío, no veas cómo lo agradezco, porque la gente no sabe lo difícil que es hacer cine. Cada película es como un milagro. Cuando trabajaba en el videoclub tenía ese rollo más envidiosillo, en plan “¡Ay, Almodóvar, Amenábar!”... pero luego te das cuenta de que hasta las películas que no son buenas (entre comillas, porque yo no creo en lo bueno y lo malo, creo en la conexión emocional que tienes con una película), pero hasta las películas con las que no he conectado emocionalmente, ahora las valoro. A mí a lo mejor me ha aburrido una película, pero hay tanto trabajo detrás, y tantas ganas, tanto esfuerzo, que cada vez respeto más el hacer cine... ¡Perdón, que me enrollo! Nada hombre, con lo bonito que es hablar de estas cosas... Cuéntame qué te ha traído de vuelta por estas tierras. ¿Echabas de menos rodar en España? Ha sido una cosa muy curiosa. Estaba a punto de rodar una serie con Steven Spielberg, vinieron a ver [el rodaje de] 'American Gods' y me ofrecieron rodar ‘Halo’, una serie basada en un videojuego. Los guiones me parecieron buenísimos, la relación con Steven y Amblin fue buenísima. Cuando estaba a punto de embarcarme en la nave extraterrestre y decir que sí al viaje me llegó el guión de ‘Adiós’, y cuando lo leí me puse a llorar, me emocioné mucho, y pensé, “¿Y si me estoy equivocando?”. No porque fuese un mal proyecto ‘Halo’, sino porque esta fuese la película que debía hacer. Así que di un volantazo, me fui a las 3000 viviendas, a Los pajaritos, a mi barrio, de donde yo soy. Lo dije un poco la noche del estreno de la película, aunque esté muy orgulloso de mi carrera, de ‘Penny Dreadful’, de ‘El alienista' o de ‘Mr. Right’, sí que notaba que con ‘Carne de neón’ o con otras películas notaba una tendencia de “quiero ser Scorsese, quiero ser David Fincher”... de pretender ser quien, a lo mejor, no eres, por miedo o por inseguridad. Con esta película, de repente, intenté quitarme de la cabeza referencias de cualquier tipo, conectar con quién soy yo. Creo que es la película en la que más siento que soy yo, que soy Paco Cabezas. Es mi mejor película porque la he hecho sin ponerme ninguna máscara. La conclusión justifica haber abandonado ‘Halo’... Mucha gente me dice, ¡Ay, Spielberg! ¡Es muy chulo decirle que no a Spielberg! Espero que trabajemos juntos en el futuro otra vez, pero tomo mis decisiones basadas en mi corazón, en las entrañas y en lo que siento. Normalmente, cuando he tomado estas decisiones en la vida, y he tomado unas cuantas, creo que han terminado siendo las mejores. ¿Cómo explicarías la diferencia de rodar una película como ‘Mr. Right’ en Estados Unidos y una como ‘Adiós’ aquí en España? Hay una diferencia primordial de tono. Lo que en es el día a día, la diferencia no es tanta. En Nueva Orleans lo pasamos muy bien rodando, con Sam Rockwell y con Anna, que nos llevábamos de escándalo. Con Adiós, a pesar de ser una película aparentemente dura e intensa, los actores y yo disfrutamos muchísimo también. Fue una de las experiencias más bonitas de mi vida. A nivel de trabajo no hay tanta diferencia. La diferencia más brutal la he notado en producciones como ‘American Gods’, que tienen unos medios apabullantes. ¿Que quieres 300 extras vestidos de época con coches y veinte grúas? Te lo dan. Con ‘Adiós’, aunque no haya tenido que cambiar una sola coma de guión, si que he tenido que pensar con inteligencia. Si en una escena de acción tenemos cincuenta policías, gente tirando basura por las ventanas... tienes que ser muy inteligente y pensar en cada detalle al máximo, qué colocas, cómo lo colocas, a quién le cae qué encima, cómo utilizas veinte veces al mismo policía sin que nadie se de cuenta... He utilizado todos los trucos posibles para que la gente piense que está viendo una película de 200 millones sin tenerlos, pero creo que lo parece, es la clave. Seguimos picando piedra, como Carpenter en Halloween, que recogía las hojas del suelo para poder utilizarlas después, porque no tenía más... [Risas] Tal cual. Aunque tener medios está muy bien, no tenerlos activa la imaginación y la inventiva. Tengo tanto callo, tanto rodaje, que llego al set y ya sé cómo ir solucionándolo todo. En un rodaje puedes tener todos los medios del mundo, pero lo que más mola es que ocurra un problema y solucionarlo, y que la solución sea mejor que lo que habías pensado antes. Es como crear en tiempo real, una montaña rusa. Es lo más bonito del cine. Un subidón de adrenalina. Escribir una novela está muy bien, pintar un cuadro... pero el subidón que tiene rodar... Un poco como en ‘En tierra hostil’ de Kathryn Bigelow, que al final el protagonista está con un carrito de la compra con el supermercado pensando que quería volver a la guerra. Esto, como director, te pasa. Estás fregando los platos y pensando, “¡Por favor, una cámara!”. A nivel de género, ¿es complicado sacar adelante un proyecto como este en España? Aquí los thrillers con acción se producen con cuentagotas... A mi Atresmedia y Mediaset me han ofrecido comedias. Llegó un momento en que me lo planteé y todo, casi dije que sí, y no te digo que en el futuro no lo vaya a hacer. Por ejemplo, ‘Operación Camarón’ me la ofrecieron. Me encanta la comedia, y me encantaría dirigir una después de algo tan intenso como ‘Adiós’, pero hay una falsa creencia. Siempre se dice que la comedia hace muchísimo dinero, que lo hace, pero se tiende a pensar que el thriller no va a hacer dinero porque la gente va al cine a reírse. Creo que, más que a reírse, la gente va a al cine a sentir una experiencia, a que no le decepcionen. Mi opinión personal es que una comedia puede resultar más reiterativa, y un buen thriller es una experiencia cinematográfica muy potente. Ojalá cambie el chip y se hagan más y más thrillers en este país, igual que pasó con ‘Celda 211’, que abrió más puertas. Pasa igual con el terror, soy un adorador del género, y creo que hay mucho cine más allá de la comedia en España. Dentro del género y dentro de Sevilla, estuvo ‘Grupo 7’. En el caso de ‘Adiós’, ¿qué aporta la ciudad a la narrativa? Puf... Mucho. Es un personaje más, aunque suene a cliché. ‘Adiós’ es una película que no se entiende sin los personajes de la ciudad, y sin ese corazón de la Sevilla callejera. Es la primera película que se ha rodado en las 3000 viviendas y en Los pajaritos. En esos barrios, les encantó, y yo estoy encantado de que les haya gustado la película. Yo pensaba, “¿Y si la gente piensa que les estamos faltando al respeto?”, pero hubo momentos tan bonitos en el rodaje, con todo el barrio aplaudiendo después de decir “corten”... Esta película no hubiese existido sin Sevilla, sin todo ese corazón. Si me piden que hiciese un remake en Alabama, no lo haría. Esta película no tiene sentido fuera de Sevilla. Teníamos que llegar a este punto. Otra cosa que comparte ‘Adiós’ con ‘Grupo 7’ es Mario Casas. Es un poco el DiCaprio español: se le apreciaba por guaperas y al final está cerrando bocas. Me gusta que lo compares con DiCaprio. La relación actor-director de DiCaprio es con Scorsese y la mía con Mario... [Ríen]. Mario tiene una cosa excepcional, y es que no tiene miedo y se entrega al 200%. En ‘Grupo 7’ no tuvo acento y aquí tenía que parecer que nació en las 3000 viviendas. Se metió tan a saco en el papel que yo pensaba que se iba a matar. Cambió el acento, su forma de moverse... Hubo un momento en que me asusté un poco. Hay una escena en la que su personaje se está tragando unas bolas de heroína, y le dijimos, “Mario, estas bolas están hechas de pasta vegetal, pero si te atragantas te puedes morir. Ten cuidado, muérdelo o algo, pero no hace falta que te las tragues de verdad”. Él me contestó, “¡Nada, nada, yo me las trago!”. Yo estaba acojonado, y el hijo **** se tragó tres seguidas sin cortar. Sólo monté una en la película, pero dije, “este tío tiene una entrega física y emocional acojonante”. Ya vale de tratarle como el niño guapo del cine español, hay que empezar a tratarle como un gran actor. Además de Mario, están todos los actores espectaculares. Carlos, Ruth y Natalia son brillantes. El trabajo de empatía es muy complicado, porque son todos sus personajes bastante despreciables, pero los terminas comprendiendo y justificando por su condición de padres y madres... Siempre está un poco presente en lo que escribo y en lo que dirijo... Tengo algo dentro respecto a los padres y los hijos, y con el bien y el mal. Para mí no hay buenos ni malos, hay una gama de grises. Nadie nace un santo, pero ni los policías son tan buenos ni la gente de barrio es tan mala como nos quieren hacer creer. Cuando escribí la película con Jose y con Carmen, lo mejor fue despistar al espectador y no dejarle claro con quién está emocionalmente. En esta película no hay nadie bueno, igual el cura, a lo mejor... [Ríen]. Me gusta mucho poner incómodo moralmente al espectador, pero emocionalmente darle algo muy potente. El buen cine empieza ahí. De hecho, el personaje más limpio de todos es el de Ruth, y curiosamente es el único no puede ser madre. Es un personaje muy complejo y muy interesante. Me dio mucha pena, porque en la sala de montaje se quedaron dos o tres secuencias del personaje de Eli. Me hubiese gustado darle mucho más metraje, pero la película tenía que ir siempre en paralelo saltando entre personajes. De repente, nos dimos cuenta de que teníamos que hacerla más misteriosa. Había un monólogo muy bonito con Carlos Bardém en el que hablan de cómo perdió su hijo, cómo se lo quitaron, cómo se rindió por el hijo que tenía en las entrañas... ese monólogo era precioso y tuvimos que cortarlo. Una de las cosas más difíciles de la película es medir la intensidad dramática. Como la película sea demasiado llorona, el público puede desconectar; si la película es demasiado fría, te pasas de frenada. Cuando encontramos el punto justo después de muchos pases y de muchos montajes, perdimos algunas cosas. Pero el personaje, mostrando una sola cicatriz, te cuenta toda su historia en un plano. Vamos a cambiar de tercio, que nos estamos poniendo un poco intensos... La secuencia de la redada de las 3000 viviendas, con el montaje en paralelo y la narrativa de la secuencia de acción, es brutal. ¿Cómo sacásteis esto adelante a nivel logístico? No quería decepcionar al espectador, para mí era calve. Había un gran problema con el cine español, que ya cada vez existe menos. Yo iba a ver una película de terror en los noventa o una comedia, y no te daban miedo, no te hacían reír. Te daban gato por liebre. Ahora el cine español vuelve a congraciarse con el espectador. Para mí era muy importante que si hago una película de acción, tenga acción. Ahora, rodar una secuencia así es un marrón muy gordo. Lo más complicado fue el diseño. Yo venía con mucha experiencia de Hollywood, que he rodado un chorrón de acción, así que, para mí, a priori, era lo más fácil. Pero, claro, tienes que explicarle todo a los extras, al ayudante de dirección... Hubo un día clave, que fue muy gracioso. Estaba con Enrique Lavigne, el productor, con una pizarra gigante y un rotulador, para explicar a todo el mundo lo que íbamos a rodar para que lo visualizasen. Salgo a la pizarra y veo que Enrique estaba en una esquina, al teléfono, y se va mientras yo estoy explicando la locura de cosas ardiendo, gente tirando basura por las ventana. Luego cuando le pregunté si le pasaba algo me dijo que no, que como estaba tan seguro de lo que iba a hacer, se relajó y se fue. Cuando tienes claro lo que haces, es como robar un banco. Los vecinos estaban flipando. Fue muy duro pero muy bonito. Supongo que lo que comentas de estar curtido con los rodajes de series en Estados Unidos te ha ayudado bastante con todo esto... ¿Qué hay de cierto en lo que se suele decir de que, para los directores, rodar series allí es como picar piedra? No creo que sea cierto... Para mí Hollywood ha sido Vietnam, he aprendido latín y tengo más horas de rodaje y más horas de horas de vuelo que, probablemente, cualquier director español. Tengo la piel tan dura de rodar acción que, cuando tengo delante una escena de terror o acción, pienso “tranquilos, que ya lo he hecho antes”. Por otro lado, está el mito de “bueno, los directores en las series son realizadores, los que cortan el bacalao son los showrunners...”. Sí y no. Yo no voy a cortar el bacalao, pero los showrunners no dejan de ser escritores, son personas con sensibilidad. Cuando tratas con cracks como John Logan [Penny Dreadful], puedes proponer una idea a la hora de rodar y, aunque no esté en el guión, te dicen, “venga, vamos a hacerlo”, y cuando ven que funciona se emocionan. Para mí eso es ser director, no realizador, y creo que por eso me siguen llamando. Al final, lo que importa es el boca a boca, y Hollywood, aunque parezca muy grande, es muy pequeño, y cosas como estas marcan la diferencia. Por supuesto que hay directores realizadores, pero yo no lo soy, sigo siendo ese niño al que le encanta el cine, y si algún día dejo de serlo y me convierto en un funcionario del cine, lo dejaré. Porque p’a qué. Si estamos en esto es por mantener esa ilusión viva. - La noticia "Ya vale de tratar a Mario Casas como el niño guapo del cine español". Paco Cabezas ('Adiós') fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .