Entre Fans

Seguimos con Movistar+ y tras enseñarnos el tráiler de 'Virtual Hero' le ha llegado el momento de presentar el primer tráiler y poner mayo como la fecha de estreno de 'La unidad', una de sus principales apuestas de ficción para 2020. Y no es para menos, ya que vuelven a su jugada de contar con directores y guionistas de cine para crear la serie. En esta ocasión son Dani de la Torre ('La sombra de la ley') como director y cocreador junto a Alberto Marini, con el que coincidió en 'El desconocido' y que se ha estado granjeando el favor de público y crítica con 'Hierro' y 'Tu hijo'. En Espinof 'El desconocido' | Entrevista a Dani de la Torre: "Luis Tosar escucha el latido de corazón de las películas" Coguionizada por Marini y Amelia Mora, 'La unidad' consta de seis episodios y se define como un thriller policíaco que sigue a la Unidad de Investigación Policial que lucha contra el terrorismo yihadista, un equipo de profesionales liderado por la Comisaria Jefa, Carla (Nathalie Poza). Cuando una de las operaciones lideradas por Carla, la jefa de la Unidad de la Investigación Policial contra el terrorismo yihadista, acaba con la detención del líder más buscado del mundo, Salah Al Garheeb, el éxito se transforma rápidamente en una terrible amenaza: España se convierte en el principal objetivo de sus seguidores, encabezados por su hijo, que no dudarían en inmolarse a cambio de conseguir sus objetivos. Junto a Poza, el reparto está formado por Michel Noher como Marcos, pareja de Carla y su mejor hombre; Marian Álvarez como la agente Miriam; Luis Zahera como Sergio. Además estarán Raúl Fernández de Pablo, Carlos Blanco, Fele Martínez, Alba Bersabé, Francesc Orella, Pepo Oliva y Miquel Ínsua, entre otros. A espera de un avance más extenso para poder comprobarlo algo mejor, se nos promete un despliegue de medios importante y un aspecto visual extraordinario. No sé, yo tengo bastantes ganas de ver qué sale de aquí. - La noticia 'La unidad': primer tráiler y fecha de estreno de la serie antiyihadista de Dani de la Torre para Movistar+ fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

A falta de poco más de una semana para que llegue a Movistar+, la plataforma ha lanzado el tráiler de la temporada 2 de 'Virtual Hero', las aventuras animadas de Rubius. Serie basada, a su vez, en el cómic homónimo publicado por Planeta. Como ya conocíamos, en estos nuevos seis episodios nos adentramos en una nueva amenaza, los Necroides, que están acabando con los primeros jugadores, llamados Alpha. Así Rubius se volverá a aliar con Shakura, G4T0, Zombirella y Slimmer para derrotar al nuevo enemigo. En Espinof Las 27 mejores películas y series de anime de la década (2010-2019) Así, esta segunda temporada es una historia inédita aunque parecen tener claras sus referencias a mitos del terror japonés además de homenajes, algunos de los cuales se ven muy claramente en el tráiler, a algunos de los animes más punteros de los últimos años. En el apartado creativo, volvemos a encontrarnos con el trío de oro de Alexis Barroso como director, Lolita Aldea como directora de arte y Juan Torres como coguionista junto a Barroso. En la nota prometen que esta temporada tendrá un tono más oscuro y adulto y, la verdad, es que lo que hemos podido ver en el tráiler indican que, efectivamente, hay algo menos de humor. A saber qué nos encontramos con estos nuevos episodios ya que la primera tanda no me terminó de agradar. Nota: El Rubius está representado por Vizz, compañía que, como Espinof, pertenece a Webedia España. - La noticia 'Virtual Hero': el tráiler de la temporada 2 de la serie de Movistar+ muestra la nueva amenaza para Rubius fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Por fin, parece que el proyecto de 'Indiana Jones 5' vuelve a ponerse en marcha. Tras varios retrasos, el pasado verano se informó que el rodaje tendría lugar este año y ahora Harrison Ford ha confirmado que comenzarán a filmar en abril. La fecha de estreno actual es el 9 de julio de 2021. El arqueólogo aventurero de 77 años El actor, de 77 años, se refirió al rodaje de 'Indy 5' durante una entrevista donde ofreció su perspectiva al retomar los personajes más populares de su carrera. Y es que desde 2008 ha vuelto a encarnar a Indiana Jones ('El reino de la calavera de cristal'), Han Solo ('Star Wars: El despertar de la fuerza') y Rick Deckard ('Blade Runner 2049'). “Siempre estoy encantado de volver a estos personajes. Ya sabes, cuando tienes la oportunidad de hacer otra película es porque la gente se lo ha pasado bien. Me siento obligado a asegurarme de que nuestros esfuerzos son tan ambiciosos como lo eran cuando empezamos. Tienes un sentido de la responsabilidad hacia tus clientes. Pienso en la gente que va a ver mis películas como clientes, más que como fans. Para mí eso de fans se siente extraño, siempre ha sido así. Pero el hecho de que esa gente apoye mi negocio y yo soy responsable de la calidad del servicio que les ofrezco, eso siente mejor." En Espinof Spielberg, atento: ya hubo una Indiana Joan pero quizás no es lo que tenías pensado Recordemos que el proyecto de 'Indiana Jones 5' arrancó con un guion de David Koepp que posteriormente ha sido reescrito por Jonathan Kasdan. Tal como se anunció, Steven Spielberg repetirá como director y John Williams volverá a ocuparse de la música; quienes no están implicados en el proyecto son el creador de la saga, George Lucas, y Shia LaBeouf, que dio vida al hijo de Indy en la cuarta entrega. En otra reciente entrevista, Ford dejó esta pequeña pista sobre el libreto: "Veremos nuevos desarrollos en su vida, en su relación. Veremos resuelta parte de su historia". ¿Significa esto el regreso de Marion (Karen Allen)? A pesar de que ya sabíamos que el rodaje comenzaría este año, resulta sorprendente que vaya a arrancar en un par de meses cuando apenas ha habido noticias sobre 'Indy 5' desde el pasado verano; de hecho, solo sabemos que en el reparto está Harrison Ford, nadie más está confirmado. Por cierto, la estrella vuelve pronto a los cines como protagonista del drama 'En lo salvaje' (estreno el próximo 21 de febrero). - La noticia Harrison Ford revela que 'Indiana Jones 5' comienza a rodarse en dos meses fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Apple ha lanzado el tráiler oficial de 'Amazing Stories', el reinicio de la serie antológica de los 80 producida por Steven Spielberg. la conocida serie de los años 80 emitida por la NBC en Estados Unidos que en España conocimos como 'Cuentos asombrosos' y que ahora está reinventando Apple TV + en una nueva apuesta producida por el propio Spielberg. Cinco historias, cinco directores A mediados de 2015 cuando se empezó a hablar de un remake, pero hasta octubre de 2017 no supimos que Apple y Spielberg iban a aliarse para resucitar 'Amazing Stories' y fue el propio director quien anunció la intención del proyecto: "transportar a la audiencia a mundos maravillosos a través de los cineastas, directores y guionistas más imaginativos de hoy en día". Fue una de las primeras confirmaciones de Apple TV+, y esos talentosos directores son Chris Long, Mark Mylod, Michael Dinne, Susanna Fogel y Sylvain White. En Espinof Las 53 mejores series de la década (2010-2019) La entradilla de la serie original, tenía el icónico tema principal, compuesto por el compositor John Williams, y este se ha conservado en la nueva versión. Los cocreadores de 'Érase una vez' (Once Upon a Time) y los guionistas de 'Tron: Legacy' (2010) Adam Horowitz y Edward Kitsis son productores ejecutivos y showrunners junto a la empresa de Spielberg, Amblin Television. Apple ha revelado que 'The Rift' será el primero de los cinco episodios, dirigido por Mark Mylod, conocido por su trabajo en 'Juego de Tronos'. Dylan O'Brien, Victoria Pedretti, Josh Holloway, Sasha Alexander, Edward Burns, Austin Stowell, Kerry Bishe y el fallecido Robert Forster será el reparto de la serie en sus cinco historias independientes. Aunque se encargaron diez episodios para la temporada inicial, solo cinco están incluidos en el lanzamiento del primer lote del 6 de marzo. - La noticia Tráiler de 'Amazing Stories': el reboot de la serie fantástica de Steven Spielberg que Apple TV+ estrena en marzo fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Cazadores de nazis en los 70. Bajo esta premisa (con la cual ya vamos directos a decir "calla y toma el dinero de la suscripción") se desarrolla 'Hunters', la nueva serie original de Amazon Prime Video que cuenta con Jordan Peele ('Nosotros') como productor y un debutante David Weil en la creación y escritura de guion. La serie comienza con la historia de Jonah (Logan Lerman), un joven friki de los cómics y del cine que sufre una tragedia terrible cuando un desconocido entra en su casa y asesina a su abuela, superviviente del holocausto. En su shiva, conocerá a Meyer Offerman (Al Pacino), un misterioso millonario que parece saber más de lo que cuenta. En Espinof Nazis, odio e insectos gigantes: las 41 mejores películas para comprender el fascismo No tardaremos mucho (bueno, más de lo que nos hubiera gustado) en saber que este misterioso señor dirige una operación que busca y caza a cargos nazis que lograron escapar de Alemania e intentan crear el IV Reich. Por otro lado, la agente Millie (Jerrika Hinton) investiga el misterioso asesinato de una científica de la NASA. En el reparto de 'Hunters', que llega este viernes 21 a la plataforma, nos encontramos con Lerman, Pacino, Hinton, Josh Radnor, Kate Mulvany, Tiffany Boone, Greg Austin, Louis Ozawa Changchien, Carol Kane, Saul Rubinek, Dylan Baker y Lena Olin. Una presentación larga que pide paciencia El primer episodio de 'Hunters' dura sus buenos noventa minutos y se hacen algo largos. Una vez que termina el episodio todavía no sabes exactamente qué son estos "cazadores" y el motivo de su existencia y lo que los mueve. Si bien este primer episodio de presentación tiene su ritmo, se antoja largo e insuficiente en este sentido. Sorprende, eso sí, sobre todo a partir del segundo episodio de la serie, esa dualidad en el tono. En Espinof 'Yo soy Dolemite': Eddie Murphy regresa por la puerta grande en Netflix con un biopic blaxploitation Por un lado nos encontramos con toques del exploitation setentero en la estética y las escenas más de acción y, también, en la imaginación friki de Jonah, pero son como pequeñas barcas en un océano de solemnidad, a ratos excesiva. El tono medianamente esquizofrénico de 'Hunters' puede ser explicado por ese intento de manejar y honrar un caso familiar. David Weil dedica esta serie a la memoria de su abuela, superviviente de los campos de concentración de Auschwitz y Bergen y, para él, toda una superheroína. Esto hace que, lógicamente, no termine de abrazar la locura que podría llegar a ser y solo se permite algún que otro exceso puntual. Sin embargo, sí que le hubiera venido bien el ser menos solemne para lograr un mejor equilibrio. Una solemnidad que nos recuerda que aún hoy es relevante e importante combatir nazis. 'Hunters' deja algo a medias En líneas generales, habiendo podido ver la mitad de la temporada, ‘Hunters’ me ha dejado algo insatisfecho. Mi cuerpo me pedía bastante más que lo que he recibido y la sensación del “podría ser mejor” ha estado rondando durante las más de cinco horas vistas. Es una serie que pide paciencia. Si se la das, termina siendo una serie interesante y entretenida. Si te acostumbras al tono puedes llegar a disfrutar bastante de una historia que es algo asfixiada por su ejecución. - La noticia 'Hunters': los cazadores de nazis de Al Pacino y Jordan Peele para Amazon se mueven entre la solemnidad y la exploitation fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

A lo largo de los últimos veinte años han sido muchísimas las voces que han reivindicado a capa y espada el cine salido de Corea del Sur como uno de los más estimulantes y de mayor calidad del panorama internacional. Una fábrica de relatos apasionantes con un tratamiento narrativo único y una facilidad pasmosa para dejar al respetable clavado en la butaca con unos libretos imprevisibles. La aplastante victoria de 'Parásitos' en la última ceremonia de entrega de los Óscar ha puesto finalmente a la industria surcoreana en el ojo de propios y extraños de todo el mundo, invitando a espectadores neófitos a paladear algunas de las muchas delicias que nos ha ofrecido el país asiático. En Espinof ‘Parásitos’ no es ninguna obra maestra: la complacencia ideológica de la gran triunfadora de los Óscar Para todos aquellos que quieran ampliar su filmoteca, aquí os traigo esta selección con mis 21 películas surcoreanas predilectas estrenadas durante las últimas dos décadas. Puede que echéis de menos títulos como 'The Berlin File', 'The Yellow Sea', 'Dos Hermanas', 'A Day', 'Mother'... La lista sería interminable, pero me he quedado con las que más me han marcado de todas las que he podido disfrutar. ¡Allá vamos! 'Encontré al diablo' ('악마를 보았다', 2010) Dirección: Kim Jee-woon Reparto: Lee Byung-Hun, Choi Min-sik, Jeon ****-hwan, Oh San-ha, Kim Yun-seo Mi toma de contacto con el cine surcoreano fue en el año 2010, en el marco del Festival de Sitges, de la mano de este salvaje thriller de venganzas dirigido por Kim Jee-woon —de quien veréis unos cuantos títulos en esta lista—. Puede que, a día de hoy, continúe siendo mi cinta predilecta dentro de la filmografía del país asiático, y es que pocas obras logran mantenerte con los ojos clavados en la pantalla mientras te abofetean sin ningún tipo de piedad. Impresionante se mire por donde se mire. Crítica en Espinof: Sitges 2010 | 'Encontré al diablo' (Kim Jee-woon), 'Ip Man 2' (Wilson Yip) y 'Fire of Conscience' (Dante Lam) 'Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie)' ('살인의 추억', 2003) Dirección: Bong Joon-ho Reparto: Song Kang-ho, Kim Sang-Kyung, Kim Roe-ha, Song Jae-ho Diecisiete años después de su estreno son muchas las voces que continúan reivindicando el debut en el largometraje de Bong Joon-ho como lo mejor de toda su filmografía. No es para menos, porque este thriller de esencia neo-noir captura toda la esencia que ha catapultado al realizador, intercalando un cariz social con una construcción de personajes, intrigas y tonos casi imposibles en manos de cualquier otro. Crítica en Espinof: 'Memories of Murder': el colosal thriller criminal del director de 'Parásitos' sobre el primer asesino en serie coreano 'Silenced' ('도가니', 2011) Dirección: Hwang Dong-hyuk Reparto: Gong Yoo, Jeong Yu-mi, Kim Hyeon-soo, Kim Ji-yeong, Jeong In-seo Está claro que los surcoreanos son buenos independientemente del género que cultiven. Buena muestra de ello está en el trabajo de Hwang Dong-hyuk en 'Silenced', que transforma un drama judicial al uso en un relato desgarrador, turbio y desasosegante con un estilo envidiable y una capacidad de impacto única. Si se os quedó mal cuerpo viendo 'Spotlight', cuidado con ella. 'Hierro 3' ('빈집', 2004) Dirección: Kim Ki-duk Reparto: Seung-yeon Lee, Hee Jae, Kwon Hyuk-ho, Joo Jin-mo, Choi Jeong-ho, Lee Joo-suk Aunque es comprensible que tenga una legión de seguidores, no soy especial devoto del cine de Kim Ki-duk. Pero al César lo que es del César, porque este drama romántico, que sirvió al surcoreano para alzarse con el León de Plata a la mejor dirección en el Festival de Venecia de 2004 está filmada con una sensibilidad extraordinaria que no necesita prácticamente de palabras para hacernos sentir un torbellino de emociones a flor de piel. Prodigiosa. Crítica en Espinof: 'Hierro 3', amor fascinante 'The Chaser' ('추격자', 2008) Dirección: Na Hong-jin Reparto: Kim Yoon-seok, Ha Jung-woo, Seo Young-hee, Park Hyo-ju, Seong-kwang Ha, Jung In-gi En una lista con recomendaciones de cine coreano confeccionada por un servidor, los thrillers y la acción van a estar a la orden del día, y qué mejor muestra de lo que puede ofrecernos la industria de Corea del Sur que con el debut de Na Hong-jin en el largometraje. 'The Chaser' concentra en dos ajustadas horas un relato modélico sobre asesinos en serie, calculado al milímetro pero con un espacio inmenso para la sorpresa. Crítica en Espinof: 'The Chaser', quien a hierro mata… 'A Bittersweet Life' ('달콤한 인생', 2008) Dirección: Kim Jee-woon Reparto: Lee Byung-Hun, Hwang Jung-min, Jin Goo, Shin Min-ah, Kim Roe-ha, Kim Yeong-cheol Puede que viendo algún avance o un fragmento de 'A Bittersweet Life' os de la sensación de estar ante un tipo de producción que ya habéis visto anteriormente. Esto no sería descabellado, porque Kim Jee-woon se limita a firmar un thriller de acción al uso; pero el realizador se las apaña para dotarle de una cadencia narrativa y de un estilo visual que transforman lo cotidiano en una pequeña obra de arte. Crítica en Espinof: 'A Bittersweet Life', venganza silenciosa 'El hombre sin pasado' ('아저씨', 2010) Dirección: Lee Jeong-beom Reparto: Won Bin, Kim Sae-ron, Kim Tae-hoon, Won Bin, Kim Tae-hoon, Won Bin, Kim Sung-oh Si buscáis orgías de sangre, pólvora y huesos rotos, en Corea del Sur también os van a satisfacer con productos que se desligan tangencialmente de sus homólogos extranjeros. En el caso de 'El hombre sin pasado', Lee Jeong-beom abre la caja de las tortas para brindarnos un espectáculo de muerte y destrucción que adereza con parte de esa vis poética tan propia del país asiático. El resultado es un esencial para los amantes del cine de acción. Crítica en Espinof: Añorando estrenos: 'El hombre sin pasado' de Lee Jeong-beom 'Joint Security Area (JSA)' ('공동경비구역', 2000) Dirección: Park Chan-wook Reparto: Lee Byung-Hun, Song Kang-ho, Lee Young-ae, Shin Ha-kyun, Kim Tae-woo, Shin Ha-kyun Era cuestión de tiempo que el maestro Park Chan-wook hiciese acto de presencia en esta selección, aunque mi primera elegida de su filmografía no sea una de las más populares. Esta es 'Joint Security Area', un apasionante y, en cierto modo, sencillo thriller bélico que centra su mirada en el área de seguridad que separa Corea del Norte y Corea del Sur. Intriga de manual gestionada a las mil maravillas, contención y una cadencia apasionante para un título que reivindicar entre grandes filmes de renombre. Crítica en Espinof: 'JSA: Joint Security Area', Park Chan-wook y el bosque seco 'Tren a Busan' ('부산행', 2016) Dirección: Yeon Sang-ho Reparto: Gong Yoo, Ma Dong-seok, Ahn So-hee, Kim Soo-an, Jeong Yu-mi, Kim Eui-sung Recuerdo como si fuese ayer salir con los ojos como platos de ver 'Tren a Busan' durante la edición 2016 del Festival de Sitges, en la que ganó el premio a la mejor dirección y los mejores efectos especiales. Y es que este prodigio del subgénero zombi fusiona un corazón gigantesco con una espectacularidad que pone contra las cuerdas a la industria norteamericana, merendándose a producciones como 'Guerra Mundial Z' con patatas y sin despeinarse. Un blockbuster para enmarcar. Crítica en Espinof: 'Train to Busan', salvaje entretenimiento 'El extraño' ('곡성', 2016) Dirección: Na Hong-jin Reparto: Hwang Jung-min, Kwak Do-won, Chun Woo-hee, Jo Han-Cheol, Jun Kunimura Además de 'Tren a Busan', Sitges 2016 nos dejó la otra gran joya del fantástico coreano de finales de década; una 'El extraño' que ganó el premio a la mejor película asiática de la edición con una fusión de géneros apabullante que roza la excelencia en sus aspectos formales y narrativos. Con una atmósfera única, un libreto apasionante y un imaginario que pone los vellos de punta, la tercera película de Na Hong-jin bien merece el esfuerzo de superar sus asfixiantes 156 minutos de puro horror. Crítica en Espinof: 'El extraño', más allá de la subversión de géneros 'A Hard Day' (끝까지 간다', 2014) Dirección: Kim Seong-hun Reparto: Lee Seon-gyun, Cho Jin-woong, Jeong Man-shik, Shin Jung-geun, Dong Mi Shin Si hay algo que ha convertido al thriller surcoreano en una suerte de subgénero de culto, esa es la gestión de sus giros dramáticos y las virguerías que suelen hacerse con la estructura de los relatos. 'A Hard Day' es un ejemplo perfecto para ilustrar todo esto, convirtiendo el día de perros del agente Gun-Su en un festival de sorpresas y plot-twists que te mantiene pegado a la butaca sin olvidar arrancar unas cuantas carcajadas gracias a un tono mucho más ligero de lo que cabría esperar. En Espinof Las 39 mejores películas de la década (2010-2019) 'El bueno, el malo y el raro' ('좋은 놈, 나쁜 놈, 이상한 놈', 2008) Dirección: Kim Jee-woon Reparto: Lee Byung-Hun, Song Kang-ho, Jeong Woo-seong, Yoon Je-Moon, Ryu Seung-soo Volvemos a la carga con Kim Jee-woon y con su remake imposible de 'El bueno, el feo y el malo'. El de Seúl transforma la épica western de Sergio Leone en un espectáculo hipervitaminado sin prácticamente un sólo momento de respiro que bebe del mejor cine de aventuras. Con una cadencia narrativa que avanza a toda velocidad como un caballo desbocado y un tratamiento visual despampanante, puede que 'El bueno, el malo y el raro' no sea la mejor cinta de esta selección, pero demuestra que, hasta para las rarezas, el cine coreano es lo más. Crítica en Espinof: 'El bueno, el malo y el raro', desmedido espectáculo de Kim Jee-woon 'El imperio de las sombras' ('밀정', 2016) Dirección: Kim Jee-woon Reparto: Song Kang-ho, Gong Yoo, Han Ji-min, Eom Tae-gu, Park Hee-soon, Lee Byung-Hun Prometo que no volveré a daros la tabarra con otra película de Kim Jee-woon y 'El imperio de las sombras' será la última del director que incluya en mi selección. Con un contrapunto clásico bastante inusual para el revolucionario Kim, este thriller de época ambientado en los años 20 desencaja mandíbulas con su fantástico diseño de producción y termina de rematar la jugada con una interpretación principal de Song Kang-ho para enmarcar. Deliciosa. 'Endemoniada' ('김복남 살인사건의 전말', 2010) Dirección: Jang Cheol-soo Reparto: Seo Young-hee, Ji Seong-won, Hwang Min-ho, Lee Ji-eun, Park Jeong-hak Además de las virguerías con los giros dramáticos, al cine surcoreano suele asociarse, por norma general, una mano impecable a la hora de hibridar diferentes géneros. En el caso de 'Endemoniada', Jang Cheol-soo fusiona terror y drama en un tormentoso ejercicio de estilo en el que la tragedia conduce a la más salvaje venganza. Un nuevo ejemplo de que lirismo, brutalidad y emoción pueden coexistir si se aplica la sensibilidad y visceralidad suficiente al conjunto. 'La doncella' ('아가씨', 2016) Dirección: Park Chan-wook Reparto: Kim Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo, Cho Jin-woong, Moon So-ri, Kim Hae-sook Antes que 'Parásitos', el maestro Park Chan-wook puso en el candelero internacional el cine de Corea el Sur con su impresionante 'La doncella'. La cinta en cuestión cautivó en festivales como Cannes y Sitges, y cosechó nominaciones y galardones en premios como los BAFTA, los Critics Choice o los Satellite; reconocimientos más que merecidos si tenemos en cuenta su brillante realización, su exquisito y retorcido libreto y el modo en que consigue meterse bajo la piel hasta convertirse en casi una obsesión. Crítica en Espinof: 'La doncella', sorprendente y retorcida 'The Host' ('괴물', 2006) Dirección: Bong Joon-ho Reparto: Song Kang-ho, Byeon Hie-bong, Park Hae-Il, Doona Bae, Ko Ah-sung, Lee Dong-ho Bong Joon-ho lo hace todo bien. Tan pronto borda un thriller con asesinos en serioe de por medio que clava una épica postapocalípitica a bordo de un tren. Con 'The Host', el de Daegu mostró nuevamente su talento con un kaijū-eiga a la coreana emocionante, espectacular, imprevisible, con unos personajes tan redondos como su inspirado reparto y con un alma inconmensurable. Crítica en Espinof: 'The Host', emoción en estado puro 'Niebla (Haemoo)' ('해무', 2014) Dirección: Shim Sung-bo Reparto: Kim Yoon-seok, Park Yoo-chun, Han Ye-ri, Mun Seong-kun, Kim Sang-ho, Lee Hee-jun Shim Sung-bo debutó como guionista junto a Bong Joon-ho en 'Memories of Murder (Crónica de un asesino en serie)'. Once años después, Shim dio el salto a la dirección con 'Niebla', un drama en alta mar basado en hechos reales con una calidad impensable para un debutante en el que se explora la naturaleza humana a través de una realización vigorosa y un libreto enmarañado en el que cada giro es una caída al vacío. Asombrosa. 'The Tunnel' ('터널', 2016) Dirección: Kim Seong-hun Reparto: Ha Jung-woo, Doona Bae, Oh Dal-su, Lee Sang-Hee, Shin Jung-geun, Nam Ji-hyun Olvidaos de 'Daylight (Pánico en el túnel)', porque después de la fantástica 'A Hard Day', Kim Seong-hun dejó en entredicho el clásico noventero de Rob Cohen con este genial survival. Un despliegue técnico y narrativo sumamente efectivo que no teme en coquetear con el melodrama para demostrar que en esto del entretenimiento, en Corea del Sur no tienen nada que envidiar a la Meca del cine. 'La trilogía de la venganza de Park Chan Wook' Dirección: Park Chan-wook Vamos a dar carpetazo a esta selección por todo lo alto, de la mano de Park Chan-wook y su trilogía de la venganza. Elegir uno de los tres largometrajes que la componen y excluir los otros dos es tan complicado como injusto, así que, ¿por qué no quedarnos con los tres? 'Oldboy', 'Sympathy for Mr. Vengeance' y Sympathy for Lady Vengeance' conforman un trío del mejor cine que podamos echarnos en cara; tres joyas para enmarcar. Crítica en Espinof: 'Sympathy for Mr. Vengeance', el inicio de "la trilogía de la venganza" Crítica en Espinof: 'Old Boy', compasión por la bestia Crítica en Espinof: 'Sympathy for Lady Vengeance', adiós a la trilogía de la venganza ¿Cuáles son vuestras películas coreanas favoritas? ¡Contádnoslo en los comentarios! - La noticia Las 21 mejores películas coreanas de los últimos años para disfrutar tras ver ‘Parásitos’ fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Sophia Lillis, la que fuera Beverly en la adaptación de 'IT' (2017-2019) de Andy Muschietti aparece, como en aquella, completamente llena de sangre, corriendo en mitad de una calle desierta, en el tráiler de 'Esta ****** me supera' (i'm not Okay With This, 2020) para introducir un tono mucho más amable en el resto del tráiler, que parece que avecina un nuevo título adolescente de Netflix, hasta que la joven empieza a experimentar poderes paranormales. 'Carrie' + 'La chica de rosa' Algo que, además del baño de sangre, tiene en común con 'Carrie', otra joven adolescente que no se lleva bien con su madre y que descubre que tiene poderes telequinéticos, una constante propia de la obra de Stephen King. 'Esta ****** me supera' está basada en una novela gráfica de Charles Forsman y ha sido dirigida por Jonathan Entwistle, responsable 'The End of the F *** ing World'. En Espinof 'It. Capítulo 2': 27 guiños, homenajes y detalles para disfrutar a fondo la adaptación de Stephen King Sophia Lillis, se reencuentra aquí con Wyatt Oleff, el Stan de 'It', que aquí hace de un personaje muy diferente, pero que también se llama Stanley. Además, los productores de 'Stranger Things', Dan Cohen y Shawn Levy, también han formado parte de la producción en colaboración con 21 Laps. En la sinopsis se relata que" "Sidney, una chica de 15 años desapegada que guarda muchos secretos, incluyendo el hecho de que está enamorada de su mejor amigo, tiene problemas para superar la muerte de su padre, y que tiene superpoderes que parece no poder controlar". La serie constará de ocho episodios de 30 minutos, y junto a Lillis y Oleff tendremos a Stanley Barber, Sofia Bryant, Kathleen Rose Perkins, Aidan Wojtak-Hissong y Richard Ellis. - La noticia Tráiler de 'Esta ****** me supera': la serie de Netflix parece 'Carrie' dentro de una película de John Hughes fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Eve y Villanelle ya lo tienen todo listo para su regreso a la televisión. BBC America ha anunciado que la temporada 3 de 'Killing Eve' se estrenará el 26 de abril en EEUU. En España, HBO no ha anunciado todavía la fecha pero teniendo en cuenta que la suelen emitir al día siguiente, podemos esperar su llegada para el 27. Tras el sangruiento final de la temporada 2, en estos nuevos episodios vemos a nuestras protagonistas intentar sobrevivir sin la adicción que supone tener una "enemiga": para Villanelle (Jodie Comer), Eve (Sandra Oh) está muerta. Para Eve, Villanelle nunca la encontrará. En Espinof Siete series imprescindibles para ampliar tu imaginario feminista Sin embargo una muerte las pondrá de nuevo en rumbo de colisión la una hacia la otra. Mientras ambas estarán reanalizando sus alianzas y enemistades en una nueva temporada que estará escrita, esta vez, por Suzanne Heathcore en la tradición de cambiar de guionista cada temporada. Y, a ver qué tal le van porque se notaba medianamente en la segunda. La temporada tres de 'Killing Eve' tendrá en su reparto principal a Comer, Oh, Fiona Shaw y Kim Bodnia. Además en esta temporada se incorporan Dame Harriet Walter, Danny Sapani, Gemma Whelan, Camille Cottin, Steve Pemberton, Raj Bajaj, Turlough Convery, Pedja Bjelac y Evgenia Dodina. - La noticia 'Killing Eve': la tercera temporada del thriller feminista ya tiene fecha de estreno fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Cuando se anunció la futura existencia de ‘El Pueblo’ sentí cierta pereza, ya que era vendida como la nueva serie de los creadores de ‘La que se avecina’, titulo que defendí durante años pero que abandoné hace ya unos años porque sentía que se había agotado. Temía que ‘El Pueblo’ fuese a limitarse a seguir la misma fórmula y, ante la escasez de tiempo, aplacé sine die el darle una oportunidad. Finalmente me animé poco después de la llegada de la primera temporada a Telecinco tras las buenas palabras que le dedicó mi compañero Albertini y quedé gratamente sorprendido. Los problemas de convivencia vuelven a estar a la orden del día y los recién llegados a Peñafría sí que recuerdan algo a los vecinos de Mirador de Montepinar, pero me encontré una serie fresca y entretenida que ha revalidado sus virtudes en la segunda temporada que Amazon estrenó el pasado 14 de febrero. El choque entre dos formas de vida A partir de aquí encontraréis algún spoiler de la segunda temporada de 'El pueblo. No voy a negar que lo que más me gusta de la serie son los vecinos que ya habitaban Peñafría, tanto por lo que aportan a nivel individual con sus costumbres arraigadas como por su uso a modo de contraste con los nuevos y urbanitas vecinos. Así fue en la primera temporada y ha vuelto a suceder en los cuatro episodios de la segunda que ya he podido ver, con la elección de un nuevo alcalde como primer gran hilo conductor. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 Además de servir para frustrar un nuevo plan de Juanjo para recuperar la gloria pasada, este punto ha servido para potenciar la importancia de las mujeres en la serie sin por ello olvidarse de las notables diferencias entre ellas. La elección de María como nueva líder de Peñafría no deja de ser una forma de mantener al menos en parte las costumbres de la zona y que la dinámica no cambie más de lo necesario. Ademas, la serie ha conseguido que eso no cambie la actitud de los personajes, ya que el único al que realmente cuesta reconocer con respecto a la primera temporada es a Moncho, cuya forma de ser no es que se suavice, es que se transforma de forma notable. Lo hace primero enganchándose a jugar a la consola, siendo la trama que peor ha funcionado hasta ahora, y luego por la llegada de Edu Soto, cuyo personaje representa para él una amenaza a varios niveles. En Espinof Las 34 mejores series españolas que puedes ver en Netflix, HBO, Amazon, Movistar+ y otras plataformas de VOD Ahí la serie parece querer seguir la fórmula del triángulo romántico que ya exploró en la primera tanda de episodios con Pablo, Laura e Isabel, la cual gana importancia en la segunda por la llegada de la tercera en discordia a Peñafría, pero para hacerlo ha desdibujado un tanto al personaje interpretado por Santi Millán. Muchas veces el cambio es necesario para no atascarse, pero en este caso creo que se han precipitado. Mucho que disfrutar No olvidemos que la primera temporada fueron apenas ocho episodios, los mismos que tiene la segunda, por lo que todavía había espaciado para deleitarse en las personalidades de los habitantes de Peñafria e ir creando diferentes combinaciones para que el choque entre ellos fuese el origen de la comedia. Por suerte, eso también se está haciendo, consiguiendo que la temida repetición no haga acto de presencia a las primeras de cambio. En Espinof Las 47 mejores series de la historia Además, el propio pueblo -Peñafría en la ficción, Valdelavilla en la vida real- vuelve a ser otro personaje más de la serie, ya que permite respirar más a los personajes y potenciar la posibilidad de que algo similar pudiera suceder en la vida real. Una serie como ‘El Pueblo’ sería muy diferente de rodarse en plató y sus responsables siguen siendo muy conscientes de ello, aprovechando también muy bien otros escenarios como el río o las ruinas. Otro elemento esencial para que la serie funcione está en su reparto, un grupo de lo más diverso pero que los guionistas saben aprovechar bastante bien con un reparto de tramas equilibrado. Cada uno de los personajes tiene el potencial para ser el favorito de algún espectador y eso es algo que no se está descuidando. Uno de los detalles por los que yo me decanto más por los oriundos de Peñafría es por lo inhabitual de que tengan tanta presencia en una propuesta de estas características -aún lamento el fracaso de la reivindicable ‘Plaza de España’ y sigo echando de menos a los personajes de Claudio y Braulio de ‘Olmos y Robles’- y sus peculiares costumbres, ahora en constante evolución pese a la obvia reticencia de Arsacio, siguen dando color a la serie. En resumidas cuentas Pese a alguna pequeña pega, la segunda temporada de ‘El Pueblo’ sigue siendo un soplo de aire fresco en el panorama televisivo español. Una serie que recoge parte de lo sembrado por ‘La que se avecina’ pero que ha encontrado rápidamente su identidad propia y sigue incidiendo todo aquello que funcionó en la primera tanda de episodios. Un pasatiempo ligero pero con encanto con el que matar cualquier rato libre que tengas en el que no quieras complicarte mucho eligiendo. - La noticia 'El Pueblo' revalida sus virtudes en su regreso a Amazon: la temporada 2 sigue igual de fresca y entretenida fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Trey Edward Shults apenas supera la treintena, pero sus largometrajes tienen la carga emocional del melodrama de familia más épico de Hollywood pasado por el tamiz de la actualidad. Lo hizo de manera literal en su debut, 'Krisha', lo disfrazó de un género más agradecido en 'Llega de noche' y ahora lo ha vuelto a hacer en su trabajo más ambicioso, 'Un momento en el tiempo - Waves'. Cosas de casa No hay nada nuevo bajo un sol que brilla con toda su fuerza aquí. Trent Reznor y Atticus Ross siguen a lo suyo en un trabajo donde el verdadero héroe de la función, a pesar del estratosférico reparto de la película, es Drew Daniels, que además de iluminar todo el cine del director también ha pasado por 'Euphoria'. Y precisamente ahí tenemos una buena parte de la referencia del contenido que maneja el director aquí. En Espinof Las 21 mejores películas de adolescentes de ayer y de hoy En contraste con el vital paisaje del sur de Florida, 'Un momento en el tiempo - Waves' muestra el épico viaje emocional de una familia afroamericana (más o menos) acomodada, liderada por un padre bien intencionado pero dominante, mientras se estrellan con el amor, el perdón y y la tragedia. El jovencísimo Trey Edward Shults aprieta a fondo el pedal melodramático en una historia desgarradora sobre la capacidad universal del perdón y la unidad, incluso en los momentos más oscuros. El problema de una película como esta es cuando toda la intensidad de la calma que precede a la tormenta queda tan subrayada, tan marcada. Es decir, desde el primer plano que abre la película uno está preparado para ir asumiendo un choque frontal a velocidad de vértigo. Y durante sus excesivos 135 minutos tenemos tiempo de sobra para que esas malas energías traspasen la pantalla y terminen por agotar al espectador. La euforia y la magnolia Estamos atravesando un momento en el cine estadounidense donde las figuras de la familia se están descomponiendo en la gran pantalla. Además, dos de estos cineastas estaban tonteando con el fantástico de una forma más que agradecida. Ari Aster, de momento, sigue con la fórmula de género, pero Trey Edward Shults, también estandarte de A24, parece haber cambiado de opinión tras la muy interesante 'Llega de noche'. Nada dispuesto a repetirse, el director de la también excesivamente intensa 'Krisha', que adaptaba su propio cortometraje y donde contaba con su familia propia tía Krisha Fairchild como protagonista, elige un retrato mucho más magnolio que lo que uno espera gracias a las filigranas técnicas de una cámara que está en constante movimiento para enredarnos en la espiral de desgracia de la familia protagonista. Hay tres películas (aunque parezcan dos) aquí dentro, algo que el cineasta recalca hasta con tres formatos distintos, contando distintos momentos de esas vidas en 1.33, 1.85 o 2.35, según las emociones y el tono de los acontecimientos. Entre el drama deportivo y el drama familiar tenemos una historia mucho más aterradora protagonizada por un ciudadano cualquiera de un país lleno de incertidumbre que se encuentra mucho más perdido y necesitado de ese cariño y perdón de lo que piensa. Es ahí donde mejor se aprecia la intención del director, pero tal vez la sobrecarga emocional tan consistente y los lugares comunes que visita sin pausa, pero con prisa, no dejen lugar para un respiro necesario. Y así se muere de agotamiento. Algo lógico en un joven cineasta que se inició de la mano de Terrence Malik. - La noticia 'Un momento en el tiempo - Waves', el ambicoso drama de Trey Edward Shults adolece de sobredosis emocional fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Puede que la primera gran sorpresa del año en lo que respecta a estrenos haya sido la que nos ha dado la mascota de SEGA en su primer largometraje de acción real. Muchos esperábamos que 'Sonic, la película' fuese, si no un auténtico desastre, una obra que dejase bastante que desear, pero su inesperada frescura y su sentido del humor nos ha dejado un buen sabor de boca que se ha visto reflejado en la taquilla del fin de semana. La aventura del Borrón Azul ha alcanzado el primer puesto del box office estadounidense con unos nada desdeñables 57 millones de dólares recaudados. Una grata alegría para Paramount si tenemos en cuenta que el presupuesto del filme está estimado en unos 85 millones y que, a nivel mundial, la producción ya ha amasado más de 110 millones de dólares, recuperando la inversión. En Espinof Las 13 mejores películas sobre videojuegos Este fantástico debut, además, marca un nuevo récord que, hasta la fecha, ostentaba 'Pokémon: Detective Pikachu'. La cinta basada en la popular franquicia de Nintendo tenía el mejor fin de semana de apertura doméstico para una adaptación de un videojuego con 54,3 millones de dólares en tres días; tiempo suficiente para verse superada por una 'Sonic, la película' a la que aún le queda una cuarta jornada para seguir engrosando sus beneficios —en EE.UU. hoy es festivo por el Día del Presidente—. Y ya que hablamos de récords, no debemos olvidarnos de la otra gran revelación de esta semana. Tras arrasar en los Óscar 2020, 'Parásitos' está viviendo una segunda vida en taquilla con un reestreno que le ha dado el mayor empujón que ha recibido una ganadora del premio a mejor película en la pasada década. El incremento de entradas en suelo estadounidense tras 19 semanas desde su estreno ha sido del 234%, colándose en el número 8 con 5,5 millones de dólares recaudados entre el viernes y el domingo y más de 200 acumulados en todo el mundo. Pero no todo van a ser buenas noticias. Y es que el cambio de título no ha ayudado demasiado a que las 'Aves de presa' de Harley Quinn remonten el vuelo; de hecho, las heroínas de DC han caído un 48.2% en su segunda semana en cartel, con una recaudación ligeramente superior a los 17 millones de dólares. El erizo también quema suela en España TOP 5 Weekend Provisional 1-Sonic, la pelicula 1,8M€ 2-Parasitos 1,1M€ 3-Hasta que la boda nos separe 0,8M€ 4-Adú 0,7M€ 5-Aves de presa (y la fantabulosa emancipacion de Harley Quinn) 0,6M€ pic.twitter.com/RIP6cC23AI — ComscoreMoviesSpain (@cSMoviesSpain) February 17, 2020 Dentro de nuestras fronteras, el erizo de SEGA también ha quemado suela para adelantar a sus competidoras sin despeinarse con 1,8 millones de Euros; pero la gran revolución vuelven a ser los 'Parásitos' de Bong Joon-ho y sus alucinantes 1,1 millones amasados. Cierran el Top 5 la nueva comedia de Atresmedia 'Hasta que la boda nos separe', 'Adú' y 'Aves de presa' con 0,8, 0,7 y 0,6 millones de Euros respectivamente. - La noticia 'Sonic, la película' y 'Parásitos' baten récords en la taquilla del fin de semana fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Netflix cada vez tiene menos piedad para soltar lastre y así hacer hueco a sus nuevos proyectos. En esta ocasión la afectada ha sido 'Insatiable', ya que la plataforma de streaming ha decidido cancelar la polémica serie tras el lanzamiento de apenas dos temporadas. Netflix se ha tomado su tiempo La duda que queda es si Netflix había tomado la decisión hace tiempo o si ha sucedido algo últimamente que ha precipitado la cancelación. Tengamos en cuenta que la segunda temporada se estrenó el pasado 11 de octubre y no ha sido hasta ahora cuando se ha hecho oficial. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 Alyssa Milano, una de las protagonistas de la serie, ha confirmado la noticia a través de su cuenta de Twitter, lamentando que seguramente ya nunca sabremos quién es el padre del bebé de Coralee: This is sadly true. We had the most fun creating this show. I want to thank the fans who gave us a shot and kept coming back for more. Season 1 & 2 are still streaming. P.S. Any thoughts on who was Coralee’s baby daddy? I guess we will never know. 😭 #Insatiable https://t.co/iM9qzTgxDl — Alyssa Milano (@Alyssa_Milano) February 14, 2020 En este caso es bastante probable que la serie resucite en otro sitio porque nunca ha generado demasiado ruido por parte de sus seguidores -sí que recibió varias críticas negativas por ofensiva durante sus inicios-, pero imagino que los responsables de la serie creada por Lauren Gussis al menos lo intentarán. Vía | Variety - La noticia 'Insatiable' es cancelada: la polémica serie de Netflix no tendrá temporada 3 fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Todos los años, entre las finalistas a los Premios Óscar en las categorías actorales, se cuelan un par de biopics de figuras relevantes del mundo de la cultura, la política o la historia en general. Normalmente, estas películas suelen ser trabajos muy menores, productos manufacturados y pensados para llegar con varias nominaciones a la ceremonia. Este año fue el turno de 'Judy', sobre Judy Garland, una de las figuras más atormentadas de la edad dorada de Hollywood. Una niña sobreexplotada que acabaría convirtiendo su vida en una espiral de autodestrucción por culpa de su inestabilidad mental y adicciones. Teniendo en cuenta el cuadro que podría haber salido del biopic de una artista con una vida tan sórdida, lo cierto es que 'Judy', al estar inspirada en una obra de teatro, sabe esquivar ciertos lugares comunes de este tipo de películas. Aun así, hay algo en su montaje y en la forma de filmar ciertas escenas que la convierten en un producto extraño e inconexo, a caballo entre el drama íntimo y la gran película comercial norteamericana. Entre todo esto, podemos apreciar las ideas de un director que parece conocer muy bien el material de base y que apuesta todo a la selección musical de la cinta. En sus canciones, es donde 'Judy' esconde su discurso más poderoso, su reflexión sobre el auténtico calvario que debió vivir esta niña y que sirve también para redimir a Renée Zellweger. A continuación analizamos los seis temas musicales más destacados de 'Judy' y lo que significan en la película: By Myself La primera canción que Renée Zellweger canta en la película, está tomada del último de los musicales que hizo Judy Garland para el cine, 'Podría seguir cantando' ('I Could Go on Singing', 1963), una película con muchos paralelismos con el momento de la vida de la cantante que narra el biopic. La película contaba la historia de una cantante que iba a hacer una serie de conciertos a Londres (punto de partida de 'Judy') con la excusa de reencontrarse con personas de su pasado, y esta canción en concreto será una de las que interprete siendo una poderosa y evidente declaración de intenciones. En Espinof Las 31 mejores películas sobre la industria de la música 'Be Myself' habla de la importancia de ser independiente emocionalmente y rehacer una vida después de una ruptura amorosa; como se puede observar, responde muy bien a ese momento de la cinta, cuando Judy ha dejado a su marido y opta por una vida profesional que salvará a sus hijos. También, cuando se filma la película en el 63, esta aria es elegida con un doble sentido, más todavía si tenemos en cuenta que no es una pieza original, sino que está tomada de un musical de los años 30 llamado 'Between the Devil'; esta técnica de prestarse canciones entre musicales y películas era bastante habitual, de hecho, Garland interpretó 'Singing in the Rain' en una película Little Nellie Kelly, más de diez años antes del lanzamiento de la cinta homónima. Es una gran elección de cara a narrar este regreso puesto que muestra a una artista totalmente rota pero que todavía no se rinde ya que tiene mucho que contar. Trolley Song Una de las canciones más populares interpretadas por Garland, tomada de la película 'Cita en St. Louis' ('Meet Me in St Louis', 1944) es este "Trolley Song". Probablemente una de las canciones más populares del musical clásico, con una puesta en escena icónica que define perfectamente a todo el género. En apenas cinco tomas, observamos a una joven Judy interpretando uno de esos números icónicos, que no tiene sentido a nivel narrativo y simplemente es una canción jovial y alegre a bordo de un tranvía rodeado de mujeres en pomposos y coloridos vestidos que dejaban ver las virtudes del Technicolor. En Espinof Las 21 mejores películas musicales de todos los tiempos 'Cita en St. Louis' es una de las películas más recordadas de la actriz, puesto que suponía su incursión en el cine adulto con un musical que dejaría varias canciones y escenas para el recuerdo además de suponer el inicio de su relación con el director Vicente Minelli de la que nacería otra leyenda, Liza Minelli. En 'Judy', The Trolley Song aparece como la parte más viva de estos conciertos, donde podemos ver como la cantante va recuperando la motivación y confianza consigo misma; y, una vez más, se corresponde al estado real de la verdadera Garland, puesto que, dentro de su desgracia, estos fueron los años de mayor esplendor de la actriz y cuando haría las películas por las que es recordada. Get Happy Aunque es la que menos tiene que ver con el contexto original de la película en la que aparece, 'Summer Stock' (1950), en la etapa más lucida de la actriz, lo cierto es que "Get Happy" puede servir para hacernos una idea de la importancia que tiene Judy Garland como icono en la comunidad ***. En uno de los momentos más lúcidos del biopic, 'Judy' se va a cenar a casa de dos fans que tienen una relación de espaldas a la sociedad y cuando uno de ellos empieza a tocar el piano, ella canta esta balada mostrando que su música, su arte y sus películas son un lugar seguro. La trágica vida de la actriz se convirtió enseguida en un espejo para los homosexuales de la época quienes veían en sus problemas un paralelismo con la vida que, por seguridad personal, tenían que llevar en secreto. En Espinof Cuando la vida es un musical: las 21 mejores escenas musicales en películas de otros géneros A su vez, Garland inventa toda una forma de interpretar amanerada, conscientemente exagerada (a veces rozando lo irónico), pero siempre dulce que ha sido seguida por todo tipo de divas hasta nuestros días; además, no podemos olvidar que, referenciando a El mago de Oz, se popularizaría la expresión “Amigo de Dorothy” para identificarse entre homosexuales en diferentes bares y clubs. Si algo tiene Get Happy, es que ha sido interpretada a lo largo de los años por artistas como Barbra Streisand o Lea Mitchelle que han sido también iconos gays. Come Rain or Come Shine Aunque no apareciera en ninguna de sus películas, "Come Rain or Come Shine" es una canción del musical 'St. Louis Woman', de la que Garland haría una versión para uno de sus álbumes y la interpretaría posteriormente en The Judy Garland Show. Se trata de una tradicional balada de desamor que, una vez más, encaja con la desequilibrada vida y la fragilidad de la artista. Come Rain or Come Shine es una canción que habla de la dependencia amorosa y la toxicidad que, en el momento de Judy que es interpretada , resume muy bien el estado de destrucción en el que se encuentra y como está enganchada a un hombre que en realidad no la quiere, lo que es extrapolable a su drogodependencia. Es digamos una forma bastante elegante que tiene el director de avisarnos de su cercana muerte. The Man That Got Away Aunque en la película no aparezca interpretada per se, sí que Zellweger la grabó para el OST y en ciertos momentos podemos escucharla de fondo. Esta balada, es junto a Over the Rainbow, la canción más significativa en su carrera como actriz y aparece en la versión de los 50 de Ha nacido una estrella. En una escena que hoy parecería anticlimática e impensable para cualquier montador, George Cukor nos ofrecía en una sola toma la interpretación desgarrada de este tema sobre una mujer que ve irse al hombre al que amaba. En Espinof Las 22 mejores películas biográficas de la historia del cine En el contexto de la película, más allá del riesgo de introducir casi 4 minutos de canción (sin ningún tipo de baile o cabriola) en un solo plano, el número servía para premonizar la relación en la que su personaje iba a involucrarse y su trágico resultado, puesto que mientras canta, el que será su futuro marido la observa con deseo. La innovadora forma de filmar ese número y, una vez más, la historia trágica de la canción convierten a The Man that Got Away en un momento clave de la vida de Garland que, entendiendo que entorpecería mucho el ritmo del biopic, es utilizado de forma sutil para, una vez más, entender su desdicha y dolor. Over the Rainbow Poco más se puede aportar en lo que se refiere a esta canción que no se haya dicho ya. Un momento único e irrepetible en la historia del cine que es una invitación a los sueños que representaba Hollywood. El mago de Oz es toda una declaración de intenciones simbólica desde el momento en el que el sepia de un pueblo de Kansas se convierte en un deslumbrante technicolor llevando a la protagonista a un mundo multicolor donde todo es posible. Es muy interesante que el director opte por introducir esta canción como colofón de su película, cuando, de una forma u otra, es la que popularizó a Garland y la consagraría como la estrella que todavía es; pero es mucho mejor recordar a esta diosa como lo que fue y no en lo que la transformaron. "Over the Rainbow" es una de esas escenas que con el tiempo van tomando otra forma, por un lado es la representación por antonomasia de lo que el cine de estudio llegó a ser, por otro, el icono *** que comentábamos anteriormente puesto que Kansas se entendía como la América profunda y conservadora y el mundo de Oz como las ciudades donde empezaba a haber más libertad. Pero todo esto escondía el grito de desesperación de una niña que estaba siendo explotada, una niña que con su inocencia no era consciente de que acabaría siendo toda una leyenda. - La noticia 'Judy' y las canciones de Judy Garland: una gran selección que retrata el drama real de la estrella de la Hollywood fue publicada originalmente en Espinof por Álex Manzano .

El cine de cómics tuvo un gran protagonista en la 92ª edición de los Premios Óscar: 'Joker'. El film de Warner y DC partía con 11 candidaturas y se alzó con dos estatuillas (mejor actor y mejor música) mientras que su gran rival, Marvel, solo tenía nominada a 'Vengadores: Endgame' en el apartado de mejores efectos visuales, y fue derrotada por '1917'. 'Endgame' tiene el trono de la taquilla y ningún Óscar Sin embargo, la producción más ambiciosa de Marvel Studios hizo historia en la gala... de la peor forma posible. Recordemos que 'Vengadores: Endgame' es el largometraje más taquillero de la historia del cine con 2.797 millones de dólares. El récord (negativo) que ha conseguido es que por primera vez en la historia, la película con mayor recaudación de todos los tiempos no se ha llevado ningún Óscar. En Espinof 'Vengadores: Endgame': resolvemos todas las preguntas sobre el final de la película que lo ha cambiado todo en el Universo Marvel Desde la primera edición de los premios de Hollywood, celebrada en 1929, diez producciones han roto el récord histórico de taquilla y las nueve primeras recibieron algún galardón de la Academia. De hecho, hasta ahora habían ganado al menos tres estatuillas. Fueron estas: 'Lo que el viento se llevó' ('Gone with the Wild') ganó 10, 'Sonrisas y lágrimas' ('The Sound of Music') se alzó con 5, 'El padrino' ('The Godfather') se llevó 3, 'Tiburón' ('Jaws') otros 3, 'La guerra de las galaxias' ('Star Wars) llegó a 7, 'E.T.' ganó 4, 'Parque Jurásico' ('Jurassic Park') se llevó 3, 'Titanic' igualó el récord con 11 y 'Avatar' recibió 3. ‘Endgame’ makes history at the #Oscars pic.twitter.com/AFfDhRl5bI — Fandom (@getFANDOM) February 11, 2020 Sorprendentemente, 'Vengadores: Endgame' ('Avengers: Endgame') se fue de la gala sin el único Óscar al que aspiraba. Por cierto, la película de Marvel Studios que más éxito ha tenido hasta ahora en los galardones más importantes de la industria norteamericana es 'Black Panther', ganadora de tres estatuillas. Mantiene además el récord de película de cómics o superhéroes con más Oscars hasta la fecha. Los próximos estrenos de Marvel Studios Viuda negra (Black Widow): 1 de mayo de 2020 The Eternals: 6 de noviembre de 2020 Shang-Chi And The Legend Of The Ten Rings: 12 de febrero de 2021 Doctor Strange In The Multiverse Of Madness: 7 de mayo de 2021 Spider-Man 3: 16 de julio de 2021 Thor: Love And Thunder: 5 de noviembre de 2021 Black Panther 2: 6 de mayo de 2022 - La noticia 'Vengadores: Endgame' hizo historia en los Premios Óscar... con un récord negativo del que Marvel no va a presumir fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Phoebe Waller-Bridge y Vicky Jones, sobre todo la primera, fueron las responsables de la gran éxito televisivo de los dos últimos años, la espléndida 'Fleabag' de Amazon Prime. Ahora vuelven a trabajar juntas en el nuevo thriller (cómico) de HBO, 'Run'. (Ex)novios a la fuga HBO ha mostrado el primer tráiler de 'Run', una nueva comedia sobre una pareja de ex amantes que dejan todo para viajar por los Estados Unidos. Waller-Bridge será la productora ejecutiva de la serie, que ha sido creada por su colaboradora de 'Fleabag' (y 'Killing Eve') Vicky Jones. En Espinof Emmy 2019: dónde ver en streaming las series ganadoras 'Run' cuenta la historia de Billy y Ruby, ex pareja de la universidad, mientras vuelven a conectar después de 17 años de separación. ¿La razón? En su momento hicieron un pacto en el que si alguno de ellos, en algún momento, necesitara dejarlo todo y salir de la ciudad, podría enviarle un mensaje de texto a la otra persona con la palabra "EJECUTAR", y si la otra persona respondía con la misma palabra, se encontrarían y se irían en un viaje a través de los Estados Unidos. El piloto establece la premisa inicial, revelará algunos secretos que los personajes se ocultan entre sí y ofrecerá una serie de carreras, lógicamente. Por lo que parece, Ruby puede haber dejado atrás a una familia, y Billy podría estar en algún tipo de problema. Sin duda, una configuración intrigante para thriller de comedia protagonizado por Domhnall Gleeson y Merritt Wever. Waller-Bridge será la estrella invitada como una mujer que conocen en el camino. 'Run' se estrena en HBO el domingo 12 de abril de 2020. - La noticia Tráiler de 'Run', la nueva comedia para HBO de la creadora de 'Fleabag' fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Tras una pequeña pausa con motivo de los Óscar, retomamos Cazando Gangas, la sección de Espinof en la que repasamos las mejores ofertas del mundo del cine y la televisión de cada semana. Hoy encontraréis, entre otros artículos, el steelbook de 'Interstellar', la serie completa de 'Roma' y una figura de Voldemort. ¡Vamos allá! Películas Blu-ray Por 24 euros podéis haceros con este pack con las cinco películas basadas en las aventuras de Jack Ryan. Jack Ryan Collection (5 Blu-Ray) [Italia] [Blu-ray] Hoy en Amazon por 24,00€ Ojo también a esta colección con las cuatro películas de 'Robocop', que 10,77 euros es un precio al que resulta difícil resistirse. Casi a mitad de precio se queda la edición sencilla de 'Toy Story 4' en El Corte Inglés, donde pasa de 22,99 a 12,95 euros DVD 'El fotógrafo del pánico' es una de las mejores películas de terror de todos los tiempos y en Amazon la tenéis por 4,95 euros El Fotógrafo Del Pánico [DVD] PVP en Amazon 4,95€ PVP en Fnac 9,99€ En varias tiendas ya está descatalogada, así que si no tenéis todavía 'Escalofrío en la noche', en Amazon la tenéis por 4 euros En Fnac tenéis activa una oferta de 3x2 que incluye tanto películas en dvd como en blu-ray por si queréis mezclar. Steelbook Seguro que varios estaréis interesados en este steelbook de 'Interstellar', la aclamada película de Christopher Nolan: 12,76 euros Interstellar (Iconic Moments) (2 Blu-Ray) (Steelbook) [Italia] [Blu-ray] PVP en Amazon 12,76€ Algo olvidada actualmente, esta oferta es buen momento para recuperar 'Tigerland', la película de Joel Schumacher con Colin Farrell: 8,39 euros 10,59 euros tendrás que pagar por 'Full Monty', una de las comedias más celebradas de los años 90. UHD Ojo a la edición extendida de 'El resplandor' con el montaje americano, 20 minutos más largo que el visto toda la vida en España. La pena es que no incluye doblaje en castellano, pero sí subtítulos en español: 18,22 euros Shining (Extended Edition) (4K Ultra Hd + Blu-Ray) [Italia] [Blu-ray] PVP en Amazon 18,22€ Buena oferta en Zavvi con esta selección de más de 238 títulos de los que podrás elegir 2 películas en UHD por 32 euros. Todavía mejor pero con menos títulos disponibles: una pelicula en UHD a elegir entre una selección de 20 títulos por 10,99 euros Series de televisión Blu-ray Sale mucho mejor comprar la edición inglesa de la serie completa de 'Roma' porque los discos son idénticos a los españoles: 27,49 euros Rome - Complete Box Set [Edizione: Regno Unito] [Reino Unido] [Blu-ray] PVP en Zavvi 27,49€ Hoy en Amazon por 44,29€ Buena opción para los amantes de las cajas metálicas: la primera temporada de 'Juego de Tronos' baja a mitad de precio, quedándose en 24,99 euros Gran precio para la edición británica -ojo con el tema audio y subtítulos- de 'The Vampire Diaries' en Zavvi: 53,99 euros Dvd Si queréis haceros con la serie completa de 'Corrupción en Miami', haceros con la edición inglesa, que incluye los mismos discos que la española y a mucho mejor precio: 34,99 euros Miami Vice - The Complete Collection (32 Dvd) [Edizione: Regno Unito] [Reino Unido] PVP en Zavvi 34,99€ Hoy en Amazon por 57,50€ Buen precio para la serie completa de 'The Good Wife' en dvd, pero ojo que se trata de la edición inglesa y no incluye doblaje o subtítulos en español: 46,49 euros Lo mismo sucede con la edición inglesa de la serie completa de 'Teen Wolf', pero a este precio merecía la pena destacarlo: 29,99 euros Merchandising Figuras Una gran oferta para los fans de Harry Potter: una figura de acción de Lord Voldemort realizada por McFarlane por apenas 17,99 euros McFarlane- Wizarding World Collection Figura de Acción Lord Voldemort, Multicolor (13304-2) PVP en Zavvi 17,99€ Hoy en Amazon por 24,00€ Por 19,99 euros podéis haceros con este pack que incluye una figura de Depredador y otra de Alien. Buena oferta en Zavvi en Funko Vinyls, otra línea de figuras de la compañía. Puedes llevarte dos packs por 17 euros Ropa Ojo a este pack que incluye una camiseta de Han Solo y dos Funko Pop por apenas 16,99 euros https://www.zavvi.es/moda/pack-star-wars-han-solo-camiseta-2-pop/12483053.html PVP en Zavvi 16.99€ Por 28 euros podéis haceros con dos camisetas frikis de una selección de más de 90. Casi 700 modelos a elegir en esta oferta de Zavvi que te permite elegir dos camisetas de Marvel por 22 euros. Otros Asegúrate de no mojar ninguna mesa con estos simpáticos posavasos lenticuras de 'Deadpool' por 10,63 euros Paladone Posavasos Lenticulares Marvel Deadpool (4 Unidades), Approx. 8.8 x 8.8 cm Hoy en Amazon por 10,63€ PVP en Zavvi 10,99€ De 23,99 a 14,99 euros baja este simpático peluche de Rick en forma de pepino, basado en uno de los episodios más recordados de la aclamada serie de animación. Si buscas un disfraz para tu hijo, echa un ojo a este de Buzz Lightyear que en ShopDisney está rebajado un 20%, quedándose en 32 euros. Imagen y Vídeo Televisores Más de 100 euros rebajado está el LG OLED55E9PLA en PcComponentes sobre un precio ya de por sí muy competitivo, quedándose en 1619 euros. Estamos ante smart TV de 55" cuenta con el procesador Alpha 9 de segunda generación, Dolby Vision, HDR10, HLG y HDR Technicolor, es compatible con Alexa y Google y tiene webOS 4.5 como sistema operativo. LG 55E9PLA PVP en PcComponentes 1.619,00€ Hoy en Amazon por 1.849,00€ Si tu presupuesto no da para tanto, echa un ojo al Philips 65PUS6504 que en Amazon se queda en 569,99 euros. Cuenta con un panel LED de 65" 4K UHD, HDR 10+ y HDR Dolby Vision, sonido Dolby Atmos y con la plataforma Saphi de Philips. Si quieres ajustar aún más el precio, atención al LG 55UM7610PLB que en Amazon baja hasta los 519 euros. Es una smart TV con panel LED 4K UHD con Alexa Integrada, modos HDR, webOS 4.5 y procesador Quad Core. Barras de sonido Casi a mitad de precio se queda la barra de sonido Samsung HW-R430ZF en PcComponentes, donde baja de 249 a 135 euros. Entre sus prestaciones destacan su potencia de 170W y los decodificadores incorporados: DTS y Dolby Digital. Samsung HW-R430/ZF - Barra de Sonido (170 W, 2.1 Canales), Color ***** PVP en PcComponentes 135,00€ Hoy en Amazon por 234,99€ PVP en MacroStore 298,81€ Muy buen precio para la barra de sonido curva Samsung Sound+ HW-MS6500 en MiElectro, donde está rebajada más de 240 euros, ya que pasa de 599,99 a 359 euros. Cuenta con 450 W, 9 Altavoces, 4K, Wi-Fi, Dolby 5.1ch, DTS. La barra de sonido Bomaker baja en Amazonde 129,99 a 109,98 euros. Cuenta con con subwoofer Inalámbrico y Bluetooth 4.2 con Control Remoto. Más ofertas 3 meses de Amazon Kindle Unlimited gratis. 4 meses de Amazon Music Unlimited por 0,99 euros. 30 días de Amazon Prime gratis Amazon Prime a mitad de precio para estudiantes con 90 días de prueba gratuita. Si tras todo esto nuestra sección de los domingos se te queda corta, puedes estar al día y en cada momento informado de las principales ofertas en los cazando gangas de Xataka, Xataka Móvil, Xataka Android, Vida Extra y Applesfera, así como con nuestros compañeros de Compradicción. Puedes ver todas las gangas que publican en Twitter y Facebook, e incluso suscribirte a sus avisos vía Telegram. Nota: algunos de los enlaces aquí publicados son de afiliados. A pesar de ello, ninguno de los artículos mencionados han sido propuestos ni por las marcas ni por las tiendas, siendo su introducción una decisión única del equipo de editores. - La noticia Steelbook de 'Interstellar', serie completa de 'Roma' y figura de Voldemort en nuestro Cazando Gangas fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Takashi Miike tiene acreditados más de cien trabajos como director y afronta 2020 como su cuarta década al pie del cañón. Responsable de algunos de los momentos más hermosamente impactantes de nuestra memoria cinéfila, a la que llegó para quedarse con 'Audition' a finales de los 90, presenta ahora 'First Love', un estupendo cuento de amor y yakuzas con todos los ingredientes para convertirse en la nueva favorita de su legión de seguidores. Amor a quemarropa Hay algo un poco raro con la nueva película de Miike: 'First Love' es optimista. Agradable. Un thriller entrañable (y violento) protagonizado por dos almas en pena que recopilan algunos de los rasgos más distintivos de los amores imposibles más clásicos a golpe de pistola... o de katana. En Espinof Takashi Miike en siete películas Un boxeador con serios problemas de salud y una joven destrozada por la droga, el destino y resquebrajada por aquellos que se cobran las deudas con almas, coincidirán en el momento oportuno en el sitio apropiado. El mismo sitio ideal que se volverá fatal para otros dos personajes que terminarán por hacer funcionar una mezcla explosiva llena de asesinatos, deudas pedientes, equívocos y litros de sangre a propulsión. Con 'First Love', Miike da un portazo a sus aspectos más experimentales y agresivos, algo más que habitual en su cine, para ofrecer el que bien podría ser su thriller más accesible. Y lo hace sin perder su autoría. A pesar de tener la sensación de que el director de 'Ichi the killer' ha decidido marcarse un trabajo post-Tarantino tardío, en la onda del primer Guy Ritchie, consigue que en realidad no dejes de pensar precisamente en el Tarantino pre-Tarantino. En el de 'Amor a quemarropa', concretamente. Amor de color 'First Love' es un placer para la vista y una fiesta para todos los amantes del thriller vengativo que convierte en héroes (o no) a personajes poco propensos a serlos. Miike, además, equilibra la historia entre la química de dos corazones (rotos) perdidos y dos ambiciosos personajes del submundo del hampa japonés. Y la combinación resulta vertiginosa. Tal vez el reencuentro del director con Masa Nakamura en la escritura, viejo colaborador habitual y con quien llevaba más de una década sin coincidir, ayuda a transmitir ese optimismo y esa jovialidad de quien disfruta haciendo disfrutar a los demás. Y es que la película, en el fondo, es una reunión de viejos amigos juntándose de nuevo para, nunca se sabe, una última vez. Aunque en el caso de Miike NUNCA hay una última vez. Nobuyasu Kita y Kôji Endô ponen luz y sonidos a una fantástica y rocambolesca historia de amor desesperado, casi suicida, pero lleno de humor y momentos para el recuerdo, como el encuentro de Leo con el adivino callejero, excepcionalmente escrito e interpretado. 'First Love', la (pen)última película de Takashi Miike es un inesperado canto a la vida mucho menos vertiginoso que de costumbre. La cámara y la edición llevan un compás mucho más clásico, elegante, fácil de seguir. Se disfruta a pequeños sorbos, aunque durante la mayor parte del tiempo tengas la sensación de estar bebiendo nitroglicerina de un solo trago. - La noticia 'First Love', Takashi Miike rejuvenece con una accesible historia de amor, humor y sangre fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Netflix nunca pierde la vista al futuro y ya están confirmadas varias producciones originales que llegarán a su catálogo durante el mes de marzo pese a que todavía estamos a mediados de febrero. A continuación vamos a repasar todas las novedades que llegarán a Netflix España en marzo de 2020, empezando por las series, continuando por las películas y acabando con los documentales, e iremos actualizando a medida que se confirmen otros títulos. Entre ellas sobresalen los regresos de 'Élite' y 'Castlevania' o el lanzamiento de 'Carta al rey'. Todas las series y programas que llegan a Netflix 'Self Made: Inspired by The Life of Madam C.J. Walker' Octavia Spencer lidera esta miniserie sobre Madam C.J. Walker, una exitosa empresaria considerada la primer mujer afroamericana que se convirtió en millonaria gracias a sus esfuerzos. Carmen Ejogo, Tiffany Haddish, Keeya King, Garrett Morris y Blair Underwood también aparecen en sus cuatro episodios. Estreno 20 marzo 'Carta al rey' Nueva serie fantástica de Netflix que cuenta en su reparto con Andy Serkis, Amy Wilson, Rubt Serkis, Gjis Bloom y Thadrea Graham. Adapta un popular libro holandés de Tonke Dragt sobre un joven que recibe la misión de entregar un mensaje secreto, algo de lo que depende el futuro del reino. Estreno 20 marzo 'Unorthodox' Nueva serie alemana de los creadores de 'Deutschland 83' que cuenta la historia de una joven mujer judía que huye a Alemania de su matrimonio concertado, pero no será tan fácil dejar su pasado atrás. Estreno 26 marzo 'Élite' T3: sin fecha concreta 'Castlevania' T3: 5 marzo 'Paradise Police' Parte 2: 6 marzo 'El protector' T3: 6 marzo 'The Circle Brasil': 11 marzo 'Beastars': 13 marzo 'Kingdom' T2: 13 marzo 'Ozark' T3: 27 marzo Todas las películas que llegan a Netflix 'Spenser Confidential' Nueva colaboración entre el director Peter Berg y el actor Mark Wahlberg y una de las primeras grandes apuestas cinematográficas de Netflix en 2020. Cuenta la historia de un antiguo policía que acaba de salir de la cárcel y se prepara para abandonar Boston, pero su antiguo entrenador de boxeo le convence para ayudarle con un prometedor novato. Estreno 6 marzo En Espinof Las 11 mejores películas de Netflix en 2019 'Chicas perdidas' Adaptación de la novela de Robert Kolker sobre una mujer que decide pasar a la acción cuando hija desaparece y la policía no la ayuda demasiado. Acabará destapando una trama de trabajadoras sexuales que han sido asesinadas. Dirige Liz Garbus y en su reparto veremos a Amy Ryan, Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Gabriel Byrne y Oona Laurence. Estreno 13 marzo 'Tigertail': sin fecha concreta 'Ultras': 20 marzo Todos los documentales que llegan a Netflix 'Dirty Money' T2: 11 marzo - La noticia Todos los estrenos de Netflix en marzo 2020: vuelven 'Élite' y 'Castlevania', llega 'Carta al rey' y más fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El cine lleva más de un siglo enseñándonos a amar. Durante décadas, la máquina de los sueños (Hollywood en mayor medida) ha expandido una idea del amor romántico que conquistó a varias generaciones que aún ahora celebran el día del cupido más convencional, pero hoy, con el nuevo milenio bien entrado, nos cuestionamos esas relaciones tan establecidas en nuestro ideario. Para celebrar que otras formas de amor son posibles, echamos un vistazo a la ficción actual y hacemos una selección ecléctica de cinematografía y series de televisión que reflexionan sobre ese sentimiento universal y a la vez tan único y personal que es amar. '10.000km' (2014), de Carlos Marques-Marcet Captando la esencia de la juventud desmovilizada actual como nadie y enclavada en un contexto aún vigente de escape y búsqueda de nuevas vías de satisfacción personal y profesional más allá de las fronteras y limitaciones dadas, la ópera prima de Marques-Marcet, si bien agridulce, es un canto al entendimiento de la pareja bajo el prisma de un milenio que ha marcado irremediablemente a toda una generación. Hastiada de la falta de oportunidades en su adorada Barcelona, Alex (Natalia Tena) emprende un viaje a Los Angeles que cambiará su futuro como fotógrafa y de paso las bases de su relación con Sergi (David Verdaguer), que quedará atrás ante la perspectiva de progreso de la mujer a la que ama. 'Langosta' ('The Lobster', 2015), de Yorgos Lanthimos El realizador griego, que acumula todo tipo de nominaciones con 'La favorita', (2018), en la que se adentra en la corte inglesa donde las relaciones de poder se asientan sobre un triángulo de amor lésbico, en realidad siempre ha reflexionado sobre las relaciones de afecto, sexo, pasión y obligación en el contexto de una sociedad siempre desquiciada y hasta cierto punto patética. En Espinof Las 21 mejores películas antirrománticas para la gente que odiamos San Valentín En 2015, 'Langosta' partía de una premisa distópica en una sociedad en la que todo individuo tenía cabida únicamente en pareja. Encerrados en un resort de lujo, los participantes solteros debían encontrar un compañero de vida con quien incorporarse a la vida social o de lo contrario pasarían el resto de sus días convertidos en un animal de su elección. Una reflexión brillante y de precisión y frialdad quirúrgicas sobre el encaje de la individualidad y la presión popular en la configuración de la idea de pareja. 'Her' (2013), de Spike Jonze En un mundo también distópico, aunque en realidad representación naturalista de un futuro no muy lejano, 'Her' desnuda una historia de amor entre un adulto solitario y su sistema operativo móvil, paradójicamente capturando de forma magistral una alta carga emocional entre dos “individuos” a los que jamás veremos juntos. Lo de Jonze es un milagro con alma en una era digital con tendencia a la deshumanización. Con la acertada y altamente reconocible voz de Scarlett Johansson y maravillosamente acompañado de Amy Adams y Rooney Mara, un estupendo y nunca visto antes Joaquin Phoenix firma, sin duda, la actuación más tierna de su carrera. 'Lost in Translation' (2003), de Sofia Coppola También Scarlett Johansson protagoniza de forma hipnótica y a la vez inteligente otra de las historias románticas del cambio de milenio. Basada en un Japón hipermoderno, urbano y avanzado, al tiempo que frío y hostil, dos visitantes americanos (protagonismo compartido con Bill Murray) se encuentran entre la impersonalidad de un hotel de Tokio para rescatarse de una estancia solitaria e incomprendida entre la inmensidad de un país que, aunque familiar, suena completamente ajeno a ellos. Serie 'Love' (2016-2018) El siempre peculiar Judd Apatow firma con 'Love' una de las obras maestras de las relaciones contemporáneas en su retrato de una pareja desmembrada y torpe, cuyos protagonistas deben más atender sus propios problemas antes de compartirse con el otro. En Espinof Las 21 mejores series románticas en Netflix Una brillante captura de la esencia millennial y el universo que rodea a toda una generación en constante puesta en entredicho, representado de forma sencilla y divertida por un magnífico reparto, tan particular y contradictorio como sus propias ideas. De ésas para el visionado en bucle, una de las mejores comedias románticas de Netflix. Serie 'Dates' (2013) La de Channel 4 (Reino Unido), fue una miniserie original de 9 capítulos desarrollada sobre la perspectiva del primer encuentro a ciegas de una potencial pareja que se había conocido a través de una aplicación de mensajería móvil. A partir de una serie de cuestiones en ocasiones torpes o prejuiciosas, aunque ciertamente humanas, cada uno de estos capítulos cortos parte de forma ingeniosa y ágil de un formato cíclico para acabar dotando a sus personajes de un desarrollo profundo y naturalista a través del diálogo. Una premisa extrapolable a una amplia base de la sociedad occidental actual y altamente exportable, como se comprobó con adaptaciones como la de TV3 en 'Cites' (2015-2016). Serie 'Please Like Me' (2013-2016) Más allá de exageraciones, el australiano Josh Thomas protagoniza, escribe y dirige la mejor comedia dramática romántica de los últimos tiempos. Con un tono ácidamente divertido, irónico, cáustico, crudo y directo, altamente inteligente y sutil, y siempre basado en el diálogo y los comportamientos orgánicos de unos personajes con pocos filtros, este talento natural perfila la realidad cotidiana de un grupo de amigos que comparte juventud, amores y desamores, dudas y reflexiones en los suburbios de alguna ciudad australiana. Su carácter totalmente único, unido a la universalidad de sus personajes, la convierten en una de las series imprescindibles como retrato generacional. 'María y los demás' (2016), de Nely Reguera Pensar en la juventud actual en España es pensar en eso de que “los treinta son los nuevos veinte”, y también en un nuevo cine español desarrollado al margen. Muchas son las obras recientes que analizan las formas de relación entre adultos atrapados en condiciones precarias más propias de la tierna juventud, que compaginan la ambición de unas aspiraciones que parecen no llegar nunca con la idea de movimiento continuo y búsqueda, por oposición al asentamiento de sus predecesores. En Espinof Las 14 mejores películas eróticas de la historia La ópera prima de Nely Reguera se centra en los treinta de una mujer soltera (una Bárbara Lennie enorme que trasciende la pantalla), que mantiene relaciones esporádicas con un separado más centrado en sus hijas pequeñas que en cualquier otra idea romántica. Una mujer moderna y culta, sin embargo atrapada por la presión de una sociedad que se empeña en recordarle que llega tarde en todas las facetas de su vida. Un retrato tan amargo como auténtico y digno de reivindicar en cuanto a que parte significante y representativa de nuestros tiempos. 'Frances Ha' (2012), de Noah Baumbach También constituye un relato generacional el film de Baumbach, coescrito y protagonizado por una de las responsables del relevo del cine independiente americano, Greta Gerwig, que en la piel de Frances representaba la angustia de sentirse una chica demasiado joven para ser una mujer adulta y demasiado mayor para jugar a no serlo. Heredada de los nuevos cines europeos del siglo anterior, 'Frances Ha' es una historia de búsqueda y una oda de amor no convencional. Oda a perderse y encontrarse, oda a Nueva York con reminiscencias del París de la Nouvelle Vague, una oda de amor a la amistad, la cultura, a la vida y a uno mismo. 'Guy and Madeline on a Park Bench' (2009), de Damien Chazelle Con un buen número de referencias clásicas detrás, muchos tomaron 'La La Land' como el musical romántico definitivo, a pesar de su poso tremendamente amargo y retorcido que desmontaba desde el interior una idea construida por los grandes estudios durante décadas. Sin embargo, un primer Damien Chazelle fuertemente inspirado por los mismos nuevos cines que otros de sus compañeros de generación anteriormente mencionados, firmaba la verdadera obra romántica de su carrera en su iniciática 'Guy and Madeline on a Park Bench'. En Espinof Las 21 mejores películas musicales de todos los tiempos Aquélla, que comparte temas e ideas musicales con su más reciente éxito hollywoodiense, seguía en blanco y ***** el vagabundear de dos personajes erráticos en su concepción de la vida y el amor. Carismática y encantadora, vibrante en su puesta en escena con un enorme ritmo en su filmación autoral de la música y el amor (por ella y entre ella), que atrapa el alma del enamoramiento. 'La reconquista' (2016), de Jonás Trueba Con ese aire nostálgico y mágico heredado de una biblioteca plagada de referencias al cine francés de los 60 y 70, Jonás Trueba aborda sus películas como la extracción de un pedazo de alma cinéfila. Su habitual poema de amor al cine, presente a lo largo de toda su obra, donde destaca la magnífica 'Los ilusos' (2013) —que además constituye una declaración de amor a las calles de Madrid—, cristaliza de forma romántica en una pareja rota y extrañada que se reencuentra tras años de caminos separados. La ilusión perdida y desenterrada en un encuentro único en un presente que no cabía en su futuro, convierte un deseo platónico reencontrado en un amor difícilmente categorizable. Profundamente emocional y construida sobre el amor incondicional hacia unos personajes sensibles y extraordinariamente humanos. 'Deseando amar' ('In the Mood for Love', 2000), de Wong Kar Wai Si hablamos en términos platónicos, de sutilidad y gestos contenidos, los asiáticos son maestros. Con el cambio de milenio, muchas fueron las voces que sobresalían sobre el desarrollo imparable de los gigantes orientales y que reivindicaban una re-humanización de una sociedad perdida. De los muchos ejemplos, destacamos una de las grandes obras de Wong Kar Wai, una historia de amor platónico y prohibido de pequeños gestos e increíble lirismo. Atados ante las miradas de una sociedad escrutadora y frente a la sospecha de infidelidad sobre sus respectivos matrimonios, la pareja iniciará una intensa relación de amistad con tal carga emocional que quita el aliento. 'En otro país' ('In Another Country', 2012), de Hong Sang Soo Mención aparte merece el prolífico coreano que firma al menos una obra anual, donde el amor y las relaciones de pareja, así como las infidelidades, suelen ser centro de su atención cinéfila. La de 2012, era una historia dividida en tres donde sus personajes se barajaban y reordenaban al comienzo de cada partida, conformando una reflexión mayor sobre la construcción del relato y sus múltiples posibilidades dependiendo de los matices. Isabelle Hupert encarna tres personajes posibles sobre una turista francesa perdida en la costa coreana, todas ellas movidas por una relación de amor entre dos culturas. 'Leto' (2018), de Kirill Serebrennikov Lejos en tiempo y espacio de las nuevas olas tanto europeas como americana, pero con el mismo espíritu revolucionario, esta obra poco categorizable rusa contempla el verano rebelde de un grupo de rockeros en tiempos de Guerra Fría. Construida casi en clave de musical punk y rodada en un técnicamente admirable y perfeccionista blanco y *****, el film retrata la escena musical underground de la URSS a través de la coexistencia de dos bandas rock, cuyos vocalistas, más allá de su amor por la música y el activismo, comparten sentimientos amorosos por la mujer de uno de ellos. Una relación basada en el diálogo y la honestidad donde cariño, pasión y admiración se confunden y entremezclan con los himnos de su propia revolución personal. 'Cold War' (2018), de Pawel Pawlikowski Todavía bajo el telón de una asfixiante Guerra Fría, se enmarca el más apasionado amor cinematográfico del aclamado realizador polaco. La gran sensación del pasado año, es un drama romántico de dimensiones épicas y formas sencillas, en tiempos en los que amar sólo era posible si implicaba la patria. Un precioso romance en fuga, una historia de encuentros y desencuentros en busca del aquí y el ahora de una unión que se antoja imposible entre las ruinas de una Polonia desolada y sometida al abuso de poder, que marcaría a toda una generación condenada a sobrevivir a cualquier precio. En Espinof Las 39 mejores películas de la década (2010-2019) Una fascinante puesta en escena, de la que música y fotografía son especialmente remarcables, y el desbordante talento de Joanna Kulig junto a un cautivador Tomasz Kot, hacen de 'Cold War' una película inolvidable en la que quedarse a vivir. 'Floating Skyscrapers' (2013), de Tomasz Wasilewski No tan lejos de esa Rusia revolucionaria, el director polaco Tomasz Wasilewski, levantaba la voz en 2013 contra los tremendos abusos y la represión que sufre la comunidad *** en un país conservador y predominantemente católico, con este film sobre un chico homosexual atrapado en una relación heterosexual por inercia, pero sobre todo por miedo a las represalias. Cuando el protagonista, un nadador excelente con un futuro prometedor, conoce al chico con el que experimentará su verdadero despertar amoroso y sexual, tendrá que afrontar no solo sus propios miedos y dudas sino toda una amenaza social que, respaldada por una moral colectiva, pondrá en peligro incluso su integridad física. Un relato militante, pero sobre todo afectuoso y tierno del renacer romántico. '120 Pulsaciones por minuto' (2017), de Robin Campillo También desde el activismo desarrolla Robin Campillo esta historia de amor profundo y sobre todo amistad incondicional entre los chicos y chicas de la comunidad *** parisina terriblemente devastada por la epidemia del sida a principios de los años 90. En Espinof Las 23 mejores películas de temática LGTBI de la historia Un sentimiento de amor y solidaridad que generó la semilla del movimiento Act Up como medida de presión para persuadir a Estado y farmacéuticas de la urgencia en la búsqueda de una cura, al tiempo que sensibilizar a la población ante un virus que parecía imparable. Nahuel Pérez Biscayart deslumbra en su personal historia de amor en un contexto donde enfermedad y muerte proyectan una larga sombra. 'El amor es extraño' ('Love is Strange', 2014), de Ira Sachs George (Alfred Molina) y Ben (John Lithgow) han pasado la vida juntos. Llevan viviendo bajo el mismo techo desde mucho antes de que puedan siquiera recordar, en medio de una intensa actividad social y artística, envueltos en una relación honesta, tolerante y reposada que es querida y admirada por todos cuantos les conocen. Hasta que deciden casarse. El ejercicio de ese derecho por razones puramente administrativas impone el despido de George de su puesto de trabajo como profesor de música en una escuela católica, en la que su relación era abiertamente conocida. A su vejez, George y Ben se encuentran inmersos en una revaluación de una relación prácticamente vitalicia y ante la tragedia de afrontar cuestiones que creían ampliamente superadas. 'Gloria' (2013), de Sebastián Lelio El chileno Sebastián Lelio deslumbrada en 2013 con un fascinante retrato de una mujer separada en plena madurez. Interpretada por una arrebatadora Paulina García, que acapara en gran medida la esencia hipnótica del film, 'Gloria' nos muestra el renacer sexual y afectivo de una mujer que finalmente se libera de la constante represión que la ha acompañado durante toda su vida. Un perfil único en una etapa vital raramente representada en el cine. Tras esta deslumbrante historia de fortaleza femenina en la vejez, Lelio regresaba en 2017 con otro de sus grandes éxitos (el que le valdría el Oscar), 'Una mujer fantástica'. De nuevo una historia de amor no convencional, en la que una mujer transexual se enfrenta a las cadenas morales de una sociedad que no comprende su amor genuino por el hombre con el que compartía su vida. Amor y pérdida tratan de encontrar su lugar en el encaje con la propia identidad. - La noticia 19 grandes películas y series que desmontan el mito del amor romántico de Hollywood fue publicada originalmente en Espinof por Sara Martínez Ruiz .

El próximo estreno de la tercera temporada de 'Castlevania', la serie animada de Netflix, ya tiene primer tráiler oficial para abrir boca con lo que podemos esperar de la serie que ha cambiado la cara a las adaptaciones de videojuegos. Escrita por el guionista de cómics Warren Ellis, la producción y creación del concepto sigue corriendo a cargo de Adi Shankar. Según sinopsis oficial de la temporada 3 de ‘Castlevania’: “Trevor Belmont, último sobreviviente de su casa, ya no está solo, y él y sus camaradas inadaptados compiten para encontrar una manera de salvar a la humanidad de la extinción a manos del enloquecido Drácula y su siniestro consejo de guerra de vampiros". Veremos si esa trama se ve tan espectacular y salvaje como en el tráiler, pero de momento se sabe que contará con diez episodios, a diferencia de los cuatro de la primera temporada y los ocho en la segunda. En Espinof 'Castlevania' juega al fin todas sus cartas en una segunda temporada salvaje y épica Este anime se basa en el videojuego 'Castlevania III: Dracula's Curse' de 1989, ambientado en 1476, sobre un cazador de vampiros llamado como Trevor Belmont que en el final de la temporada anterior derrota a Drácula, lo que no supone el final de la lucha contra los demonios de la oscuridad. Nuevas fuerzas buscan tomar el trono del rey de la noche con Alucard y Camilla urdiendo planes para tomar el poder y eliminar humanos dispersos que dejó el reinado del terror de Drácula. .@Castlevania is back on March 5th, and there’s more mystery, murder, mayhem, and vampires than ever. #Castlevania pic.twitter.com/9se4mRR2K8 — NX (@NXOnNetflix) February 4, 2020 La llegada del tráiler vino acompañada del primer poster oficial de la temporada, que muestra los personajes que forman parte de esta nueva historia, junto con la fecha de estreno del próximo 5 de marzo. 'Castlevania' pertenece a Frederator Studios, parte de Wow! Unlimited Media Company, y está producida por Warren Ellis, Kevin Kolde, Fred Seibert y Adi Shankar. - La noticia 'Castlevania': Netflix presenta el tráiler de la esperada temporada 3 de la adaptación del videojuego fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

La celebración madrileña de la Cutrecon se ha convertido ya en una tradición que ahora se expande al formato de festival puro y duro. La reivindicación del cine menos agraciado por los valores de producción y con ocurrencias más delirantes establece una relación especial en la sala de cine con un montón de espectadores interactuando, algunos con poca gracia, otros con mucha menos. Pero no es un impedimento para disfrutar del cine que no es sencillo ver en salas. Películas consideradas atroces como ‘Tammy and the T-Rex’ son accidentes irrepetibles, cine hecho sin ataduras y en el que puede ocurrir cualquier cosa. Algo que en las películas filtradas por el prestigio de la distribución tradicional rara vez permite, salvo en casos excepcionales y extraordinarios como ‘Cats’ (2019). En el caso de esta especie de película juvenil tarada el resultado es tan descerebrado —nunca mejor dicho, viendo el argumento— que resulta una experiencia única, una verbena de estupidez, sangre y momentos de adictiva vergüenza ajena. En 1993, no sería extraño ver esta película en un videoclub, aunque en su momento estaba en la sección de cine familiar, como otros productos de la dinosauriomanía reinante en esos años, muy impulsada por el estreno, claro, de ‘Parque Jurásico’ (Jurassic Park, 1993). La trama gira en torno a Tammy, interpretada por Denise Richards, que debe hacer todo lo posible para salvar a su novio Michael (un muy joven Paul Walker), cuando su cerebro es transplantado al cuerpo de un Tiranosaurio Rex robótico por un científico loco. Operaciones imposibles, romance y dinosaurios En su origen, todo quedaba en una inofensiva cinta de travesuras infantiles y chistes tontos, pero esa versión no representa cómo era ‘Tammy and the T-Rex’ en su versión original y completa. Aunque la historia sigue siendo la misma, el lanzamiento de Blu-Ray remasterizado por Vinegar Syndrome, la estrenada en la Cutrecon, fue calificada con una R, y más que ciencia ficción para niños, es una comedia de terror al estilo de los productos gore de vídeo de los 90, toda una cultura de la sangre en ferrocromo que en este caso ofrecía ciertos valores de producción, pese a su torpeza. En Espinof "Es tan mala que es buena": desmontando el mayor mito del cine basura La historia asociada a este tipo de locuras suele explicar muchas cosas, y en este caso, el film fue producido prácticamente porque un tipo se acercó a los cineastas ofreciendo su robot T-Rex como gadget, por lo que se construyó alrededor de esa oportunidad, al estilo del cine de Roger Corman. Para organizar la trama tiraron del catálogo del cine de Mad Doctors en boga en el videomercado con títulos como ‘Re-animator’ (1985) y secuelas marcando el camino. Si nos dicen que está producida por Brian Yuzna no resultaría raro. Y la idea de partida no puede ser más deliciosamente estúpida. El cerebro de un adolescente muerto por culpa de un grupo de bullys es trasplantado en el cuerpo de un T-Rex, mientras su novia, que cree haberlo perdido, se reúne con él en medio de su venganza. Como una versión de ‘El cuervo’ (The Crow, 1994) para fans del afamado film de Spielberg. Sin embargo, ‘Tammy and the T-Rex’ no puede catalogarse totalmente en las películas "involuntariamente divertidas" como ‘Troll 2’ (1989), pero sí que es una comedia que no hace gracia por lo que debería y su premisa es totalmente ridícula. Las actuaciones son malas, pero también impostadas, exageradas y algo conscientes. Tiene decenas de chistes malos y gags muy estúpidos, pero se alinean con el cine adolescente de ‘Colega, ¿Dónde está mi coche?’ (Dude, Where's My Car?, 2000), por lo que, además, no han envejecido bien. Pero hay una consciencia constante en lo ridícula que es la historia, en momentos como el T-Rex usando un teléfono público, o con Richards a la espalda, o sus momentos románticos que maximizan el absurdo esa ridiculez. Un nuevo título de culto del infracine bis Otro elemento hilarante a lo largo de todo el film es la falta de articulación del robot, que no mueve mucho más que la cabeza y los brazos y añade algo más de surrealismo y la sensación de que todos los que participan en el film abrazan la estupidez del proyecto, incluso Richards, que da una ingenuidad exagerada a su papel hasta lo iconoclasta. Esa inmovilidad del Tiranosaurio es hasta una solución cinematográfica para el contraste torpe con las escenas más sangrientas. En Espinof Especial Joyas de la basura en Blogdecine Mientras la versión para niños no tenía muertes, el corte gore incluye casi diez minutos de imágenes de casquería y tripas, junto a dos secuencias extendidas. Desde el splastick quirúrgico en el que el cerebro de Michael es sacado de cuajo hasta el primer caos en el quirófano o la masacre en la fiesta del instituto, en donde los estudiantes son pisoteados, masticados y asesinados de formas sorprendentes con litros de líquido rojo y cuerpos cortados y aplastados casi con lógica de dibujos animados de Tex Avery. Pero lo más bizarro viene al final, con Richards inventando el sexting antes de que se utilizaran las webcams, en una disparatada escena erótica scifi que no habría soñado el Cronenberg de ‘Videodrome’ (1985). ‘Tammy and the T-Rex’ es una de esas películas de ver para creer, con amigos y un barril de cerveza, y hace reconsiderar el humor kamikaze del director Stewart Raffill, cuya ‘Mi amigo Mac’ (Mac & Me, 1988) está considerada otra de las Best Worst Movies de la historia, lo que es dudoso es que la hubiera hecho completamente en serio. - La noticia Cutrecon 2020: 'Tammy and the T-Rex' es un delirio noventero jurásico indescriptible con Paul Walker y Denise Richards fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Nunca tuve mucha fe en ‘Sonic. La película’ y la polémica alrededor del diseño de su protagonista tampoco invitaba a ser optimistas. Quedaba la curiosidad de recuperar al Jim Carrey más desatado, pero creo que a nadie le hubiese extrañado que fuese otro desastre como muchas de las películas basadas en videojuegos estrenadas hasta ahora. Sin embargo, a veces la vida nos sorprende y estamos ante uno de esos casos, ya que ‘Sonic: La película’ es un entretenimiento a los años 90 la mar de disfrutable, sobre todo por el buen ritmo que tiene, el efectivo sentido del humor y varios integrantes de su reparto. Es cierto que el guion firmado por Pat Casey y Josh Miller está plagado de lugares comunes y no es gran cosa, pero la película se sobrepone a ello para hacértelo pasar en grande. Sencilla pero divertida Tras una rápida presentación de personaje -los fans de los videojuegos quizá echen en falta algo más de desarrollo sobre sus orígenes-, ‘Sonic: La película’ plantea la aventura que va a vivir su protagonista de forma sencilla pero efectiva: hasta ahora ha tenido que vivir aislado a la Tierra y cuando se dispone a trasladarse a otro planeta, pero algo se lo impide e inicia un viaje por carretera junto a un policía local. Vamos, que por un lado juega con el concepto de buddy movie entre dos personajes en principio opuestos pero cuya relación va estrechándose hasta llegar a ser amigos. Como tal no esperéis nada que se desvíe de lo habitual en casos así, pero sí que sabe crear una dinámica entre Sonic y el personaje interpretado por James Marsden con el suficiente atractivo como para pasar eso por alto y disfrutar de las diferentes etapas de su viaje. En Espinof Las 13 mejores películas sobre videojuegos Ahí lo que tiene un mayor peso es un sentido del humor ligero y accesible que juega con el choque entre los excesos de Sonic y la actitud más reposada del humano. Hay ocasiones en los que la película está a punto de pasarse de la raya con el manejo de la comedia, ya que Sonic se mueve de forma constante en la línea que separa lo simpático de lo cansino, pero consigue salir airoso de ello y sin echar mano de bromas que te hagan reaccionar con incredulidad. Jim Carrey es la auténtica estrella de la función Eso no quita que la verdadera estrella de la función sea Carrey como Robotnik, ya que canaliza esos excesos cómicos que le lanzaron a la fama, pero siempre dentro de lo que necesita el personaje. No deja de ser el típico genio chiflado, pero el actor sabe cómo sacar todo el jugo a sus diálogos y arrancar varias carcajadas al espectador. Su lenguaje gestual también resulta esencial, dando en todo momento la sensación de estar pasándoselo en grande y contagiándoselo al espectador. En Espinof 17 películas basadas en videojuegos, ¿de verdad son todas malas? El director debutante Jeff Fowler parece consciente de ello y deja más libertad a Carrey que al resto de actores, pero no cae en la tentación de supeditar la película a él. De hecho, lo que le interesa más es imprimir a la película de un ritmo vivo en el que no haya espacio para los tiempos muertos. Así también matiza que las motivaciones de los personajes sean algo básicas porque no hay espacio para deleitarse en ello. Más que eso distrae el algo irregular trabajo en efectos visuales. Con Sonic no hay pegas, ya que su salto a la gran pantalla es más que solvente, pero cuando llegan las escenas de acción, que tampoco son muy abundantes, nunca se consigue ese toque más espectacular que se busca. No es grave por el tipo de propuesta que es, pero sí que se hubiese agradecido un mayor empaque, aunque justo es reconocer que hay un par de escenas que funcionan bien pese a que viéndolas sea inevitable acordarse de los ‘X-Men’. Todo ello está aderezado con varias referencias a la cultura pop -tronchante la alusión a Keanu Reeves- y varios guiños a los fans de los videojuegos de ‘Sonic’ para potenciar ese lado ligero y hasta cierto punto nostálgico de la película. Habrá quien piense en una especie de ‘Deadpool’ para todos los públicos, pero tampoco tengo muy claro que sea lo que se busca. En resumidas cuentas ‘Sonic: La película’ es sinónimo de diversión. No siempre da en la diana y podría haberse arriesgado un poco más, pero su apuesta funciona, en buena medida por reencontrarnos con el Jim Carrey que nos conquistó en los 90, pero estamos ante una adaptación que también se deja ver con agrado cuando él no está en pantalla. - La noticia 'Sonic: La película': una aventura muy entretenida que se sitúa entre las mejores adaptaciones de un videojuego hasta la fecha fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Flamante ganador del Goya al mejor maquillaje y peluquería por 'Mientras dure la guerra', Nacho Díaz es una verdadera institución desde hace dos décadas y uno de nuestros profesionales más reputados y solicitados en grandes producciones. Fanático del fantástico y el horror, de los monstruos y las criaturas, no podíamos dejar pasar la ocasión de charlar un rato con el responsable de muchas de las caracterizaciones más asombrosas que has visto en tu vida y que este año ha estado presente en todas las cintas bélicas de la temporada de premios, incluida la '1917' de Sam Mendes. El hombre y el látex Lo cierto es que Díaz contaba con una ventaja respecto a la gran mayoría de nominados: estaba doblemente nominado en su categoría, puesto que también formó parte del equipo de maquillaje y peluquería de 'La trinchera infinita'. Al final el premio fue por la película de Amenábar, en lo que supone el primer premio de un profesional que no para de trabajar y que está más presente en tu día a día de lo que crees. Kiko Vega (KV): Enhorabuena por el premio, el trabajo en la película es abrumador. ¿Cuál fue el mayor reto de caracterización en la película? Nacho Díaz (ND): Uno de los principales retos era trabajar con Alejandro, era mi primera vez con él y es un director que impone. El otro es que la película requería mucho maquillaje especial en un contexto realista, además. Es una película histórica, no una de terror. Y luego está el mayor reto de todos: transformar a Karra en Unamuno, porque ambos tienen un físico incompatible a primera vista. Fotografía de Teresa Isasi, propiedad de MOD KV: En 2019 compaginaste tres películas bélicas muy distintas ('Mientras dure la guerra', 'La trinchera infinita' y '1917') de manera consecutiva. ¿Tu trabajo en ellas sí era más parecido? ND: Los de 'Mientras dure la guerra' y 'La trinchera infinita' sí que comparten ciertos elementos de diseño. Había que transformar a lo actores, pero tenían un planteamiento diferente. En 'La trinchera infinita' el reto era la evolución de los personajes de la manera más natural posible, pero siempre pareciendo ellos mismos, conservando su identidad para que el espectador no se pierda. En la de Amenábar se trataba de una recreación de personajes históricos que no respondían a su mismo físico, era otro tipo de reto. En la otra película, '1917', el trabajo sí que fue completamente distinto: mi participación en la película fue crear cadáveres realistas que mostrasen el horror de la guerra. Tristan Versluis fue el supervisor de prótesis de la película. En Espinof Las 11 mejores películas sobre la Guerra Civil española KV: Perteneces a una generación de profesionales muy ligada al fantástico. ¿Cómo y cuándo llegas a la conclusión de que lo tuyo es crear monstruos? ND: No recuerdo ningún momento de mi vida sin que me gustase todo esto. Me gustaba desde muy pequeñito: los disfraces y todo eso, hasta que descubrí las máscaras de látex. Entonces descubrí la revista Fangoria (la edición española de la revista arrancó en 1991) y ahí vi todo lo que había detrás de las cámaras, que esos monstruos los creaban grandes nombres de la industria americana, como Stan Winston, Rick Baker... venían muchas fotos de esos maquillajes y ahí empecé a entrar de lleno. Era complicado en ese momento encontrar materiales, no se celebraba Halloween entonces. Fotografía de Teresa Isasi, propiedad de MOD KV: Como aficionado al género aún me duele la retirada de Rick Baker, ¿crees que en España y en Europa hay más sitio para el trabajo artesanal que desempeñas? ND: He tenido la oportunidad de trabajar en Inglaterra y otros sitios de Europa, y también conozco mucho la industria de Los Ángeles, y lo que he visto estos últimos años es que Inglaterra ha adelantado a Los Ángeles, que era la referencia de los efectos especiales y el maquillaje. Toda la gente de mi generación que ha trabajado en Inglaterra han tenido una evolución increíble. En cuanto a las prótesis de silicona realistas, gente como Barrie Gower ('Juego de Tronos', 'Chernobyl'), Mark Coulier ('El gran hotel Budapest', 'Suspiria') o Duncan Jarman ('El renacido', 'La momia') se han convertido en auténticas referencias y están en el top ahora mismo. Fotografía de Teresa Isasi, propiedad de MOD KV: Vienes de trabajar con Peter Jackson, Guillermo Del Toro, Sam Mendes… ¿con quién te gustaría colaborar en el futuro? ND: Uf, espero que me queden un montón, poder trabajar con mis directores preferidos. Hacerme un 'Star Wars', que estuve a punto de entrar en la saga pero al final no pudo ser. Me gustaría mucho trabajar con Tarantino, Spielberg... me pongo metas bastante altas, como ves. Yo lo vivo como un sueño hecho realidad. Con lo que he flipado con todo lo que vi de 'El señor de los anillos' y luego encontrarme en 'El hobbit: La desolación de Smaug' o 'Juego de Tronos'... cuando te llaman y pasa el tiempo, y formas parte de esos equipos es un regalo. Pero es cierto que a veces son las producciones más pequeñas las que te dan más alegrías. Empezar con alguien que hace su primera película y resulta un peliculón es muy guay, y yo empecé con Paco Plaza (compañero de studios), Eugenio Mira, Koldo Serra o Nacho Vigalondo. Nacho Díaz: "Ojalá una producción fantástica o mitológica en España" KV: ¿Sigues sorprendiéndote cuando ves este tipo de prótesis y efectos en una película? ND: Sí, claro. Además yo soy fan de todo esto. Tengo mi faceta profesional, mi estudio, su estrés... todo eso lo vivo a tope. Animar, incentivar... todo eso lo vivo con muchísima ilusión, intento no perderla. Y a la vez soy muy fanático de esto, es mi pasión. En casa cotilleo todo lo que puedo sobre maquillajes, y ahora tengo la suerte de que conozco a toda esa gente que hace los maquillajes, les puedo escribir y eso mola mucho. Ahora ha ganado el Óscar un artista japonés, Kazu Hiro, por su trabajo en 'El escándalo', y es uno de los mejores del mundo. Lo que ha hecho es flipante, brutal, es un artista que cada cosa que hace es referencia para mí. Lo de Hiro y el maquillaje de envejecimiento de 'True Detective' son los dos trabajos que más me han sorprendido últimamente. Fotografía de Teresa Isasi, propiedad de MOD KV: ¿Echas de menos más género en nuestro cine? Este año en la candidatura de mejores FX de los Goya solo había un representante fantástico ('El Hoyo'). ND: La verdad es que sí lo echo de menos. Si miras mis trabajos, he estado en un muchas producciones de género al principio, pero sí tenemos poco. Apenas he tenido criaturas, tal vez en 'Verónica' es donde más lo he trabajado. También es verdad que nos especializamos sin querer en los talleres, yo estoy con realismo y parecidos, y a veces a los técnicos nos encasillan. Aquí lo comentamos mucho, ojalá una producción fantástica o mitológica en España ahora que estamos rodeados de plataformas. Aquí somos muy fans de Henson y demás. No tenemos eso. KV: ¿Cuál es tu caracterización favorita de todas las que has hecho para Joaquín Reyes? ND: Buf, qué difícil. Cada vez que nos vemos recopilamos lo que llevamos hecho y lo que podríamos hacer. A mí me cuesta horrores, hemos hecho tantos que algunos se me olvidan. No sé ni cuántos llevamos, pero más de 500 trabajos juntos seguro. Me gusta mucho lo que hemos hecho en la última etapa de 'El intermedio'. Hay muchos a los que guardo especial cariño, como Björk o Hulk Hogan, pero a mí me gustaba mucho cuando eran caricaturescos. Como Paquirrín, que parecía sacado de '**** Tracy'. Últimamente Abascal, Carmena... y luego los retos como Pedro Sánchez, que lo pospusimos mucho. No me veía capaz de hacerlo, y al final sí me gusta lo que hicimos. Pablo Casado también fue muy difícil, no tiene un gran rasgo distintivo en que apoyarnos. KV: ¿Tu trabajo más duro? ND: 'Mientras dure la guerra' ha sido el trabajo más duro y exigente de mi carrera. Ahora con la nueva de Paco Plaza ('La abuela', escrita por Carlos Vermut), estamos haciendo algo muy complejo, pero lo vamos a rodar en dos días, pero hemos trabajado en ello más de dos meses. En la de Amenábar estuvimos los 40 días de rodaje con las horas de maquillaje diarias, con las cuatro de Karra cada día. Y si no sale en pantalla, que es muy poco, están Franco o Millán en pantalla. Hicimos cosas que no habíamos hecho nunca y yo fui a por todas. Hicimos muchas pruebas rodadas y proyectadas en cine, viendo luego en pantalla por dónde tirar con el director. Fue muy exigente, la verdad. - La noticia "'Mientras dure la guerra' ha sido el trabajo más duro y exigente de mi carrera". Nacho Díaz, ganador del Goya al mejor maquillaje y peluquería fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

El inesperado fracaso en taquilla de 'Harley Quinn: Aves de presa' ha vuelto a poner en cuestión el marketing de versiones del cine de tebeo y género pensado con el público estrogenado en mente. Más allá de la calidad de la película, por su mayor o menor guion y acierto en la narrativa, además de haber sido influenciada por 'Pulp Fiction' o películas como '9 to 5' (1980) pertenece a cierto club selecto de cine inclasificable, contracorriente e inusual. Pese a no lograr muchos de sus objetivos, por culpa de un libreto falto de chispa, 'Aves de presa' pone toda su buena intención y referencia, voluntaria o involuntariamente a toda una serie de cine con chicas guerreras, superhéroes camp, cine cómic en toda su dimensión más allá de la mitología del porrazo y el traje de lycra, que la convierte en una rara avis con más en común con los productos underground de los 90 que con el mercado actual. Algo como lo que buscaba 'Deadpool' (2016) pero con conexiones a estos 11 films con los pueden hacer un buen programa doble. Faster, Pussycat! Kill! Kill! (1965) Es más probable que Cathy Yan haya tenido más en cuenta el reciclado de Russ Meyer de Quentin Tarantino en 'Death Proof' (2007) que el propio clásico, con un desparpajo y frivolidad con la violencia que esta 'Aves de presa' prefiere cambiar por piruletas, piruetas y cañonazos de confetti y pintura. Sin embargo, este clásico del cine underground proponía un alegatode género a hostias cuando aquello raspaba en los escrotos señoriales del Hollywood más viejuno. 'Encadenadas' (Big Mama, White Mama, 1973) No es la mejor película del ciclo de mujeres en prisión de Roger Corman en filipinas, pero quizá la que mejor encaja con el espíritu de 'Aves de presa' ya que, aunque la primera media hora tiene las típicas escenas de ducha, peleas de gatas, lesbianismo y sadismo carcelario, la mayoría es más una violenta película de mujeres a la fuga luchando contra los sucios hombres del mundo criminal que tratan de aprovecharse de ellas, hasta el gran final con armas de fuego. Además de la tarantiniana Pam Grier, el villano es un Sid Haig desatado al que no le cuesta tanto dar el pego como Edward McGregor. En Espinof Todas las películas del Universo Extendido de DC, ordenadas de peor a mejor 'El planeta del placer' (Vicious Lips, 1986) Una fábula punk rock glam ambientada en un entorno de ciencia ficción con peinados cardados de los 80, con una producción y un diseño de vestuario estilo New Wave neon con mucha luz brillante, brillantina y niebla de colores, con un grupo de chicas de aúpa y monstruos de goma, con canciones pegadizas, culturistas medio desnudos y maquillaje escandaloso. El tipo de película trash a la que aspiran estos nuevos artefactos pop como 'Aves de Presa', aún necesitados de la falta de vergüenza y gusto hortera de esta. 'Tank Girl' (1995) El proyecto soñado de Margot Robbie es adaptar el cómic de Jamie Hewlett y se le nota mucho a 'Aves de presa', en donde Harley Quinn tiene una hiena de "novio" como Tank Girl tiene a un hombre-canguro. Solo que en esta película se lo folla. Estas aventuras de una chica muy punk y su tanque en una tierra devastada tiene la mala fama de ser la adaptación fallida de un gran cómic pero es una montaña rusa de acción con filosofía 90’s y cultura Riot Girrl con BSO con Hole, Bjork, L7, Joan Jett, Devo, Bush, Veruca Salt… Es decir todo lo que la película de Yan quiere ser y no es. 'Barb Wire' (1996) Probablamente la influencia oculta de 'Aves de presa' no es una con la que quisiera estar relacionada. Basada en un cómic, este vehículo para la silicona de Pamela Anderson es una rareza noventera con tiros, explosiones y one liners de saldo que remakea 'Casablanca' y no hace ningún esfuerzo por ocultarlo. Pam tiene una mascota como Quinn, y vive en un mundo de crimen en una sociedad distópica que podría servir de precuela a 'The Handmaids Tale' en una sociedad fascista masculina. Tiene mala fama pero es sexy, autoconsciente, y tiene el tema de Shampoo que plagiaron Sum 41. Algo que con que ADP no puede soñar. 'Dobermann' (1997) El cine criminal post Tarantino nunca estuvo tan chalado como este tebeo en movimiento de Jan Kounen. No está protagonizado por un grupo de antiheroinas, pero el espíritu de humor absurdo, violencia y acción descerebrada en un contexto de cine neonoir está aquí representado con música tecno y macarradas con el límite en la imaginación. 'Aves de presa' recuerda un poquito a este espíritu pero muy rebajado con zumo de piña. En Espinof Las 18 mejores películas de superhéroes que no son de Marvel ni DC 'Batman & Robin' (1997) Las adaptaciones de los cómics DC siempre han enido una puerta oculta para un mundo de colores, camp, frases tontas y erotismo soft lleno de mujeres fatales, equipos improbables y villanos histriónicos over the top. Esta es la entrega más ***** de Batman, considerada el punto más bajo del hombre murciélago, pero cada año que pasa una rareza más delirante con la que disfrutar sin prejuicios. 'Aves de presa' definitivamente pertenece más a este grupo de adaptaciones que a las de Nolan. 'Catwoman' (2004) Una historia de Betty la fea llevada al terreno del empoderamiento fetish cuando esos términos aún no estaban en la conversación colectiva. El hecho de que una heroína venga a ser una afroamericana salida de una fiesta sadomaso es subversivo de por sí. Lo cierto es que llegado cierto punto de la película el espíritu tontorrón se pone demasiado obvio en su mensaje de "pelea de gatas" y pierde la frescura, y los efectos no acababan de asombrar. Pero desde luego, esta mujer gata podría estar en el grupo de las nuevas 'Aves de presa'. 'Atomik Circus' (Atomik Circus: Le retour de James Bataille, 2004) Otro disparate francés casi imposible de encajar en ningún género, que se puede parecer, si eso, a la película japonesa de zombies 'Wild Zero' (1999), mezclando comedia absurda, acción, suspense, horror, Aliens y Rock 'n' Roll, en una trama a lo Romeo y Julieta en el Bayuo profundo del Sur de Estados Unidos. Un poco tebeo europeo fantástico, un poco vehículo para Vanessa Paradis, no acaba de cuajar pero, como 'La legua asesina' (1996) es un cóctel tan extraño que acaba cogiendo valor con el paso de los años, un destino que 'Aves de presa' puede compartir en un futuro lejano. En Espinof Las 37 mejores películas basadas en cómics y novelas gráficas 'Mutant Girl Squad' (Sentô shôjo: Chi no tekkamen densetsu, 2010) Mientras Zack Snyder preparaba su fantasía gamer adolescente salido definitiva con la prefabricada y cansina 'Sucker Punch' (2011) en Japón, el equipo de Noboru Iguchi y Yoshihiro Nishimura facturaban esta versión demente de lo que podría ser un spin-off de los X-Men en Tokio. Chicas mutantes vestidas de colegiala con extensiones neocárnicas enfrentadas con otras malvadas supervillanas monstruosas en un atentado contra el buen gusto lleno de gore, acción, cámaras volantes y efectos digitales sin renderizar donde puede la diversión y el espíritu cómic book a la lógica. Ojalá algún productito gamberro de multinacional como 'Aves de presa' tuviera 1/3 de inventiva cafre y autenticidad que este dislate. 'Scott Pilgrim contra el mundo' (Scott Pilgrim vs. the World, 2011) Un artefacto pop consciente y desprejuiciado que toma mucho de rarezas adolescentes alternativas como 'Josie and the pussycats' (2001) y las decanta en una insólita aventura musical, videojuegil, romántica y de comedia que supuso un fracaso para Edgar Wright pero que el tiempo ha ido recolocando en su lugar. No solo es un resumen de la cultura juvenil de los 2010 (¿Qué chica millenial no ha llevado, o pensado en llevar, un teñido similar al de Ramona Flowers?) sino que adelantó el éxito de actores como Chris Evans o Aubrey Plaza y planteó un colorido mosaico de narración cómic que 'Aves de Presa' trata a menudo de recrear. - La noticia 'Harley Quinn: Aves de presa': 11 películas recomendables si te ha gustado (o no) la gamberrada feminista de DC fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Los cineastas de todo el mundo, desde que existen como tal, han tratado de encontrar nuevas formas y nuevas expresiones cinematográficas a la hora de contar historias para obtener la atención de cuanto más público (o atención o polémica), mejor. ¿Y qué es aquello que no deja a nadie indiferente y llama la atención de cualquier mortal? Exacto: el sexo. Y las mejores películas eróticas de la historia van sobradas de sexo. Más o menos sutil, más o menos explícito Una cosa es segura: el sexo vende. El sexo es un motor inagotable, ya sea para publicaciones de género o para cualquier otra cosa que tengamos en la cabeza. El sexo mueve el mundo. ¿Pero puede el sexo elevar el arte cinematográfico? Vamos a recordar algunas películas donde el sexo y el erotismo intentan jugar a favor de obra o, en el peor de los casos, ser un protagonista más. Las más valientes se atreven a traspasar la delgada línea entre el arte y la pornografía. Lo que para algunos es arte puro puede ser visto por otros como una obscenidad vulgar y gratuita incluida únicamente para pedir atención. Sea como sea, vamos con algunas de nuestras películas eróticas favoritas. Love Dirección: Gaspar Noé Reparto: Karl Glusman, Aomi Muyock, Klara Kristin, Benoît Debie Gaspar Noé "se saca la chorra" una vez más, aunque esta vez (casi) en el sentido literal (porque sale Noé y salen chorras), en una tragedia con mucho componente mitológico (la chica se llama Electra y el chico con vida sentimental bastante compleja se llama Murphy, y no precisamente por 'Robocop') y el egocentrismo habitual. Las 3D funcionan perfectamente, de hecho, el mejor efecto tridimensional que han visto mis gafas está aquí: tan sencillo como un plano cenital de una pareja fumando, no penséis mal. La desfachatez de esta terapia sexual para olvidar la memez aburrida que Michael Winterbottom perpetró hace unos años está en el empleo de la música de John Carpenter. Qué tíos. The Duke of Burgundy Dirección: Peter Strickland Reparto: Sidse Babett Knudsen, Chiara D'Anna, Monica Swinn Lo que iba a ser un remake de una película de Jess Franco y la celebración del onanismo artie más puro, terminó dando un par de vueltas en la cabeza de un cineasta imprescindible que ofrece una de sus películas más elegantes y sutiles. Menuda paradoja. Más que el softcore que buscaban en un principio encontraron un monumental drama sobre el dolor y el amor. Y los tacones. Crítica en Espinof: 'The Duke of Burgundy'. En Espinof Peter Strickland y su fascinante mundo de horror Terciopelo azul Dirección: David Lynch Reparto: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Laura Dern, Dean Stockwell Como casi siempre en el cine del recientemente homenajeado David Lynch, cada personaje es el protagonista absoluto de su propia película, y el conjunto va como un tiro cuando coinciden todos. Misterio, erotismo, romance y un poco de culebrón marca de la casa para una demostración de lo que estaba por venir: lo bien que se lo pasaría Lynch dando a cada uno de sus personajes una buena ración de protagonismo y continuar por la carretera al infierno. Crítica en Espinof: 'Terciopelo azul'. El desconocido del lago Dirección: Alain Guiraudie Reparto: Pierre Deladonchamps, Christophe Paou, Patrick D'Assumçao Un thriller perverso o, mejor dicho, un thriller pervertido sobrado de realismo crudo. Bien de ritmo, bien de actores y una buena carga de ordinariez. Sabemos que estos lugares existen, y sabemos que la gente chunga también existe. Ver los toros desde la barrera, ser testigo de algo que no deberíamos haber visto. Todo eso es 'El desconocido del lago'. En Espinof Las 17 mejores películas con escenas de sexo real que no son películas porno La doncella (The Handmaiden) Dirección: Park Chan-wook Reparto: Kim Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo, Cho Jin-woong Estupenda candidata a sesión continua con la película de Strickland, la delicada epopeya del empoderamiento del director de 'Oldboy' es uno de los thrillers más inesperadamente sensuales y exquisitos de los últimos años. No la ves venir y luego, cuando se va, ya no la olvidas nunca. Una caja de sorpresas muy elegante. Crítica en Espinof: 'La doncella'. 9 semanas y media Dirección: Adrian Lyne Reparto: Kim Basinger, Mickey Rourke, Margaret Whitton, Christine Baranski El 'Cincuenta sombras de Grey' original, el que marcó a nuestros padres. Sí, lo sé. Solo de pensarlo se te revuelve el estómago. "Adorada" por los Razzies, fue un fiasco de taquilla antes del relanzamiento con la versión sin cortes. La película era pura química entre sus protagonistas, algo que se ha perdido en este (sub)género con el paso de los años. Sucio descenso al deseo y a los instintos más bajos que sigue siendo parodiable casi cuarenta años más tarde. Algo tendría. Crítica en Espinof: '9 semanas y media'. Y tu mamá también Dirección: Alfonso Cuarón Reparto: Maribel Verdú, Gael García Bernal, Diego Luna, Daniel Giménez Cacho Antes de tocar el cielo académico, Alfonso Cuarón probó algo mucho más realista y palpitante. El director de 'Roma' prueba distintas y complejas dinámicas de unos personajes que en realidad nunca nos creeríamos, pero que son el eje central de una película extraordinaria que, aunque parezca libre y salvaje, ya tenía el absoluto control de un cineasta que sabe lo que hace. Crítica en Espinof: 'Y tu mamá también'. Soñadores Dirección: Bernardo Bertolucci Reparto: Michael Pitt, Louis Garrel, Eva Green La última gran película del desaparecido cineasta italiano es un glorioso canto a la vida con un reparto de primera que nos descubrió a una tal Eva Green, de la que nunca hemos dejado de ser fans. Bertolucci fue uno de los maestros del erotismo, y 'Soñadores' es una experiencia erótico-dramática de primera. Sexy y referencial, puede ser la mejor forma de iniciarse en su cinematografía. Crítica en Espinof: 'Soñadores'. En Espinof Las siete películas imprescindibles de Bernardo Bertolucci El último tango en París Dirección: Bernardo Bertolucci Reparto: Sirva su segunda aparición consecutiva como homenaje al maestro. El famoso drama psicosexual que hizo que muchos de nuestros padres salieran de nuestras fronteras para ver qué demonios pasaba en una película que tardaría seis años en llegar a nuestro país. El romance entre un hombre de negocios norteamericano, maduro y un tanto guarro y una joven muchacha de París sigue coleando casi medio siglo después. La película que cambió para siempre lo que piensas cuando ves un bote de mantequilla. Crítica en Espinof: 'El último tango en París'. Eyes Wide Shut Dirección: Stanley Kubrick Reparto: Tom Cruise, Nicole Kidman, Sydney Pollack, Marie Richardson, Leelee Sobieski Una de las mejores películas sobre el pánico al matrimonio y a la pérdida de poder y decisión de lo que crees que manejas desde el primer día. La película con la que los demás empezaron a tomarse en serio a Tom Cruise y, dependiendo del día, la mejor película del director de '2001: Una odisea del espacio'. Fantasía para todos los gustos. Si te gustó siendo un chaval, fliparás cuando la veas de mayor, cuando tengas esos mismos miedos que sus protagonistas. Crítica en Espinof: 'Eyes Wide Shut'. Instinto básico Dirección: Paul Verhoeven Reparto: Michael Douglas, Sharon Stone, George Dzundza, Jeanne Tripplehorn Sigue siendo una grandísima película, entre el Hitchcock que empezaba a pervertirse y un misterio a lo giallo que funciona como un reloj, pero, ay, las ropas, las discotecas. Los primeros noventa. Lo que peor ha envejecido de aquí ha sido el sexo, faltaría más. La película tiene una banda sonora histórica, unas persecuciones completamente absurdas y unos increíbles actores disfrutando del mejor momento físico y profesional de su existencia. Crítica en Espinof: 'instinto básico'. Habitación en Roma Dirección: Julio Medem Reparto: Elena Anaya, Natasha Yarovenko, Enrico Lo Verso, Najwa Nimri Un tórrido juego de acertijos disfrazado de arte y filosofía pomposa y ocndescendiente. Varios de los puntos de la película se dejan a la interpretación del espectador, que seguramente no permanecerá indiferente y tendrá suficiente con tener el corazón en su sitio antes la desnudez física y emocional de sus dos protagonistas. Mejor trabajo de cámara y estética de lo que se dijo en su momento. Crítica en Espinof: 'Habitación en Roma'. La vida de Adèle Dirección: Abdellatif Kechiche Reparto: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche Delicioso trabajo actoral, absoluto dueño de la película. El corazón de Kechiche ofrece unas tres horas entre chicas que tampoco pasan volando, por mucho que estemos ante la adaptación de una novela gráfica. No es una obra maestra pero su función provocativa funciona. Y su edición y sus cámaras juegan a favor de obra. Un caos erótico controlado. Crítica en Espinof: 'La vida de Adèle'. La bella mentirosa Dirección: Jacques Rivette Reparto: Michel Piccoli, Emmanuelle Béart, Jane Birkin, David Burzstein Ahora que tenemos 'Bliss' en nuestras pantallas, nada mejor que recordar le erotismo finísimo de la película de Jacques Rivette, que consigue que el simple hecho de pintar un cuadro sea fascinante. Los destinos de los personajes se vuelven casi insignificantes por los problemas derivados de las improvisaciones de los actores, algo que poco importa ante tamaña belleza. Otro tipo de proceso creativo. - La noticia Las 14 mejores películas eróticas de la historia fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .