Entre Fans

Netflix lleva tiempo apostando con fuerza por la ficción española y ahora ha presentado una nueva prueba de ello con el lanzamiento del tráiler de la película 'Hogar', un thriller protagonizada por Mario Casas y Javier Gutiérrez. Un prometedor thriller 'Hogar' nos cuenta la historia de Javier, un hombre que se ve obligado a dejar el piso en el que vivía con su familia porque lleva un año en paro y no se lo puede permitir. Sin embargo, un día descubre que todavía tiene en su poder un juego de llaves y empieza a espiar a la pareja que vive ahora allí... En Espinof Las 11 mejores películas de Netflix en 2019 Bruna Cusí, ganadora del premio Goya a Mejor Actriz Revelación por 'Verano de 1993', Ruth Díaz, David Ramírez, David Selvas, Raül Ferré, David Verdaguer, Vicky Luengo y Ernesto Collado completan el reparto de la película. Los hermanos David y Álex Pastor se han ocupado tanto de escribir como de dirigir 'Hogar'. Recordamemos que es el mismo dúo detrás de títulos como 'Infectados' o 'Los últimos días'. Netflix tiene previsto estrenar 'Hogar' en exclusiva el próximo 25 de marzo. Poco más de un mes nos queda para poder verla. - La noticia Netflix lanza el tráiler de 'Hogar', su nueva película española con Mario Casas y Javier Gutiérrez fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

De ‘Alta fidelidad’ me encantan tanto la novela original de Nick Hornby como la adaptación cinematográfica protagonizada por John Cusack, pero justo es reconocer que siento una debilidad especial por la película de Stephen Frears. Es una gran comedia romántica, sí, pero lo que la eleva a otro nivel es la conexión especial que tengo con ella, ya que transmite una calidez especial y siempre que la he visto he tenido una sensación reconfortante que ninguna otra cinta ha conseguido. Por ello veía imposible que una serie de televisión no solamente la superase, sino que simplemente pudiera estar al mismo nivel. Que inicialmente fuera a ser un título exclusivo para Disney+ tampoco inspirada demasiada confianza, pero finalmente a ido a Hulu, el hogar para las series de corte más adulto de la compañía. Por el momento he tenido la oportunidad de ver sus cuatro primeros episodios y hubiese agradecido un mayor número de cambios para diferenciarse, siendo Zoë Kravitz la que consigue que la serie tenga interés por sí misma. Una actualización insuficiente El primer rasgo distintivo de ‘High Fidelity’ lo tenemos en que el personaje principal pasa a ser una mujer y es inevitable que eso marque su forma de enfrentarse al mismo punto de partida: una ruptura que se cuela entre las cinco más dolorosas de su vida, lo cual la obliga a replantearse las cosas. El camino a seguir es el mismo, pero son los pequeños detalles los que permiten a la serie ir más allá de la mera reproducción. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 La identidad de los otros integrantes de la lista se prestaba a juegos interesantes, pero las showrunners Veronica West y Sarah Kucserka no terminan de animarse a explorar esas nuevas dinámicas más allá del cambio inicial. Y es una pena, porque podría haber marcado de forma más clara tanto el viaje vital que emprende la protagonista como la relación con sus compañeros de trabajo. Es verdad que eso lleva a abordar con una naturalidad inquebrantable un retrato sexual más diverso, pero el problema está en que al no incidir de forma más directa en ella se queda en una oportunidad perdida para actualizar realmente la historia. Además, hay multitud de momentos en los que parece que estemos viendo casi la misma escena que en la película del año 2000 y esa sensación de deja vu no le hace ningún favor a la serie. Lo que sí consigue es que su estructura episódica no haga resentirse a la historia que está contando, ya que la propia idea de ir pasando a través de esas dolorosas rupturas se presta a ello. Ahí la serie opta por una aproximación más libre que sí funciona bien y compensa en parte que se resista demasiado a tener voz propia mas allá de temas de diversidad que nunca están de más, pero que requieren más que eso para funcionar de forma satisfactoria. Lo mejor de esta nueva ‘Alta fidelidad’ Sin embargo, la que realmente da unidad a la serie y la convierte en una propuesta estimable es Kravitz. Dejando a a un lado que no podía dejar de pensar que en la película salía Lisa Bonet, madre en la vida real de Kravitz, y tenía un efímero romance con el protagonista, lo cierto es que ahí es donde se nota la mano de las shorunner para que este Rob sea diferente pero manteniendo al mismo tiempo sus señas de identidad como dirigirse de forma constante al espectador rompiendo la cuarta pared. En Espinof Las mejores comedias románticas: 23 películas de amor inolvidables que conquistan con risas Lo más esencial de todo es que de verdad hay cambios a la forma de abordar el personaje porque sea una mujer, no es algo que se haya hecho para seguir la tendencia actual de cambiar de género al personaje y hacer poco más. Tanto la actitud del personaje como su forma de enfrentarse a los problemas se parecen pero no llevan necesariamente a la misma conclusión, sin olvidarnos que la propia devoción por la música del personaje se trata de diferente manera. Frente al coleccionismo casi obsesivo de la película, aquí pasamos más bien a un control casi enciclopédico de la música que allí también estaba presente, pero más para ir saltando de lista a lista. En esta ocasión se opta más por su aplicación el día a día, ya sea con la charla con una cita o en otros temas. Además, el personaje se siente que fluye más en lo emocional, no necesariamente dando siempre pasos adelante, pero sí que se aprovecha que haya más tiempo para entrar en sus dudas y miedos en lugar de ir en todo momento hacia delante. Eso deriva en que el lado más cómico del personaje se difumina para entrar más en ese colapso emocional por el que está pasando pero sin deleitarse de forma innecesaria en su sufrimiento. Eso es algo que permite a Kravitz llevar el personaje a su terreno y juguetear con la imagen de seguridad que transmite el personaje pero al mismo tiempo mostrando su lado más vulnerable. Es ahí donde la serie mejor funciona al ser algo constante en lugar de pequeños cambios aquí y allá. Por mi parte me sigo quedando con el retrato del personaje a cargo de Cusack, pero es ahí donde las distancias entre una y otra adaptación son menores y encima funcionan como complementos. En resumidas cuentas Ojala ‘High Fidelity’ hubiese abrazado el cambio más allá de la presentación de ciertos temas que luego no termina de desarrollar. Pese a ello, se ve con agrado ya que no deja de ser una historia con la que es fácil conectar en mayor o menor medida, pero aquí le debemos a Zoë Kravitz que realmente queramos seguir adelante con ella en vez de limitarnos a pensar que para esto ya tenemos la magnífica película con John Cusack. - La noticia 'High Fidelity': Zoë Kravitz brilla en una agradable serie que se queda a medias actualizando 'Alta fidelidad' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Sky sigue engordando su catálogo de series originales y ha desvelado el teaser tráiler de 'Devils', definido como thriller financiero protagonizado por rostros tan reconociles como Alessandro Borghi ('Suburra') y Patrick Dempsey ('Anatomía de Grey'). Basada en la novela de Guido Maria Brera, a lo largo de diez episodios veremos el enfrentamiento entre dos magnates de las finanzas: Massimo (Borghi), despiadado jefe de operaciones de uno de los bancos de inversión más importantes del mundo, y Dominic (Dempsey), director general de la empresa. En Espinof Llevo 15 años enganchada a 'Anatomía de Grey' porque las desgracias de Meredith me ayudan a relativizar Según la información facilitada por la plataforma, su relación se desquebraja cuando el primero se ve en plena guerra financiera intercontinental provocada por su jefe y mentor. Así el personaje se verá en la encrucijada entre ser leal o detener sus planes. El reparto se completa por Kasia Smutniak, Lars Mikkelsen, Malachi Kirby, Paul Chowdhry, Pia Mechler, Harry Michel y Sallie Harmsen. Laia Costa, a la que vimos hace nada en 'Foodie Love', dará vida a una hacker de una plataforma de espionaje especializada en los terrenos políticos y financeros. Aunque para Sky España no hay fecha concreta, la serie llegará a la casa madre el próximo mes de abril. - La noticia Tráiler de 'Devils': Patrick Dempsey y Alessandro Borghi protagonizan el nuevo thriller financiero de Sky fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Barba, uñas largas y sombrero de copa. Creador y creación, José Mojica Marins, auténtica institución histórica en Brasil y objeto de culto en el resto del mundo, ha fallecido a los 83 años. Con su mezcla explosiva de horror clásico y espontaneidad natural, el creador de pesadillas brasileño ha dejado nuestro mundo en busca, ahora sí, de una oscuridad perpetua. El cine que salió del cementerio Mojica Marins fue la mezcla perfecta entre Jesús Franco y Narciso Ibáñez Serrador. Creo que es la mejor presentación que puedo ofrecer a los nuevos aficionados que puedan descubrir a este prodigioso mago del cine más oscuro a través de su muerte. Conocido en América Latina, donde era una estrella, como Zé do Caixão, en Estados Unidos respondió al nombre de Coffin Joe, aunque en más de medio mundo su cine sigue en estado desconocido. En Espinof Las 37 mejores películas de terror de todos los tiempos José Mojica Marins fue, ante todo, un personaje en sí mismo, de un aspecto y presencia entre el Mandrake de los cómics, el humorista más controvertido e incómodo y el misterio y el gusto por lo macabro más purista. Con su sombrero de copa, su capa sobre traje *****, el medallón y el anillo, fue la imagen definitiva del sepulturero. Imagen a la que dio un plus gracias a su barba y a uñas absolutamente desproporcionadas. Toda una vida entregada a la causa del horror. Su personaje nació, según el propio cineasta, de una pesadilla que tuvo una noche de 1963: "Un tipo de ***** me llevaba por un cementerio. Yo iba enfermo y deliraba por una fiebre alta. Me dejó frente a una lápida con dos fechas: mi nacimiento y mi muerte. Desperté gritando, y en ese momento decidí hacer una película diferente a todo lo que había hecho. Ahí nació el personaje, ahí comenzó a tomar forma en mi mente y en mi vida". Nacido en São Paulo el 13 de marzo de 1936, hijo de un inmigrante español, un ex torero que en su país de adopción no pudo prosperar en el negocio por la fuerte presión animalista del país. Más tarde se convertiría en gerente de una sala de cine. "Programaba todos los géneros, incluido el terror. En ese cine no solo vi 'El chico', de Chaplin, también la 'El fantasma de la ópera' de Lon Chaney o el 'Frankenstein' de Karloff y el resto de las producciones de Universal de los años 30 y 40, así como documentales de educación sexual. Los veía desde la cabina de proyección, casi todos estaban prohibidos para niños". Delirios de un anormal Según José Mojica Marins, lo fantasioso formaba parte de su rutina. "Era el funeral de un amigo de la familia, un tipo elegante, un comercial. Daba golosinas a los niños, siempre aconsejaba remedios para los enfermos ... Un día, cayó muerto. Al menos eso pensamos. Lo pusieron en un ataúd para que amigos y familiares lo velaran. Yo estaba allí cuando se levantó. No estaba muerto, solo tenía catalepsia. Por supuesto, su esposa y los demás agradecieron al Cielo por sus oraciones para ser escuchadas. Sin embargo, al día siguiente, todos cambiaron su actitud hacia él; se convirtió en un paria, un hombre maldito que habría hecho un trato con el diablo. La gente lo evitaba. Su esposa lo dejó, sus hijos no querían saber nada de él. Obligado a abandonar la ciudad, murió, esta vez de verdad, en un hospital psiquiátrico. Esta historia me hizo pensar en la religión, la hipocresía de los fieles. Me ayudó a dar forma a mi personalidad". Entre los 12 y los 15 años, rueda entre amigos y con su cámara de 16mm más de quince películas de todos los géneros. Durante los años 40 va puliendo su estilo hasta llegar a un primer largometraje que salió como tenía que salir en esta historia. El título era 'Sentença de Deus', un proyecto inacabado que consistía en contar las desgracias ocurridas a ocho personas que habían mueto. "Los sacerdotes me advirtieron que iba a tener grandes problemas con esta película, que la película estaba maldita", recuerda el director. "No hice caso de sus consejos. Pude ver que decían la verdad. Una actriz murió ahogada en su piscina. La sustituta sucumbió a la tuberculosis. A la tercera le amputaron ambas piernas después de un accidente. Era mejor que me detuviera. Cuando intenté convertir la película en una serie de televisión, el que murió fue el productor". Su siguiente intento no tuvo mucha mejor suerte. En el rodaje de 'No Auge do Desespero', un huracán arrasó el set y el equipo. Tras varios años de intentos fallidos, José Mojica Marins finalmente logra finalizar un proyecto: 'A Sina do Aventureiro', un western brasileño repleto de emociones, como rezaba su cartel. Su western de venganza "No fue fácil de rodar", afirmaba. "Tras de ver una escena sangrienta que acababa de rodar, algunos aldeanos ​​intentaron lincharme. Me tomó unos días superarlo antes de volver a trabajar". En Espinof 21 películas de western alucinantes para empezar a conocer y disfrutar el género Antes de encontrar su camino probó suerte con otro título más social. 'Meu Destino em Tuas Mãos', retrato de cinco jóvenes en un reformatorio. Al mismo tiempo, también intenta sacar adelante dos proyectos más personales, uno sobre la fiebre del rock y el otro sobre la ira de la generación joven, pero nadie confía en un director que solo acumula fracasos. Nace la muerte La venganza no tardó en llegar. En 1964 presenta 'A medianoche me llevaré tu alma'. Con el proyecto sobre la mesa, le tomaron por loco. Una película de terror brasileña simplemente no era posible. El propio cineasta interpretó a Zé du Cercueil porque ningún actor estaba interesado. Había pensado en Milton Ribeiro, pero por miedo a despertar la risa general, rechazó la oferta. Con las uñas postizas de plástico, un sombrero prestado por un amigo y un viejo abrigo encontrado en el estudio, nacía el personaje. El rodaje tampoco fue un viaje de placer. Nadia había preparado nada, casi todo era improvisado. Marins vendió todo para financiar la película, del coche a la casa. Al final solo le quedaban dos pantalones y una chaqueta y llegó al extremo de amenazar a los técnicos con una pistola para terminar el trabajo. A pesar de los problemas con la censura, la película llegó a los cines y causó sensacióna gracias a su estilo imperfecto y grandilocuente, pero también a sus ramalazos salvajes, su atmósfera sombría, y unos diálogos encantadoramente macabros. En Brasil sucedía lo mismo que los primeros en Estados Unidos con Herschell Gordon Lewis. Para muchos, este fracasado miserable ya era el mejor cineasta del mundo. Incluso hubo críticas que comparaban a José Mojica Marins con Luis Buñuel por el surrealismo y sus protestas contra la religión. Pero a pesar de todo, el resultado personal fue doloroso: "La película llenó las salas, enriqueció sobre todo a unos distribuidores que, en su mayor parte, no me han pagado un rábano". En Espinof Los orígenes del cine gore: violencia, algo de porno y mucha sangre Seguro del impacto del personaje, José Mojica Marins tardaría tres años en desenterrarlo, no sin haber considerado su regreso al purgatorio donde se habría enfrentado a un Cristo satánico. No es la idea más loca del brasileño, ya que un proyecto titulado 'Encarnação' trataba de enviar al personaje a un limbo al que solo se podía acceder mediante ella cisterna de un retrete. Sus deudas se saldaron gracias a 'O Diabo de Vila Velha', un western que coprodujo y no firmó. El regreso de Zé era ya un hecho. En 'Esta noche poseeré tu cadáver', el sepulturero resquebrajado necesita lograr la inmortalidad fertililizando a la mujer perfecta. Para ello secuestra a chicas jóvenes a las que se somete a varias pruebas, aunque la mayoría son arrojadas a un pozo lleno de serpientes. El rodaje fue un poco mejor que el de la película original. "Sin embargo, duró tres meses, un auténtico desafío técnico. Encontré problemas con las actrices, que me garantizaron que no tenían miedo de las serpientes o las arañas. Cuando vieron las trescientas tarántulas necesarias para la película, casi todas huyeron. Tuve que contratar a otras menos sensibles". La leyenda dice que el director emborrachaba a los actores y que para comprobar mejor las habilidades de sus intérpretes, el director los sometía a una prueba: un sapo en la ropa interior. Si el candidato no grita ni salta contra el techo quedaba contratado automáticamente. El secreto de sus ojos Decía Marins que su mayor miedo en vida era perder la vista. Sometido a una operación a mediados de los setenta, guardó la operación para 'Inferno Carnal', película donde las vacas flacas ya pastaban a sus anchas. 'Finis Hominis', rodada cuatro años antes, fue un fracaso en toda regla. "Quizás no sea la más exitosa de mis películas, pero es mi favorita". La película dio origen a una secuela más corpulenta que su modelo, una secuencia que muestra una ceremonia vudú durante la cual un hombre aplasta una gallina. Una vez más, algunos críticos señalan la fuerte afinidad que José Mojica Marins mantendría con el Buñuel del período mexicano. "Podemos tener algo en común sobre la religión, pero en ese momento aún no había visto ninguna de sus películas. Además, no creo que eso haya influido mucho en mí. Por otro lado, tampoco tengo ninguna influencia de Alejandro Jodorowsky de quien no supe nada hasta que me contaron de su existencia". El instinto del autodidacta. En 2008, con 'Encarnação do Demônio', puso fin a una década de abstinencia resucitando al sepulturero en lo que era la tercera película de Zé du Cercueil. Un guión antiguo que actualiza junto a otros dos guionistas, donde Zé recupera su libertad después de pasar 30 años tras las rejas y continúa su búsqueda de la mujer perfecta. Un verdadero festival de atrocidades donde, para interpretar a un joven Zé, el director recluta a Raymond Castile, un fanático estadounidense que se disfrazaba cada año del personaje. José Mojica Marins nunca tuvo la intención de renunciar a su personaje. Tras recuperarse de dos ataques al corazón en 2014, anunció su regreso al proyecto 'Mosquitoid', una comedia sospechosa en la que un mosquito gigante de otra galaxia convierte a los habitantes de una pequeña ciudad de Brasil en zombis. Y ahí estaría Zé du Cercueil aguantando el tipo. El pasado verano fallecía Inés Bayo, líder de Los Fresones Rebeldes. Tal vez ahora el sepulturero quiera ajustar cuentas con ella en el más allá. Pero seguro que lo harían bailando. - La noticia Fallece José Mojica Marins, el mítico Zé do Caixão, icono del horror iberoamericano fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Durante un acto oficial en el cuartel general de la Armada Española, RTVE y Amazon Prime Video han anunciado hoy que están en plena preproducción de la serie de aventuras 'Sin Límites', que constará de cuatro episodios narrando el histórico viaje de Juan Sebastián Elcano y Fernando de Magallanes alrededor del mundo, durante el siglo XVI, con el objetivo de demostrar que la Tierra no era plana. El motivo de la producción es el 500 aniversario, para lo que, lo largo de 240 minutos, 'Sin límites' narrará la trepidante aventura de estos marinos que se adentraron en lo desconocido que no descuidará la acción en medio de una hazaña clave en la historia que se estrenará en exclusiva en 2021 en Amazon Prime Video en España, Estados Unidos, Reino Unido y Latinoamérica. El proyecto se ha presentado hoy para dar detalles del plan de rodaje del ambicioso proyecto, que tendrá un pleno tratamiento cinematográfico. Un equipo internacional La serie contará con un equipo técnico internacional, encabezado por el británico Simon West, director especializado en películas de acción y aventuras como 'Con Air' (1997), 'Lara Croft: Tomb Raider'(2001), 'La hija del general' (The General's Daughter, 1999) y el productor Miguel Menéndez de Zubillaga, de 'La trinchera infinita' (2019) y con Patxi Amezcua al cargo de los guiones. El rodaje ya está preparado para zarpar en 2020 en localizaciones naturales de todo el mundo pero con cierta prioridad en el Caribe. Veremos localizaciones de República Dominicana, Canarias y País Vasco, y se utilizarán los tanques de los Estudios Pinewood para las escenas marítimas. Por supuesto, una gran dotación del presupuesto se va a quedar en la reconstrucción de las naves Victoria y Trinidad y una réplica de la Nao Victoria, el único de los cinco barcos de la expedición que consiguió regresar a puerto siendo el primero en dar la vuelta al mundo. En Espinof Las 27 mejores películas basadas en hechos reales de la historia "*Estamos emocionados por participar en un proyecto de ficción de esta envergadura que acercará a todos los rincones del mundo a través de Prime Video uno de los grandes hitos de la historia, contará además con un nombre como Simon West y todos los recursos técnicos para ser una producción épica llena de acción *", ha declarado Ricardo Cabornero, el responsable de Contenidos de Amazon Prime Video España. Un estreno simultáneo y global La voluntad internacional de la serie no impide que se ruede en español y, aunque el director elegido sea un veterano británico en el cine de acción, contará con un equipo artístico y técnico eminentemente español, pese a que el reparto aún no ha podido ser desvelado. Esta proyección internacional hace que el presupuesto total sea de unos 20 millones de euros, unos 5 millones por episodio, según Carnonero "la media de lo que se viene haciendo en las series americanas". Además, el responsable de contenidos afirma que "El viaje fue probablemente el primer acto de globalización" y han querido reflejar eso en la posibilidad actual de ver el mismo contenido simultáneamente en diferentes países. Partiendo de una ventana exclusiva de 4 meses en Amazon Prime Video, la serie se estrenará en TVE en España, pero ha sido un poco ambiguos en el orden en el que será la primera emisión, por lo que quizá no se vea primero en RTVE, aunque han afirmado que se asegurarán "que se pueda ver en cada lugar del mundo". En Espinof 50 obras maestras del cine de aventuras (1) 'Sin límites' serie inicialmente concebida como una película, según la La administradora única de la Corporación provisional de RTVE Rosa María Mateo: "queríamos seguir la estela de grandes películas de aventuras como 'El motín de Caine', 'Moby ****' y sobre todo, Quería que este proyecto se pareciera a 'Máster and Commander' porque me parecía apasionante". El guion es fantástico y ameno. Va a ser bastante fiel a la historia, aunque alguna desviación tendrá para ser más entretenido. también quería dar las gracias a la Armada, porque nos han animado mucho cuando estábamos alicaídos" Vuelta a las grandes series históricas La serie narra la primera vuelta al mundo, una misión casi imposible que pretendía dar nueva ruta hacia “las islas de las especias” y con la que Elcano y Magallanes terminaron cambiando la historia de la Humanidad demostrando que la Tierra es redonda con una gesta que cambió para siempre el comercio, la economía, la astrología y el conocimiento del planeta tal y como los conocemos hoy día. En Espinof 50 obras maestras del cine de aventuras (2) La tripulación tuvo un total de 239 marineros, capitaneados por Fernando de Magallanes, que partieron de Sanlúcar de Barrameda un 20 de agosto de 1519, para solo regresar 18 marinos famélicos y enfermos tres años después en la única nave que resistió la aventura, capitaneados por el marino vasco Juan Sebastián Elcano. Recorrieron 14.460 leguas, siempre de oeste a este, con lo que habían conseguido dar la vuelta completar al mundo y demostrar a los terraplanistas que la tierra es una esfera. Amazon también se ha fijado en otra figura histórica española como El Cid, otra de sus ambiciosas producciones en Europa. Según Fernando López Puig, Director de Contenidos y Canales de TVE, con 'Sin Límites' se ha buscado. "Recuperar esas grandes series históricas que ha tenido TVE, ya que hay un elemento nacional, en esa España renacentista que emprendía grandes proyectos, y un elemento internacional como es la aventura romántica de una serie de personas que emprenden una locura que hoy sería como ir a Marte, que es la primera vuelta al mundo. Estamos muy volcados con el V centenario, pero faltaba el producto rey. Pensamos que la serie, gracias a la globalización de las plataformas, era la mejor manera de difundir esta gesta". - La noticia Amazon y RTVE buscan la nueva 'Master & Commander' con 'Sin límites', ambiciosa serie sobre el viaje de Magallanes y Elcano fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Desde que el cine es cine, el propio medio ha sentido el impulso de perfeccionar, mejorar, o renovar sus historias para distintas generaciones. Ya sea por motivos artísticos, económicos o simples caprichos de autor, el remake siempre ha estado presente en el cine. Vamos a repasar algunos de los mejores remakes del cine de todos los tiempos. Tócala otra vez, Sam De Alfred Hitchcock a Michael Haneke, pasando por Cecil B. DeMille, han sido varios los directores que incluso han vuelto a rodar sus propias películas. La llegada del sonoro, del color, de los distintos formatos, el aumento de las posibilidades de producción... razones para rehacer o retocar un trabajo previo siempre han sobrado. Vamos a ver, de paso, cómo el género fantástico ha sido en la mayoría de las ocasiones el gran favorecido de esta maniobra. Ocean's Eleven (Hagan Juego) Dirección: Steven Soderbergh Reparto: George Clooney, Julia Roberts, Matt Damon, Andy García, Brad Pitt Cuarenta años después del Rat-Pack, el bueno de Steven Soderbergh se molestó lo suficiente en actualizar la apuesta y ofrecer un entretenimiento de primera para los espectadores, pero también para las estrellas de la función. Un reparto de primera y unos valores de producción que con el tiempo (madre mía, casi veinte años) han colocado a esta simpatiquísima trilogía en una posición mucho más alta de la que tuvo en su estreno. El pueblo de los malditos Dirección: John Carpenter Reparto: Christopher Reeve, Kirstie Alley, Linda Kozlowski, Mark Hamill Era muy difícil mejorar la película de Wolf Rilla de 1960 (curiosamente el mismo año que la original cuadrilla de los once), pero el trabajo artesanal de Carpenter cala hondo a pesar de no ser uno de los trabajos más queridos por parte de la mayoría de aficionados. Superman, Luke Skywalker, Tom Cody, la camarera de Cheers y la novia de Cocodrilo Dundee juntos en un revival marca de la casa que no pretendía más que entregar un producto digno y advertir de los peligros del Baby Boom. Aunque fuera alienígena. En Espinof 'El rey león' y los remakes que copian plano a plano: por qué no siempre funcionan The House On Haunted Hill Dirección: William Malone Reparto: Geoffrey Rush, Famke Janssen, Taye Diggs, Ali Larter, Peter Gallagher Ridículamente eficaz puesta al día del terror divertido más clásico a base de personajes que, veinte años después (y sesenta desde la original), siguen funcionando exactamente igual en la actualidad. Si nos quedamos con ese detalle podemos comprobar que espíritus y gente imbécil siempre ha habido, hay y habrá en el futuro. Buena actualización de los patrones del gran William Castle. La invasión de los ultracuerpos Dirección: Philip Kaufman Reparto: Donald Sutherland, Brooke Adams, Leonard Nimoy, Jeff Goldblum No hay mucho que decir de esta gloriosa, excelsa, maestra (re)adaptación de una de las novelas de género más socorridas de la historia de la literatura de ciencia ficción. Es maravilloso ver a toda esa gente tan elegante y válida corriendo por las calles. Una de esas gemas con las que tras cada revisión aprendes algo nuevo y que no deja de sorprender con sus planos más demenciales y grotescos. Hay pocas películas que apetezcan ver cada noche, y esta es una de ellas. Evil Dead Dirección: Fede Alvarez Reparto: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci, Elizabeth Blackmore Aunque esta revisión de 'Posesión infernal' pueda ofrecer a simple vista un poco menos de lo que promete en su fastuoso y sorprendente prólogo, no se nos ocurre una mejor manera de presentarse en sociedad para su director, un indispensable ya dentro del género. Atmósfera, sobresaltos y violencia gore para regalar. Una pena que al final se recuerde como una visita a la casa del terror y no haya trascendido demasiado. The Ring Dirección: Gore Verbinski Reparto: Naomi Watts, Martin Henderson, Brian Cox, David Dorfman 15 años antes de rodar la mejor película de terror de 2017, Verbinski triunfó al trasladar un horror tan localista como el de la película original a un American Gothic de multisalas. ¿Cómo hacer eso sin caer en el ridículo? Fácil: un grupo de personas empieza a morir tras ver un vhs con los cortometrajes de David Lynch. Se nos pudo pasar un poco en su momento, pero el director ya tenía el género muy claro entonces. En Espinof Las 17 mejores películas de zombies de todos los tiempos Dawn of the Dead Dirección: Zack Snyder Reparto: Sarah Polley, Ving Rhames, Jake Weber, Mekhi Phifer, Ty Burrell Rabiosa, voraz, técnica y un poco imbécil cuando se lo propone, la asociación entre James Gunn y Zack Snyder podría haber dado para una verdadera revolución en el género. Lástima que terminasen tomando caminos tan diferentes. Gunn sabe revisitar lugares comunes, y pasa de 'Zombi' a 'El día de los muertos' sin despeinarse igual que cuando se adelanta a 'Land of the dead' o a la serie de AMC para terminar en una de Fulci. A reivindicar ahora que ha pasado tanto tiempo. Dios mío, ya somos casi como los zombies de la peli. Fright Night Dirección: Craig Gillespie Reparto: Anton Yelchin, Colin Farrell, David Tennant, Toni Collette, Imogen Poots En una de las mejores secuencias de la película, el nuevo Peter Vincent se desnuda de artificios y adornos, descomponiéndose en pedazos delante de ese chaval que tan buen ojo tenía para elegir proyectos y al que echaremos de menos. Esa secuencia define perfectamente cómo hacer un remake de una obra maestra y no parecer un imbécil irrespetuoso de los que tanto abundan en la industria. The Crazies Dirección: Breck Eisner Reparto: Timothy Olyphant, Radha Mitchell, Joe Anderson, Danielle Panabaker Uno de esos apocalipsis a pequeña escala con un extraordinario uso del tiempo y el espacio. Coger el material de partida de alguien como Romero para lanzarse de cabeza a la actualización desde un punto de vista incluso más clásico que la original de 1973 da como resultado una pieza de orfebrería atemporal que cumple diez años y que habría que colocar en su sitio antes de que sea demasiado tarde para todos. Una jaula de grillos Dirección: Mike Nichols Reparto: Robin Williams, Gene Hackman, Nathan Lane, Dianne Wiest, Hank Azaria Fantástico y respetuoso remake de 'Vicios pequeños' que tal vez se haya quedado casi tan anticuada como la original (en la mitad de tiempo), pero cuyas interpretaciones absolutamente delirantes la convierten en una fábrica de carcajadas. Williams, Lane y Hazaria brillan con luz propia en una película llena de corazón y destinada a solucionar de un plumazo una mala tarde de domingo. En Espinof Las 23 mejores películas de temática LGTBI de la historia Mentiras arriesgadas (True Lies) Dirección: James Cameron Reparto: Arnold Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis, Tom Arnold, Bill Paxton Se dice poco que una de las mejores películas de Cameron (¿la mejor?) es un remake de una comedia francesa que se estrenó cinco años antes. Esta versión ampliada, ruidosa e imparable, pero sobre todo terriblemente divertida, se adelantó a todos ('Godeneye' llegó un año más tarde y la primera misión imposible, dos) y puso los cimientos de lo que debería ser el nuevo y espectacular espionaje: muy cachondo. Casino Royale Dirección: Martin Campbell Reparto: Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Jeffrey Wright, Judi Dench Vale, de acuerdo. En realidad no se trata de un remake (al uso) de aquella horrible pesadilla de mediados de los sesenta que nunca va a funcionar, pero había que lavar el nombre sagrado de la primera novela de Ian Fleming. La operación salió a las mil maravillas, y de momento seguimos con la misma encarnación del personaje a un mes y medio de su regreso con la esperada 'Sin tiempo para morir'. La mosca Dirección: David Cronenberg Reparto: Jeff Goldblum, Geena Davis, John Getz, Joy Boushel Una película muy triste, en la línea de la fatalidad cárnica de un director en el mejor momento de su carrera. 'La mosca' es atroz, es demoledora, pero no solo físicamente. Es una película descorazonadora sobre la fragilidad de la humanidad y de lo que pasa cuando una mosca revolotea en la cabina de teletransportación con la que estás experimentado. Una demoledora obra maestra irrepetible. En Espinof Secuelas tardías: el último recurso fácil de Hollywood que se ha convertido en una moda Las colinas tienen ojos Dirección: Alexandre Aja Reparto: Aaron Stanford, Ted Levine, Kathleen Quinlan, Vinessa Shaw Un remake ejemplar. Un paso adelante respecto a un original que se estancaba en una idea a la que no le vio necesario buscar una razón. Aquí, junto a Grégory Levasseur, Aja decide aterrarnos más si cabe con una idea tan simple que ya asusta solo por eso. Un golpe de genio y de autoridad salvaje en una película de terror que, ahora mismo, es de Disney. Bram Stoker’s Dracula Dirección: Francis Ford Coppola Reparto: Gary Oldman, Winona Ryder, Anthony Hopkins, Keanu Reeves Setenta años después de 'Nosferatu' y sesenta desde Tod Browning y con la mitad de presupuesto que 'Batman vuelve' (y diez millones menos que 'La muerte os sienta tan bien'), el director de la saga de 'El padrino' ponía punto y final a cualquier tipo de adaptación cinematográfica de la obra de Bram Stoker. Su visión de Drácula sigue siendo la mejor. Punto. Su reparto y su belleza, su color y su pasión, no se han visto nunca más sobrevolando los Cárpatos. La pequeña tienda de los horrores Dirección: Frank Oz Reparto: Rick Moranis, Ellen Greene, Steve Martin, Vincent Gardenia Director perfecto. Diseño de producción perfecto. Casting perfecto. Canciones perfectas. Todo brilla en la obra maestra de Frank Oz, todo suena como si fuera la primera vez que escuchamos esas melodías por esos barrios de mala muerte por ataque de planta carnívora. Una película ejemplar y perfectamente equilibrada. Si tenéis la ocasión no os perdáis el final eliminado de la película. La cosa Dirección: John Carpenter Reparto: Kurt Russell, Wilford Brimley, Keith David, David Clennon Una de las mejores películas de la historia del cine. De cualquier género. Carpenter revisiona la obra de John W. Campbell logrando, en el mismo año en que Spielberg estrenaba la exitosa película sobre amigos caídos del cielo, una aterradora masa sanguinolenta y palpitante del mejor cine de horror y ciencia ficción del que el hombre haya sido testigo. Uno de esos clásicos por los que no pasa el tiempo y que con cada edición recupera un nuevo color que pasó inadvertido la última vez que la viste. En Espinof Más allá del Genio de Will Smith: cómo los remakes Disney han perdido la magia de la animación clásica El mensajero del miedo Dirección: Jonathan Demme Reparto: Denzel Washington, Meryl Streep, Liev Schreiber, Anthony Mackie A veces Demme no se equivocaba con los remakes, y su puesta al día de la excelente película de John Frankenheimer es uno de los mejores thrillers de los últimos veinte años. Elegante, aterradora y con una dosis perfecta de conspiración demencial, el candidato de Manchuria rebosa tensión con su tratamiento sobre el control mental. Si no la has visto, estás tardando. El cabo del miedo Dirección: Martin Scorsese Reparto: Robert De Niro, Jessica Lange, Nick Nolte, Juliette Lewis Scorsese pisó a fondo el pedal hiperbólico del horror elegante peseudorealista, multiplicando por mucho el fino trabajo original. Nolte y De Niro hicieron historia, y todavía hoy nos acordamos del humo en el cine o del juego que daban los pulgares en manos de Juliette Lewis. La banda sonora, tan histérica como el resto del conjunto, hicieron el resto. ¿Por qué ya no se hacen thrillers así? El hombre que sabía demasiado Director: Alfred Hitchcock Reparto: James Stewart, Doris Day, Brenda De Banzie, Bernard Miles Veintidós años después de su homónima británica, con nuevo guionista, más duración y localizaciones mucho más exóticas, Hitchcock ofrece una trama apasionante, una dirección impecable y una fotografía asombrosa al servicio de James Stewart y Doris Day. Tan grande era el maestro que esta inconmensurable obra magna podría no entrar en los TOP 5 del director de medio planeta. Por qué será, será. El precio del poder Dirección: Brian De Palma Reparto: Al Pacino, Steven Bauer, Michelle Pfeiffer, Mary Elizabeth Mastrantonio Oliver Stone reescribe la novela de Armitage Trail y la lleva a su manera. De Palma, un cineasta tan megalómano como el protagonista de la película, eleva la narración de un clásico ascenso y caída como pocas veces habíamos visto. Un perfecto equilibrio de todas las partes, tan perfecto, que hasta el histrionismo de Tony Montana era estrictamente necesario. - La noticia Los 21 mejores remakes de la historia del cine fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Paramount ha decidido fichar a Dexter Fletcher, director de 'Rocketman', para ocuparse del reboot de 'El Santo' que está en marcha desde hace años. La compañía también estuvo detrás del biopic de Elton John protagonizado por Taron Egerton y tras su buen funcionamiento en taquilla no han querido buscar más. Un reboot de la película con Val Kilmer Lo curioso del proyecto es que se está vendiendo como un relanzamiento de la película de 1997 protagonizada por Val Kilmer en lugar de la saga original de novelas de Leslie Charteris o la mítica serie de televisión de los años 60. Tengamos en cuenta que la cinta dirigida por Phillip Noyce fue un fracaso en taquilla, así que es una decisión un tanto peculiar. En Espinof Las 48 películas de estreno más esperadas de 2020 'El Santo' cuenta la historia de Simon Templar, una especie de Robin Hood moderno que también está dispuesto a robar todo aquello para lo que sea contratado. El guion en esta ocasión corre a cargo de Seth Grahame-Smith, quien ya ha escrito títulos como 'Sombras tenebrosas' y 'Orgullo + Prejuicio + Zombis'. Fletcher también tiene en marcha 'Renfield', una película de terror para Universal sobre alguien encerrado en un manicomio que se cree que sufre alucinaciones cuando en realidad es un sirviente de Drácula. Se desconoce por el momento cuál de las dos dirigirá antes. Vía | Variety - La noticia El reboot de 'El Santo' queda en manos del director de 'Rocketman' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El cineasta de triple nacionalidad (colombiana, ecuatoriana y brasileña) Alejandro Landes tan solo ha firmado tres trabajos desde sus inicios en el lejano 2007 con el documental 'Cocalero', sobre la coca boliviana y la campaña del agricultor Evo Morales para convertirse en el primer presidente indígena del país. Desde su segunda película, el drama basado en hechos reales 'Porfirio', no habíamos tenido noticias suyas. Algo que parece lógico tras ver 'Monos', su película más ambiciosa hasta la fecha. La guerra de los niños La palabra mono tiene diferentes significados en Iberoamérica: puede significar guapo, simio o rubio, entre otros. Para la película de Alejandro Landes, el mono viene de su raíz griega: uno, solo, único. Y esa es la primera declaración de intenciones de la película: 'Monos' no es la historia de nadie en particular, es la historia de muchos. No hay un protagonista único, aquí nos metemos de lleno en el campo de entrenamientos y minas morales y emocionales de un grupo formado por ocho jóvenes rebeldes en la retaguardia de una guerra que no conocemos. Probablemente ellos tampoco la conocen, pero tienen dos instrucciones claras: la custodia de una rehén y cuidar de una vaca lechera. En Espinof Las 23 mejores películas bélicas de todos los tiempos Aventuras en parajes tropicales con niños de la guerra como protagonistas, una fotografía inmaculada y la portentosa aportación de Mica Levi a la música convierten 'Monos' en algo más que el ya cansino título de "película artística de la semana". La puesta en escena de Landes es firme y no titubea a la hora de dejarse llevar por el lado más psicodélico de la guerra. Sus tomas submarinas, nocturnas y la combinación de colores de Jasper Wolf pintan un hermoso retrato en el que desahogar las tragedias, tanto personales como generales, de una Colombia en llamas. Como habrás adivinado, no es una película que recomendar alegremente al espectador más casual, aunque a buen seguro cautivará a muchos de los que sientan curiosidad para asomarse a este vacío que no deja rehenes. Con un grupo de actores profesionales (los que menos) y otros elegidos entre 800 adolescentes (incluido un ex-miembro de las FARC), el rodaje de 'Monos' supuso un verdadero viaje al corazón de las tinieblas para el propio equipo, perdido durante más de dos meses en el corazón de la jungla. El señor de los mosquitos Pero más allá de la dificultad que supone entrar en el juego que propone la película, hay ciertas licencias que terminan por jugar en su la contra. Casi diríamos que se dispara sobre su propio pie. Una de las fatalidades que desencadenan la desconfianza de los personajes y que detona la acción nunca queda del todo claro. Landes opta por el fuera de campo como un protagonista más y cuesta seguir la acción de un par de momentos puntuales y de importancia capital en la trama. A un trabajo tan directo a la yugular, con tantas referencias cinematográficas y literarias, le habría venido bien un poco más de riesgo de fondo. La forma, en cambio, es apabullante. Sobre todo durante su tercer acto, donde la cámara muestra lo imposible con total nitidez. La secuencia de los rápidos, por ejemplo, es una de las mejores narraciones de acción de la temporada, aunque para la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España no fue suficiente en los últimos Goya, dando el premio a la mejor película iberoamericana a 'La odisea de los giles'. Y en ese sentido, más que a la cacareada 'Apocalypse Now', la multipriducción (Colombia-Argentina-Uruguay-Países Bajos -Alemania Suecia) casi se aproxima más a la genial aventura de Mel Gibson en el mundo maya. Entiendo lo que quiere contar el director, porque además está muy claro desde el primer minuto de película. Me apunto al viaje y pago el precio que me pide. Cierro la boca después de coger suficiente aire y me dejo llevar por la corriente con la esperanza de que al final habrá un guiño, un adorno innecesario de guión que me sitúe repentinamente en una película de un género distinto. Pero no, al final solo da lo que promete. Lo que no sé es por qué entonces no me conformo con eso. - La noticia 'Monos', un angustioso relato de factura impecable sobre el sinsentido de la guerra fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Aunque muchos de nosotros seguimos soñando con un proyecto liderado por Shane Black para reventar las pantallas de cine, parece que Doc Savage, el personaje creado por Henry W. Ralston, John L. Nanovic y Lester Dent tiene una salida más factible en la televisión a través de Sony Pictures Television y Condé Nast Entertainment. El hombre de bronce Tras una versión cinematográfica de mediados de los setenta dirigida por Michael Anderson, y en la que Ron Ely se puso en la piel del héroe, Savage quedó enterrado de por vida tras un fracaso sin precedentes. Ahora, según informa Variety, el personaje está cerca de regresar, más o menos, por todo lo alto. En Espinof Las 37 mejores películas basadas en cómics y novelas gráficas Sony Pictures Television se ha asociado con Condé Nast Entertainment para desarrollar una serie de televisión basada en la franquicia del icono pulp de la biblioteca Street & Smith. El proyecto es parte del nuevo contrato de tres años que Original Film, de Sony, firmó con el estudio de televisión el verano pasado. La serie narrará las aventuras de Savage entre dinosaurios, sociedades secretas dirigidas por villanos exóticos, inventos, armas nunca vistas y complots para dominar el mundo. Condé Nast adquirió la Biblioteca Street & Smith en 1959. Sony ya había reclutado a Shane Black en 2013 para escribir el guión y firmando a Dwayne Johnson en 2016 para interpretar al clásico héroe. En una entrevista de 2018, Johnson señaló que los problemas relacionados con los derechos habían obstaculizado el proyecto. - La noticia 'Doc Savage' salta a la televisión: Sony prepara una serie sobre el hombre de bronce fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

"Lo que tú hagas, también lo haré yo". Frase lapidaria donde las haya. La serie de novelas de 'La amiga estupenda' ('L'amica geniale'), escrita por Elena Ferrante, está llena de expresiones kamikazes, maliciosas y en varias ocasiones inexplicables, hasta que Lila y Lenù se encargan de hilarlas. Esto pasa sobre todo en 'Un mal nombre', el segundo libro de la saga que ahora adapta HBO después de hacer una primera temporada acerca de estas dos niñas que nacen en la miseria del Napoles de la posguerra, y en el que los caminos de las protagonistas se entrelazan y se desdibujan más que nunca en comparación con el resto de publicaciones que conforman la serie. La historia es la siguiente: Elena Greco y Raffaella Cerullo, más conocidas como Lila y Lenù, se conocen en la escuela primaria, donde entablan una relación extraña de amistad e inventan un territorio a veces oscuro pero que supone para ellas un punto de luz, de fuga, con el que escaparse del barrio. Hasta ahí todo bien, salvo porque el invento no les dura mucho... En Espinof Las 14 mejores series de 2019 que puedes ver en HBO Mientras Lenù sigue estudiando, Lina se casa con Stefano Caracci, hijo del que fuera el cacique del pueblo y quien amasa los negocios prósperos de la localidad. El desconcertante vínculo que une a las amigas es el hilo conductor de un relato lleno de lugares comunes para aquellos que se hayan leído los libros de Ferrante y también, en menor medida, para quienes no, pues 'La amiga estupenda' tiene ese poder intimista. La segunda temporada de 'La amiga estupenda' se remonta a la boda de Lina y Stefano, el evento con el que se cerró la primera entrega de esta adaptación a la pequeña pantalla de las obras de Elena Ferrante. Sin duda alguna, 'Un mal nombre' es la entrega de la saga que presenta mayores retos a la hora de contarse audiovisualmente, por contener algunos de los episodios difíciles de leer (y de mirar) y por la forma en que se hace evolucionar la relación tan enigmática que se da entre las protagonistas. Tras ver los dos primeros episodios de 'La amiga estupenda: un mal nombre', dirigidos por Saverio Costanzo (creador de la serie), puede decirse que esta temporada empieza con buen pie, aunque existen escenas en las que la maestría literaria de Ferrante al narrar los conflictos de las dos amigas se pierde al retratar de forma demasiado literal lo que persigue el texto del libro. Si hay algo que consigue hacer a la perfección con esta saga Ferrante, cuya identidad real se desconoce, es una literatura tan real como la vida misma, algo que también queda patente en la serie. Lugares en los que parece que ya hemos estado y personajes tan vívidos que inundan de realidad los escenarios de la ficción, que a estas alturas del relato se han abierto a la modernidad de los inventos de la época que se pueden permitir los que tienen dinero y a lo majestuoso de las nuevas urbes impulsadas por los usureros del lugar. Mientras que en la primera temporada prácticamente solo se mostraba el barrio y sus injusticias, ahora dentro de la serie se explora también, sin dejar de indagar en los orígenes, un camino más efectista con planos de un estilo que no se vio en la primera entrega. Planos dedicados a mostrar lo nuevo, la prosperidad que crece en el mundo de Lila fuera del barrio, pero en la que no deja de colarse la violencia que aniquila todo esfuerzo de las amigas. En este sentido, hay partes de la novela de 'Un mal nombre' que cogen fuerza con la imagen e impactan directamente al espectador con toda la agresividad que contienen. La dirección en estas escenas brilla especialmente para exponer, como si un propio gancho al público se tratase, la grotesca realidad que viven las protagonistas, especialmente Lila, la hija del zapatero. Hay un momento en particular, la noche de bodas de los Carraci, que cuesta mirar, por lo profundo que en ese momento se ahonda en el personaje de Lila, tomando como referencia su punto de vista en el que se aprecia la repugnancia que siente hacia su marido tras haber negociado este en la propia boda con aquellas personas que para Lila son lo peor del barrio. En Espinof Así se adapta una novela inadaptable: nueve consejos para que no te digan que el libro era mejor que la película Aunque es Lenù la que dirige todo el rato el relato a través de una voz en off, conduciendo lo que vemos en pantalla, el hecho de que la buena estudiante de la serie esté persiguiendo continuamente la concepción que tiene Lila del mundo, para así entender la línea de pensamiento de su amiga, hace que ese protagonismo aparentemente claro de Elena Greco pase de mano en mano. Al fin y al cabo, la relación entre ambas protagonistas es puro magnetismo sobre el papel y sobre la pequeña pantalla, a pesar de que la narrativa de Ferrante no luce de forma tan brillante en algunas ocasiones. Una estudiante perdida y una gran señora en un Nápoles de miseria En la saga de 'La amiga estupenda', hay instantes de revelación en los que, de repente, se verbaliza la pasión, en ocasiones ‘extremismo’ para Lenù, con la que Lila actúa, una visión que trasladada a la pantalla puede parecer un tanto zafia en la adaptación, sobre todo por la elección de ciertos movimientos de cámara que no transmiten tan bien la sutilidad de cómo fluye la historia en las novelas. "No me dejes nunca", "me he equivocado en todo", "me han usado como moneda de cambio"… Con los nuevos capítulos de la serie, se despide a las niñas que tiraron sus muñecas en el arranque de la ficción al sótano olvidado de Don Aquille y se presenta a otros personajes, que se tendrán que enfrentar a los verdaderos conflictos que la vida tiene preparados para ellas. La presentación de 'La amiga estupenda' en HBO fue desde luego un buen comienzo, con el poder más que suficiente de atraer a los espectadores a ese Nápoles que nada tiene que ofrecer a las protagonistas y en el que todo está hueco; pero es sobre todo en esta segunda parte cuando las protagonistas mudan de piel y cruzan un umbral distinto. Queda mucho por ver en esta temporada, los cimientos de los grandes acontecimientos que separarán y atraerán a las dos amigas, y que conducirán a la fuga de Lila y a la recopilación por parte de Greco de toda una vida juntas. En Espinof Todos los ganadores de los Globos de Oro 2020 que puedes ver en Netflix, Movistar+, HBO, Amazon y resto de VOD "La gente es más importante que los libros", le espeta Pasquale Peluso, uno de los chavales del barrio, a Lenù en los inicios de esta segunda temporada. Pero la verdad en 'La amiga estupenda' es otra: que los libros se confunden con las personas que las amigas tienen a su alrededor, que lo escrito y lo hablado se fusionan, que no hay dos mundos bien diferenciados sino dos realidades paralelas, que hacen que se desdibuje ante la mirada del público la cuarta pared. Es parte del conflicto situarnos en Nápoles, en Ischia, en Amalfi o en alguna otra de las localizaciones clave del relato para adelantarnos a lo que va a pasar, a la búsqueda de respuestas, a cómo terminará la historia. Una fórmula que con el poder de la palabra de Elena Ferrante se mantiene en lo nuevo de 'La amiga estupenda'. - La noticia 'La amiga estupenda: Un mal nombre', la temporada 2 de la serie de HBO ofrece una estimable adaptación de la saga de Elena Ferrante fue publicada originalmente en Espinof por Sandra S. Guerra .

La nueva versión de 'El hombre invisible' llega a los cines el próximo 28 de febrero, pero la campaña promocional de la película ha hecho hoy una parada en España con la presencia de Leigh Whannell, guionista y director de la cinta, y Elisabeth Moss, la gran protagonista de la función. En Espinof hemos tenido la ocasión de charlar con ambos sobre diferentes temas, desde la génesis del proyecto hasta sus influencias, sin olvidarnos de la implicación en la misma de Blumhouse o del estado actual de Hollywood en la era del #MeToo. El origen de la película La franquicia 'El hombre invisible' ha dado pie a multitud de películas a lo largo de los años y era inevitable preguntarle a Whannell sobre cuál fue su inspiración a la hora de crear la historia: Empecé preguntándome qué hace terrorífico a este personajes y la respuesta fue basar la película en la víctima. Entonces pensé en una mujer escapando de una relación abusiva y a medida que iba investigando al respecto, mas me interesaba. Cuando acabé el guion sentía que todavía faltaba algo y ese elemento era Elisabeth Moss, ella aportó el punto femenino al guion dándose su perspectiva en ciertos temas. Por su parte, la actriz apuntó que "quería hacer una película de terror' y “me sentí muy inspirada por el guion”, siendo esto última la clave para que aceptase participar. Ambos destacaron la influencia del cine de terror clásico en la película, sobre todo de Alfred Hitchcock, explicado así por Whannell: Me influyó mucho el cine de Alfred Hitchcock y el cine clásico. Bueno, si estás haciendo un thriller, Hitchcock siempre está ahí, pero en esta película más que nunca he estudiado su trabajo. También películas como ‘Luz de gas’ o ‘La mujer pantera’. Esta ultima se centra mucho en lo que oyes pero no ves. En Espinof Las 37 mejores películas de terror de todos los tiempos Eso sí, también quiso incidir una vez en la importancia de contar con la actriz, ya que "Hay una versión de esta película que es la cinta de miedo de la semana, pero Elizabeth Moss la saca de ese territorio y la convierte en algo especial” Blumhouse Además, detrás de ella tenemos a Jason Blum, el gran productor del cine de terror de los últimos años gracias a Blumhouse. Quise saber la opinión de Moss sobre su trabajo y cómo se diferenciaba de otros productores con los que ha trabajado y así me respondió: En Espinof Cómo funciona Blumhouse Productions, la compañía del Rey Midas del terror contemporáneo Creo que el trabajo que esta haciendo es maravilloso y también que Universal apoye su modelo, que es más propio de una película independiente. Creo que es brillante y que su trabajo con Jordan Peele ha sido increíble, empezando por el hecho de reconocer su talento y apoyarlo. Vino al ser un par de veces, que es bastante porque rodamos en Australia. La primera vez vino para 24 horas desde Los Ángeles, que es un vuelo de 12-13 horas. Yo no podría hacerlo. Espero poder hacer alguna película más con él. Por su parte, Whannell tuvo muy claro que no quería sentirse demasiado influenciado por otras versiones de 'El hombre invisible', así que únicamente volvió a ver la película original de James Whale de 1933. El motivo es sencillo: "no quise ver versiones más actuales porque quería casi pretender que ninguna se hubiera hecho para pensar que era una idea nueva". Moss desveló que en las escenas en las que parece que interpreta a la nada contó con la presencia de un especialista con un traje verde que luego se eliminó durante el proceso de post-producción y también que tenía muy claro qué haría de ser ella la que pudiera volverse invisible en la vida real: Sería una especie de versión femenina de ‘Robin Hood’, robando a los ricos para dárselo a los pobre. A gente rica mala, no a la buena, la que haga cosas malas con su dinero. Creo que todos podemos pensar en unos cuantos. La voz propia de Whannell 'El hombre invisible' es la tercera película como director de Whannell, quien antes ejerció durante muchos años como guionista de James Wan, explicando así cómo empezaron a trabajar juntos y el proceso por el que ha estado intentando encontrar su voz propia tras las cámaras: Cuando fui a la escuela de cine pensaba que iba a dirigir, pero conocí a James Wan y supe que él sería el director y yo el guionista. Es muy difícil llegar a Hollywood y creí que funcionábamos mejor como equipo. Era feliz siendo su guionista y no fue hasta que se fue hacer a ‘Fast & Furious 7’ cuando el equipo se rompió, fue casi como una ruptura. Entonces tuve una crisis de identidad para saber quién era sin él, tuve que empezar de cero. Tuve la oportunidad de dirigir ‘Insidious 3’ y fue una película ideal porque conocía el mundo y entonces descubrí que me encantaba dirigir. Ahora intento desarrollar mi identidad como cineasta alejado de James Wan. Los cineastas que más me gustan tienen un estilo propio que puedes reconocer y aspiro a lo mismo. En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) La era del #MeToo En el caso de Moss quiso destacar el cambio que está habiendo en Hollywood gracias al movimiento #MeToo, apuntando que "creo que la película encaja de una forma muy relevante en esta era" y señalando los siguientes sobre el estado actual de la industria: Está cambiando, pero todavía no se ha arreglado. La gente es consciente de ello en todo el equipo. Ahora tenemos un coordinador de intimidad en el set para proteger a los intérpretes, encargado de vigilar su relación con el director y asegurarse de que todos se sienten cómodos. Esta temporada lo tuvimos por primera vez en ‘El cuento de la criada’ y al decirme todo lo que tenía que hacer pensaba que normalmente tenía que hacerlo yo. Tengo la decisión final de cualquier escena de desnudo en el montaje final. Me lo dio Jane Campion por primera vez y lo he pedido desde entonces y fomentando que otras actrices lo tuviesen también. Se están haciendo cosas, pero todavía tenemos que seguir hablando de ello. La actriz también destacó que siempre ha aspirado a ser una actriz con mayor recorrido internacional, ya que "hay películas haciéndose fuera de Estados Unidos que a menudo son mejores que lo que hacemos allí" y que su objetivo siempre ha sido ser como "Kristin Scott Thomas, Marion Cotillard o Penélope Cruz, gente que ha podido trabajar en otros países.". El futuro y la nueva 'Saw' Sobre el futuro, Moss apuntó que no han querido hablar de una posible secuela hasta ver cómo reacciona la gente ante 'El hombre invisible' "para no gafarla", mientras que Whannell se pronunció sobre los rumores que asocian su nombre al reboot de '1997: Rescate en Nueva York': Creo que se anunció antes de que estuviese preparado, todavía estamos en conversaciones. Quiero abordarlo con pies de plomo. ‘El hombre invisible’ tiene mucha historia y versiones, por lo que hay más libertad para hacerlo, pero con ‘1997: Rescate en Nueva York’ es algo más reciente, forma parte de la infancia de mucha gente y se ponen a la defensiva y atacarme si lo hago mal. Tendré que encontrar algo que añade a la primera película sin arruinarla. Por mi parte, no pude evitar saber su opinión sobre el relanzamiento de 'Saw', franquicia que él creó junto a James Wan, y estas fueron sus palabras al respecto: No la he visto todavía pero tengo mucha curiosidad por la implicación de Chris Rock, que no es alguien a quien asocias a una película de terror. De hecho, le conocí una vez en una fiesta y me dijo “Me encanta ‘Saw’, me encantaría hacer una película de la saga” y yo pensé que estaba bromeando. Es una sensación extraña haber creado una película que sigue creciendo y obteniendo vida propia. No me molesta que las hagan ni me avergüenza. Agradezco mucho a la primera por haber lanzado mi carrera y sé que James Wan siente lo mismo. Todo lo que queríamos hacer es una película que se iba a lanzar directa al videoclub y sin darnos cuenta creamos al Freddy Krueger del nuevo milenio. Siento cariño por ello pero estoy muy distanciado de la saga, ahora quiero hacer películas diferentes. - La noticia "Elisabeth Moss es la que hace que 'El hombre invisible' sea especial y no la película de terror de la semana". Leigh Whannell fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Han pasado los años y no es fácil ubicar el papel de la trilogía de ‘El señor de los anillos’ (The Lord of the Rings (2001-2003) en el contexto del cine comercial y el blockbuster actual, porque su identidad artística se ha ido confundiendo con el fandom asociado que tenía a obra de Tolkien antes y que generó después. Lo cierto es que, a casi 20 años del estreno de ‘La comunidad del anillo’ han pasado muchas cosas, y entre otras, la trilogía de ‘El Hobbit’ del propio Peter Jackson. y el anuncio de una nueva serie de Amazon. Algo que puede resultar anecdótico, pero que posee un significado profundo en el estado del cine comercial actual y que sirvió como una ruptura de un ensueño, la imagen de la trilogía de referencia todos esos años, de blockbuster mastodóntico, de repente estalló como una burbuja: nunca más iba a haber algo parecido a lo que muchos sintieron frente a las pantallas de cine en las navidades de 2001 a 2003. De hecho ¿era en realidad tan bueno? Si alguien capaz de hacer una trilogía aburrida como ‘El Hobbit’ quizá no estuvo tan acertado en el inicio. Persiguiendo a Jackson Lo cierto es que el estilo megalómano de Peter Jackson quedó algo envejecido, sí, incluso muchos de los efectos especiales que tanto asombraban antes hoy están un poco desfasados. Pero lo cierto es que, desde entonces, cada Navidad se ha buscado una película-evento que cambie todo así, pero el equilibrio de éxito tanto crítico como comercial nunca ha vuelto a repetirse. La serie de films de Harry Potter tuvo mucho éxito comercial pero, a pesar de su impacto generacional, nunca recibió una recepción crítica tan consistente y nunca ganó premios. La nueva saga ‘Star Wars’ no ha sido, ni mucho menos el evento que Disney pensó y el universo Marvel no tiene un prestigio artístico a la altura de su impacto cultural, quizá el único film que se ha acercado en reconocimiento de crítica y público ha sido ‘Mad Max: furia en la carretera’ (Mad Max: Fory Road, 2015), pero precisamente su éxito significa una respuesta ante la masificación de los efectos digitales. Si su director George Miller ha sido alabado es precisamente por ofrecer la alternativa de acción real y “en directo” en su película. En Espinof 'El Hobbit', la alucinante historia de su primera adaptación cinematográfica Lamentablemente, a pesar de ser la mayor ganadora de premios Óscar en 2016, con seis estatuillas, perdió el premio a mejor película con un telefilm como ‘Spotlight’ (2015). ’El retorno del rey’ barrió los Oscar en 2004, ganando 11, siendo un hito para las películas de fantasía y un cambio de dirección que, salvo ‘La forma del agua’ (Teh Shape of Water, 2017) no acaba de verse realizado. Sin embargo, aquellos premios, que en realidad eran un reconocimiento simbólico al esfuerzo sin precedentes en la historia del cine, validan aún la trilogía. Una apuesta kamikaze ‘El Señor de los Anillos’ cambió el panorama del entretenimiento, abriendo las puertas de la fantasía al gran público de tal forma que nadie hoy le hace ascos a ir a ver ‘Los Vengadores’ (The Avengers, 2010) o a engancharse en la tele a ‘Juego de tronos’ (Game of Thrones, 2010-2019). Lo friki dejó de ser friki. Los tebeos y la espada y brujería pasaron a la corriente principal y ya nadie siente vergüenza yendo a los estrenos disfrazado de su personaje favorito. Pero antes de su estreno el panorama del entretenimiento era distinto, más sobrio y, de alguna manera, ingenuo. En un principio, Peter Jackson propuso una adaptación en dos partes pero cuando cambió a New Line Cinema se convirtió en una trilogía desde el inicio del proyecto. Esto permitió al equipo escribir y filmar las tres películas al mismo tiempo. Un movimiento de riesgo en el mercado pero que permitía corregir cosas y creaba una continuidad entre capítulos poco vista hasta el momento, jugando con la identidad de ser una sola historia dividida en tres, cada una de las películas tenía su propio arco, pero funcionaba como una sola historia. Esto también crearía una fiebre por las trilogías que muy pocas veces los estudios han logrado entender. El proyecto de ‘El señor de los anillos’ tuvo una producción surrealista de 438 días que comenzó en octubre de 1999, con Peter Jackson a cargo de un ambicioso planning en Nueva Zelanda que incluso impulsó empresas locales y desarrolló una de las más famosas compañías de efectos especiales, Weta, al igual que George Lucas desarrolló Light and Magic. Realmente hubo una revolución de la que todavía estamos viendo consecuencias. En Espinof Las 21 mejores películas de ciencia ficción y fantasía de la década (2010-2019) La transformación de la película-evento Debido a la cantidad de material a adaptar, las películas duraron una media de tres horas, algo que desconcertaba en su momento, pero ahora lo tenemos hasta en cine de terror como ‘It’ (2017-2019), películas de superhéroes y los binge watching de diez horas. La industria del cine ha cambiado tras el éxito del film de Jackson. No solo el público conoce bien el lenguaje de las películas de ciencia ficción y fantasía, sino que es raro ver una película anunciada sin que se exprese como parte de algún tipo de propiedad o franquicia más grande. Los universos cinemáticos súper conectados, las marcas, los franquiciados y los remakes sin filtro se mueven alrededor de la misma idea. Pero no todas son capaces de replicar la magia del milagro de principio de milenio. Una época en la que el mundo se adentró en un post 11-S oscuro que sigue vigente con una crisis económica —y social, y humana—, donde lo fantástico volvía a ser una válvula de escape en la ficción, que si ha sido aceptada de esa manera es por un motivo. Pero en el corazón del éxito de ‘El señor de los anillos’ están sus grandes momentos, impulsados por personajes puros, sin ironías, que hacen que los enfrentamientos entre ejércitos tengan más calado emocional. Las actuaciones de un elenco con Elijah Wood, Viggo Mortensen, Cate Blanchett, Orlando Bloom o Ian McKellen o Sean Astin la hacen inolvidable. Echamos de menos el viaje junto a ellos, sentimos nostalgia al recordar la experiencia de ver a una comunidad del anillo que interactuaba de forma natural y creíble, pese al tono casi recitado. La relevancia de la leyenda Incluso separados por miles de kilómetros, la conexión entre ellos era palpable. Un corazón que se mantiene pese a la cantidad de historias entrelazadas, que Fran Walsh, Philippa Boyens y Jackson equilibraban en un guion que sabía rescatar los momentos clave de la novela en un conglomerado armonioso y que apretaba todos los botones emocionales correctos, sin una pizca de cinismo y quizá cierto exceso de azúcar en su final, pero veías con una melancolía extrañamente familiar, porque el equipo dejaba parte de su experiencia en la despedida. En Espinof 'Tolkien': un solvente biopic que nos sumerge en la juventud del autor de 'El señor de los anillos' Escenas inolvidables, desde el enfrentamiento con el Balrog, Légolas y Gimli contando muertos en la batalla del abismo de Helm, la Batalla de Gondor, acompañadas de la partitura de Howard Shore, todavía no han sido igualadas en escala, o en emoción. Aunque dejan ver un montaje de su época, no se han quedado tan anticuadas como se puede suponer, ya que tienen bastantes efectos prácticos combinados con el CGI. Ahora hay mucha más facilidad de recrear sus maquetas con mate painting digitales y escenarios de pantalla verde. Jackson optó por construir escenarios, cientos de piezas decorativas muy detalladas y traer a maquilladores de primer nivel para recrear la historia clásica de Tolkien. Sí, se deja notar más en las actuaciones de Gollum, que si bien sorprendían en su momento, hoy están asimiladas y perfeccionadas. Sin embargo, no todo es el cómo está renderizado el píxel y la calidad de las texturas, sino la belleza de los diseños, el trabajo de preproducción y la coherencia cromática que hace que cada una de las películas tenga sus propios códigos visuales. Un hito irrepetible Por supuesto, el juego de Jackson con el terror, que tan bien conocía, hace que todas las apariciones de los nazgul, secuencias como la Ciénaga de los muertos, Ella-Laraña o la boca de Sauron, que parece un cenobita del universo Hellraiser, sean pesadillescas y memorables. Ahora puede parecer que es un film comercial más, pero aún estamos esperando que un gran blockbuster navideño incluya una escena con lanzamiento de cabezas con catapultas por parte de un orco que parece tener un gran tumor deforme y grotesco en la cara. En Espinof Todas las películas de Peter Jackson ordenadas de peor a mejor Hay muchas estampas que parecen ilustraciones de los libros que toman vida propia y la atención al detalle del diseño de producción hace que ver las 20 horas de making of merezcan la pena. Han pasado casi dos décadas y, más allá de cómo pueda competir a nivel visual con lo que se nos presenta ahora en pantalla, la trilogía de ‘El señor de los anillos’ se mantiene como un accidente cultural inimitable. Ni siquiera Peter Jackson ha podido superarlo, ni acercarse si quiera, pese a que su ‘King Kong’ (2005) fuera mejor de lo que se recuerda. El neozelandés no ha llegado a recuperarse de lo que consiguió, quedándose desubicado dentro del mercado, con pasos en falso como su guion para ‘Mortal Engines’ (2018), probablemente el peor proyecto asociado a su nombre. Puede ser que nunca tengamos nada similar con su firma, pero pocos van a lograr asombrarnos como él en sus cinco primeros minutos de ‘La comunidad del anillo’, un logro para el que no solo hace falta la tecnología, sino la locura para imaginarlo en ese tamaño y escala, para reinventar la épica del cine. - La noticia Bajo la sombra de 'El Señor de los anillos': cómo la faraónica trilogía de Peter Jackson cambió todo hace casi dos décadas fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Por mucho que nos empeñemos, nada puede parar a una producción Blumhouse. Sus presupuestos ajustadísimos hacen que cualquier título suyo haya recuperado la inversión (con ganancias) antes de que el ruido negativo se haga eco en las redes. Acaba de pasar con 'Fantasy Island', su última apuesta, una efervescente y muy absurda puesta al día de la serie protagonizada por Ricardo Montalban y Hervé Villechaize. La isla de las almas fantasiosas Hace un par de días recibimos el primer tráiler de las nuevas 'Amazing Stories' que estrenará en unas semanas la gente de Apple. El año pasado llegaba el turno de 'The Twilight Zone'. A la espera del próximo regreso de la serie olvidada por el tiempo, Jason Blum y su equipo de genios del mal han apostado por una serie más o menos desconocida por aquí, pero que entre 1977 y 1984 ofreció más de 150 episodios: bienvenidos a la isla de la fantasía. En Espinof 'The Twilight Zone': los 21 mejores episodios para adentrarse en la dimensión desconocida original La nueva 'Fantasy Island' de Blumhouse nos presenta al enigmático Sr. Roarke, un Michael Peña que no sabe si está en una de Bond o en un drama trópico-paranormal, que convierte en realidad los sueños secretos de sus afortunados invitados a su lujosa y remota isla tropical. Los problemas llegarán cuando las fantasías de sus invitados se conviertan en pesadillas que los obligarán a trabajar de la manera más inesperada para intentar salir de ahí con vida. La verdadera sorpresa que esconde 'Fantasy Island' está en su diversión a toda costa. Jillian Jacobs, Christopher Roach y Jeff Wadlow (director) no se molestan en quedarse en un rincón genérico y elevan la apuesta hasta lo imposible. La película no es ni una comedia, ni una de terror ni tampoco un drama sentimental sobre la pérdida y las segundas oportunidades: es todo eso y más. Su diseño de producción, muy deudor a títulos de los 90 (y estoy pensando en 'Comportamiento perturbado') y a los primeros 2000 (y estoy pensando en '13 fantasmas'), rezuma un voluntario aroma a horterada demodé en todos y cada uno de sus aspectos. Perdidos en una línea mortal Lejos de ser una película perfecta y mucho más cerca de ser un desastre, exculpo a la propia película como máximo responsable de su terrible acogida. Parece mentira que todavía hoy sigamos pensando que cuando vamos al cine nos entregarán lo que nuestras cabezas han dado por hecho que nos ofrece su campaña de marketing. Nos faltan dedos para contar los numerosos problemas de 'Fantasy Island', pero su honestidad y sus ganas de dejarse (y dejarnos llevar) están ahí, inmaculadas, para quien las quiera. Pero su publicidad engañosa no tiene la culpa de sus casi dos horas de duración, algo imperdonable para una película como esta, aunque juegue por momentos a ser una antología. Ahí también se muestra algo torpe a la hora de dilatar los tiempos. Siempre defenderé en la medida de lo posible esta imposible pero alucinante mezcla de 'Lost' (la serie) y 'First Dates' (el programa), una delirante comedia idiota con aroma al mejor peor género de los 90. En ese sentido, 'Fantasy Island' es una fantasía en sí misma. Todos los "valores" de la telebasura que tanto os gusta están aquí jugando el partido de su vida a través de una absurda flatline con mucho más interés del que va a encontrar un fanático del terror. Con una esencia impregnada de un potente auto sentido del ridículo, es imposible no entrar en su muy imbécil juego lleno de humor chabacano y dudoso gusto que, ojo ahí, consigue en dos (súper excesivas) horas todo aquello que la última versión de 'The Twilight Zone' solo pudo soñar durante todo un año. - La noticia 'Fantasy Island', muy divertida exploitation de lujo entre 'Perdidos' y el reality más absurdo fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Suele decirse que, a estas alturas de la historia de la humanidad, todas las historias que puedan concebirse, al menos en sus aspectos más básicos, ya han sido contadas con anterioridad. Es por eso que, a día de hoy —y esto cada vez tiene más peso—, a la hora de narrar en imágenes cualquier tipo de relato, independientemente de su género y contenido, es casi más importante el cómo, que el qué. Salvo en honrosas excepciones, la forma, para bien o para mal, tiende a eclipsar al fondo, y no cabe duda de que Guy Ritchie es plenamente consciente de esto. Haciendo un breve repaso a través de la filmografía del británico, no se tarda en comprobar que su marca personal, única y difícilmente imitable, se ha impuesto en casi todas sus producciones, haciéndolas destacar y elevando unos libretos que no siempre han tenido una calidad y frescor óptimos. En Espinof Las 31 mejores películas de gángsters y mafiosos de la historia Con 'The Gentlemen: Los señores de la mafia', el de Hatfield ha recuperado plenamente esa esencia que le abrió un hueco en las filmotecas de buena parte del colectivo cinéfilo hace ya veintidós años y que se ha ido diluyendo progresivamente mientras la industria norteamericana le fagocitaba. Ritchie ha vuelto a su zona de confort, y lo ha hecho más libre y autoconsciente que nunca con un nuevo thriller criminal marca de la casa para enmarcar. Una cuestión de estilo Aunque, personalmente, siempre he dado mi voto de confianza al bueno de Guy Ritchie, han sido muchos los que le han considerado un caso perdido desde que se entregó a los grandes estudios hollywoodienses. Y es que, a pesar de habérselas apañado para mantener sus señas de identidad intactas en trabajos como 'Sherlock Holmes' o 'Rey Arturo' —de los que soy un férreo defensor—, esa debacle titulada 'Aladdin', que convierte a 'Barridos por la marea' en una obra maestra, le anuló plenamente como autor e invitó a dar crédito a los malos augurios. Decía Tyler Durden en 'El club de la lucha' que una vez se toca fondo, sólo se puede mejorar; unas sabias palabras que Ritchie toma al pie de la letra para resurgir de sus cenizas regresando a esos derroteros que le hicieron grande. A esa Londres de los bajos fondos, macarra, corrupta, violenta y tóxica que tantas alegrías nos dio en 'Lock & Stock', '******' y 'RocknRolla'; a esos lugares formales y narrativos que, pese a comunes, no podrían ser más estimulantes. No nos engañemos; 'The Gentlemen: Los señores de la mafia' no innova lo más mínimo sobre lo que ha ofrecido el cineasta en sus anteriores películas. De nuevo se nos sumerge en el submundo de la mafia británica —más internacional que nunca— de la mano de un inspirado puñado de personajes que rozan lo caricaturesco y que conducen una trama que peca de resultar demasiado familiar, rebosante de giros inesperados, falsas expectativas y jugueteos estructurales más contenidos que de costumbre. Pero, como comentábamos al principio de este texto, a veces lo importante es el cómo se cuenta algo y no el qué se está contando. Es en este punto cuando Guy Ritchie saca la artillería pesada y transforma su arquetípico relato en un ejercicio de estilo electrizante, enriquecido por un poderío audiovisual envidiable —soberbio el montaje de James Herbert— y por unos delicioso juegos metaficcionales que no dejan de ser una excusa perfecta para cachondearse de sí mismo. Pero si hay algo que hace brillar a un gran nivel esta salvaje orgía de violencia, lenguaje malsonante, testosterona y humor ***** como el carbón es un reparto rebosante de estrellas ante el que es imposible no caer rendido. Matthew McConaughey, Colin Farrell, Charlie Hunnam, Michelle Dockery, Jeremy Strong... todos y cada uno de ellos realizan una labor soberbia que, inevitablemente, queda ensombrecida por la interpretación de un Hugh Grant desternillante y en estado de gracia. Todos aquellos que echaban de menos a Guy Ritchie están de enhorabuena, porque 'The Gentlemen: Los señores de la mafia' recoge todos y cada uno de los tics y mecanismos que proyectaron su carrera, refinados con el paso del tiempo, y los pone al servicio del entretenimiento de calidad más cafre y desvergonzado que haya podido disfrutarse en una larga temporada. - La noticia ‘The Gentlemen: Los señores de la mafia’ trae de vuelta al mejor Guy Ritchie en un electrizante ejercicio de estilo fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Ya han pasado la friolera de tres años desde que Martin McDonagh estrenase la excelente 'Tres anuncios en las afueras', largometraje que le sirvió para amasar un par de nominaciones a su nombre —a la mejor película y al mejor guión original— en la ceremonia de entrega de los Óscar 2018. Pero gracias a una exclusiva del medio Deadline sabemos que el retorno del británico a la gran pantalla está, como quien dice, a la vuelta de la esquina. 'The Banshees of Inisheer' será el título del cuarto largometraje como director de McDonagh, en el que volverá a reunirse con Colin Farrell y Brendan Gleeson tras su debut 'Escondidos en Brujas'; una tragicomedia criminal celebrada por público y crítica que recibió una nominación al Óscar al mejor guión original. En Espinof Las 33 mejores películas cómicas del siglo XXI La información, por el momento, está llegando con cuentagotas, pero ha trascendido que el largometraje se ambienta una remota isla irlandesa y que gira en torno a dos amigos de toda la vida que se encontrarán en un callejón sin salida cuando uno de ellos dé por finalizada su relación; algo que tendrá consecuencias alarmantes para ambos. Se espera que 'The Banshees of Inisheer' comience su rodaje este mismo verano bajo el ala de Searchlight Pictures, que ha adquirido los derechos internacionales del filme. - La noticia Lo nuevo de Martin McDonagh tras ‘Tres anuncios en las afueras’ volverá a reunirle con Colin Farrell y Brendan Gleeson fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

A pesar del sentido homenaje que le dedicó Bong Joon-ho, la última ceremonia de entrega de los Óscar debió ser plato de buen gusto para Martin Scorsese si tenemos en cuenta que 'El irlandés' se fue de vació a pesar de optar a diez estatuillas. Pero a estas alturas de la película, no creo que al maestro le afecten demasiado estas historias, y qué mejor manera de demostrarlo que volcándose plenamente en su nuevo proyecto: 'Killers of the Flower Moon'. Hace cosa de un año ya os contamos que el bueno de Marty volvería a reunirse con Leonardo DiCaprio y Robert De Niro para adaptar la novela de David Grann ‘Los asesinos de la luna: Petróleo, dinero, homicidio y la creación del FBI’. Hoy, mediante una entrevista con el medio Premiere, el cineasta ha dado nuevos y jugosos detalles sobre el proyecto, empezando por su género. En Espinof Las 21 mejores películas de cine ***** de toda la historia "Creemos que es un Western. Ocurrió en Oklahoma entre 1921 y 1922. Por supuesto que hay cowboys, pero tienen coches y también caballos. La película trata principalmente sobre los Osage, una tribu india a la que se dio un territorio horrible que ellos adoraban porque se decían a ellos mismos que los blancos nunca estarían interesados en él. Después descubren petróleo y, durante unos diez años, los Osage se convierten en las personas más ricas del mundo, per capita. Luego, al igual que con los Yukon y las regiones mineras de Colorado, los buitres desembarcan, el hombre blanco, los europeos llegan, y todo se pierde. Los bajos fondos tenían tal control sobre todo que era más probable ir a la cárcel por matar a un perro que por matar a un indio." Si hay algo que enriquece una buena historia, es un tema subyacente que tratar, y Scorsese parece tener muy claro de qué hablará en su nuevo largometraje. "Es muy interesante pensar en el tipo de mentalidad que nos conduce a esto. La historia de la civilización se remonta a Mesopotamia. Los Hattis fueron invadidos por otro pueblo, desaparecieron, y después se dice que fueron asimilados o, más bien, absorbidos. Es fascinante ver esta mentalidad, que fue reproducida en otras culturas, a través de dos guerras mundiales y que es, por lo tanto, atemporal. Esta es la película que vamos a intentar hacer". No se a vosotros, pero leer a Scorsese me ha puesto los dientes especialmente largos. Por desgracia, aún queda una larga temporada hasta que podamos disfrutar de 'Killers of the Flower Moon', cuya producción, a cargo de Paramount Pictures, se espera que comience esta primavera de cara a un estreno a lo largo de 2021. Por el momento os dejo con la sinopsis del filme. "En la Oklahoma de los años 20, la nación Osage era zona con más personas ricas del mundo después de que se descubriese petróleo bajo su suelo. Y después, estas personas fueron asesinadas una a una. Mientras el número de muertes ascendían, el recientemente creado FBI se ocupó del caso y descifró una escalofriante conspiración y uno de los crímenes más monstruosos de la historia americana". - La noticia Martin Scorsese da nuevos detalles sobre 'Killers of the Flower Moon': será el primer western de su carrera fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

A finales del año noticia saltaba la noticia de que Amazon estaba preparando un reboot de 'El internado' con la idea de ponerse manos a la obra en 2020, coincidiendo así con el décimo aniversario de la finalización de la serie de Antena 3. Ahora la serie empieza a coger forma con el anuncio de los primeros miembros del reparto de 'El internado: Las cumbres'. Los cinco fichajes Al igual que en la serie original, 'El internado: Las cumbres' tendrá un reparto dividido entre actores jóvenes e intérpretes más veteranos. Entre los primeros estarán Asia Ortega (‘Tu hijo’), Albert Salazar (‘La Riera') y Daniel Arias (‘Segunda oportunidad’), mientras que entre los segundos se ha confirmado la participación de Natalia Dicenta ('La monja') y Ramiro Blas, conocido por haber dado vida a Sandoval en 'Vis a Vis'. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 La sinopsis oficial de la serie apunta lo siguiente: "Los alumnos son chavales rebeldes y problemáticos que vivirán bajo la estricta y severa disciplina que impone el centro para reinsertarlos a la sociedad. El bosque circundante alberga antiguas leyendas, amenazas que siguen vigentes y que les sumergirán en aventuras trepidantes y terroríficas". La primera temporada de 'El internado: Las cumbres' estará dividida en ocho episodios y por el momento no hay fecha de estreno. Tampoco se sabe nada sobre la posible participación de algún intérprete visto en 'El internado', pero sería un buen detalle para estrechar más los lazos entre ambas producciones. Recordemos que 'El internado' sirvió para lanzar la carrera de actores como Ana de Armas, hoy asentada en Hollywood disfrutando las mieles del éxito con 'Puñales por la espalda', Blanca Suárez, Yon González, Martiño Rivas o Elena Fuariase. - La noticia 'El internado: Las cumbres': el reboot de Amazon anuncia los primeros miembros de su reparto fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Harrison Ford sigue dando que hablar. Tiene una nueva película a punto de llegar a los cines, 'En lo salvaje', y en las entrevistas no dejan de lanzarle cuestiones sobre las populares franquicias en las que aún participa. Recientemente habló sobre el rodaje de 'Indiana Jones 5' y ahora se ha referido a su escena en 'Star Wars: El ascenso de Skywalker'. Un cameo que, a pesar de mantenerse en secreto hasta el día del estreno, no resultó una sorpresa ya que el film fue concebido como una gran conclusión para los nueve episodios de la 'Star Wars' y la presencia de Han Solo estaba casi asegurada. No obstante, la forma en la que vuelve el personaje ha dejado dudas y división de opiniones. De hecho, Ford tampoco parece tenerlo claro... Un extraño regreso que ni Ford entiende del todo Recordemos que el contrabandista más famoso de la galaxia fue asesinado en 'Star Wars: El despertar de la fuerza' a manos de su hijo, Ben Solo, alias Kylo Ren (Adam Driver). Podría haberse recuperado a Han Solo con algún flashback pero el personaje simplemente aparece en 'El acenso de Skywalker', en un esperado aunque extraño reencuentro con su hijo. En Espinof 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': 41 referencias, easter eggs y homenajes para disfrutar a fondo el final de la trilogía Los caballeros jedis que mueren pueden volver como "fantasmas de la fuerza", sin embargo, Han Solo no tiene esa facultad y su regreso se justifica en pantalla sugiriendo que es producto de la imaginación de Ben/Kylo. Esto es lo que Ford tiene que decir al respecto: "Cuando JJ [Abrams] me pidió hacerlo, le dije: '¿Estás bromeando? ¡Estoy muerto!'. Me respondió: 'Más o menos muerto. Puedes hacer esto'. No había escrito nada en ese momento, pero me dijo: 'Va a ser genial'. Así que le dije: 'Ok'. Si JJ te pide hacer algo, probablemente lo hagas. Es un tío muy persuasivo. [Mi regreso] fue una incorporación útil para la historia y continuar el desarrollo del personaje de Adam Driver. Y la oportunidad de hacer otra escena con Adam fue genial". Si bien la vuelta del héroe se produce únicamente en la cabeza del confundido villano encarnado por Adam Driver, hay fans que intentan explicar el regreso como un último esfuerzo de Leia (Carrie Fisher), quien lo proyecta allí para ayudar a su hijo. O quizá Han Solo reaparece como un "fantasma de la fuerza", al igual que los jedi. Cuando plantean la posibilidad a Harrison Ford, su respuesta es contundente: "¿Un fantasma de la fuerza? No sé qué es un fantasma de la fuerza. No se lo digas a nadie. No estoy hablando lo suficientemente algo a tu grabadora. No tengo ni idea de lo que es un fantasma de la fuerza. ¡Y no me importa!". - La noticia 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': Harrison Ford explica su cameo y no sabe lo que es un "fantasma de la Fuerza" (ni le importa) fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Con el último fenómeno de los Óscar de nuevo en cartelera ('Parásitos') y el mayor estreno de la historia del cine basado en videojuegos ('Sonic'), una pequeña isla de esperanza llamada 'Adú' lleva a los cines a más de medio millón de espectadores mientras aumenta su presencia en las salas tras la primera semana en cartel. Hablamos con Salvador Calvo, director del primer éxito del cine español en 2020. Ya ha superado los 4 millones de euros en taquilla. 'Adú', el último milagro del cine español Salvador Calvo no es ningún recién llegado. Más de quince años de experiencia en un sinfín de proyectos televisivos de todo tipo y tamaño avalaron su salto al largometraje con la ambiciosa '1898. Los últimos de Filipinas'. Ahora, con 'Adú', Calvo demuestra su buen ojo para las historias con pegada directa al corazón del espectador. Nos citamos con su director para comprobar que, en efecto, nadie vio venir este éxito más que merecido. Kiko Vega (KV): Enhorabuena por el éxito de la película, ¿alguien se esperaba una acogida así? Salvador Calvo (SC): No, para nada. Ni en el mejor de nuestros sueños. Confiábamos en que la película era una historia bonita y que podía llegar a la gente, pero jamás imaginamos algo parecido a las cifras que se están dando. Estos números están reservados casi exclusivamente a la comedia o al cine americano. No es lo que suele estar reservado para una película de temática social, tan actual y dramática. Estamos muy contentos con la acogida. En Espinof Las 22 mejores películas españolas de 2019 KV: Tras muchos años de televisión te metes en un brutal debut con ‘1898: Los últimos de Filipinas’, un tipo de proyecto cada vez menos habitual en nuestro cine. Ahora repites con 'Adú', otro proyecto ambicioso. ¿Te sientes más cómodo ante retos grandes? SC: Me gustan las dos cosas, pero es verdad que en el cine puedo hacer cosas más personales, pero también es cierto que en tele durante los últimos años había hecho cosas así, historias que me tocaban de cerca. Empezaba a poder elegir y eso hacía que los proyectos fueran más cercanos a mí, como 'El padre de Caín', 'Niños robados' o 'Alakrana'. KV: ¿Cómo y cuándo te involucras con 'Adú'? SC: Surgió a raíz del rodaje de '1898. Los últimos de Filipinas', en Santa Lucía de Tirajana. Estuvimos un mes y medio rodando y mi familia se trasladó hasta allí. Para no quedarse en casa sin hacer nada, mi pareja empezó a trabajar como voluntario en el CEAR (Comisión Española de Ayuda al Refugiado) en el pueblo de al lado, Vecindario. Ahí llegaban cada día pateras, constantemente. Me contaba casos que te ponían los pelos de punta. Niños pequeños que llegan con madres y hermanas que reciben tratos extraños y manejan dinero. Al final resulta que en realidad no son parientes. Uno de los casos se investigó y se comprobó que eran niños para mercadear en redes de tráfico de órganos de seres humanos. No tenían ningún parentesco con esos adultos. Nos explicaron que Canarias es uno de los vértices de un mercado de tráfico de órganos bestial. Cada vez que llegan pateras hay motoristas buscando niños que lleguen solos para llevárselos. La otra historia que me impactó fue la de un niño somalí al que su tío violaba todas las noches en compañía de sus amigos. Un día se lo contó a su padre y el padre le dijo que si no quería que los mataran a los dos, tenía que huir. Cruzó el desierto y sobrevivió prostituyéndose. Llegó a Marruecos, pagó su plaza en una patera y murió a los diez días de llegar a España. Esas dos historias tan terroríficas me afectaron. Las comentaba en el rodaje con Luis Tosar y Álvaro Cervantes y decíamos que sí, que había que hacer algo con eso. Cuando terminamos la película de Filipinas me reuní con Alejandro Hernández, guionista con el que siempre trabajo, y pensamos en cruzar a esos dos niños en una road movie hacia Europa, una especie de Huckleberry Finn sobre dos chavales africanos. De ahí nace la primera historia, que es el núcleo central de la película. KV: Como has dicho, repites proyecto con gente con la que llevas muchos años colaborando (actores, música, edición…), casi en familia. ¿Era la mejor opción de aproximarse a esta historia? SC: Si trabajas habitualmente con gente con la que te entiendes bien y todo funciona, por qué no repetir. Mi montador (Jaime Colis) ha trabajado conmigo toda la vida y nos entendemos a la perfección, casi sin hablarnos. El va montando la peli mientras yo la ruedo y te aseguro que se cumplen todas las expectativas. Igual pasa con Roque Baños. Nos conocimos en mi anterior película pero recuerdo que me lo recomendó el difunto Pedro Costa, que me advirtió de lo bien que se trabaja con él. Es un artista tan grande que es una gozada poder trabajar con él. Y además los puse a todos a prueba, porque entre medias hicimos 'Maras', un corto sin remuneración, y ahí estuvieron al pie del cañón. Tener un equipo así, que te sigan a todos lados, es un lujo. KV: ¿Ha sido un rodaje tan exigente como el de 1898? SC: Pues sí. Aquel proyecto era bélico, muy complejo. Mucho maquillaje, muchas detonaciones... pero en realidad teníamos una sola localización. Y además a medida que pasaba el metraje se iba acotando. La dificultad aquí es que tenemos una road movie continua. Tenemos el viaje de Adú y de Massar, dos niños africanos que viajan de Camerún hasta Melilla. Ahí teníamos un constante cambio de paisaje, no repetíamos una localización, lo que lo hacía muy complejo para la producción y para el departamento de arte. Cada día era un mundo nuevo, un decorado nuevo. Lo mismo pasaba en la historia de Luis Tosar y Anna Castillo, un viaje a la inversa que también suponían distintos paisajes, decorados e incluso etnias. KV: ¿Cómo fue el proceso de casting hasta encontrar a Moustapha Oumarou? SC: Fue muy complicado. En mi película anterior teníamos a cinco de los mejores actores de nuestro cine y a un montón de nuevos talentos. Iba como en un Ferrari, relajadísimo. Sabes que ninguno va a fallar. Aquí el vértigo llega al enfrentarte a tres protagonistas que era imposible encontrar con experiencia con esas edades y esos requisitos. Encontrar chicos africanos locales con experiencia era imposible, así que había que buscar a alguien que se pareciera al personaje. Un niño no puede componer un personaje, no tiene aún esa capacidad de hacer un personaje alejado de sí mismo, entonces hay que buscar lo más parecido al personaje. Y nos fuimos a África a buscarlo. Si come con las manos es porque habitualmente come así. Si camina descalzo por la selva, es porque habitualmente camina así. Eso no nos la daría un niño que haya crecido en París o en Madrid. No habría sido natural. En Espinof Las 17 mejores películas españolas que puedes ver en Netflix Con esa premisa enviamos a Cendrine Lapuyade, jefa de casting especializada en casting de calle, a la capital de Benín, donde iríamos a rodar, en busca de ese niño. Tras dos meses no terminaba de encontrarlo y nos pidió subir más al norte, donde había otras etnias, y donde confiaba en poder encontrar a nuestro Adú. Lo que pasa es que allí es peligroso moverse, porque es zona de Boko Haram y era un poco delicado. Lo intentamos durante diez días máximo y un día saliendo de un colegio se encontró con un niño que se fijó en ellos. Se pasaron un balón un par de veces hasta que se acercó y le dijo "qué hacéis aquí, blancas". Ahí estaba nuestro Adú. Fue complicado pero encontró un diamante. Era imposible encontrar alguien más idóneo. KV: ¿Te ha quedado algo en el guión que no pudieras llevar a la pantalla? SC: Como no pensábamos que fuera a ser un proyecto 100% rentable y seguro es cierto que tuvimos que ajustar el guión al presupuesto que teníamos. Ahora que está aquí, no echo nada de menos, pero es cierto que en guión había cosas que eran algo más ambiciosas, contadas de algún mondo algo más ambicioso, como el salto de la valla. Pero las pelis terminan siendo lo que son y estoy seguro de que 'Adú' es como tenía que ser. "La colaboración de las plataformas será fundamental para seguir adelante" KV: Has llevado a las pantallas mucho material adaptado o basado en historias reales. Qué novela o qué vida te gustaría adaptar si pudieras elegir con total libertad SC: Hay muchas, pero si tuviera el dinero de una producción de Hollywood me gustaría hacer 'León el Africano', de Amin Maalouf. Una novela que me apasiona y que cuenta la historia de un chaval que nace poco antes de la caída de Granada y se tiene que marchar hasta la ciudad de Tombuctú, a los quince reinos negros situados entre el Níger y el Nilo, y a Constantinopla. Al final termina siendo consejero del Papa León X y de Julio de Médicis. Una historia apasionante e increíble que cuenta una epopeya de un personaje real, fue el tipo que escribió los primeros mapas de África. KV: ¡Eso suena 100% Salvador Calvo! SC: La verdad es que hay una querencia ahí, sí. KV: Netflix participa en la película, y ya había distribuido en parte del extranjero tu anterior trabajo. ¿Se ha notado la llegada de nuevas ayudas en forma de plataformas? SC: Pues sí. En un momento en el que estábamos más asfixiados, cada vez con menos salas, se ha abierto un camino increíble con esta nueva forma de consumo. Y las plataformas también se han dado cuenta de que para estar a la altura de esos contenidos que se pierden con esos cierres había que involucrarse. Y eso supone un respiro. Con las cadenas que teníamos antes no dábamos para poder hacer una producción rentable. La colaboración de Netflix, Movistar +, Amazon, HBO... será fundamental para poder seguir adelante. - La noticia "Veíamos 'Adú' como una especie de Huckleberry Finn sobre dos chavales africanos". Salvador Calvo, director del primer éxito del cine español en 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Amazon Prime Video suma y sigue con los estrenos de series "exclusivas" españolas tras su trato con Mediaset. Si el otro día estrenaba la temporada 2 de 'El pueblo', hoy ha desvelado la fecha de estreno y el tráiler de 'Caronte', el drama criminal protagonizado por Roberto Álamo. Creada por Verónica Fernández, que no hace mucho realizó 'Hache' para Netflix, 'Caronte' llegará a Prime el 6 de marzo con la historia de Samuel Caronte (Álamo), un policía "duro" que sale de la cárcel tras haber sido condenado injustamente. En Espinof Mediaset en la guerra del streaming: acuerdos con Amazon y Netflix, series exclusivas y fin de lo gratis Durante su condena ha cursado la carrera de derecho y ha salido de prisión con ganas de usar su abogacía para salvar al gente de acabar en la cárcel y para resolver su propio caso con ayuda de su socia. La verdad es que, visto el tráiler, no me esperaba para nada que esto tuviese tan buena pinta. Parece que Telecinco sabe perfectamente qué series vender al resto del mundo a través del contrato que mantiene con Amazon y podemos encontrarnos con algo importante... sobre todo viendo que Natxo López ('Perdida') se encuentra entre los guionistas de la serie. Junto a Álamo, el reparto de 'Caronte' está formado por Miriam Giovanelli, Carlos Hipólito, Marta Larralde, Belén López y Julieta Serrano. Si, además, habéis estado atentos al tráiler, os habréis topado con jóvenes rostros como el de Miguel Bernardeau. La serie consta de 13 episodios... y si no tenéis Amazon Prime, tranquilos, tarde o temprano se podrá ver en Telecinco. - La noticia Tráiler de 'Caronte': Amazon anuncia la fecha de estreno del prometedor drama criminal de Mediaset fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Netflix se lo ha tomado con calma para anunciar la fecha de estreno de la temporada 3 de 'Élite'. Primero supimos que llegaría en 2020, luego que sería en marzo y ha sido ahora cuando la plataforma ha desvelado que los alumnos volverán una vez más a Las Encinas el próximo 13 de marzo. El regreso de Polo a Las Encinas marcará de forma irremediable los nuevos capítulos de 'Élite'. Lo que debería ser una etapa marcada por el inicio de sus años en el instituto deriva en una situación de tensión que desemboca en lo inevitable: una nueva tragedia en el colegio. En Espinof 'Élite': todo lo que sabemos de la temporada 3 de la serie de Netflix Sergio Momo (Yeray) y Leïti Sène (Malick) serán las grandes novedades del reparto en el que volveremos a ver a Miguel Bernardeau (Guzmán), Danna Paola (Lu), Itzan Escamilla (Samuel), Arón Piper (Ander), Omar Ayuso (Omar), Ester Expósito (Carla), Mina El Hammani (Nadia), Álvaro Rico (Polo), Georgina Amorós (Cayetana), Claudia Salas (Rebeca) y Jorge López (Valerio). Las primeras imágenes de la temporada 3 Además, antes del estreno de la tercera temporada, los principales protagonistas de la serie se irán de "gira" por España visitando ciudades como Bilbao, Barcelona y Sevilla. Una buena forma de incrementar el esfuerzo promocional para el que se perfila como última año en la serie de los actores antes de que Netflix renueve el plantel de cara a las siguientes temporadas. - La noticia 'Élite': Netflix anuncia la fecha de estreno de la temporada 3 y lanza las primeras imágenes fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

'Padre no hay más que uno' fue el mayor éxito del cine español de 2019. El remake de la cinta argentina 'Mamá se fue de viaje' recaudó más de 14 millones de euros en los cines de nuestro país, por lo que no se tardó demasiado en dar luz verde a una secuela titulada 'Padre no hay más que uno 2' que ahora presenta su primer tráiler pese a que el rodaje todavía sigue en marcha. 'Padre no hay más que uno 2' comienza con Javier convertido en el nuevo líder del chat de madres tras el gran éxito de la asistente virtual Conchy. Todo parece ir sobre ruedas hasta que una inesperada noticia pone su vida patas arriba una vez más. Y será entonces cuando llegue su suegra. Apostando sobre seguro En Espinof Las 48 películas de estreno más esperadas de 2020 Segura vuelve a ocuparse tanto de la puesta en escena como de la escritura del guion, compartiendo esa última tarea con Marta González de la Vega. También volverá a dar vida a Javier, estando acompañado una vez más por Toni Acosta, los niños Martina D’Antiochia, Calma Segura, Luna Fulgencio, Carlos G. Morollón y Sirena Segura y Leo Harlem y Silvia Abril. Este pequeño adelanto también confirma la fecha de estreno, ya anunciada hace un par de meses para el próximo 17 de julio. Es normal que los responsables quieran ir rápido con la secuela y en esta ocasión todavía más para evitar que los chavales crezcan demasiado, pero ya veremos si las prisas son buenas consejeras... - La noticia 'Padre no hay más que uno 2' presenta su primer tráiler: regresa la taquillera familia de Santiago Segura fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Cuando eres fan de un género en concreto y, además, de cómo lo hacen en un país entras prácticamente a ciegas en lo que Netflix te recomiende. En esta ocasión nos encontramos con 'No hables con extraños' ('The Stranger'), un thriller (punto) británico (punto extra) que la plataforma estrenó reciéntemente. La premisa de la serie es sencilla y parte de la relación que todos tenemos con nuestros secretos y mentiras y con los de los demás. La extraña a la que se refiere el título de la serie, es una joven chica (Hannah John-Kamen) que se dedica a contactar con los vecinos de una pequeña ciudad británica contándoles algún secreto grave y desconocido de algún familiar. En Espinof Las 29 mejores series de intriga y suspense en Netflix, HBO, Amazon y Movistar Conocemos vuestros secretos Es el caso de Adam Price (Richard Armitage), un padre de familia felizmente casado que ve cómo todo su mundo se tambalea cuando esta extraña le dice que su mujer Corinne (Dervla Kirwan) le engañó al fingir estar embarazada. Al contarle que sabe la verdad, Corinne decide huir. No será el único secreto con el que esta extraña plante semillas de discordias y desconfianza... pero sí que será el central y el que mueva gran parte de la miniserie creada por Harlan Coben que está basada, a su vez, en su propia novela. Completan el reparto Siobhan Finneran, Jennifer Saunders, Anthony Head, Paul Kaye, Jacob Dudman, Ella-Rae Smith, Brendon Fellows, Shaun Dooley y Kadiff Kirwan entre otros. Quien mucho abarca, poco aprieta El principal problema de 'No hables con extraños' viene debido a su coralidad. Es una serie con muchas tramas y personajes, con pesos similares y conflictos aparentemente inconexos que se concentran en un grupo bastante reducido de vecinos. Y los personajes son mostrados como gente recelosa, suspicaz y dispuesta a apuñalar al resto. Vamos, una comunidad de vecinos "encantadora" a la que en realidad no le dirías ni los buenos días, mucho menos que te acuestas con tal o cual, en una serie desbordada de elementos. Un conjunto que resulta tan desconcertante como difícil de creer. En Espinof 'No matarás... al vecino', 30 años de la obra maestra de Joe Dante con domicilio en el vecindario más indiscreto de EE.UU. Yendo de trama a trama y grupo de personajes a grupo de personajes, el guion intenta tocar demasiados palos. Esto causa un caso de "quien mucho abarca poco aprieta", moviéndonos por un sinfín de problemáticas pero sin que ninguno cale especialmente en nosotros. Una falta de implicación solo subsanada por el factor enganche. Incluso la temática primigenia, la de cómo afecta un secreto a la comunidad/familia/loquesea, queda diluida y, por muy interesante que es ver a la desconocida lanzando bombazos en la cara de incautos, todo esto no deja de ser un motivo. Y ahí creo que está la cuestión. El guion no contempla a los personajes como nada más que elementos de la trama, por lo que no hay profundización en ellos y, por extensión, Harlan Coben se queda muy en la superficie de la temática. En definitiva, 'No hables con extraños' es un thriller eficaz y adictivo pero que a pesar de su sobreabundancia de elementos es increíblemente vacía de sentido. - La noticia 'No hables con extraños': la serie de Netflix es un eficaz thriller con sobredosis de elementos fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

‘You’ se ha convertido en una de las series más populares de Netflx en un fenómeno similar al que tuvo lugar en su momento con ‘La casa de papel’. Ambas comenzaron como producciones ajenas -’You’ se emitió primero en el canal norteamericano Lifetime y ‘La casa de papel’ en Antena 3-, pero acabaron dando el salto de forma exclusiva a la plataforma de streaming y por el momento no hay final a la vista para ninguna de ellas. En el caso de ‘You’ ya está confirmada una tercera temporada y ahora vamos a repasar todo lo que sabe hasta el momento de esta nueva entrega de las “aventuras” de Joe Goldberg, tanto la historia como el reparto, sin olvidarnos de la posible fecha de estreno. La historia El final de la segunda temporada reventó nuestras expectativas al desvelar que Love también era una asesina y además estaba embarazada. La serie se despedía con lo que podía haber sido un final feliz de lo más retorcido con los dos personajes comenzando una nueva vida, pero los responsables de ‘You’ quisieron despedirse abriendo la puerta a que Joe encontraba su nueva obsesión romántica en la vecina de al lado. En Espinof Las 21 mejores series románticas en Netflix Tengamos en cuenta que la serie de Netflix se desvió de forma notable respecto a la novela original de Caroline Kepnes con esa decisión, ya que Joe acababa en la cárcel en el original literario y aquí está libre y campando a sus anchas. Además, el tercer libro todavía no se ha publicado, por lo que perfectamente podría ser el punto de no retorno en el que la serie optase por un camino totalmente diferente. De hecho, es probable que el estreno de la tercera temporada coincida más o menos en el tiempo con el libro, por lo que las comparaciones serán especialmente inevitables. We’ve started work on season 3. Just thought you’d want to know. #YouNetflix pic.twitter.com/Ih9MQl9BqU — Sera Gamble (@serathegamble) February 7, 2020 Sera Gamble, showrunner de ‘You’, confirmó que ya se habían puesto a manos a la obra con la tercera temporada, pero sin concretar nada de la trama. Todo indica que por el momento se está trabajando en los guiones de los diez nuevos episodios de la serie ya confirmados por Netflix. El reparto Por ahora solamente está confirmado que Penn Badgley volverá a dar vida a Joe Goldberg, el gran protagonista de la serie, y que Victoria Pedretti se queda en la serie interpretando a Love Quinn, la obsesión de Joe durante la segunda temporada y que en su desenlace se desveló que tenían aún más cosas en común de las que parecía. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 Nada se sabe aún sobre el resto de integrantes del reparto de la tercera temporada. Netflix lo anunciará en un futuro cercano y actualizaremos el artículo a medida que haya novedades. El tráiler See you soon, neighbor. YOU S3 is coming. pic.twitter.com/rCJx7K9v0P — YOU (@YouNetflix) January 14, 2020 Todavía ni siquiera ha arrancado el rodaje de la tercera temporada de ‘You’, por lo que toca esperar para ver imágenes de lo que tiene reservado para nosotros el futuro de la serie. A día de hoy no hay nada más que ese efímero teaser que se limita a confirmar la renovación de la serie por una tercera temporada. La fecha de estreno Se desconoce por el momento más allá de que no se estrenará hasta 2021. La referencia que tenemos es el tiempo que pasó entre la primera y la segunda temporada, separadas entre sí por algo más de 15 meses -la serie debutó en Lifetime el 9 de septiembre de 2018 y la segunda llegó ya de forma exclusiva a Netflix el 26 de diciembre de 2019-. De suceder lo mismo, la tercera temporada llegaría en marzo o abril de 2021. El futuro de la serie Gamble comentó en una entrevista concedida a The Hollywood Reporter que “no estoy asustada de decir que definitivamente podríamos seguir a Joe durante varias temporadas más”. Vamos, que todo apunta a que la serie seguirá adelante más allá de la tercera tanda de episodios, aunque Badgley sí que tiene muy claro que Joe acabará muriendo a manos de otro personaje, apuntando lo siguiente en una charla con Entertainment Tonight: “Acabará inevitablemente así, ¿verdad? Tiene que pasar”. - La noticia 'You': todo lo que sabemos de la temporada 3 de la serie de Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Ya es oficial: el rodaje de la temporada 2 de 'The Witcher' ya ha comenzado, y además no es la única novedad de la muy popular serie de Netflix, ya que Redanian Intelligence informa del fichaje de un querido actor de 'Juego de Tronos' para esta nueva tanda de episodios: Kristofer Hivju, conocido por haber interpretado a Tormund en la serie de HBO. Dará vida a Nivellen Hivju dará vida a un personaje llamado por ahora Nigel, pero todo apunta a que es un nombre en clave para Nivellen, uno de los protagonistas del relato corto 'La semilla de la verdad'. En la serie es descrito como un hombre carismático, inteligente y divertido que procede de una familia de aristócratas. Sobre él pesa una maldición por los crímenes que ha cometido en el pasado. En Espinof 'The Witcher': todo lo que sabemos de la temporada 2 de la serie de Netflix Esto confirma que la segunda temporada de 'The Witcher' adaptará alguna de las primeras aventuras de Geralt de Rivia. En ellas todavía actuaba en solitario, pero en esta ocasión contará al menos con la compañía de Ciri, por lo que seguro que hay algunos cambios. Al menos pueden respirar aliviados pensando que Andrzej Sapkowski, autor de los libros, no va a criticarles nada de lo que hagan mal. Lo bueno de que una serie se renueve con bastante antelación es que se puede ir preparando la siguiente temporada con el suficiente margen, de ahí que no hayan pasado ni dos meses desde el estreno de la primera temporada y ya haya comenzado el rodaje de la segunda. De hecho, 'The Witcher' todavía es hoy la serie más vista a nivel mundial... - La noticia 'The Witcher': la temporada 2 de la serie de Netflix ya ha empezado a rodarse y contará con un actor de 'Juego de Tronos' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .