Entre Fans

Con la tercera semana de cuarentena recién comenzada, a muchos se nos está comenzando a hacer algo cuesta arriba el encierro. Pero la buena gente de Hasbro, plenamente consciente de la situación que está viviendo prácticamente todo el planeta, ha decidido ayudarnos a combatir el hastío con una buena dosis de nostalgia. La compañía de Rhode Island ha publicado en su canal de YouTube una lista de reproducción con los primeros 15 episodios de la serie original de 'G.I. Joe', subtitulada en tierras norteamericanas como 'A Real American Hero', basada tanto en las figuras de acción originales como en el cómic homónimo publicado por Marvel. En Espinof Primer festival de cine contra la pandemia en Espinof: 33 películas gratis online que te recomendamos para pasar la cuarentena Como decimos, los capítulos liberados corresponden al arranque de la serie, incluyendo las miniseries 'El arma MASS' —emitida por primera vez en 1983— y 'La venganza de Cobra' —1984—, así como los cinco capítulos del arco 'La pirámide de la oscuridad' que conforman el inicio de la primera temporada de 'G.I. Joe', retransmitida en 1985. En España, 'G.I. Joe' se estrenó en Telecinco en 1990, emitiéndose de lunes a viernes por la tarde y, como era habitual por aquél entonces, sin seguir ningún tipo de orden con los episodios. No sabemos si la intención de Hasbro es continuar subiendo episodios hasta completar la serie, pero, sin duda, muchos agradecerán este pequeño retro-aperitivo. Playlist con los 15 primeros episodios de 'G.I. Joe' en YouTube - La noticia 'G.I. Joe' gratis en YouTube: Hasbro nos regala los 15 primeros episodios de la mítica serie de los ochenta fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Mirad que ha tenido buenos estrenos marzo y resulta que uno de los que tenía más ganas de ver era, precisamente, uno español. El de 'Veneno', el biopic de todo un icono de la cultura LGTBI española realizado por Javier Calvo y Javier Ambrossi, más conocidos como los Javis. El primer episodio de 'Veneno' nos traslada a 2006, cuando Amparo (Mariona Terés) se encuentra casualmente con La Veneno, cuyo momento de fama hace ya tiempo que se esfumó. Rápidamente se lo cuenta a su mejor amiga, a la que conoceremos más adelante como Valeria (Lola Rodríguez). En Espinof 'Visibilidad: LGTBI en la televisión': un documental esencial de Apple TV+ sobre historia catódica y representación De ahí saltamos diez años en el pasado. Es en 1996 cuando una reportera de 'Esta noche cruzamos el Mississippi', Faela (Lola Dueñas), se encuentra con una magnética prostituta transexual mientras intenta hacer un reportaje en el madrileño Parque del Oeste. Será este el germen del nacimiento de todo un icono. Isabel Torres, Daniela Santiago y Jedet son las responsables de encarnar a Cristina Ortiz en diferentes etapas de su vida. Además, en la serie nos encontraremos un reparto formado por Lola Dueñas, Israel Errejalde, Paca La Piraña, Sophia Lamar, Mercedes León, Elvira Mínguez, Goya Toledo, Ester Espósito, Jordi Vilches y un largo etcétera. Los Javis a lo suyo Los Javis, tan anclados a la cultura pop española y al star system castizo, a veces se olvidan de abrir la mirilla a los ajenos. No sé hasta qué punto una persona que no haya vivido, o al menos conocido por zappings, el auge y caída de Cristina Ortiz verá el primer episodio de 'Veneno' y encontrará en él motivos para querer conocer más a la protagonista. Que no es que sea una presentación ineficaz, simplemente creo que está mucho más enfocada a su público. Tanto al de los Javis como a los de La Veneno. Hay desparpajo, salero, nostalgia del "Mississippi"... pero le falta algo de peso para los temas que quieren tratar. En Espinof Feliz Día del Orgullo: 17 personajes LGTB que nos encantan Temas que se ven más reflejados en el tráiler que en este primer episodio, que en el fondo es uno de búsqueda. La de Pepe Navarro y su reportera para encontrar el próximo gran personaje que les dé audiencia en 1996 y la de la joven estudiante que se entera de que su ídolo está en la ciudad. La búsqueda del referente, en este caso de una mujer transexual que visibilizó, a su modo, una realidad. Al final del episodio, la voz en off de Valeria nos indica algo más la importancia del personaje y las claves que quieren explorar durante los ocho episodios de este drama. Un inicio brillante para una serie que promete Episodios que no estamos del todo seguros de cuándo veremos o terminaremos de ver, por otro lado. El rodaje comenzó el pasado mes de diciembre y el estado de alarma ha afectado a la producción de la serie, que debía haber concluido el rodaje durante este mes. Incógnitas aparte, lo que sí que se ve en este episodio inaugural de 'Veneno' es todo un ejemplo de la madurez artística de Los Javis. Gran parte de los intereses que hemos visto ya en 'Paquita Salas' y otras obras suyas a la hora de tratar una historia está presente aquí, pero de un modo más oscuro e incluso sobrio. Sobrio pero sin dejar de reivindicar el lado festivo y las referencias a la cultura pop. Aun con mis dudas en cuanto al enfoque (cuya subsanación se intuye en el avance de la serie), creo que 'Veneno' puede ser un punto y a parte tanto en la carrera de sus creadores como un punto de inflexión en el género del biopic en España. De momento, lo que nos hemos encontrado roza el sobresaliente, con un retrato poliédrico y al pie de calle del personaje en una serie cuyo recorrido promete. - La noticia 'Veneno' marca la madurez de Los Javis en su nueva y brillante serie para Atresplayer fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El actor de doblaje Salvador Vives ha fallecido a los 78 años de edad este pasado sábado 28 de marzo en el Hospital Clínico de Barcelona víctima del coronavirus según ha anunciado la Asociación Profesional de Artistas de Doblaje de Barcelona. Una larga carrera Vives era el actor de doblaje habitual de actores de la talla de Jeremy Irons, Michael Madsen, Mark Harmon o Rupert Everett. Además, también se ocupó de prestar voz en varias ocasiones a intérpretes como Liam Neeson en 'Darkman' o 'Batman Begins', Martin Sheen en 'El ala oeste de la Casa Blanca' o 'The Way' y Al Pacino en 'Heat' o 'La prueba'. Entre sus últimos trabajos sobresalen títulos como 'Spider-Man: Lejos de casa', donde ponía voz a Jeff Bridges, '¿Podrás perdonarme algún día?', donde asumió el papel de Richard E. Grant, o 'Star Wars: El ascenso de Skywalker', donde suplía a Denis Lawson como Wedge Antilles. Hoy es un día muy triste para el doblaje. Se ha ido una de las voces más bonitas del doblaje español, la voz de galán por excelencia y, por encima de todo, un actor fantástico. Hemos perdido a SALVADOR VIVES.https://t.co/EsvEJlln8d — VOZBLAJE (🏠) (@vozblaje) March 28, 2020 Además, en su currículo también destacan otros trabajos como el Bobby Ewing de la televisiva 'Dallas' en TV3 o haber sido el presentador de 'Lotto 6/49' para esa misma cadena. Descanse en paz. - La noticia Muere el actor de doblaje Salvador Vives, voz en España de Jeremy Irons y Rupert Everett, por coronavirus fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Disney+ ya ha desembarcado en España y esta nueva plataforma de streaming se presenta como una buena opción para entretenernos durante el encierro para luchar contra el coronavirus. Es cierto que su catálogo presenta tanto como sombras, pero a priori parece poco menos que imprescindible para aquellos que tengan niños en casa. Eso sí, quizá queráis aprovechar la posibilidad de compartir cuenta que da Disney+ para sacarle el mayor partido al menor precio posible. Como ya hicimos en su momento en el caso de Netflix, a continuación vamos a repasar todas las claves que debéis conocer si queréis compartir una cuenta de Disney+ entre varias personas. En Espinof Las 23 mejores películas de Disney+ Cómo crear un perfil El proceso es muy similar al de Netflix. Nada más entrar en tu cuenta de Disney+ tendrás que pinchar arriba a la derecha y una vez allí hacer click en crear perfil. Tendrás entonces la opción de elegir tu avatar entre multitud de imágenes de personajes de Disney, Marvel, Star Wars, Pixar o National Geographic. Una vez hayas elegido el que más te apetezca, que más adelante podrás cambiar si te cansas de él, llegarás a una pantalla así en la que elegir el nombre de usuario y si se trata de un perfil infantil. En caso de serlo, se restringirá el contenido al que tenga acceso. Vamos, que no tendrá acceso, entre otros, a las películas y series de Marvel -lo siento, chaval, vas a tener que seguir esperando para ver 'Vengadores: Endgame'- o Star Wars. Eso sí, esto puede cambiarse sin ningún tipo de limitación por parte del servicio. Podrás hacer hasta siete perfiles -en Netflix son cinco-, pero uno de ellos será el principal, el cual nunca podrá ser borrado y tampoco te dejará activar en ese caso la opción de perfil infantil. Los límites, el precio y las condiciones Una vez hayas completado las opciones que se ajusten a tus necesidades, has de tener en cuenta una cosa: puedes tener siete perfiles sí, pero Disney+ solamente dejar reproducir contenido en cuatro de ellos de forma simultánea. En condiciones normales supone que solamente cuatro personas pueden estar usándolo a la vez, pero también puede ser que una de ellas esté usándolo en dos dispositivos diferentes al mismo tiempo. Un buen ejemplo de ello lo tendríamos en que puedes estar viendo algo en un ordenador y al mismo tiempo descargándote algo para ver offline durante un viaje. Ahí Disney+ permite hacer descargas en hasta 10 dispositivos diferentes, una medida de agradecer en caso de que se te acabe la batería en tu móvil o tablet. En Espinof Las 19 mejores series de Disney+ Además, en sus condiciones de uso no establece por el momento ningún tipo de limitación a la hora de compartir tu cuenta con otras personas que no vivan contigo. Dicho de otra forma, puedes compartirla con amigos para ajustar más lo que pagaría cada uno. En el caso de Disney+ solamente se ofrecen dos tarifas a día de hoy. Pagar mes a mes 6,99 euros y darte de baja cuando quieras Pagar la cuota anual de 69,99 euros. Si optas por compartir la cuenta entre cuatro personas, cada una pagará 1,75 euros al mes con la primera opción y 17,5 euros al año con la segunda, lo que equivale a unos 1,46 euros al mes. Obviamente, las cifras oscilarán con un menor número de personas. En Xataka: Comparativa Netflix, HBO, Movistar+, Prime Video, Filmin, Sky y Rakuten TV: catálogo, funciones y precios - La noticia Las claves de compartir cuenta en Disney+: cómo funciona, cuál es su precio y qué límites tiene fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Han pasado casi cinco años desde que el director George Miller creó un terremoto en el mundo del cine con 'Mad Max: furia en la carretera' (Mad Max: Fury Road, 2015) una de las películas más espectaculares del siglo XXI y la mejor película de la última década según decenas de medios especializados. Una posible secuela estuvo enredada en problemas legales durante un tiempo, pero el año pasado, parecía que las cosas finalmente estaban preparadas para que varias películas de Mad Max comenzaran su producción. ¿El primer Mad Max sin Mad Max? Ahora, un nuevo artículo de Variety dice que Miller está realizando el casting para una precuela de Mad Max basada en el personaje de Furiosa, que espera comenzar a filmar el próximo año. Una de las personas a las que audicionó para el papel principal fue la actriz de 'La Bruja' (The Witch, 2015) Actriz Anya Taylor-Joy, a la que hemos visto recientemente como Emma. En Espinof 'Emma.', una deliciosa y mordaz adaptación del clásico de Jane Austen En el texto de Variety se discute la incertidumbre de las principales fechas de producción de posibles éxitos de taquilla y sobre el filme de Miller comenta: "El director George Miller, por ejemplo, se ha reunido con nombres como Anya Taylor-Joy para su spin-off 'Furiousa', que espera comenzar a filmar en 2021. Por supuesto, Miller está haciendo concesiones al coronavirus: esas audiciones han tenido lugar a través de Skype".Los rumores Los rumores de una película de 'Furiosa' han estado en el aire desde 2016, pero esto es lo más cercano a algo oficial que surge desde Miller, que la estaría priorizando sobre las otras películas planeadas de Mad Max, una de las cuales se supone que es una secuela de Fury Road llamada 'Mad Max: The Yermo'. Aunque Taylor-Joy no está confirmada será interesante ver qué cualidades está buscando Miller en una versión más joven de su protagonista para este spin-off, y cómo reaccionará el público ante la primera película de Mad Max sin Mad Max en ella. - La noticia George Miller quiere rodar 'Furiosa' en 2021: Anya Taylor-Joy es su favorita para protagonizar la precuela de 'Mad Max: Furia en la carretera' fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Qué bien nos viene de vez en cuando una buena comedia, aunque solo sea por su capacidad para distraernos y hacer que nos riamos un buen rato. Así que hoy os vamos a proponer un buen festival del humor, concretamente 31 pedazo de comedias televisivas que van desde la sitcom clásica hasta la comedia dramática que podéis encontrar en Netflix, HBO España, Amazon, Movistar+, Apple TV+ y Filmin. En Espinof Los 11 mejores especiales de comedia stand-up para ver en Netflix y HBO durante la cuarentena por coronavirus 'Archer' Sterling Archer es uno de los mejores agentes secretos del mundo... pero también es machista, alcohólico y un egomaníaco de narices. Una sensacional spy fiction que se encuentra preparando actualmente su undécima temporada. Ver en Netflix 'Arrested Development' Una de esas "mejores series que se fueron antes de tiempo" y que, de hecho, rescató Netflix son las andanzas de los Bluth, una familia disfuncional de gente rica que prentende seguir con su estilo de vida a pesar de que las circunstancias han cambiado drásticamente. Ver en Netflix 'Barry' Bill Hader protagoniza y cocrea esta comedia en la que interpreta a un asesino a sueldo que se encuentra seducido por el mundo de la actuación, decidiendo dejar de lado su antigua profesión. Una sitcom de humor ***** y tremendamente eficaz que es capaz de entregar episodios absolutamente perfectos. Ver en HBO 'Bojack Horseman' Quizá no sea el ejemplo perfecto de comedia desternillante y optimista para ver en momentos como estos porque, de hecho, es casi todo lo contrario. Sin embargo la historia de Bojack, una antigua estrella de los 90 que intenta salir del hoyo, es una obra maestra que mezcla humor con una reflexión profunda sobre la adicción, la salud mental y otras materias. Ver en Netflix En Espinof 'Bojack Horseman' y 'The Good Place': dos finales sobre la muerte, los pecados del pasado y la aceptación personal 'Brooklyn Nine Nine' Una de tantas grandes "workplace sitcoms" que han salido de la factoría de Michael Schur nos lleva al interior de una comisaría de policía. Jake Peralta (Andy Samberg) es un gran detective pero algo desastroso e inmaduro, algo a lo que quiere poner fin la llegada del nuevo capitán (André Braugher). Ver en Netflix 'Capítulo 0' Joaquín Reyes y Ernesto Sevilla capitanean esta antología de dos temporadas llenas de humor con gran toque de fantasía y ciencia ficción. Se notan las tablas de este dúo y lo que nos encontramos es con una obra técnicamente sobresaliente y que nos lleva por cotas de hilaridad insospechadas. Ver en Movistar+ 'Community' Un abogado al que le han prohibido ejercer por mentir sobre su título se mete en un improbable grupo de estudio de un centro de formación de adultos. Basadas en las propias experiencias de Dan Harmon, la comedia empieza tímida pero pronto logra enganchar y hacer que no dejemos de reir episodio a episodio. Ver en Prime Video 'Cómo conocí a vuestra madre' Aunque con su última temporada hubo mucho "renegación" de la serie, hay que admitir que marcó toda una época en cuanto a comedias románticas televisivas se refiere. Una especie de mezcla de 'Friends' y 'Perdidos' (esta últiman cuanto a obsesión y teorías fans) que nos tuvo durante años elucubrando quién sería la madre de los hijos de Ted. Ver en Netflix, Prime Video 'Los Conchords (Flight of the Conchords)' Jemaine Clement y Bret McKenzie saltan de Nueva Zelanda a intentar hacerse "las Américas" y saltar a la fama mundial con su dúo musical en esta estupenda comedia musical. Claro, no les será fácil... pero nos divertiremos de lo lindo con sus peripecias y las desternillantes letras de sus canciones. Ver en HBO 'Derry Girls' Están en zona peligrosa, Irlanda del norte en pleno conflicto de los 90, pero a ellas les preocupa más el poder ligar algún día de estos. Una comedia de adolescentes y sus ocurrencias y con dosis de música celta de la que se puso de moda por la época que es todo un antídoto para el aburrimiento. Ver en Netflix 'Fleabag' Ven por la premisa, quédate por la genialidad encarnada en Phoebe Waller-Bridge. Ácida, irreverente y con un juego con el espectador que es delicioso en el que nos hacemos cómplices de la sinvergonzonería y los momentos álgidos y bajos de la protagonista. Ver en Prime Video 'Friends' El objeto de deseo de todas las plataformas de streaming y, de hecho, hay pujas millonarias por tenerla. Ross, Monica, Chendler, Joey, Rachel y Phoebe son seis amigos cuyas dinámicas historias y anécdotas han creado a lo largo de los años momentos míticos. Ver en Netflix, HBO España, Prime Video En Espinof 'Friends' no es ni machista ni homófoba 'The Good Place' Imáginate que te despiertas en una sala de espera, te reciben y lo primero que te dicen es que estás muerta y que gracias a lo buena que eres has llegado al "lado bueno", una especie de cielo. Solo tú sabes que no deberías estar ahí. Esa es la premisa de una serie que logra evolucionar y reinventarse temporada a temporada siendo una imprescindible de la década. Ver en Netflix 'Los informáticos' (IT Crowd) Una de esas sitcoms con las que puedes acabar perfectamente con agujetas de todas las risas que provoca. Richard Ayoade, Chris O'Dowd y Katherine Parkinson encarnan a los trabajadores del departamento de informática de una empresa. Ver en Netflix 'Inside no. 9' Steve Pemberton y Reece Shearsmith crean y protagonizan una comedia negra, extraña, extravagente, absurda y de culto. Una antología cuyo único elemento en común es el número 9 como identificador del escenario dónde se ambienta cada episodio. Ver en Filmin 'Larry David' El cocreador de 'Seinfeld' y sus neuras son los protagonistas de esta serie que gira, al igual que la mencionada, sobre la nada. Está rodada al estilo "cinemá verité" y con la improvisación como principal componente en un ejercicio definido por David como retroescritura. Ver en HBO 'Lo que hacemos en las sombras' A punto de estrenar la segunda temporada, la serie "spin off" de la película neozelandesa de Taika Waititi y Jemaine Clement traslada a Nueva York el concepto "vampiros compartiendo piso". Muy divertida, deliberadamente cutre pero absolutamente deliciosa. Ver en HBO 'La maravillosa Sra. Maisel' Lo ya no tan nuevo de Amy Sherman-Palladino nos traslada a los años cincuenta a la historia de Midge (Rachel Brosnahan) que decide tomar las riendas de su vida e intentar hacer una carrera como humorista. Una comedia ágil y optimista como pocas. Ver en Prime Video 'Master of None' Dentro de las comedias semiautobiográficas de nueva escuela, quizá sea la de Aziz Ansari la más redonda. Personal, íntima, divertida, consciente de que los millennials estamos más cerca de los treinta que de los veinte y lo que eso significa. Ver en Netflix 'Mira lo que has hecho' De la mente y experiencias de Berto Romero llega esta comedia sobre la paternidad, la suya en concreto. Dos temporadas (y una tercera en preparación) en la que el cómico despliega su talento para presentar lo duro y reconfortante que es ser padre de familia y, además, trabajar en el mundo del espectáculo. Ver en Movistar+ 'Monty Python's Flying Circus' Quizás lo más valorado que hay en Netflix, por lo menos por mi parte, es que esté completa 'Monty Python's Flying Circus', la serie de sketches que el mítico grupo británico realizó entre finales de los sesenta y comienzos de los setenta para BBC. Ver en Netflix En Espinof 'La vida de Brian': así se reían los Monty Python del mito religioso en 1979 'Mythic Quest: Banquete de cuervos' Se ha posicionado entre lo mejor de este año y es de lo mejor de su propia plataforma. Una desternillante mirada a los entresijos de un estudio de videojuegos creada y protagonizada por Rob McElhenney y sus colaboradores habituales. Ver en Apple TV+ 'The Office' Ahora que cumple quince años, no exentos de polémica, es gran momento de reivindicar la adaptación norteamericana de la creación de Ricky Gervais con Steve Carrell de cabeza de cartel. Una comedia a la que le cuesta pillar el punto, sobre todo en su primera temporada, pero que en cuanto engrasan dinámicas resulta una auténtica joya. Ver en Prime Video 'Psych' Quería aprovechar para reivindicar esta mezcla peculiar de géneros cómico y dramático a través de la historia de Shawn, quien finge ser psíquico y ayuda a la policía a resolver multitud de casos. Ocho temporadas de casos, de hecho. Ver en Prime Video 'Rick y Morty' Ciencia ficción chiflada, referencias nerds y personajes autodestructivos se mezclan en esta comedia animada protagonizada por un científico loco y su nieto. Una hilarante serie que se situó rápido entre lo más destacado de [adult swim], algo bastante complicado de por sí. Ver en HBO En Espinof Así decepcionó McDonald's a los fans de 'Rick & Morty' con el regreso de la salsa Szechuan 'Silicon Valley' Con sus altibajos y todo, 'Silicon Valley' ha logrado hacerse hueco entre las mejores comedias de HBO con su mordaz sátira al núcleo de la tecnología informática con Pied Piper en el centro de todo. Ver en HBO España 'South Park' La mayor pena de recomendar 'South Park' es que solo se encuentren un puñado de temporadas en streaming. Pero, aun así, merece muchísimo la pena recordar que dos décadas después, la serie de Trey Parker y Matt Stone sigue conservando un humor fresco, irreverente y tremendamente desternillante. Ver en Netflix 'The Unbreakable Kimmy Schmidt' En tiempos como estos no está de más recordar las peripecias de esta optimista chica que sale al mundo tras haber sido retenida en un búnker durante quince años. Tina Fey pone todo su corazón a la hora de elaborar esta tierna y referencial comedia. Ver en Netflix 'Veep' Aunque 'Avenue 5' no haya resultado ser la joya que esperábamos de la mano de Armando Ianucci, es buen momento para volver a ver la excelente sátira política protagonizada por Julia Louis-Dreyfus. Diálogos rápidos y desprecios mutuos en media hora por sesión. Ver en HBO 'Vergüenza' Aunque en lo personal la tercera me dejó un poco tibio, la comedia protagonizada por Javier Gutiérrez y Malena Alterio es todo un ejemplo de lo mucho que nos gusta ver a gente meterse en jardines estupendos. Eso sí, funciona mejor de lo habitual cuando van a por algo más maduro. Ver en Movistar+ 'La víbora negra' Dos personajes ha inmortalizado Rowan Atkinson y el de Edward Blackadder es, probablemente, su mejor obra. Una comedia histórica que navega por los tiempos con los desternillantes tejemanejes de este noble británico. Ver en Filmin Hasta aquí nuestra selección. Como siempre, seguro que me he dejado algunas en el tintero, ¿qué series cómicas en streaming recomendáis? - La noticia Las 31 mejores series de comedia en Netflix, HBO, Amazon y demás plataformas de streaming fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Ya quedan apenas unos días para que Netflix estrene la cuarta temporada de ‘La casa de papel’ este viernes 3 de abril. Es sin duda su gran estreno del mes y a su manera se va a ver beneficiada por el coronavirus, ya que el obligado encierro en casa nos deja con más tiempo libre para ver series o películas. Siendo ya un éxito histórico para la plataforma, el bombazo que podría ser esta nueva tanda de episodios se sale de la escala. En Espinof ya hemos tenido la oportunidad de ver los cinco primeros episodios y la serie sigue siendo igual de entretenida y adictiva que hasta ahora. El contundente final de la tercera ha dado pie a una serie de interesantes conflictos que han dado una energía diferente al robo del Banco de España, aunque justo es reconocer también que la naturaleza más excesiva de ‘La casa de papel’ también ha hecho que se acerque más que nunca a saltar el tiburón de forma irreversible. A toda mecha ‘La casa de papel’ ha sido en todo momento una serie que juega con los equilibrios de poder. El Profesor había demostrado estar en casi todo momento un paso por delante de la policía, lo cual ayudaba incluso a que la imagen del banda entre el público jugase a su favor. El gran cambio que se introdujo al final de la temporada es que el personaje interpretado por Álvaro Morte perdía por completo el control y se desataba el caos. En Espinof Las 34 mejores series españolas que puedes ver en Netflix, HBO, Amazon, Movistar+ y otras plataformas de VOD En la cuarta toca lidiar con eso e intentar reconducir la situación para poder encontrar la forma de salir con vida del Banco de España y además salvar a Lisboa de una vida entre rejas prácticamente asegurada. Eso sí, no esperéis que vaya a ser un camino fácil, porque todo se complicará aún más, incluso dentro de la dinámica marcada hasta ahora en la banda de atracadores, antes de que empiece a haber luz al final del túnel. Todo eso da pie a que la cuarta temporada sea vibrante desde el mismo comienzo de la misma pese a que las relaciones entre policías y atracadores darán pie a un momento de calma que en realidad ambas partes intentarán aprovechar para ponerse en una situación ventajosa, ya que Sierra se revela una vez más como una adversaria temible para El Profesor y los suyos. En Espinof Las 47 mejores series de la historia Lo que no me termina de convencer tanto es que entiendo que la serie vive del conflicto para enganchar al espectador, pero en esta cuarta temporada quizá se abusa demasiado del recurso y se crean algunas tramas que al espectador le puede costar asumir. Hay un límite para lo que le puedes pedir que asuma como posible y Álex Pina, creador de ‘La casa de papel’, siempre había jugado con ello, pero llega un punto en el que no en vez de intentar superarte a ti mismo deberías buscar otros enfoques. Luces y sombras de la temporada 4 Esto afecta tanto a la actividad de la banda dentro del Banco de España como a lo que sucede en el exterior, ya que se va saltando de forma fluida de un lado a otro para que aburrirse sea imposible. Quizá no te lo creas, pero te lo sigues pasando pipa y simplemente quieres que todo siga avanzando. Ya valoraremos después hasta qué punto se sostiene, pero no creo que aquellos que opinen que lo importante es el viaje tengan mucho de lo que quejarse más allá de ciertas actitudes de algunos personajes. Además, los responsables de ‘La casa de papel’ se han reservado alguna sorpresa como el crecimiento del personaje de Belén Cuesta, a quien ya vimos brevemente al final de la tercera temporada. Al respecto es mejor no saber nada y tener cierta paciencia en lugar de estar pensando qué hace ella allí. Todo llega. Un detalle concreto -tranquilos que será el único que comente y además no creo que sea para nada un spoiler- que sí me gustaría destacar es la mayor importancia del personaje de Marsella, ya que tenía muy poca presencia en la tercera y aquí crecen sus minutos en pantalla y Luka Peros sabe aprovecharlo. Por no hablar de la extraña pareja que forma con El Profesor, donde impera lo cómico pero también hay tiempo para apuntes más dramáticos bastante inspirados. Más allá de eso, se aumentan las dosis de acción, a veces quizá de forma un poco artificial pero no por ello funciona peor. Eso va unido a una evolución de la historia más visceral en muchos casos, optándose por llevar las cosas a situaciones límite para evitar que el interés decaiga. Lo curioso es que luego quizá funcionen hasta mejor otros momentos más pausados, como esos flashbacks que se siguen utilizando para poder volver a contar con Berlín, aunque al final es el equilibrio entre ambas lo que realmente convierte a ‘La casa de papel’ en una propuesta tan entretenida. En resumidas cuentas ‘La casa de papel’ sigue siendo una garantía de pasárselo bien en esta cuarta temporada, aunque quizá más que nunca confíe en una serie de giros de guion que piden demasiado al espectador. Habrá a quien ya le pareciera que eso sucedía en anteriores tandas de episodios, pero a mí ha sido aquí cuando he empezado a ver que la serie podría venirse abajo. Por suerte no ha sido el caso. - La noticia 'La casa de papel' regresa a Netflix con una temporada 4 muy entretenida que lleva todo al límite fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

A la hora de llevar al audiovisual las aventuras de Astérix siempre ha habido un problema esencial de traducción. Uno que vinculaba a la criatura de Albert Uderzo y René Goscinny con Lucky Luke, que también firmara Goscinny, antes que con el Tintín de Hergé, cuyo reinado editorial vinieron a desafiar los galos en los años sesenta. Se trata de la posesión de un universo estético propio, de reglas definidas pero ajenas a nuestra propia realidad. A ésta, el reportero del flequillo sí que rendía cuenta debido a su empeño en retratar de forma rigurosa sus detalles e idiosincrasias; donde Hergé quería demoler cualquier estereotipo a medida que Tintín iba acaparando fama y se convertía en un adalid de la multuculturalidad, Astérix vivía por y para este estereotipo. Así, la obra de Uderzo y Goscinny tenía asumido que debía ofrecerse como un reflejo distorsionado de nuestro mundo. Una caricatura cada vez más recargada y corrosiva, con mayor parecido al imaginario de Francisco Ibáñez que al de otros ilustres referentes francobelgas, y que imposibilitaba su existencia más allá de las viñetas oriundas a menos que se dejara ingredientes valiosos por el camino. “Un Astérix en imagen real sería sencillamente un monstruo”, opinaba Pierre Tchernia, socio y amigo íntimo de Goscinny, a mediados de los sesenta. El director francés lanzaba este juicio en el marco de la producción de ‘Deux romains en Gaule’ (1967), descartando la posibilidad de que el célebre galo protagonizara la película. Lo lanzaba, también, poco antes de que ‘Deux romains en Gaule’ fuera emitida en televisión y se consumara de esta forma la primera de las muchas apariciones de Astérix en el audiovisual. Porque, en la extensa relación de la criatura de Goscinny y Uderzo con este, la lógica nunca ha sido una variable significativa. Interpretando jeroglíficos El plan de Claude Contamine, de la Office de Radiodiffusion-Télévision Française, no tenía fisuras. Con diez números publicados hasta la fecha, Astérix y Obélix se habían convertido en una máquina de hacer dinero capaz de permitir a sus creadores no dedicarse a otra cosa que a pergeñar nuevas aventuras. Y había que aprovecharlo. Había que ampliar horizontes. En Espinof Las 37 mejores películas basadas en cómics y novelas gráficas No obstante, la negativa de Goscinny y Uderzo a que sus personajes dieran el salto a la televisión —y a la acción real, específicamente— acabó derivando en un drástico cambio de planes. 'Deux romains en Gaule' terminó ambientándose en el mismo universo que Astérix y Obélix, donde las aventuras de los legionarios Prospectus y Ticketbus (Roger Pierre y Jean-Marc Thibault) los conducían por escenarios y motivos muy reconocibles para los lectores, al tiempo que cuidadosamente ambiguos. En el argumento de ‘Deux romains en Gaule’ se percibían ecos de ‘Astérix y los godos’ o ‘La hoz de oro’ —como todo lo relacionado con la estancia de los protagonistas en Lutecia—, mientras que estos alternaban con la existencia de pociones mágicas capaces de hacerte encoger y con, sí, una aparición estelar del personaje que lo había motivado todo. Llegado el momento, en este telefilm enunciado como “programa de variedades” aparecía nada menos que Uderzo pintando un dibujo de Astérix en la calzada, y seguidamente el galo cobraba vida para emoción de los espectadores. Pierre Tchernia, que acabó dirigiendo el film, pudo mantener la entidad de la criatura gracias a esta suerte de desvío, pero el suyo no era el único proyecto que en aquellos momentos se desarrollaba a la estela de ‘Astérix’. Georges Dargaud había comprado Pilote un año después de que Goscinny y Uderzo la fundaran, en 1960. Más o menos durante la producción de ‘Deux romains en Gaule’ —cuyo guion escribieron Goscinny y Uderzo—, decidió unilateralmente que Dargaud Films, mediando el estudio de animación belga Belvision, produjera cuanto antes una película basada en los irreductibles galos. Estuvieran sus padres de acuerdo, o no. Ray Goosens, artista consagrado en Belvision que en 1964 había finalizado con éxito la serie animada de ‘Las aventuras de Tintín’, fue el elegido para dirigir ‘Astérix el galo’, basada en la primera aventura publicada del personaje. Pensada inicialmente —y al igual que ‘Deux romains’— para televisión, Dargaud fue viniéndose arriba con el proyecto, y acabó estrenándose el 20 de diciembre de 1967 en los cines franceses. Es sencillo comprender el entusiasmo del editor, ya que ‘Astérix el galo’ era un producto extremadamente digno, que pudo beneficiarse además de una memorable banda sonora por parte de Gérard Calvi. El detalle menos estimulante era un libreto discreto y demasiado apegado al material original, obra de un equipo de guionistas consciente del desplante en el que estaban incurriendo a espaldas de Goscinny y Uderzo. En efecto, ‘Astérix el galo’ salió adelante sin el permiso de estos, y es algo que puede ser apreciado fácilmente viendo la película. Al contrario que postreras adaptaciones donde Goscinny y Uderzo sí estuvieron involucrados, existe un gran temor a cualquier posible fuga, configurando algo así como una fotocopia en movimiento sin demasiado interés. Saltaba a la vista, pese a todo, que el medio animado podía contener sin grandes disonancias las ocurrencias de estos dos artistas, y así fue que Dargaud planeó de inmediato la producción de una secuela basada en ‘La hoz de oro’… saboteada al instante por Goscinny y Uderzo. Esta vez no. Esta vez, si Astérix contaba con una película, sus padres tendrían algo que decir al respecto. Justo un año después fue estrenada ‘Astérix y Cleopatra’, producida igualmente por Belvision pero contando con Goscinny y Uderzo como directores y guionistas. El salto cualitativo obrado desde ‘Astérix el galo’ es, por tanto, notorio, y se percibe desde la escena de introducción, dedicada a cachondearse de las formas de comunicación de los egipcios con los jeroglíficos como diana. Este prólogo no aparecía en el cómic original —que, codificado por entero como una parodia de la fracasada superproducción protagonizada por Elizabeth Taylor en 1963 con el título de ‘Cleopatra’, ya daba cuenta de una creciente sofisticación en las intenciones satíricas de sus autores—, como tampoco lo hacían las canciones que salpicaban la trama. En Espinof Cómics desde una galaxia muy, muy lejana: las mejores historias de 'Star Wars' en viñetas En calidad de responsables de la producción, Goscinny y Uderzo concibieron ‘Astérix y Cleopatra’ como una forma de ampliar las posibilidades expresivas del cómic, no sólo en tanto a la caricatura puntual sino también a partir de la propia naturaleza de la propuesta. Acaso fijándose en los exitosos films de Disney, los directores quisieron justificar el trasvase de medios —aquello que no se preocupó de hacer ‘Astérix el galo’— y ‘Astérix y Cleopatra’ se convirtió en un musical. En su ensamblaje destacaba un número en el que Obélix, hambriento como de costumbre, fantaseaba con jabalíes, y cabe rastrear en él una influencia disneyana directa, concretamente la de la borrachera de ‘Dumbo’ (1941). Las particularidades de su animación, menos figurativa y más espontánea que nunca, así lo atestiguan. El ladrido de Idéfix Para encontrar la siguiente película basada en ‘Astérix’ debemos dar un salto a siete años después, cuando Uderzo y Goscinny fundaron junto a Georges Dargaud los Studios Idéfix. En 1974 abría sus puertas un estudio de animación cuyo logo parodiaba al irascible león de la Metro Goldwyn-Mayer, sustituido por el perrito Idéfix lanzando un amistoso ladrido. Debajo de él, en latín, podía leerse una frase apropiada: “Están locos estos romanos”. La génesis de ‘Las doce pruebas de Astérix’ —quizá la aventura fuera de los cómics más afortunada de los galos— puede ser entendida a partir de dos factores. En primer lugar, el propósito de Goscinny por hacer con Astérix algo similar a lo que había hecho con su película ‘Lucky Luke: El intrépido’ (1971), desarrollando de cara a la gran pantalla una historia totalmente original. En segundo lugar, la madurez absoluta que en aquella década asumieron los cómics de ‘Astérix’. Números como ‘La residencia de los dioses’ (1971) u ‘Obélix y compañía (1976) —abrumadora disección del capitalismo que acabó asaltando las facultades de economía—, atestiguaban una suerte de clímax en el vitriolo con el que Goscinny planteaba sus historias, y ‘Las doce pruebas’ pudo beneficiarse de este estado de ebullición creativa. Siguiendo el curso natural de las cosas este mismo estado condujo a un guion afiladísimo, donde cada una de las pruebas estaba concebida como un chiste superado al instante por el siguiente —encontrando su culmen en la ya icónica secuencia de la Casa Que Enloquece y su hilarante visión de la burocracia—, pero también derivó en un elemento que marcaría desde entonces las adaptaciones cinematográficas de ‘Astérix’. Hablamos de la autoconsciencia. La primera vez que veíamos al pequeño guerrero galo en ‘Las doce pruebas’, este era presentado por el narrador —Pierre Tchernia prestando su voz por primera vez de muchas— como una celebridad internacional. Con sus aventuras traducidas en varios países, insistía, para a continuación poner a Astérix saludando a cámara empleando distintos idiomas. Esta sacudida de la diégesis, poniéndose a coquetear con la cuarta pared y con un escenario pop al que podía recurrir sin embarazo, no era precisamente nueva. Al fin y al cabo, el anacronismo era una de las herramientas preferidas de Goscinny y Uderzo para provocar la risa con sus creaciones… pero nunca había llegado tan lejos. Nunca había dejado caer con tanto atolondramiento que, fuera de los cómics, todo valía. ‘Las doce pruebas de Astérix’, además de en su condición de pionera en la creación de un protagonista auténticamente cinematográfico —capaz de crecer más allá de su medio de partida—, también destaca por lo cuidadoso de su técnica. Apartado que, en los años que la seguirían, sería paulatinamente abandonado al descuido. Para dar vida a sus imágenes, Goscinny y Uderzo recurrieron a la xerografía que Disney ya había utilizado en ‘101 dálmatas’ (1961). Gracias a ella, que ahorraba tiempo con el entintado, los personajes abandonaban la quietud que exhibían en films anteriores, abrazando un dinamismo cuya ocasional imperfección —consustancial a la técnica— provocaba que los diseños parecieran temblorosos, dubitativos. Como conscientes de que aquél no era su elemento, pero afianzando los pasos poco a poco a través de él. En Espinof No hay mejor blockbuster que un cómic de Mark Millar Gérard Calvi volvió a ejercer de compositor, y su aportación era justo la que faltaba para terminar de convertir a ‘Las doce pruebas de Astérix’ en un film de culto, suficiente para reivindicar la producción de los Studios Idéfix aunque esta hubiera de limitarse a dicha obra y ‘La balada de los Dalton’ (1978). No dio tiempo a más, ya que René Goscinny moriría por un paro cardíaco en 1977. De Bretaña a América La muerte de Goscinny fue tan impactante que un conmocionado Uderzo tuvo que hacerse eco de ella a través de sus propias creaciones. En 1979 era publicado ‘Astérix en Bélgica’, y los lectores pudieron descubrir en qué punto de su elaboración había fallecido el guionista gracias al clima. Hacia la mitad del tomo, empezaba a llover. Y, hasta el final, no paraba. Es común entre los estudiosos de ‘Astérix’ considerar el momento en que Uderzo —que también nos dejaba hace unos días— empezó a escribir también los guiones como el inicio de la decadencia del personaje. Si bien el cambio es perceptible aun en sus mejores álbumes —como ‘La odisea de Astérix’ o el gozoso ‘Astérix en la India’—, el ámbito que más hubo de resentirse por la pérdida de Goscinny fue el cinematográfico. Los films que siguieron a ‘Las doce pruebas de Astérix’ estuvieron caracterizados por un visión creativa muy difuminada, víctima principal de un ajetreo con los derechos del personaje que se extendió de finales de los setenta a mediados de los noventa, y que no nos legó precisamente sus mejores aproximaciones cinematográficas. Hay que decir, sin embargo, que la película destinada a inaugurar esta desorientación estaba realmente bien. ‘Astérix y la sorpresa del César’ (1985) fue producida también por Dargaud Films, ahora en asociación con la Gaumont, y ensayaba por vez primera una estrategia luego muy seguida: la combinación de álbumes de ‘Astérix’ para dar con una historia que combinara lo mejor de estos. Dado que los números elegidos eran dos tótems de la talla de ‘Astérix gladiador’ y ‘Astérix legionario’, las posibilidades de que el invento funcionara eran altas. Pierre Tchernia se encargó de escribir, mientras que el estudio designaba como directores a Gaëtan y Paul Brizzi, animadores que un año después fundarían su propio estudio y trabajarían para Disney, concretamente en ‘Patoaventuras: El tesoro de la lámpara perdida’ (1990). Lo primero que hay que destacar de ‘La sorpresa del César’, de hecho, es el buen gusto de su concepto visual, heredado de ‘Las doce pruebas’ pero con un mayor interés en la luz, siendo habituales unos juegos con las sombras ante los que la ortopedia de anteriores esfuerzos como ‘Astérix el galo’ envejecía a pasos agigantados. Secuencias como la del inicio, cuando Obélix caía enamorado de Falbalá, presumían también de cierto músculo en los escenarios naturales, proclamando que desde los 60 ‘Astérix’ no había dejado de progresar visualmente, aunque el guion no siempre le siguiera el ritmo. Evidentemente, ‘La sorpresa del César’ se encuentra lejos del ingenio deslumbrante de ‘Las doce pruebas’, pero justo es decir que Tchernia tampoco pretende aspirar a él. Al contrario, el socio de Goscinny y Uderzo se conforma con sacar el máximo provecho de las viñetas del cómic y apuntalar sus posibilidades humorísticas, como deja claro todo el memorabilísimo segmento dedicado al entrenamiento de los protagonistas como legionarios. Uno donde Astérix saca a pasear su carisma, y que podría haber constituido perfectamente alguna de las pruebas del film anterior. En Espinof 'Riverdale' es solo el principio: una guía del universo juvenil de Archie Lamentablemente este progreso fue interrumpido en la siguiente película, ‘Astérix en Bretaña’ (1986). La cual, sin ser un desastre, empezaba a permitir que la monotonía invadiera sus presupuestos con un departamento artístico sin interés por ahondar en los logros de ‘La sorpresa del César’ y un guion, también de Tchernia, más conservador que nunca en su labor adaptadora. El film de Pino Van Lamsweerde, igualmente producido por la entente Dargaud-Gaumont, dio paso en 1989 a ‘Astérix y el golpe del menhir’, que mezclaba sin demasiada fortuna las tramas de ‘El combate de los jefes’ y ‘El adivino’. El descenso en la calidad de la animación era, esta vez, francamente dramático, aunque dejara espacio a una serie de ejercicios traicioneros capaces de provocar saludables dosis de estupor. La banda sonora había ido perdiendo protagonismo en las películas anteriores, sin que volviéramos a asistir a números musicales “puros” desde más o menos ‘Astérix y Cleopatra’, pero en ‘El golpe del menhir’ volvió a hacer acto de presencia con una secuencia encabezada por el bardo Asurancetúrix (quién si no) reaccionando con rock and roll (o algo así) al cerebro repentinamente enajenado de Panorámix. El druida de la aldea se había vuelto loco por culpa de las negligencias de Obélix, y su conciencia alterada habría de dar pie en el film de Philippe Grimond a alguna que otra secuencia de generoso caudal lisérgico. Aparte de la actuación del bardo, asistíamos aquí a una larga secuencia donde Panorámix probaba distintas pociones mágicas con un pobre soldado romano, originando multitud de imágenes surrealistas. En dichas imágenes las proporciones y movimientos de los personajes cambiaban severamente, pero la manufactura era tan barata que ‘El golpe del menhir’ no resultaba tan anárquica como sus responsables podían pretender, sino solo grotesca. Acabando de ejemplificar el suicidio estético que Tchernia pronosticara en el 67, pero dentro de los dibujos animados. ‘Astérix y el golpe del menhir’, coproducción germanofrancesa, fue seguida en 1994 de la algo más potable ‘Astérix en América’. Producida por fin fuera de los márgenes de Dargaud y Gaumont, ahora se encargaban de financiar el invento Extrafilm, Pathé y la Fox, que fueron algo más generosos con el presupuesto y favorecieron un acabado digno, retomando la iluminación de ‘La sorpresa del César’ y el cuidado a la hora de mezclar adaptación e invención dentro de su historia. Siguiendo libremente el argumento de ‘La gran travesía’, ‘Astérix en América’ surgía de un intento fallido de llevar al cine ‘Astérix en Hispania’ y, queriendo festejar el centenario del descubrimiento de Cristóbal Colón, ponía en contacto a los protagonistas con los nativos americanos. Regresaba los números musicales, y trataba de asentarse de nuevo la creencia de que la animación era el único medio posible para Astérix. A esta creencia no le quedaba mucho tiempo de vida. Con el "live action" hemos topado La fase en acción real del cine de Astérix ha sido una capaz de lo mejor y lo peor, y también la que ha recogido con mayor ferocidad las ideas lanzadas por ‘Las doce pruebas’. La formidable película de Uderzo y Goscinny parecía cuestionarse a cada minuto su razón de ser, forzando hasta sus últimas consecuencias el vínculo con las viñetas y sus anacronismos —en una escena hasta visitaban la estación de metro de Alesia—, y cuando Astérix se hizo de carne y hueso lo hizo trabajando estos equívocos. En Espinof 'Men in Black (Hombres de *****)': así se diferencia el violento cómic original de la franquicia cinematográfica Al principio, de forma tímida. ‘Astérix y Obélix contra César’ fue dirigida en 1999 por Claude Zidi luego de los incansables intentos como productores de Thomas Langmann y Claude Berry, que se remontaban a una década antes. En su gestación, los responsables de la película se preocuparon enormemente por lo radical del cambio de medio, y en un momento temprano del proceso se llegó a dejar caer la sugerencia de que fuera “realista”. ¿Condujo esto al previsible sindiós? En absoluto. ‘Astérix y Obélix contra César’ quiso operar en un equilibrio muy precario entre las limitaciones humanas y las barrabasadas ‘cartoon’, adecuando su factura al modelo de blockbuster hollywoodiense de fin de siglo y aderezándola con los efectos digitales de Pitof. Originando, pues, un producto mucho más estimulante de lo que se dijo en su día. De hecho, la recreación del mundo galo —llena de detalles que refuerzan su cercanía al nuevo medio, como el chaleco que Gérard Depardieu llevó al debutar como Obélix— es mucho menos problemática que el guion que la respalda, saturado por la acumulación de tramas que remiten a varios números distintos, y sentó las bases en las que se movería el nuevo Astérix cinematográfico. Uno mucho más ambicioso que el salido de la animación. Y uno que tuvo, inicialmente, los rasgos de Christian Clavier y pudo beneficiarse de una gran química con Depardieu, cuyo Obélix ganaba protagonismo con respecto a las viñetas. Al tiempo, claro, que el Detritus de Roberto Benigni defendía su estatus hostiable dándole un giro siniestro al Guido de ‘La vida es bella’ (1997). Se le sumaba a todo esto un apartado musical portentoso a cargo de Jean-Jacques Goldman y un puñado de secuencias que absorbían brillantemente el espíritu festivo del cómic —como la pelea inicial en la aldea o la primera batalla contra los romanos, de exquisita anticipación visualizada a cámara lenta—, y nos quedaba una estupenda adaptación de ‘Astérix’, capaz de arrasar en taquilla y cambiar el signo de visiones futuras. Llegamos así a ‘Astérix y Obélix: Misión Cleopatra’ (2002), secuela inmediata que llevó la desvergüenza y la sensibilidad posmoderna de ‘Las doce pruebas’, ausente en ‘Contra César’, a unos horizontes rocambolescos tan capaces de escandalizar al fan de largo recorrido como de pulir un nuevo éxito económico, que no le hiciera ascos al creativo. La culpa fue de Alain Chabat. Este comediante francés había ganado en 1997 el César a la Mejor ópera prima por ‘Didier’, y nunca había ocultado su pasión por los films de Jim Abrahams y los hermanos Zucker. Interesado como estaba en la distorsión absurda de la realidad, atendiendo no sólo a los personajes que la poblaban sino también a su propia arquitectura, encontró en ‘Misión Cleopatra’ la excusa perfecta para desmelenarse. Porque qué es ‘Misión Cleopatra’ sino un desmelene. Una superproducción a cuyo máximo responsable —que también escribe el guion e interpreta a Julio César— le importa más ser fiel a su voz que al cómic, utilizando la coartada tendida por ‘Las doce pruebas’ para dar pie a un espectáculo agotador, libérrimo y totalmente falto de prejuicios. Donde es tan posible que la acción sea interrumpida por un documental sobre langostas como que a los protagonistas se les fastidie el micro, y hablen de ello, en plena escena. El mayor aliado para la propuesta de Chabat —que, para sorpresa de nadie, no gustó demasiado a la crítica— era Jamel Debbouze, componiendo a un Numerobis antológico que además de merendarse a Depardieu, Clavier o Monica Bellucci en cada escena que compartían, llegaba a protagonizar junto a Paletabis (Gérard Darmon) un duelo de artes marciales entre columnas dóricas de quitarse el sombrero. La cuestión, claro, es si todo esto hacía justicia a la visión de Goscinny y Uderzo. Y lo cierto es que no. ‘Astérix y Obélix: Misión Cleopatra’ es una grandísima comedia bufa, pero una adaptación bastante deficiente del personaje. E incluso cínica, si entendemos su filiación al espíritu demoledor de ‘Las doce pruebas’ como un caso arquetípico de que te den la mano y cojas el brazo. Además, las consecuencias que tuvo su éxito comercial fueron de todo punto lamentables. Chabat había demostrado que el de ‘Astérix’ era un imaginario al que las herejías no tenían por qué dañar, por ser un patrimonio cultural con el que, mientras fueras francés, podías hacer lo que te diera la gana. Eso es justo lo que el productor Thomas Langmann, en su salto a la dirección, hizo con ‘Astérix en los juegos olímpicos’ (2008). Codirigida por Frédéric Forestier, ‘Astérix en los juegos olímpicos’ es el exceso por el exceso. El discurso de Chabat, queriendo erigir al galo como un icono nacional polivalente, había conseguido hacer de ‘Misión Cleopatra’ una comedia desquiciada capaz de darlo todo por el espectador, pero Langmann lo tomó, lo retorció y lo convirtió en una suerte de ‘Torrente’ a la francesa. Y no lo decimos solo porque aparezca Santiago Segura. En Espinof De Spiderman a Dr. Manhattan: los cómics de Straczynski que te engancharán tanto como 'Sense8' La tercera aventura en "live action" de Astérix incluía los cameos de gente como Zinédine Zidane, Michael Schumacher e incluso una vuelta de Jamel Debbouze (que para lo que hace mejor haberse quedado en su casa), y su apego a los cómics era ya tan tangencial que a nadie le importaba que su mezcla entre ‘Los juegos olímpicos’ y ‘Astérix legionario’ chirriara por todos lados. Había otras cosas de las que preocuparse. Por ejemplo, de un Benoît Poelvoorde, encarnando a Brutus, absolutamente insoportable y capaz por sí solo de hundir el único elemento ciertamente positivo de este espanto, como era la construcción de Julio César que practica Alain Delon. El resto, como la sustitución de Clavier a manos de Clovis Cormillac, sería olvidable si no causara tanto dolor el mero hecho de recordarlo. Masacrada por la crítica y con una taquilla tendiendo a la baja, ‘Astérix y los juegos olímpicos’ dio paso en 2012 a la última adaptación en acción real realizada hasta la fecha: ‘Astérix y Obélix: Al servicio de Su Majestad’. Con mucho menor presupuesto, Édouard Baer sustituyendo a Cormillac como tercer Astérix tras aparecer curiosamente en ‘Misión Cleopatra’, y siendo, contra todo pronóstico, una película aún peor. Dirigida por Laurent Tidard —que ya había llevado al cine a otro personaje de Goscinny, en ‘El pequeño Nicolás’ (2009)—, ‘Al servicio de Su Majestad’ es si cabe más ofensiva por cómo pretende dar la espalda a los monstruosos espectáculos precedentes para hacer pasar la realidad comiquera a un pobre escenario cartón piedra. Una propuesta que vendría a ser como un remake ‘live action’ de Disney sin dinero, y tan indignante en su dibujo de los habitantes de Reino Unido como para provocar mínimo tres Brexits. La estereotipación "brittish", que ya fue cultivada dentro del cine por ‘Astérix en Bretaña’, aquí es solo una de las muchas caras de la infamia, capaz de ahogar al espectador con su cutrez, su falta de gracia y un Fabrice Luchini como Julio César particularmente vomitivo. Empujándonos a la certeza de que ninguna propiedad intelectual merecía esto, y Astérix menos que ninguno. Lo único bueno que podría tener ‘Al servicio de Su Majestad’, en resumen, sería su condición reveladora de callejón sin salida. Los distintos juegos metalingüísticos, que habían refrendado la pertinencia de las anteriores propuestas en acción real, aquí demostraron no dar más de sí, pero ni siquiera nos podemos apoyar en que su fracaso de taquilla aconsejara detener la producción de films similares para respirar tranquilos. Y es que hay otra película ‘live action’ de ‘Astérix’ en camino. Se titula ‘Astérix et Obélix: L’Empire du Milieu’, y está dirigida, escrita y protagonizada por Guillaume Canet. Marion Cotillard encarna a Cleopatra y Depardieu por fin se ha despedido de Obélix, siendo sustituido por Gilles Lellouche. La única esperanza a la que aferrarse, llegados a este punto, es que trate de alejarse del precedente de Tidard lo máximo posible. Recuperando la magia de los cómics de Astérix Los descalabros cometidos al amparo del ‘live action’ podrían dar la impresión de que el Astérix cinematográfico está aún peor de lo que lo estaba durante los mediocres esfuerzos animados de fines de siglo. Pero nada más lejos de la realidad. En 2006, justo entre ‘Misión Cleopatra’ y ‘Astérix en los juegos olímpicos’, se insinuaba una revolución. M6 Films, perteneciente al todopoderoso grupo mediático francés M6, produjo ese año ‘Astérix y los vikingos’, realizada en 2D pero pequeños retoques digitales. Estos ya habían sido ligeramente explorados en ‘Astérix en América’, y aquí reforzaban una propuesta estética muy compacta, capaz de competir sin ambages en el mercado de la animación tradicional, mermado por entonces pero siempre concienciado con su evolución. Lo mejor de ‘Astérix y los vikingos’ no radicaba, sin embargo, en su pericia técnica, sino en la sabiduría de su adaptación. Revisando ‘Astérix y los normandos’ —que seis años después sería uno de los referentes de ‘Al servicio de Su Majestad’—, el film dirigido por Stefan Fjeldmark y Jesper Moller recuperaba el espíritu de ‘Astérix’ y lo mezclaba con sensibilidades novedosas, antecediendo el celebrado relevo de Uderzo como autor total de los cómics a manos de Jean-Yves Ferri y Didier Conrad. La aparición de la aguerrida Abba se convertiría pues en una inspiración para ‘La hija de Vercingétorix’, publicada en 2019, y añadiría frescura a las interacciones de los protagonistas. En este caso, además, su peaje para con el medio no repercutiría en demoliciones de la cuarta pared, sino en guiños ligeros a la cultura pop —reducidos a un entrenamiento con ‘Eye of the Tiger’— que se alejaban de la atrofia de ‘Los juegos olímpicos’, que dos años después incluiría un sable láser en una de sus escenas. En Espinof Los cómics que demuestran que la verdadera y mejor Wonder Woman todavía no ha llegado al cine ‘Astérix y los vikingos’ fue bien recibida, pero M6 tardaría bastante en volver a juguetear con la obra de Goscinny y Uderzo. Entrada la nueva década, el estudio contactó con Louis Clichy y Alexandre Astier. Este último se había hecho muy conocido en Francia gracias a su escritura de la serie ‘Kaamelott’, comedia ambientada en la Edad Media de puentes fácilmente perceptibles a nuestro guerrero. Clichy y Astier estrenaron en 2014 ‘Astérix: La residencia de los dioses’; mismo año, curiosamente, en el que nuestro Javier Fesser dirigía ‘Mortadelo y Filemón contra Jimmy el Cachondo’ tratando una rectificación estética similar. Porque así es como hay que entender ‘La residencia de los dioses’, como una rectificación. Una vuelta a las esencias tras los desmanes que se habían cometido en nombre de la sobrevalorada acción real. Lanzada dos años después de ‘Al servicio de Su Majestad’, el estupendo film de Clichy y Astier dejaba claro que Astérix nunca debía haber abandonado la animación, adaptando con solvencia una de sus historias más complejas. Los personajes de ‘La residencia de los dioses’ bregaban con el desfase entre modernidad y tradición, y así podía entenderse también el esfuerzo de la película por engrosar el canon audiovisual de Astérix. Sus pequeñas deficiencias, reducidas a una animación digital no demasiado depurada, serían plenamente corregidas en 'Astérix: El secreto de la poción mágica’ (2018). Mucho más valiente, mucho más sofisticada, y capaz de rivalizar con ‘Las doce pruebas’ como mejor adaptación de la criatura de Goscinny y Uderzo. No por nada, sino porque ambos films pretendían lo mismo: ser capaces de hallar el alma de Astérix en una historia original. En el argumento de ‘El secreto de la poción mágica’ se dan cita ‘El combate de los jefes’ y ‘Astérix y los godos’, pero también hay mucho de Terry Pratchett y sus ‘Ritos iguales’ —cuando examina irónicamente las normas de sucesión de los druidas—, e incluso de la sensibilidad eminentemente pop de ‘¡El cielo se nos cae encima!’, última aventura original de Uderzo en la que los galos conocían a alienígenas parecidos a Mickey Mouse. ‘El secreto de la poción mágica’ es capaz, por tanto, de examinar el pasado de Astérix al tiempo que lo proyecta hacia el presente sin coartadas meta, en la mejor tradición de lo que podría hacer Goscinny si siguiera vivo, o de lo que ya de hecho están haciendo Ferri y Conrad en las viñetas. Es una adaptación que da cuenta del gran estado de salud con el que cuenta el personaje actualmente, y las posibilidades que siguen divisándose en el horizonte. Clichy y Astier, lamentablemente, han declarado que no están interesados en dirigir una nueva película de ‘Astérix’, pero lo que ha de importarnos es que al menos han dejado claro cuál es el camino a seguir. Y esperemos, por Tutatis, que el cine no vuelva a apartarse de él. - La noticia Astérix y Obélix en el cine: así han sido las películas que han adaptado el cómic de Uderzo y Goscinny a lo largo de cinco décadas fue publicada originalmente en Espinof por Alberto Corona .

El coronavirus puede que haya hecho que multitud de rodajes se hayan paralizado, pero lo que no va a conseguir es que se dejen de tomar decisiones sobre el futuro de ellas. Ahora ha sido Netflix la que ha anunciado la cancelación de 'Mesías' tras la emisión de una única temporada de la serie creada por Michael Petroni. Se veía venir Estrenada el pasado 1 de enero, la primera temporada de 'Mesías' dejaba la puerta abierta a seguir adelante, pero se que no ha tenido una acogida lo suficientemente buena como para que Netflix decida hacer una segunda. La noticia de su cancelación ha sido anunciada por el actor Wil Traval a través de su cuenta de Instagram con el siguiente mensaje: Hoy es un día muy triste. Acabamos de recibir la noticia de Netflix de que no habrá temporada 2 de 'Mesías'.Me gustaría agradecer a todos los fans por el apoyo y cariño. Nos ha encantado estar en Netflix. Ojalá las cosas hubiesen sido diferentes. Protagonizada por Mehdi Dehbi, Tomer Sisley, Michelle Monaghan, John Ortiz, Melinda Page Hamilton, Stefania LaVie Owen, Jane Adams, Sayyid El Alami, Fares Landoulsi y Traval, 'Mesías' contaba la historia de un carismático hombre con cada vez un mayor número de seguidores que están convencidos de que es capaz de obrar milagros. Una agente de la CIA tendrá que investigarle. Lo cierto es que al menos yo oí hablar más de la serie antes de su estreno por todo la polémica alrededor la premisa que maneja que comentarios cuando sus episodios ya estuvieron disponibles. Por ello, la noticia no me ha pillado por sorpresa y lo raro es que no haya llegado antes... - La noticia Netflix cancela la segunda venida: la polémica 'Mesías' no tendrá temporada 2 fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Puede que uno de los mayores descubrimientos que nos brindó la edición 2014 del Festival de Sitges fue 'Creep', la divertidísima y brillante aproximación de Mark Duplass al found footage y al mundo de los asesinos en serie, dirigida por el debutante Patrick Brice y escrita y protagonizada por ambos cineastas bajo el ala de Blumhouse Productions. Tres años más tarde, el dúo volvió a la carga con una secuela algo más ambiciosa, pero igualmente inteligente, que volvió a dejar a público y crítica encandilados y con ganas de más. Hoy, gracias a un directo de Instagram entre IndieWire y Mark Duplass, hemos descubierto que el cineasta ya se encuentra trabajando en 'Creep 3'; aunque la cosa no está yendo todo lo bien que debería... En Espinof Las 13 mejores películas "mumblegore" para una noche de terror indie "La hemos escrito dos veces, y ninguna de esas historias eran lo suficientemente buenas, y la razón es que casi no hicimos una 'Creep 2'. Tuvimos suerte haciendo 'Creep' tan convincente teniendo en cuenta cómo la hicimos, y no quería decepcionar a la gente y lanzar una secuela estúpida. Decidimos hacer 'Creep 2'. Casi nos matamos para hacer la película tan buena como fue. Agradezco que le gustase a mucha gente pero, si soy sincero, siento que no fue tan buena como podría haber sido. Si hacemos una tercera, más le vale ser super inspirada. Estamos intentándolo y esforzándonos, pero aún no somos lo suficientemente buenos para hacer que merezca la pena, así que nos está costando. Es lo que hay". No seré yo quien se queje de que que Mark Duplass se tome su tiempo para reescribir las veces que haga falta 'Creep 3'. Las dos primeras entregas, que pueden disfrutarse en Netflix, fueron dos pequeños milagros, modestos en logística, pero muy lúcidos en términos creativos, que merecen culminar con una de esas atípicas trilogías redondas. Sin duda, tiene un enorme reto por delante tratando de igualar a sus predecesoras. - La noticia 'Creep 3': Mark Duplass anuncia el regreso del brillante found footage de terror de la factoría Bumhouse fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

¡Menudos tiempos nos han tocado vivir! Toda la vida quejándonos de que no tenemos tiempo libre para disfrutar de una buena película o buen libro, y ahora el Covid-19 tiene en confinamiento forzado a todo el mundo. Mientras, hay tropecientas mil actividades para realizar online, desde maratones de series a cine gratis, pasando por teatro grabado, clases de yoga, festivales de música y hasta cuentacuentos para los más pequeñas. Sin embargo, creemos que ha llegado el momento de ponernos al día con esos clásicos del séptimo arte que tenemos pendientes o que siempre hemos querido revisar y que, por unas razones u otras, nunca encontrábamos el momento idóneo para verlos. En Espinof Netflix, Movistar, Amazon Prime y otras 9 plataformas de streaming: precio, qué ofrece cada una y promociones especiales de la cuarentena Así que aquí os dejamos una lista con algunas propuestas. Es la hora de poder decir que sí has visto lo mejor de Hitchcock, que sabes quién es John Hughes y conseguirás que la gente deje de mirarte raro cuando les digas que no has visto 'Dirty Dancing'. Todas estas películas están disponibles en plataformas online para que no tengáis excusa. 'La ventana indiscreta' de Alfred Hitchcock Creo que es más que evidente porqué he elegido este título entre todas las obras maestras de Alfred Hitchcock. Y es que quizá sea la que más nos represente a todos nosotros ahora mismo, buscando entretenimiento en las ventanas de nuestros vecinos. Aunque espero que no os ocurra lo mismo que le ocurría Jeff (James Stewart), que obligado a permanecer en casa comienza a sospechar que uno de sus vecinos ha cometido un crimen. ‘La ventana indiscreta’ (1954), es una de las obras clave de la filmografía de Alfred Hitchcock, gracias a la maestría con la que el director nos revela la información y maneja la tensión y el suspense. Las interpretaciones de Stewart, Grace Kelly y Thelma Ritter, son históricas. Después de esta, os propongo continuar con CUALQUIER otro título del maestro del suspense. En Filmin, tienen un gran ciclo de sus películas. '¿Qué pasó entre tu padre y mi madre?' de Billy Wilder No quería elegir una de las típicas películas que todo el mundo elige cuando se habla de Billy Wilder, así que he optado por ‘¿Qué pasó entre tu padre y mi madre?’ (1972), que es menos popular y, además, una de mis favoritas. En la cinta, Jack Lemmon da vida a un snob hombre de negocios que se viaja a una isla italiana para repatriar el cadáver de su padre, fallecido durante unas vacaciones. Allí descubrirá que éste tuvo una amante durante décadas y tendrá que lidiar con la romántica hija de ésta en los trámites de repatriación. 'Avanti!' -el título original de la película, acertadísimo por la cantidad de veces que se dice en la película-, es una deliciosa y ligera comedia romántica, llena de personajes encantadores, paisajes de ensueño y los mordaces y divertidísimos diálogos tan habituales en el cine de Wilder. Y sí, está en Filmin junto con otros grandes títulos del director, que también recomiendo encarecidamente. 'Luces de la ciudad' de Charles Chaplin Es más que obvio que estoy enamorada de Charles Chaplin desde que tengo uso de razón, por eso es casi imposible para mí, decidirme por una sola de sus películas. Pero es cierto que ‘Luces de ciudad’ (1931), sea una de las que más me gustan junto a ‘El Chico’. Chaplin se resistía al cine sonoro y tuvo dificultades para poder contar esta historia en la que su famoso vagabundo se enamoraba perdidamente de una florista callejera, pero ésta le confunde con un millonario. En Espinof Los mejores 31 clásicos del cine para ver en familia Mientras todo el mundo le instaba a que utilizara diálogos para explicar cómo la florista le confundía con un hombre rico, el optó por un sencillo gesto. El resultado es espectacular, casi tanto como su final, que es uno de los más hermosos de la historia del cine. También está en Filmin, junto a un buen puñado de películas del genial artista, ideal para un maratón con niños, especialmente de cortometrajes. 'Desayuno con diamantes' de Blake Edwards Seguimos con los clásicos de toda la vida, aunque esta vez algo más típico, pero es que me encontré la otra noche viéndola por 800 vez y me alegró bastante la vida. En 1961, Blake Edwards adaptó de forma luminosa y restándole algo de sordidez la famosa novela de Truman Capote, ‘Desayuno con diamantes’. Una película al servicio de la maravillosa Audrey Hepburn, que interpreta a la compleja Holly Golightly de forma luminosa y oscura, adaptada al personaje. En la cinta, es una joven joven aparentemente alegre y feliz que subsiste gracias a que sale con hombres ricos, pero que oculta un complejo pasado. La llegada de un nuevo vecino escritor que es mantenido por una rica mujer casada, hará que cambien su forma de entender la vida. Es una de las pocas películas clásicas que podemos encontrar en Netflix, pero bien merece vera -o volver a verla- por su encanto y porque tiene algunas de las escenas más míticas de la historia del cine: la fiesta en el pequeño apartamento, 'Moon River' o la búsqueda de Gato bajo la lluvia. ¡Aprovechad! 'El verdugo' de Luis García Berlanga Tranquilos, que tampoco nos olvidamos de los clásicos del cine español. Y es que puede que no hayáis visto ninguno porque es más complejo el acceso a ellos. Por suerte, la plataforma FlixOlé, dedicada al cine español, podemos encontrar varios, incluyendo una de las obras maestras de Luis García Berlanga, la divertidísima 'El Verdugo' (1963). En Espinof FlixOlé gratis un mes por el coronavirus: estas son las mejores películas que puedes ver en la plataforma centrada en cine español Catalogada como una de las mejores comedias de nuestro cine, 'El Verdugo' y su particular y soberbio humor *****, nos presenta a un viejo verdugo apunto de jubilarse -maravilloso Pepe Isbert-, al que acaban de concederle un piso donde poder vivir con su hija, sólo que vivir en él tiene condicionado el trabajo de verdugo. Divertida, loca y crítica y díficil de contar. Tenéis que verla con vuestros propios ojos. 'El club de los cinco' de John Hughes Saltemos varias décadas, hasta 1985. En Estados Unidos se estaban poniendo de moda las comedias de instituto y después del gran éxito de 'Dieciséis Velas' (1984), con la que Molly Ringwald saltaría a la fama y se convertiría en la chica de moda, rodó 'El club de los cinco', convertida desde entonces en película de culto y que era mucho más que una comedia de instituto. Podemos verla en Filmin, junto a 'Dieciséis velas' y conoceremos qué es lo que pasa cuando 5 estudiantes de instituto son castigados a pasar todo el sábado encerrados en su instituto. La película es un hito generacional que cambió el rumbo de la comedia juvenil y un canto a la empatía, a la individualidad y a la energía de la juventud. Una maravilla. Y que convirtió la canción 'Don't You Forget About Me' en todo un himno. 'All that Jazz' de Bob Fosse Con aquello de que HBO estrenó la primavera pasada una serie contando la tormentosa vida del director Bob Fosse y su mujer la actriz y bailarina Gwen Verdon, la plataforma nos regaló la obra magna del genial coreógrafo, su película en forma de autobiografía,'All That Jazz'(1979), en la que representaba sus últimos años de vida y su adicción a todo tipo de sustancias y al trabajo. En la película, Bob Fosse se abre en canal y es honesto y autocrítico, sin miedo a que el espectador le juzgue por sus acciones. Y se atreve a visualizar su futuro -su final se pareció demasiado al ficticio-, truncado por culpa de los excesos cometidos durante décadas: alcohol y todo tipo de sustancias, sexo y adicción al trabajo por su ambición y exagerado perfeccionismo. Lo dicho, la tenéis en HBO y es una auténtica maravilla con alguno de los número musicales más míticos del musical moderno, porque nadie fue, es ni será, más moderno e innovador que Bob Fosse. 'París, Texas' de Wim Wenders Descubrí MUY tarde en mi cinefilia la obra magna de Wim Wenders, pero por suerte, mi primera vez frente a esta hermosísima película fue en una reposición en un cine. 'París, Texas' de Wim Wenders (1989) es la historia del corazón roto más demoledora que he visto jamás, y aún así, es un cálido abrazo en nuestro corazón cuando la vemos. En Espinof Las 19 mejores películas que podemos ver gratis en Movistar+ Lite durante la cuarentena por el coronavirus Protagonizada por el increíble Harry Dean Stanton y Nastassja Kinski, que han convertido sus trabajos en icónicos de la historia del cine, la película de arrebatadora fotografía y composición visual, cuenta la historia de un hombre que, tras años desaparecido y sin memoria, comienza a recordar lo que fue su vida años atrás, antes de abandonar a su mujer y a su hijo. Bellísima y tenéis la oportunidad de verla -o volver a ella- en Amazon Prime. Yo pienso hacerlo. 'Cléo de 5 a 7' de Agnès Varda Escribiendo yo este artículo, no podía faltar un título de mi adorada Agnès Varda, y más ahora, que estamos a unos días de que se cumpla un año de su fallecimiento. En esta ocasión recomiendo 'Cléo de 5 a 7' (1962), una de las películas clave para entender la Nouvelle Vague, ya que Varda fue la única directora -junto a Marguerite Duras, que dirigiría a finales de los 60- del movimiento cinematográfico francés. Rodada prácticamente a tiempo real, la película sigue a Cléo, una famosa y bellísima cantante que espera los resultados de médicos de un posible cáncer. Existencialista, bella y contemplativa, Cléo pasea por su barrio, el distrito 14 de París -el barrio en el que viviría Varda toda su vida-, durante esas dos angustiosas horas de espera, mientras se cuestiona sobre el sentido de la vida. Pero, no todo es angustioso en la película, siempre hay un pequeño atisbo de esperanza a ritmo de la música del fantástico Michel Legran. Tenéis esta maravilla en Filmin. 'Los paraguas de Cherbourgo' de Jacques Demy Y si hablamos de la Varda, tenemos que hablar de otro indispensable de la Nouvelle Vague, más allá de los siempre estudiados Truffaut o Godard: Jacques Demy, y marido de Varda hasta su muerte en 1990. Siempre colorido y luminoso, y amante de los musicales, Jacques Demy siempre hablaba en sus películas sobre el destino, y 'Los paraguas de Cherbourgo' (1964) puede que sea su película más alabada y bella -y sí, referencia principal de 'La La Land' de Damien Chazelle. Con música de Michel Legrand, la película de Demy es toda cantada y narra la historia de amor truncada de Geneviève y Guy por culpa del servicio militar que debe cumplir él y la negativa de la madre de ella a casarse con un simple mecánico. La ausencia de Guy, será la excusa perfecta para que conseguir que su hija se case con un rico joyero. Dolorosa, nostálgica y con una música y puesta en escena bellísimas. También en Filmin, claro. 'El espíritu de la colmena' de Víctor Erice Volvemos al cine español para recomendaros uno de los títulos más importantes del cine español, 'El espíritu de la colmena' de Víctor Erice. Rodada en 1973 y protagonizada por una Ana Torrent de 7 años en su primera película, está fábula pionera retrata a la perfección la España de la posguerra a través de los ojos de una niña. Nada más terminada la Guerra Civil, Ana y su hermana se quedan impactadas tras haber visto 'Frankestein' en el cine del pueblo. Ana, la pequeña ha quedado impresionada con la existencia del monstruo, mientras que su hermana mayo, para asustarla le dice que el monstruo se esconde en el pueblo. Y ya os podéis imaginar quién es el supuesto monstruo y quién lo es verdaderamente. Y si no, la podéis ver y disfrutar en Flixolé. 'Los 400 golpes' de François Truffaut Y no nos queda más remedio que volver a la Nouvelle Vague, en esta ocasión con otro de mis títulos favoritos del movimiento cinematográfico y quizá el más mítico, 'Los 400 golpes' (1959) de François Truffaut. Lo más fascinante de la película es que se trata del debut de Truffaut y que es semibiográfica, donde Truffaut plasmó su dura infancia que terminó en un correccional de forma poética y en el cuerpo del niño Jean-Pierre Léaud. En Espinof Truffaut según Truffaut: la importancia de Antoine Doinel, su alter-ego cinematográfico 'Los 400 golpes' fue el inicio de la carrera de Truffaut y el nacimiento de Antoine Doinel, en que, él todavía sin saberlo, había creado su alter-ego cinematográfico y protagonizaría cuatro películas en las que conoceríamos sus maravillosas aventuras. Un clásico indispensable del que, una servidora, nunca se aburre. La tenéis en Filmin, con varios títulos más del maestro francés. 'La ciudad no es para mí' de Pedro Lazaga Y para hacer que está lista de clásicos sea un poco bizarra y con sentido del humor, no podría faltar un clásico del cine español, del cine de barrio: Paco Martínez Soria y su mítica 'La ciudad no es para mí' (1966) de Pedro Lazaga. Por muy casposo que pueda parecer -que lo es-, he de decir que hay que aprender a ver este tipo de películas en su contexto, y la verdad real es que Martínez Soria era un gran cómico y esta película es gran muestra de ello. En la cinta, Martínez Soria da vida a un sesentón que tras quedar viudo, se traslada a Madrid para vivir con su hijo, un prestigioso médico de la ciudad, y su mujer. Pero el cambio de vivir en el pueblo a la frivolidad y locuras en las relaciones de la ciudad, harán que pierda un poco la cabeza. Una comedia de enredo muy digna de la época. La tenéis en Flixolé. 'La noche del cazador' de Charles Laughton Charles Laughton, conocidísimo y reputadísimo actor de los años 40 y 50 -uno de sus papeles más destacados fue el del abogado en 'Testigo de cargo' de Billy Wilder (1957)- dirigió una única película, pero no hizo falta más para que le convirtiera en un director de cine de culto. La cinta en cuestión es la mítica 'La noche del cazador' (1955), que protagonizaron Robert Mitchum y la estrella del cine mudo Lilian Gish, en sus trabajos más memorables. En Espinof La historia de Criterion: la distribuidora que restaura cada película de cine como si fueran piezas de museo Con una puesta en escena apabullante y expresionista -cada plano es para enmarcar-, la película narra la historia de un hombre que sale de prisión para ir en busca del dinero cobrado por un pobre hombre de familia por cometer un asesinato y que ha escondido en un lugar que sólo sus hijos conocen. Una cacería oscura sobre la lucha entre el bien y mal: el mal representado en un terrorífico Mitchum y el bien en una guerrera Gish y la inocencia de los niños que protege. Una obra maestra que podéis ver en Filmin. 'El perro del hortelano' de Pilar Miró No quería poner películas tan modernas, pero es que no he podido resistirme. Y es que, para mí, 'El perro del hortelano' (1996) de Pilar Miró es un clásico moderno indispensable. Una deliciosa comedia de esas de las que nunca me canso y que me hacen feliz cada vez que la veo, un estado ideal para estos días encerrados en casa. Se trata de la penúltima película de Pilar Miró y adapta una de las obras más destacadas de Lope de Vega. En la película, una brillante Emma Suárez da vida a la condesa de Belflor, que se enamora de su secretario Teodoro -otro brillante Carmelo Gómez-, quien a su vez está comprometido con una criada de la condesa. Divertida e inteligente comedia de enredo sobre los celos con una maravillosa puesta en escena e interpretaciones fantásticas. De mis favoritas. La podéis ver en Flixolé. 'Dos en la carretera' de Stanley Donen En 2019 perdimos a Stanley Donen, a uno de los grandes directores del Hollywood dorado, que nos regaló algunas de las comedias musicales más importantes de la Historia del Cine. Y como estoy jugando a ir a por títulos menos obvios, en esta ocasión recomiendo 'Dos en la carretera' (1967), una modernísima cinta que habla sobre las relaciones de pareja y el matrimonio. En Espinof Las 23 mejores películas románticas de todos los tiempos Protagonizada por Audrey Hepburn y Albert Finney (fallecido también en 2019, curiosamente), 'Dos en la carretera' sigue de cerca la historia de un matrimonio desde sus románticos inicios, pasando por los años de consolidación hasta la degradación de su relación. Una película forjada de recuerdos en forma de road-movie: triste, romántica y nostálgica y uno de los mejores relatos sobre la pareja jamás filmados. La tenéis en Filmin. 'Su juego favorito' de Howard Hawks Esta tampoco es la película más evidente de la filmografía de Howard Hawks, pero a mí me parece que tiene el encanto y la ligereza perfectas. En 'Su juego favorito' (1964), Rock Hudson da vida a un hombre que trabaja como experto en una tienda de pesca. Tras haber escrito un libro convertido en best-seller, es invitado a un torneo para demostrar sus habilidades. Pero ahí se desvelará la verdad: no ha pescado en su vida y no tiene ni idea. Aunque se considere una película menos de Hawks, desprende todo el encanto de las cintas del cineasta. Una comedia romántica con momentos realmente divertidos e hilarantes con la química excepcional de Rock Hudson y Paula Prentiss. Ideal para tardes de cuarentena. Está en Filmin. 'El Ceniciento' de Frank Tashlin Lo sé. De entre todas las magníficas comedias de Jerry Lewis, puede que no sea la más evidente, pero en eso consiste esto, en haceros descubrir nuevos títulos del cine clásico, como 'El Ceniciento' (1960) de Frank Tashlin en la que se versiona el famoso cuento popularizado por Disney cambiando el sexo de su protagonista. En Espinof Las 23 mejores películas de Disney+ Así, Jerry Lewis da vida a Lelo, un joven que vive como criado de su malvada madrastra y malcriados hermanastros, pero que un día, un hechizo mágico cambiará todo y la princesa quedará prendado de él. Lo que viene siendo la historia del famoso cuento, pero visto desde el prisma del mejor clown del cine gracias al dominio perfecto de la comicidad. También está en Filmin. 'Banda aparte' de Jean-Luc Godard No hay mucho cine clásico en Amazon Prime, pero sí podemos ver una de las películas clave de la filmografía de Jean-Luc Godard, 'Banda aparte' (1964), exponente de la Nouvelle Vague y que popularizó a la actriz Anna Karina, recinetemente fallecida, como uno de los rostros clave del famoso movimiento cinematográfico francés. En la cinta, conocemos a tres jóvenes que se conocen en unas clases de inglés y que comparten pasión por la literatura criminla y el cine norteamericano policiaco. Juntos planearán el robo a los millonarios benefactores de Odile, el miembro femenino del grupo. Un clásico del cine francés y con una de las secuencias de baile más famosas y cool del cine. Y oye, ahora que tenemos tiempo es un buen momento para aprenderlo. - La noticia Las 19 mejores películas clásicas en plataformas de streaming, para los días donde necesitamos la magia del cine fue publicada originalmente en Espinof por LuciaRos .

¿Se puede separar el arte del artista? Es una de las cuestiones más recurrentes cuando ponemos la lupa sobre la persona y no sobre la obra, ya que podría no gustarnos lo que nos vayamos a encontrar. A partir de ese momento quizás no seamos capaces (o no queramos) ver sus creaciones con imparcialidad. Este es uno de los puntos principales de 'Struggle: The Life and Lost Art of Szukalski', un documental producido por Leonardo DiCaprio y que nos introduce en la fascinante historia de Stanislav Szukalski. Es bastante probable que no te suene el nombre de este artista polaco nacido a principios del siglo pasado, pero una vez que veas el documental difícilmente serás capaz de olvidarlo. Yo descubrí este título navegando por Netflix de madrugada y, aunque tenía que despertarme temprano al día siguiente, al terminar de ver el trailer supe que necesitaba saber de qué se trataba inmediatamente. En Espinof Las 27 mejores películas documentales de todos los tiempos La delgada línea entre el genio y la locura, entre la megalomanía y la maestría A DiCaprio, además de sus famosas interpretaciones frente a la cámara, también lo empezamos a conocer por su papel como productor de documentales. Parece que todos tienen un mismo leitmotiv: presentarnos una historia que nos remueva por dentro y que quizás no conocíamos a fondo. Es algo que también ocurre en 'Before the Flood' y 'Cowspiracy'. Así escribía Szukalski Szukalski no es una persona cualquiera, ni tampoco es un artista cualquiera. Es algo que podemos comprobar tanto en sus entrevistas como en su obra. Estamos hablando de una persona que fue un niño prodigio, y en la escuela le llegaron a recriminar que utilizara un alfabeto que él mismo se había inventado. Un viaje doble: de Polonia a Estados Unidos y del olvido a la fama Szukalski de joven, en Polonia El problema es que hasta hace nada era un gran desconocido, y este documental está ayudando a que consiga la fama que no tuvo en décadas pasadas. Glenn Bray, un conocido coleccionista, lo descubrió gracias a un libro olvidado, y se sorprendió cuando supo que vivía a escasos kilómetros de su casa. En Espinof 'Tiger King': Netflix estrena la serie documental más salvaje y delirante del año A Glenn tenemos que agradecerle el descubrimiento y, sobre todo, haberse acercado todas las semanas a la casa del artista con una cámara de vídeo. Gracias a esas numerosas quedadas en la década de los 80 podemos ver y conocer, de la voz del propio Szukalski, la historia detrás de su vida y obra. La mayor parte de la obra de Stanislav Szukalski fue destruida No quiero hacer demasiados spoilers (creo que el factor sorpresa de este documental es esencial), pero Szukalski nos traslada a la Europa de la Segunda Guerra Mundial, concretamente a Polonia. En aquel momento, muchos grupos nacionalistas tomaban las obras de este artista y las utilizaban para reivindicar políticas que no son fáciles de digerir. Llegaron los nazis y a Szukalski le tocó emigrar a los Estados Unidos, dejando toda su obra atrás. Cientos de esculturas (algunas colosales) y pinturas fueron destruidas por los nazis, buscando borrar cualquier atisbo de identidad del pueblo polaco. Como decía, este documental muestra muy bien como, además de la obra, la vida de un artista puede evolucionar por completo. Cuesta imaginar al Szukalski anciano tomando decisiones que (aparentemente) tomó en su juventud. Nacionalismo que contrasta con una obra que nos recuerda a muchas culturas y épocas Nos toca a nosotros decidir si las incógnitas que nos muestran hacen su obra más alucinante o, por el contrario, la empaña. De Szukalski llegaron a decir que es el "Miguel Ángel de nuestra generación". Las comparaciones son odiosas, pero lo cierto es que sus obras no dejan indiferente a nadie. El lado megalómano de Szukalski es normal que nos provoque rechazo, al igual que algunas decisiones sociales y políticas que parece haber tomado en sus años de juventud. Por el contrario, su obra es capaz de conectarnos con las esculturas mayas, de Rodin o de los nativos norteamericanos. Muchas veces aborrezco el catálogo de Netflix, pero hallazgos como estos hacen que valga la pena mantener la suscripción. 'Struggle: The Life and Lost Art of Szukalski' nos vuelve a recordar que la vida real puede ser más fantástica y alucinante que muchas producciones que vemos en el cine. - La noticia Netflix esconde un documental fascinante: 'Struggle: The Life and Lost Art of Szukalski', misterio, arte y un viaje a lo más oscuro del ser humano fue publicada originalmente en Espinof por Santi Araújo .

Las ofertas no paran pese a que la cuarentena por el coronavirus siga en marcha y en esta nueva entrega de Cazando Gangas vamos a repasar chollos como el steelbook de 'Pinocho', la serie completa en dvd de 'Juego de Tronos' o un Funko Pop de El Profesor, uno de los protagonistas de 'La casa de papel'. ¡Vamos allá! Películas Blu-ray Un precio imbatible para una estupenda película, de las mejores del año pasado, que acaba de salir a la venta: 'Puñales por la espalda' se puede conseguir en Amazon por 8,99 euros Puñales por la espalda (BD) [Blu-ray] Hoy en Amazon por 8,99€ PVP en Fnac 9,99€ PVP en El Corte Inglés 9,99€ Otra gran oferta es la de 'Infierno bajo el agua', ya que la entretenida película de terror acuático dirigida por Alexandre Aja también se queda en 8,99 euros Disney también lo intentó con no demasiada fortuna, pero seguro que también hay por ahí fans de 'El Rey Arturo' que estarán encantados de saber que pueden hacerse con la película por apenas 5,12 euros Dvd Todavía tendremos que esperar para ver el remake en acción real, pero mientras tanto podemos ir preparándonos recuperando 'Mulan', y si es por solamente 7,99 euros, mejor. Mulan [DVD] Hoy en Amazon por 7,99€ PVP en El Corte Inglés 7,99€ PVP en Fnac 8,99€ Si todavía no diste el salto a la alta definición, tranquilo, que el dvd de 'Puñales por la espalda' también tiene un descuento impropio de una película recién lanzada en el mercado doméstico: 7,99 euros A menos de la mitad de precio baja 'Spider-Man: Un nuevo universo', la oscarizada película de animación con la que Sony demostró que podía hacer cosas muy estimulantes con el trepamuros sin la ayuda de Disney. Por 7,99 euros será vuestra. Steelbook Atención a este steelbook británico de 'Pinocho' que incluye el doblaje en español. Es una edición limitada de Zavvi que se agotará más temprano que tarde y ahora mismo puede ser vuestra por 11,99 euros Steelbook de 'Pinocho' PVP en Zavvi 11,99€ Salió a la venta el mes pasado pero 'Géminis', la película de Ang Lee con Will Smith, ya puede ser vuestra por un precio de lo más atractivo: 12,50 euros Dentro de la serie de steelbooks de clásicos Disney de Zavvi también podéis haceros con 'La bella durmiente' a muy precio, aunque no tanto como 'Pinocho': 16,99 euros UHD Una gran oportunidad para hacerse con un título que se puso a la venta hace bien poco a mitad de precio. 'Zombieland: Mata y remata' baja hasta los 13,99 euros. Zombieland 2: Mata y remata (4K Ultra HD + BD) [Blu-ray] Hoy en Amazon por 13,99€ PVP en El Corte Inglés 14,99€ Otra novedad a un precio increíble: la actualización de 'Los ángeles de Charlie' en 4K puede pasar a formar parte de vuestra colección por 13,99 euros Menudo chollazo: 'Batman v Superman: El amanecer de la justicia' por apenas 8,87 euros. Es la edición italiana, sí, pero incluye los mismos idiomas que la española. Series de televisión Blu-ray Casi a mitad de precio cae 'Gigantes', la serie de Enrique Urbizu para Movistar+. En concreto, puede ser vuestra por 24,99 euros Gigantes - serie completa - BD [Blu-ray] Hoy en Amazon por 24,99€ PVP en El Corte Inglés 26,99€ Ojo a la edición metálica de la temporada 3 de 'Agents of SHIELD' en Zavvi -ojo con el tema audio y subtítulos-, ya que baja a mitad de precio: 17,99 euros De la temporada 1 de 'Luke Cage' también hay edición metálica en Zavvi, donde baja desde 40,49 a 14,49 euros Dvd Su tramo final generó controversia, pero nadie duda de la popularidad de 'Juego de Tronos' y ahora estamos ante una buena oportunidad para hacernos con la serie al completo, pues en Amazon se queda a 89,99 euros Juego De Tronos Temporada 1-8 Colección Completa [DVD] Hoy en Amazon por 89,99€ PVP en Fnac 91,99€ PVP en El Corte Inglés 94,49€ Un jugoso 40% de descuento tiene en Amazon la serie completa de 'El internado', quedándose a 58,79 euros Aún mejor es el descuento en el caso de la serie completa de 'Gran Hotel' en Amazon, ya que se queda literalmente a mitad de precio, como si fuese el Black Friday: 34,99 euros Merchandising Figuras El regreso de 'La casa de papel' está a la vuelta de la esquina y más de uno quizá quiera hacerse con este Funko Pop de El Profesor con cara de payaso que en Pop in a Box se queda a 11,95 euros Funko- Pop TV: La Casa de Papel-Professor O Clown Collectible Figure, Multicolor (44196) PVP en Pop in a Box 11,95€ Hoy en Amazon por 13,40€ PVP en Lo más original 15,95€ Buena promoción en Zavvi en una selección de 31 productos de la marca Funko de Star Wars, casi todos ellos de la línea Pop: 30% de descuento adicional utilizando el código STARWARS Otra gran promoción de Zavvi: Elige 3 figuras de una selección de más de 120 artículos pagando solamente 34,99 euros por ellas. 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Una de las mayores sorpresas de la televisión española de 2019 fue ‘Vota Juan’, una peculiar comedia sobre políticos de la mano de Diego San José, colaborador habitual del cineasta Borja Cobeaga con el que había trabajado en títulos como ‘Pagafantas’, ‘No controles’ u ‘Ocho apellidos vascos’. Sîn embargo, para la serie emitida por TNT optó por aliarse con Juan Cavestany, uno de los creadores de ‘Vergüenza’, título con el que ‘Vota Juan’ tenía ciertos puntos en común. Ahora la serie regresa con una nueva tanda de episodios que ha cambiado de nombre para pasar a ser conocida como ‘Vamos Juan’. Si en la primera temporada se incidía en el desastroso papel del personaje interpretado por Javier Cámara en el Gobierno, en esta ocasión asistimos a su intento de volver a ser un político relevante en una temporada impecable con la que sus responsables ya presentan su candidatura simbólica a las elecciones de mejor serie del año. El regreso de Juan Carrasco Juan Carrasco es ahora un profesor amargado al que nadie quiere y que encima tiene fama de corrupto. Seguramente nunca había estado más lejos de su objetivo principal de ser querido, porque incluso es humillado en repetidas ocasiones por uno de sus alumnos. Más bajo es difícil caer y el punto de partida de ‘Vamos Juan’ está en su intento de construir un nuevo partido político para llegar a ser el nuevo presidente de España. Esta nueva dinámica da pie a que la serie mantenga su sentido del humor característico, pero aportando un detalle esencial que la hace más rica que su predecesora. Me refiero a que las anécdotas cómicas que funcionan como reflejo de la personalidad del protagonista están más supeditadas a una trama continuada. En Espinof Las 27 mejores comedias de la historia del cine En ‘Vota Juan’ sí se notaba a veces una tendencia a utilizarlas para subrayar la personalidad del protagonista y que por acumulación fuesen llevando a que su ya de por sí cuestionable credibilidad no deja de ir a menos. En cambio, ‘Vamos Juan’ las integra mucho mejor en los patéticos intentos de su protagonista por sacar adelante su partido político, sintiéndose como algo que que emana realmente de él. Uno de los grandes aciertos de está segunda temporada está en conseguir eso sin destrozar por completo al personaje de cara al espectador. Siendo claros, Juan siempre ha sido ruin y miserable, pero había algo en él que incitaba al espectador a sentir cierta lástima en lugar de que simplemente nos cayese mal. Ahí contar con alguien con el talento de Javier Cámara ayudaba mucho a conseguir un equilibrio casi imposible, pero es que eso es algo que se ha depurado aún más en estos siete nuevos episodios. A ello ayudan ciertos detalles como el hecho de que Juan también tiene mucho de pusilánime, por lo que es fácil que transmita una sensación de inferioridad, en especial en las escenas que Javier Cámara comparte con Joaquín Climent. A mi juicio esas han sido especialmente decisivas para mantener al protagonista en esa línea que impide que sea un personaje insoportable. La otra es lo que apuntaba antes de que simplemente es alguien que sobe todo desea que le quieran. Un equilibrio impecable Este punto se aborda de forma directa en el sexto episodio de esta segunda temporada, curiosamente dirigido por el propio Cámara. Desde el principio del mismo se rompe la estructura formal de la serie para introducir un concepto hasta inimaginable: una fan de Juan. Una idea que podría haber salido muy mal pero que acaba convirtiéndose en un triunfo absoluto gracias a un guion muy bien medido y a la excelente aportación que hace Anna Castillo encontrando el punto exacto que requiere su personaje en todo momento. Hasta entonces ya se había mostrado una interesante evolución en Juan -y en otros personajes, sobre todo en un Victor que tiene que pasar a ser la voz de la razón pero sin dejar de ser del todo el personaje que conocimos en ‘Vota Juan’-, pero es ahí donde parece asumir por completo su lado más patético. Hasta entonces se había jugado muy bien con la idea de sentir cierta vergüenza ajena ante sus actos -especialmente inspirado al respecto el final del cuarto episodio-, pero aquí se alcanza un nivel inapelable mezclando su faceta más despreciable con su lado más débil. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora Y es que es una serie que en el fondo tiene un halo de tristeza del que algunos quizá ni siquiera lleguen a conscientes por lo divertida que resulta, pero no estamos tanto ante una crítica del político español como ante un retrato de su decadencia. En su momento eran unas autoridades respetadas y en los últimos años han ido perdiendo eso y convirtiéndose en objeto de mofa, en no pocas ocasiones por buenos motivos. ‘Vamos Juan’ lleva un paso más allá el reflejo de esa triste realidad desde el humor, acotando aún más a su protagonista y dejándonos con unas ganas inmensas de volver a encontrar con Juan Carrasco. No deja de ser ese político al que nunca votaríamos pero que nos hace la vida un poco más feliz con sus continuas meteduras de pata e incluso con alguno de sus comportamientos más rastreros. Si a ello añades la llegada de algunos grandes personajes como el que corre a cargo de Jesús Vidal, uno de los protagonistas de ‘Campeones’, más talento tras las cámaras con la llegada de Cobeaga y una precisión casi de cirujano a la hora de abordar todos los temas por parte de San José lo que nos queda es una serie imprescindible que doy por sentado que ocupará un puesto bien alto cuando toque hablar de las mejores series de 2020. En resumidas cuentas ‘Vamos Juan’ es una maravilla, ya que recoge todas las virtudes de ‘Vota Juan’, las amplifica y añade algunas más. Todo en ella funciona de maravilla y lo único que nos resta hacer es esperar que TNT anuncie pronto su renovación por una tercera temporada. - La noticia 'Vamos Juan' presenta su candidatura a mejor serie de comedia del año con una temporada sensacional fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Son muchas las series que han paralizado sus rodajes como medida de prevención contra el coronavirus. Habrá que ver cuáles son las consecuencias de ello caso a caso, pero en el caso de 'Anatomía de Grey' se ha optado por cortar por lo sano y reducir el número de episodios de su actual decimosexta temporada. Cuatro episodios menos En concreto, se habían completado 21 episodios antes de que el rodaje se parase y la cadena ABC ha decidido que no se retome. De esta forma, la cadena tiene a su disposición dos episodios más, por lo que el 9 de abril se emitirá el final de esta temporada. En Espinof Las 47 mejores series de la historia Inicialmente estaba previsto que la 16ª temporada de 'Anatomía de Grey' contase con 25 episodios, por lo que sus fans ya pueden ir preparándose para un desenlace extraño, ya que no era así como la serie debía tomarse un descanso de varios meses. Por el momento se desconoce qué sucederá con esos cuatro episodios restantes, pero no sería raro que simplemente pasasen a formar parte de la siguiente temporada. Sería la solución más fácil, siempre y cuando la crisis con el coronavirus no acabe extendiéndose mucho en el tiempo. Recordemos que la serie fue recientemente objeto de duras críticas por parte de muchos seguidores tras ver cómo se justificaba la marcha de Alex Karev, el personaje interpretado por Justin Chambers desde la primera temporada, de la serie. ABC también ha aprovechado para aclarar que lo sucedido no va a afectar de ninguna forma a las emisiones de la tercera temporada de 'Station 19' y de la sexta y última de 'Cómo defender a un asesino'. En ambos casos el episodio final se emitirá en Estados Unidos el 14 de mayo. Vía | Tv Line - La noticia 'Anatomía de Grey' acorta su temporada 16 por el coronavirus y pone fecha al último episodio fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Gran parte de los privilegiados que pudimos ver 'El hoyo' en un marco como el de la última edición del Festival de Sitges, donde ganó el merecido premio a la mejor película del certamen, quedamos impresionados con el debut de Galder Gaztelu-Urrutia. Un ejercicio de ciencia ficción minimalista, tan inteligente en su diseño de producción, como en su discurso. Con la llegada del filme vasco-catalán a Netflix, 'El hoyo' se ha convertido en un bombazo internacional, ocupando el primer puesto de lo más visto en la plataforma de streaming en varios países y abriendo un interesante debate sobre sus múltiples lecturas. En Espinof “Todos somos egoístas, y hay otros que son más egoístas. Y les usamos como excusa”. Galder Gaztelu-Urrutia ('El hoyo') Por desgracia, algunos espectadores han quedado algo insatisfechos y confundidos debido al final abierto de la película. Si este es vuestro caso, tranquilos, porque en el vídeo que os traigo a continuación vamos a explicar el final de la película, y a sacar conclusiones sobre qué nos quiere contar Gaztelu-Urrutia con la odisea personal de Goreng. - La noticia 'El hoyo': explicamos el final de la sorprendente película española que está arrasando en Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

El 28 de marzo de 1999, Matt Groening en asociación con David X. Cohen, productor y guionista de 'Los Simpson', enseñaba al mundo a su segundo hijo predilecto a través de la cadena FOX. Durante siete temporadas, 'Futurama' mostró las aventuras y desventuras de Fry, un repartidor de pizza cuya vida se ve truncada el 31 de diciembre de 1999, día en el que tropieza y cae accidentalmente en una cápsula criogénica de la cual despierta 1000 años después. La trama de esta sitcom futurística gira en torno a la vida de los empleados de la empresa de reparto "Planet Express", cuya precariedad y falta de profesionalidad darán pie a todo tipo de disparatadas situaciones. Paradójicamente, fue el tiempo futuro a los inicios de la serie lo que la llevó a su renovación, y más adelante, al éxito. Tras cuatro temporadas en emisión, 'Futurama' fue cancelada en el año 2003, pasando sin pena ni gloria por la anteriormente mencionada FOX. Sin embargo, el éxito de ventas en DVD y los altos índices de audiencia logrados durante su reemisión en Adult Swim, canal filial de Cartoon Network, la hicieron renacer. En Espinof Las 19 mejores series de Disney+ Estas cuatro primeras temporadas fueron las encargadas de sentar las bases del universo Futurama: la Tierra aparece ahora regida por un gobierno unificado, encabezado por el Presidente, Richard Nixon. A su vez, la Orden Democrática de Planetas hace las veces de Organización de las Naciones Unidas, conformando un universo político un tanto similar al sueño (o pesadilla) americano. Los robots gozan de libre voluntad pese a ser tratados como ciudadanos de segunda clase; de igual manera, los humanos "mutantes", dotados de algún tipo de anomalía física, son relegados a las alcantarillas. Pero, ¿qué es lo que hace de 'Futurama' una serie tan especial? ¿El tiempo y lugar en que se ambienta? ¿Sus personajes? ¿Su ciencia-ficción? Por qué seguimos amando 'Futurama' dos décadas después Me atrevería a decir que 'Futurama' debe su éxito al profundo caos que conforman todos sus elementos: desde la composición de escenarios e historias, hasta la diversidad social y política, o el acusado contraste entre comedia y drama. 'Futurama' es una serie de nostalgia futurística; trata de la melancolía hacia el pasado y hacia el propio futuro. Fry, nuestro protagonista, añora su antigua vida en el año 2000, sí, pero en cuanto siente que la ha perdido, también lo hace de su presente historia. Pese a que el componente político es muy importante, no lo es tanto su crítica hacia el mismo, más acusada en su predecesor, 'Los Simpson'. A excepción de contados episodios, como "El sabor de la libertad" o "Trescientos billetazos", la trama gubernamental se limita a simples sátiras. Dentro de los elementos que componen la sitcom, creo importante destacar la concepción y el desarrollo de los personajes: alocados y con unas personalidades tan extremas y difíciles de igualar en la vida real, que rompen por completo al espectador en cuanto éste se ve identificado con alguno de sus actos. En Espinof Ahora que es gratis, las 15 mejores series en Movistar+ Lite para maratonear los días de quedarse en casa por el coronavirus Es el contraste entre la más absoluta de las ficciones y las escasas situaciones mundanas lo que nos hace reflexionar y vernos a nosotros mismos, en el futuro, reflejados. Todos hemos sido, en algún momento de nuestras vidas, el tarado de Fry, enamorado, intentando conquistar a Leela realizando la mayor de las locuras ("Parásitos perdidos"). O Hermes, el ser más fervientemente aferrado a la burocracia, dudando de todo aquello en lo que cree ("Cuando Hermes requisó su ilusión"). Incluso Bender, el autómata encarnador de los siete pecados capitales en La Tierra, ¿quién no ha pensado en robar un puro gigante alguna vez? ("300 billetazos"). La evolución de una serie que arrancó en lo más alto En sus cuatro primeras, y en mi humilde opinión, mejores temporadas, 'Futurama' tiende a centrar su narrativa en la ficción: episodios como "Donde ningún fan ha llegado antes", "Un faraón inolvidable” o “Cuento de Navidad", cuentan historias totalmente fantásticas, con muy poco margen de realidad. Si bien es cierto que ciertos capítulos nos enseñan valiosas leyes físicas (“Un enorme montón de basura”), no encontramos un cariz científico tan acusado como en las siguientes temporadas. A esta ficción la acompaña además una temática, en general, desenfadada y cómica, sin dejar de lado esa capacidad ya intrínseca de la animación adulta contemporánea de jugar con los sentimientos del espectador. ¿Quién no ha llorado con "Ladrido Jurásico"? Si no lo has hecho, no tienes corazón. El desarrollo de la temporada 5 en adelante sigue una estela bastante diferente a sus predecesoras; la serie trata de madurar y, en general, torna la ficción en ciencia y la comedia en mesura. La intención de 'Futurama' con este cambio es simple y razonable, como la de cualquier otra serie que le ha visto las orejas al lobo tras una cancelación: evolucionar. En Espinof Adiós, otra vez, al Planet Express: Cinco episodios por los que recordar 'Futurama' Si bien la opinión popular de los espectadores respecto a esta última tanda de temporadas tiende a la negatividad, me gusta pensar en ella como un paso natural hacia la edad adulta: madurez, responsabilidad y seriedad, quizás en dosis demasiado altas como para permitir que la serie sobreviva. Eso sí, con la ventaja de que siempre podremos volver a visionar la juventud. 'Futurama' nos enseña que, por mucho que pasen los años y avance la tecnología, el ser humano siempre será un simple "cacho de carne". - La noticia 21 años de 'Futurama', una de las mejores series de la historia de la televisión fue publicada originalmente en Espinof por Allende .

Habrá película de 'Dragon’s Lair'. Netflix ha adquirido los derechos para producir una adaptación en imagen real del popular videojuego y, según Hollywood Reporter, el protagonista será Ryan Reynolds. De momento no hay realizador a bordo pero sí guionistas: Dan y Kevin Hageman ('Trollhunters', 'Historias de miedo para contar en la oscuridad'). Reynolds ya figura como productor del proyecto y negocia para encarnar al héroe de 'Dragon's Lair', un caballero conocido como Dirk the Daring ("Dirk el Osado") cuya misión es rescatar a la Princesa Daphne de las garras del dragón Singe ("Chamuscar") y el hechicero Mordroc... Publicado en 1983, 'Dragon’s Lair' fue un juego revolucionario en su momento que contó con un cautivador trabajo de animación creado por Don Bluth. Recientemente se renovó el interés por 'Dragon's Lair' gracias a la serie 'Stranger Things', que lleva tres temporadas incluyendo homenajes y referencias a la cultura de los años 80 y 90. En Espinof Las 12 mejores películas que podrían ser videojuegos pero no se basan en ninguno Reynolds, nueva estrella de Netflix Esta será la tercera colaboración de Netflix con Ryan Reynolds. En diciembre llegó a la plataforma '6 en la sombra' ('6 Underground'), el último espectáculo de acción de Michael Bay, y el actor canadiense se encontraba filmando el thriller 'Red Notice', junto con Gal Gadot y Dwayne Johnson, uno de los numerosos rodajes paralizados por el coronavirus. Antes, la estrella de la franquicia 'Deadpool' interpretó al protagonista de 'Free Guy', comedia vinculada al mundo de los videojuegos que debería llegar a los cines en julio, si es que la lucha contra la pandemia vuelve a hacer posible que el público regrese a las salas. Mientras tanto, por suerte, tenemos Internet y mil opciones para pasar el tiempo durante la cuarentena: películas, series, videojuegos o eventos online. Que nadie se aburra. - La noticia 'Dragon's Lair': Netflix y Ryan Reynolds preparan una película basada en el clásico videojuego de los 80 fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Las memorias de Woody Allen, tituladas 'A propósito de nada' ('Apropos of Nothing'), están rodeadas de polémica desde antes incluso de ser leídas. La editorial Hachette canceló su publicación ante las airadas protestas de quienes creen ciertas las acusaciones de abuso sexual que persiguen al cineasta desde los años 90. Arcade Publishing se hizo con los derechos y publicó la obra de forma inesperada este pasado lunes (a España llegará en mayo gracias a Alianza Editorial). Con el libro electrónico ya disponible en inglés, convertido en nº1 de ventas en Amazon dentro del género "Historia del cine y crítica", solo era cuestión de tiempo que sus páginas fuesen expuestas, comentadas y debatidas. Una de las anécdotas más llamativas es que Louis C.K. quiso a Allen en la controvertida 'I Love You, Daddy'. APROPOS OF NOTHING Hoy en Amazon por 28,09€ 'I Love You, Daddy' está ambientada en la industria del cine y la televisión, y gira en torno a un escritor y productor (Louis C. K.) que descubre que su hija de 17 años (Chloë Grace Moretz) tiene una relación con un veterano director (John Malkovich) al que él idolatra. Malkovich tenía 63 años cuando hizo el papel de este cineasta conocido por mantener romances con chicas mucho más jóvenes que él, con acusaciones de pedofilia. Desde el principio, este personaje se entendió como una referencia a Woody Allen (quien por cierto dirigió a Louis C.K. en 'Blue Jasmine'). Gracias a la publicación de 'A propósito de nada' (y al apunte del crítico Will Sloan) nos enteramos que, de hecho, Louis C.K. ofreció a Allen el papel que terminó interpretando Malkovich. Demencial... Por supuesto, Allen se negó. Así lo cuenta: Alright gang, a kind person sent me a free ebook, and let me be the first to tell you... Louis C.K. offered Woody Allen the John Malkovich role in "I Love You, Daddy" pic.twitter.com/57KppLx5vF — Will Sloan (@WillSloanEsq) March 25, 2020 "Le dije: 'Louis, no puedo interpretar esto'. '¿Por qué no?', me dice. 'Porque siempre estoy luchando contra esta falsa acusación y la gente siempre escribe cosas y hace comentarios, y esto es justamente seguir el juego a los palurdos'. 'Será bueno para ti', me dice. ¿En qué piensa? 'Ayudará a tu imagen'. Me gusta mucho Louis y sé que piensa que quería ayudarme pero, ¿qué fuma? Le deseé suerte y pasé. Nunca le diría 'no hagas esto, me va a hacer daño', porque el tío pasó meses escribiéndolo y tiene la oportunidad de dirigirlo, ¿y quién soy yo para intentar torpedear el proyecto de otro tío por una molestia personal? Finalmente, la decisión de Woody Allen no solo fue lógica, también afortunada al no involucrarse en un film que acabó en fracaso; curiosamente, por otro escándalo sexual. Varias mujeres acusaron a Louis C.K., guionista, director y protagonista de 'I Love You Daddy', de acoso sexual. Él confesó su culpabilidad, se retiró de la vida pública por un tiempo y la película no llegó a estrenarse en cines (aunque se filtró en Internet). En Espinof Los 11 mejores especiales de comedia stand-up para ver en Netflix y HBO durante la cuarentena por coronavirus Las memorias de Woody Allen podrían haber corrido la misma suerte. Jeannette Seaver, editora de Arcade, ha defendido con estas palabras su decisión de publicar 'A propósito de nada': "En estos tiempos extraños, cuando la verdad es demasiado a menudo desestimada como 'fake news', nosotros como editorial preferimos dar voz a un respetado artista, en lugar de ceder ante aquellos determinados a silenciarle." "Nunca puse un dedo sobre Dylan" 'A propósito de nada' incluye una posdata donde Woody Allen contradice la versión de la primera editorial, Hachette, y añade de forma jocosa que antes de las protestas ya sabían que él es "un paria tóxico y una amenaza para la sociedad". Por supuesto, el cineasta dedica espacio en las memorias a declarar, nuevamente, su inocencia y exponer su versión sobre el caso de Dylan Farrow. Woody Allen, Ronan Farrow, Mia Farrow con Dylan en brazos, Moses Farrow y Soon-Yi Previn Compara a Mia Farrow con el Capitán Ahab ('Moby ****') y habla de "cruzada" para vengarse de él por su relación con Soon-Yi Previn. "Nunca puse un dedo sobre Dylan, nunca le hice nada que pueda ser ni siquiera malinterpretado como abuso; fue una fabricación total de principio a fin", afirma Allen. Recordemos que, pese a todo, su carrera sigue en pie a los 84 años: el año pasado se estrenó 'Día de lluvia en Nueva York', su 50º largometraje, y el pasado verano rodó en España su último trabajo, 'Rifkin's Festival'. - La noticia Woody Allen revela en sus memorias que Louis C.K. le ofreció el papel de director pedófilo en 'I Love You, Daddy' fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Con la muy divertida 'La caza', co-escrita por Damon Lindelof condenada al olvido eterno tras su mal ojo a la hora de buscar fechas de estreno, es justo y necesario que saciemos nuestra sed de caza mayor con algunas de las películas más memorables de ese subgénero que tantas alegrías nos ha dado desde hace prácticamente cien años. Bienvenidos a la temporada de caza. Los juegos más peligrosos 'La caza' no viene de parte de un equipo de aficionados con ganas de hacer bien las cosas. Se trata de la nueva película de Craig Zobel, cineasta que presentó en Sitges hace unos años su ópera prima, la muy interesante 'Compliance', a la que siguieron 'Z for Zachariah' y un sinfín de videos musicales y episodios de series del más alto nivel, como 'American Gods', 'Westworld' o 'The Leftovers'.De ahí viene el equipo creativo de la película, con un guión firmado por Nick Cuse y Damon Lindelof. La pareja de guionistas llega además en racha, encadenando éxitos catódicos para Netflix ('Maniac') o HBO, donde aún suenan los ecos de su extraordinaria labor en la continuación imposible de 'Watchmen'. Ahora el equipo creativo se sitúa en la senda de 'The Most Dangerous Game', un relato de Richard Connell de hace casi un siglo que ha sido llevado a la pantalla de todas las maneras posibles. Aprovechamos la temporada de caza para recordar las más destacadas variaciones del texto, tanto las más fidedignas y acreditadas como las menos oficiales. El malvado Zaroff Dirección: Irving Pichel, Ernest B. Schoedsack Reparto: Joel McCrea, Fay Wray, Leslie Banks, Robert Armstrong Divertidísima y moderna, el inicio del universo cinematográfico de aventuras imposibles en selvas imaginarias arrancaba con un excelente thriller de supervivencia. Lo tiene todo y aún así lo mejor estaba por llegar: sus responsables presentarían al año siguiente una película que tal vez te suene: 'King Kong'. En Espinof Las 21 mejores películas de aventuras de la historia Irving Pichel, Ernest B. Schoedsack y Fay Wray (y alguno más) hicieron realidad un relato de aventuras y peligros como pocas veces se había visto. En realidad, como nunca lo había hecho nadie. Desde sus portentosos portazos de crédito al impactante plano final, 'El malvado Zaroff' es un torbellino aventurero de categoría. Crítica en Espinof: 'El malvado Zaroff'. Bloodlust! Dirección: Ralph Brooke Reparto: Wilton Graff, June Kenney, Walter Brooke Un exploitation en toda regla que incluye básicamente lo mismo que en la película del 32 pero sin acreditar al autor de la novela original. La única película dirigida por Ralph Brooke aprovecha su año de producción y la influencia del horror de la época para ofrecer unos detalles sanguinolentos inéditos hasta entonces, como en el desenlace de un villano al que le faltaban muchas sopas para llegar al nivel de Zaroff. A Game of Death Dirección: Robert Wise Reparto: John Loder, Audrey Long, Edgar Barrier Robert Wise no tuvo muchas opciones de mostrar algo de autoría en este remake calcado de Zaroff. Un reparto sin carisma, menos acción y una banda sonora mediocre no ayudaron a superar a un original del que incluso utilizaron imágenes para algunas secuencias, como la de la explosión inicial. La variación respecto a la película de Pichel y Schoedsack está en un mayor protagonismo del hermano de la heroína. Remake descafeinado a pesar de una mayor claridad en la pelea final. Huída hacia el sol (Run for the Sun) Dirección: Roy Boulting Reparto: Richard Widmark, Trevor Howard, Jane Greer Ahora sí, un remake de verdad. Atrevido, duro, a todo color y con la violencia y el sudor necesarios para crear una atmósfera completamente innovadora a partir de un relato que empezaba a estar demasiado sobado. A pesar de todo, Richard Widmark aseguraba que era la película de su filmografía que menos le gustaba. Supongo que con el cine más que con ninguna otra cosa, siempre es cuestión de la perspectiva que dan el tiempo y las distancias. La presa desnuda Dirección: Cornel Wilde Reparto: Cornel Wilde, Gert van den Bergh, Ken Gampu Hermosa y asfixiante aventura de supervivencia inspirada en las vivencias del explorador John Colter, perseguido por una tribu salvaje en la frontera de Wyoming en 1809. Cornel Wilde dirige y protagoniza su obra maestra y lo da todo tanto delante como detrás de la cámara. Posiblemente su director de segunda unidad, Bert Batt, tenga algo que decir sobre algunos de sus hallazgos, pero la película es un pelotazo que no se olvida con facilidad. En Espinof Exploitation: cómo nace y las mejores películas del cine de explotación El imperio de la muerte (Turkey Shoot) Dirección: Brian Trenchard-Smith Reparto: Steve Railsback, Olivia Hussey, Michael Craig, Carmen Duncan Una aberración distópica de calidad exploited que, entre homenajes, préstamos y adelantarse a otros, alcanza sobradamente el estatus de clásico de culto. Y es que además de coger de la novela que nos tiene aquí reunidos, aquí hay sitio para adelantarse a huidas futuristas y aderezarlo con un toque de H.G. Wells y ultraviolencia. Casi casi una obra maestra. Lo dejaremos en una obra de culto. Depredador Dirección: John McTiernan Reparto: Arnold Schwarzenegger, Carl Weathers, Sonny Landham, Bill Duke ¿Quién es el cazador aquí? Esta cima del fantástico y la acción de mediados de los ochenta nunca ha sido siquiera igualada. Equilibrio perfecto entre película para el domingo por la tarde y la mejor película de todos los tiempos, es un artefacto de precisión que perdurará. Lástima que cineastas como McTiernan no hayan tenido sucesores a su altura. En Espinof Todas las películas de la saga 'Predator' ordenadas de peor a mejor Poppers Dirección: José María Castellví Reparto: Giannina Facio, Miguel Ortiz, Agustín González, Conrado San Martín Es difícil saber si estamos ante la respuesta patria al cruising que William Friedkin ofreció en la sórdida 'A la caza' o ante una simple variación de la caza humana elitista en los ambientes más trasnochados de una movida que se encontraba en pleno apogeo. Única película dirigida por Castellví, habitual de la foto fija. Blanco humano (Hard Target) Dirección: John Woo Reparto: Jean-Claude Van Damme, Lance Henriksen, Arnold Vosloo Sam Raimi se llevó a Hollywood a la gran perla de la acción oriental y entre todos entregaron un vehículo ideal al servicio de la estrella del momento. 'Blanco humano' es un hito del cine de acción y una pionera en la que fuera la tierra de las oportunidades, puesto que antes de Woo nadie se atrevía a hiperbolizar estéticamente la acción de semejante modo. Una obra maestra, por supuesto. En Espinof Van Damme esencial: guía para adentrarse en la obra de la estrella de cine de acción más peculiar La presa (Southern Comfort) Dirección: Walter Hill Reparto: Keith Carradine, Powers Boothe, Fred Ward, Peter Coyote Aunque en realidad sea más hija de 'Deliverance' que de Zaroff, esta inolvidable radiografía de la América profunda a cargo de Walter Hill es una de las más angustiosas cacerías humanas que recordamos. Prácticamente un "cajún desastre" lleno de buenas ideas y malas decisiones. Obligatoria. Juego de supervivencia Dirección: Ernest Dickerson Reparto: Ice-T, Rutger Hauer, Charles S. Dutton, Gary Busey, F. Murray Abraham A Dickerson se le quiere mucho en esta casa. De director de foto de Spike Lee a cineasta especializado en terror y acción, supo impregnar de su autoría este enésimo cuento de ricos comiéndose a pobres con oficio y un reparto muy solvente. Ha llovido mucho desde esta respuesta a la película de Woo, aún pero viniendo con esas prisas aguanta el tipo. Cuestión de estilo y talento. The Suckers Dirección: Stu Segall Reparto: Richard Smedley, Laurie Rose, Steve Vincent Otra explotación del original, pero en el sentido exacto de la palabra: explotación sexual en la costa oeste. La cacería apenas ocupa el tercer acto de la función, mientras que el resto de metraje está formado por escenas de sexo entre mujeres atractivas y gañanes. Las míticas Sandy Dempsey, Barbara Mills y Laurie Rose son en esta ocasión las mujeres perseguidas. Revenge Dirección: Coralie Fargeat Reparto: Matilda Anna Ingrid Lutz, Kevin Janssens Una de las sensaciones de hace un par de temporadas, aunque en realidad estemos ante un rape & revenge que ante una cacería como tal. Pero el paraje, la fórmula (aderezada por una primitiva y ancestral fuerza que la eleva por encima del resto) y los métodos nos terminan por convencer para esta lista. Una pena que a ratos esté más empeñada en ser cool que en resultar divertida. Crítica en Espinof: 'Revenge'. Un tío llamado Peste (The Pest) Dirección: Paul Miller Reparto: John Leguizamo, Jeffrey Jones, Freddy Rodríguez Lo creas o no, esto está inspirado en el relato de Connell. Escatológica, grosera, incorrecta, abominable: fascinante. La versión paródica del juego más peligroso es una comedia que se tomaba muy en serio lo de ofender desde la carcajada. En realidad, el espécimen más extraño de todos. Que no se extinga. Perseguido (The Running Man) Dirección: Paul Michael Glaser Reparto: Arnold Schwarzenegger, Maria Conchita Alonso, Yaphet Kotto Irregular, pero adentadísima a lo que estaba por venir, 'Perseguido' proponía un concurso de cacerías humanas en prime time que duraba menos que el maldito 'Sálvame Deluxe'. Adaptando un relato de los que Stephen King firmaba con pseudónimo, Glaser, que ya había firmado la interesante 'La banda de la mano', se perdía entre violencia y neones de ese Tele 5 de tres al cuarto que lo daba todo por su audiencia. - La noticia Cuando el hombre es la presa: 16 películas sobre los juegos de supervivencia más peligrosos fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

En Netflix están encantados de la vida con 'Castlevania' y no han querido esperar más para anunciar la renovación de la serie de animación para adultos por una cuarta temporada. El anuncio de la renovación llega 22 días después del estreno de la tercera tanda de episodios. Es poco, pero después del lanzamiento de la segunda temporada apenas pasaron 5 días hasta que Netflix hizo oficial su continuidad. Quizá todo la problemática con el coronavirus haya hecho que tardasen más en esta ocasión. Toca ser pacientes En Espinof Las 13 mejores películas sobre videojuegos La plataforma de streaming no ha dado por el momento más detalles sobre la cuarta temporada de esta adaptación de la popular saga de videojuegos de Konami con la salvedad de un breve vídeo que ha acompañado a la noticia y que podéis ver a continuación. pic.twitter.com/ZuPyKxGRDF — NX (@NXOnNetflix) March 27, 2020 Ahora habrá que ser pacientes hasta que podamos ver los nuevos episodios, ya que es cierto que no hay fecha de estreno anunciada, pero entre la segunda y la tercera temporada pasaron la friolera de 15 meses. Perfectamente podríamos enfrentarnos a una espera similar hasta poder ver la cuarta. - La noticia 'Castlevania' es renovada por Netflix: habrá temporada 4 de la serie de animación para adultos fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

12 de abril. Justo a tiempo para el final "oficial" de la cuarentena (bueno, habría que verlo y tal), es la fecha que han anunciado desde BBC America para el estreno de la temporada 3 de 'Killing Eve'. O, en otras palabras, han adelantado dos semanas el regreso de la serie previsto para el 27 de ese mismo mes. Y lo han anunciado a través del tráiler, o al menos el primero que podríamos llamar así, de esta temporada 3, en la que vemos a Villanelle (Jodie Comer) intentar superar la "mala ruptura" que supuso la presunta muerte de Eve (Sandra Oh). Sin embargo pronto las dos protagonistas entrarán en un rumbo de colisión la una hacia la otra en lo que analizan y reevalúan antiguas alianzas. Suzanne Heathcote se pone al frente del guion en esta tercera temporada de 'Killing Eve', tomando el relevo de Emerald Fennel en la temporada 2 y Phoebe Waller-Bridge en la 1. En Espinof Las mejores series feministas actuales que demuestran que el remanido "chica busca chico" ha muerto (al menos en la tele) En la temporada tres de 'Killing Eve' volveremos a ver a Comer, Oh, Fiona Shaw y Kim Bodnia. Además se incorporan Dame Harriet Walter, Danny Sapani, Gemma Whelan, Camille Cottin, Steve Pemberton, Raj Bajaj, Turlough Convery, Pedja Bjelac y Evgenia Dodina. Lo que todavía no podemos confirmar al 100% es si ese adelanto de dos semanas se traduce también a su disponibilidad en España. HBO es la que tiene los derechos y normalmente estrena a ritmo estadounidense por lo que en este sentido es de suponer que la veremos el mismo 13 de abril. Eso sí, seguramente tardaremos un tiempo en poderla ver doblada. - La noticia 'Killing Eve' revela el tráiler de su temporada 3 y la nueva fecha de estreno: Eve y Villanelle regresarán dos semanas antes fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Tenemos reciente a Xavier Dolan en la secuencia de apertura de 'It: Capítulo' ('It: Chapter 2', 2019) y es solo una de las señales de que su nombre se ha ido filtrando lentamente en el mainstream, y ahora, con 'Matthias & Maxime', llega con un recorrido a sus espaldas que ha ido perdiendo parte de su esencia, aunque siga teniendo impacto en los festivales. Esto es, a la hora de recordar el talento del director canadiense, aún dos películas continúan sobresaliendo entre el resto de su carrera. Su largometraje de debut, 'Yo maté a mi madre' ('J’ai tué ma mère', 2009), mostraba su momento más creativo. Con 'Mommy’ (2014) dejaba clara su destreza narrativa con una historia íntima contada de forma épica. Pero desde ese momento, ni la crítica ni todos sus seguidores se han librado de la decepción en algún momento u otro, especialmente con 'Sólo el fin del mundo' ('Juste la fin du monde', 2016) y su posterior incursión fugaz en el cine de Hollywood con 'The Death & Life of John F. Donovan' (2018). Matthias & Maxime' está disponible en Filmin en preestreno exclusivo desde hoy hasta el domingo 29 de marzo. Avalon la estrenará próximamente en cines. Con 'Matthias & Maxime', para muchos, ha vuelto a la forma con la historia de dos amigos que descubren que puede haber algo más entre ellos. En una fiesta en una cabaña de verano, un grupo de millennials busca ayudar a la hermana menor de uno de ellos con su película de estudiante, con dos actores masculinos que necesita reemplazar. Max (Xavier Dolan) es voluntario, y su amigo de la infancia Matt (Gabriel D'Almeida-Freitas) se ve obligado a levantar la mano de mala gana, para luego revelarse que la escena necesita un beso entre ellos. Retrato generacional y romance escondido Lo que empieza como un episodio de ‘Big Mouth’ plantea como Matt, que es heterosexual, acepta nuevos sentimientos sexuales sobre Max, que es *** y va a dejar Montreal para pasar dos años en Australia. El grueso de la película es un contrarreloj de días y etapas de ira, atracción y negación que involucran a sus amigos, novias y familiares alrededor de un proceso emocional donde los sentimientos cambiar las dinámicas del grupo de amigos. Sobre el papel, un material idóneo para Dolan. En Espinof Cannes 2019: 'Retrato de una mujer en llamas' y 'Matthias et Maxime' se acercan al palmarés con dos romances de emoción contenida Pero entre esa historia central se entrecruzan dramas un poco rebuscados en las historias personales de cada uno. Max lidia con la transferencia legal del poder financiero de su madre, adicta en recuperación, a su tía. Rechazado y abusado por una madre manipuladora, tiene una relación sustituta con las madres de sus amigos, llevando la película por unos derroteros en donde las figuras maternas son caricaturas, grotescas, chillonas y sobreactuadas —él también lo está— que deja un rastro de dispersión que muestran al autor un tanto perdido. Aunque el arco de Matthias está ya un poco machacado en el cine LGBTQ, ‘Matthias & Maxime‘ es cálida y cuando llegan los compases finales, Dolan deja ver su talento, tanto como cineasta e intérprete, en una escena conmovedora sin trucos visuales, sin gritos ni el dramatismo impostado que sobrevuela el resto de la obra. El melodrama solo se relaja en las escenas colectivas, más improvisadas y espontáneas, como si la cámara rodara casualmente a un grupo de amigos. Larga, hiperbólica y sin foco Pero los sellos de autor de Dolan, como la relación de aspecto cambiante, insertos musicales videocliperos de calado generacional o primeros planos intensos son más irritantes que efectivos, como si el director tratara de imitarse a sí mismo y buscara una fórmula que alguna vez tuvo éxito pero ha quedado anticuada, resultando una distracción en un momento íntimo y crucial para unos personajes que parecen más irreales conforme avanza la trama. La relación entre Maxime y Matthias, que debería ser el núcleo de la película, apenas se desarrolla, ni siquiera aparece la homofobia externa o internalizada, como factor de conflicto. En Espinof ‘Solo nos queda bailar’: un conmovedor y prodigioso drama iniciático que explora el amor y la danza Para rematar, no hay demasiada química entre ellos, pese a los interminables planos de los dos mirándose con ansia como forma de transmitir sus sentimientos. El poso que deja el filme es el del trabajo de un director que trabaja sobre la superficie, y no parece capaz de transmitir la vida interior de sus personajes a menos que lo griten enfadados, lo que choca con su supuesta capacidad para expresar una resonancia emocional sincera o establecer relaciones realistas en pantalla convincentemente. Parece que el atractivo del cine de Dolan al comienzo de su carrera se va revelando fruto de un momento concreto, gracias a una agotada capacidad de incomodar muy pura y tangible, pero da la impresión de que su rabia inicial no ha acabado de adaptarse bien a una ausencia de reconocimiento posterior y crecer no acaba de sentarle bien al enfant terrible del cine indie ni a los que aún ven en él a cierto mesías de la escena. Con ‘Maxime & Matthias’ se puede vislumbrar con más claridad a un autor que lleva siendo pólvora mojada quizá ya demasiado tiempo. - La noticia 'Matthias & Maxime': lo nuevo de Xavier Dolan es un dilatado trabajo de madurez algo postizo fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Nuevo viernes y eso significa estrenos de cine... pero con los cines cerrados, al igual que la semana pasada, hemos transformado nuestro repaso de novedades para ver lo que llega a Netflix, HBO España, Amazon, Movistar+, Filmin y Sky durante estos días. Entre ellos destacan la llegada de dos series españolas como 'Vamos Juan' y 'Veneno'. Además llega una de las primeras joyas de Charlie Brooker, creador de 'Black Mirror', 'Dead Set'. En Espinof Los mejores episodios de 'Black Mirror' son los que se adentran de lleno en el terror 'Vamos Juan' en TNT (Sky y Movistar+) Javier Cámara vuelve a interpretar a Juan Carrasco en la serie secuela en la que el exministro de agricultura más patético decide volver a lo más alto de la política y acabar con los que acabaron con él. Estreno el domingo 29 'Veneno' en Atresplayer Premium Javier Calvo y Javier Ambrossi tienen nueva serie y en esta ocasión quieren explorar la icónica figura de Cristina Ortiz, más conocida como la Veneno en una serie semanal donde explorarán las luces y las sombras de la transexual. Estreno el domingo 29 Todos los estrenos de este fin de semana Viernes 'Annabelle' (HBO) 'Catwoman' (HBO) 'Ciberguerra en las elecciones estadounidenses' (HBO) 'Crazy Mama' (Filmin) 'Dead Set' (Filmin) 'Emma Peeters' (Filmin) 'Fast & Furious: Hobbs & Shaw' (Movistar+) 'El hombre que diseñó España' (Filmin) 'Jeannette, la infancia de Juana de Arco' (Filmin) 'Making the Cut' (Amazon) 'Mao Mao: Heroes of Pure Heart' T1 (HBO) 'Mathias and Maxime' (Filmin, solo el fin de semana) 'Ozark' T3 (Netflix) 'Paranormal Activity 3' (HBO) 'Los Thunderman' T4 (HBO) 'El traidor' (Filmin, en alquiler) En Espinof Nada de qué avergonzarse: seis claves para disfrutar 'Fast & Furious: Hobbs & Shaw' y el cine de acción más descerebrado Sábado 'Infierno bajo el agua' (Movistar+) Domingo 'La muerte de Stalin' (Filmin) '¿Necesitas una terapeuta sexual?' (Movistar+) 'Vamos Juan' (Sky) 'Veneno' (Atresplayer) Las recomendaciones del equipo de Espinof 'Ozark' Temporada 3 en Netflix (recomendado por Mikel Zorrilla) 'Ozark' da en su temporada 3 ese gran paso adelante que necesitaba para acercarse a ser una serie imprescindible. Hasta ahora era una serie muy solvente que no hacía nada mal, pero es la introducción de un factor incontrolable lo que provoca que la tensión se dispare, implicándose así más en lo que sucede. Si a eso le añades una trama potentísima en lo emocional, te queda algo de lo más estimulante Nuestra crítica 'Infierno bajo el agua' en Movistar+ (recomendado por Jorge Loser) Un survival de terror animal con Blake Lively asediada por un terrorífico gran blanco. Aprovecha sus elementos minimalistas al máximo con un ritmo y estética impoluta, tan solo zozobra cuando trata de convertir una idea de tres elementos en un gran espectáculo blockbuster. Sin embargo, la dirección de Jaume Collet-Serra eleva un guion sencillo y le da vida con maravillosos e inesperados personajes como la gaviota. Nuestra crítica - La noticia Estrenos (27 de marzo): 21 series, películas y documentales que llegan este fin de semana a Netflix, HBO, Movistar+ y otras plataformas fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Ya existe cierta escasez de películas estimulantes sobre el mundo del fútbol, pero el panorama es especialmente desolador en el caso de las series de televisión, sobre todo si dejamos de lado las propuestas de corte documental como la estimable ‘Sunderland ‘Til I Die’. En España hubo hace poco un intento fallido con ‘Todo por el juego’ y ahora desde Reino Unido y Netflix nos llega la miniserie ‘Un juego de caballeros’. Bien sabido es que este deporte se originó en Inglaterra, pero muchos cuándo fue el momento que dio el paso decisivo hacia su profesionalización. Cocreada por Julian Fellowes, también responsable de la muy popular ‘Downton Abbey’, ‘Un juego de caballeros’ brilla cuando se centra en el deporte, pero se pierde un poco cuando entra a hablar de otros temas. Eso sí, bien podríamos decir que su irregularidad acaba decantándose de lado positivo en la prórroga. Luces y sombras Inspirada en hechos reales, ‘Un juego de caballeros’ es ante todo la historia de Fergus Suter, reconocido como el primer futbolista profesional, pero no esperéis ver una visión muy ajustada a lo que sucedió en la llamativa historia real. Y es que en esta miniserie de Netflix se opta por hacer todos los cambios necesarios en un intento de dar un mayor empaque dramático a lo que pasó. Por lo pronto, las motivaciones de Suter son matizadas para hacer especial hincapié en que la necesidad de mantener a su familia pasa a ser su motivación principal en lugar de simplemente querer ganar lo máximo posible por hacer lo que se le daba muy bien. En Espinof Las 13 mejores películas sobre fútbol de la historia Un cambio obviamente pensado para conseguir una mayor empatía con el espectador y que funciona cuando el personaje interpretado con convicción por Kevin Guthrie ha de mostrar sus dudas en abandonar un equipo para jugar en otro, pero no tanto cuando entra a hablarnos de lleno de su familia. El alcoholismo del padre está retratado de tal forma que llega a rozar lo grotesco, restando así fuera a lo que debería ser uno de los picos de la serie. Además, ese solamente es uno de los puntos en los que ‘Un juego de caballeros’ muestra sus debilidades, pues Fellowes vuelve a interesarse una vez por el contraste entre clases sociales pero sin el espacio suficiente para hacerlo de forma satisfactoria. Sí que se tratan temas potentes como lo relacionado a la adopción de niños, pero al final es cuando se recurre a lo más básico con las huelgas por las bajadas de salarios cuando está más cerca de ser igual de interesante que cuando el fútbol prima por encima de todo. En Espinof Las 27 mejores películas de deportes de la historia Todo esto es algo que también se traslada a la puesta en escena, ya que el vigor que adquiere dentro del campo nunca se ve igualado fuera. Entonces se confía bastante más en las interpretaciones y por ahí ‘Un juego de caballeros’ tampoco destaca especialmente más allá de Guthrie y James Harkness como Jimmy Love. A su manera, Suter y Love son representados como una especie de genios del balón primigenios, pero con un fondo más dramático que es donde la serie realmente consigue esa empatía que tanto busca por otro lado. Todo mejora con el fútbol Es cierto que para lograrla se hacen cambios muy sustanciales en la historia real de ambos, pero es que el verdadero corazón de ‘Un juego de caballeros’ está ahí -muy por encima por ejemplo de la relación sentimental de Suter con una madre soltera-, en esa amistad que se traduce en una relación casi propia de hermanos y los diferentes altibajos que va sufriendo. Además, es una relación cimentada en el fútbol y los vínculos entre lo que sucede dentro y fuera del campo están bien trazados pese a tender a lo esquemático, otro rasgo característico de la serie. Ese punto afecta especialmente al personaje con el rostro de Edward Holcroft, el cual viene a representar la conciencia de las clases poderosas y cómo su evolución resulta decisiva en esa etapa de transición para el fútbol. Es un personaje sin los pliegues necesarios y en el que prima más la tendencia de la serie a ir del blanco a ***** sin trabajar lo suficiente los puntos intermedios. Es una lástima porque el actor sí está acertado, pero el material que tiene a su disposición tiene un interés de lo más limitado. Por suerte, todos esos problemas se quedan a un lado cuando toca entrar al terreno de juego. No es que el camino trazado se desvíe de lo que nos podíamos esperar, pero sí consigue representar esa pasión por el deporte y las rivalidades que se establecen tanto en la dualidad ricos-pobres como entre aficiones de la misma zona. Eso sí, la auténtica clave está en saber dotar a los partidos de esa energía necesaria que explique el entusiasmo que se siente sobre ese deporte, sobre todo en una época en la que solamente los más pudientes tenían la capacidad de tomárselo en serio y dedicarle los esfuerzos suficientes para sobresalir. ‘Un juego de caballeros’ es la historia de cómo el fútbol pasó a ser definitivamente el deporte de las clases trabajadoras. En resumidas cuentas ‘Un juego de caballeros’ es una miniserie un tanto irregular que intenta abarcar más cosas de las necesarias para llegar a un público más amplio cuando centrarse en lo que sucede en el terreno de juego y todo lo que emana de allí era más que suficiente para ofrecer una propuesta estimulante. El bagaje acaba resultando un poco agridulce, pero sigue mereciendo la pena echarle un ojo, sobre todo aquellos interesados en los orígenes del fútbol. - La noticia 'Un juego de caballeros': la miniserie del creador de 'Downton Abbey' para Netflix explora con altibajos los orígenes del fútbol fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .