Entre Fans

En caso de que Papá Noel, Melchor, Gaspar y Baltasar no se hayan portado demasiado bien, no os preocupéis, porque Netflix ha cogido el saco de los regalos y ha arrancado el año por todo lo alto anunciando los 21 largometrajes originales que ya están confirmados para estrenarse a lo largo de este 2020. Una lista que, probablemente, irá creciendo conforme la plataforma de streaming vaya comprando nuevos títulos en el circuito de festivales del primer trimestre. Un aluvión de grandes nombres Después de dar un puñetazo sobre la mesa con fichajes como los de Noah Baumbach —'Historia de un matrimonio'— o el mismísimo Martin Scorsese —'El irlandés'—, la gran N promete un inicio de década espectacular de la mano de grandísimos directores como David Fincher, quien traerá a nuestros hogares 'Mank': el esperado biopic centrado en la figura de Herman Mankiewicz, protagonizado por Gary Oldman y que explorará la creación de 'Ciudadano Kane'. En Espinof Las 11 mejores películas de Netflix en 2019 Continuando con autores de renombre, en la selección destaca la figura de Spike Lee, cuyo nuevo filme 'Da 5 Bloods' contará con Chadwick Boseman, Paul Walter Hauser, Norm Lewis y Deloriy Lindon para narrar la historia de cuatro veteranos afroamericanos que regresan a Vietnam para buscar los restos del líder de su comando y, de paso, un tesoro enterrado. El inclasificable Ben Wheatley también tendrá espacio en Netflix con 'Rebecca'; adaptación de la novela de Daphne du Maurier, que ya versionó Alfred Hitchcock en 1940, y que en esta ocasión tendrá a Lily James y a Armie Hammer como la pareja protagonista. Otro filme de lo más jugoso al que sumar lo último de Charlie Kaufman, titulado 'I'm thinking of Ending Things', documentales como 'Cameraperson', o adaptaciones de cómics como 'The Old Guard', protagonizada por Charlize Theron y Chiwetel Ejiofor. Durante los próximos meses iremos conociendo las fechas de estreno de estos, y el resto de títulos anunciados por Netflix a través de su cuenta de Twitter, en el hilo que podéis leer a continuación —¡Y en el que figura la magnífica 'El hoyo'!—. Another year of movies is ahead of us! We’ve mentioned a lot of these films already, but here’s a handy list of all the films coming to Netflix this year...so far. (thread) — Netflix Film (@NetflixFilm) January 3, 2020 - La noticia Netflix anuncia 21 películas originales para 2020, incluyendo lo nuevo de David Fincher, Spike Lee y Ben Wheatley fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Ya no queda nada, apenas unas diez horas para que Hollywood se vista de gala para la ceremonia de entrega de la 77ª edición de los Globos de Oro, concedidos por la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood (HFPA). A las 17 horas hora del Pacífico, Ricky Gervais dará la bienvenida a los asistentes con su humor ácido. Como es habitual, en Espinof seguiremos atentamente la gala, contándoos lo más destacado y comentando los ganadores en las respectivas categorías a través de nuestra página de directo y nuestro Twitter. Además, os vamos a contar por dónde podéis ver la gala en televisión. En Espinof Todos los nominados a los Globos de Oro 2020 En EEUU, los Globos de Oro se emiten, como es habitual, por NBC. El 5 de enero a las 5 pm hora del Pacífico / 8pm hora de la Costa Este comenzará la gala, y una hora antes se emitirá la alfombra roja, que también se podrá ver en canales como ET. Dónde ver los Globos de Oro en España y Latinoamérica Pero vayamos a nuestro terreno. En España es Movistar+ la que tiene los derechos de emisión de los Globos de Oro, con un seguimiento especial que se realizará desde las 0:30 de esta noche (madrugada del 5 al 6 de enero) en #0, con una previa; a la 1:00 comenzará la alfombra roja en #0, Movistar Seriesmanía y CineDoc&Roll; finalmente la gala en sí se emitirá desde las 2:00 en Movistar Seriesmanía y CineDoc&Roll. En América Latina es TNT la que tiene los derechos de emisión de la gala, que se emitirá en este horario: 6 pm en México, Costa Rica, Guatemala, Nicaragua, El Salvador y Honduras; 7 pm en Perú, Ecuador, Colombia y Panamá; 8 pm en Venezuela; 9 pm en Chile, Argentina y Paraguay; 10 pm en Uruguay y Brasil. La quiniela de Espinof Ya sabéis que, para anticiparnos a esta noche, estos días hemos publicado sendas quinielas con nuestros ganadores: quiénes creemos que ganarán en las categorías de cine y quiénes en la de series de televisión. ¿Acertaremos? Podéis comentárnoslo en, valga la redundancia, los comentarios. - La noticia Globos de Oro 2020: cómo seguir en directo la 77ª gala de los premios fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Parece que últimamente, hagas lo que hagas con 'Star Wars', te pueden llover los palos. ¿Que revitalizas la franquicia y aportas un contrapunto novedoso como hizo Rian Johnson con la injustamente vapuleada 'Los últimos Jedi'? Malo. ¿Que vuelves a los orígenes, tiras de clasicismo y respetas las señas de identidad como ha hecho J.J. Abrams con 'El despertar de la fuerza' y 'El ascenso de Skywalker'? Peor. No seré yo quien niegue, aunque lo haya disfrutado como un crío pequeño, que el Episodio IX de la saga galáctica no tiene problemas de ritmo que afectan a su impacto emocional; un gran palo en la rueda derivado de una producción caótica y apresurada de la que ha hablado la montadora Maryann Brandon, colaboradora habitual de Abrams, en el podcast 'The Rough Cut' de The Playlist. En Espinof Star Wars: todas las películas de la saga ordenadas de peor a mejor Brandon comentó, entre otras cosas, que el equipo tuvo tres meses menos de trabajo en 'El ascenso de Skywalker' que en el episodio VII de la franquicia. Y eso, se ha notado en el corte final. "Sin duda, estábamos intentando solucionar muchas ocsas. Es una lucha. Afectó a todo. Cuando estábamos más o menos a un tercio del proceso, Kathy [Kennedy] estaba en plan, 'J.J. tiene que pasar más tiempo en la sala de montaje'. Yo sabía que eso no iba a ocurrir. No con el calendario programado que teníamos. No con todo lo que estaba lidiando diariamente... estaba agotado cuando acababa el día. Sugerí montar en el set, teníamos dos carpas, así que iba donde estuviese J.J., habitualmente a unos tres metros de donde estaba la cámara. Montaba sobre la marcha, y entre tomas, J.J. podía sentarse conmigo y podíamos ir dando vueltas a algunas cosas." Fan service, y a mucha honra Por supuesto, había que incidir en otro de los temas controvertidos en torno al cierre de la saga de los Skywalker que ha derivado en duras críticas: las acusaciones de ser un largometraje movido casi exclusivamente por el fan service. Algo que la montadora ha admitido sin miramientos. "En una época en la que el mundo entero está polarizado, no debería ser un filme que polarizase. Basicamente, el mensaje en la película es, 'Hey, ¿sabes qué? Puedes ser malo y el bien puede llegar a tu vida. Y tal vez si tienes una mentalidad abierta hacia ello, cosas extraordinarias pueden cambiar tu forma de pensar. Y tienes que creer que siempre hay esperanza'. Mira, claro, es fan service, pero si no sirves a los fans, estarían diciendo, 'Oh, no han seguido con la historia de 'Star Wars' y todo lo que significa.'" Parece que en esto de las franquicias multimillonarias, siempre habrá algún espectador que no quede contento. - La noticia La montadora de 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' habla sobre la acelerada producción y admite que la película es "fan service" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

‘You’ no se convirtió en un fenómeno mundial hasta que su primera temporada llegó a Netflix. Antes había sido emitida en Estados Unidos por el canal Lifetime, habiéndose confirmado una segunda temporada antes incluso del lanzamiento de la primera. Finalmente, la plataforma de streaming se hizo con los derechos en exclusiva de la serie y este pasado 26 de diciembre nos dio una nueva dosis de las “aventuras” de Joe Goldberg. Siempre ha sido inevitable acordarse de ‘Dexter’ cuando uno se enfrenta a ‘You’, ya que en ambos casos se llevaba al espectador a ponerse en el lugar de unos peligrosos asesinos con una personalidad lo suficiente seductora como para querer seguir viendo sus andanzas criminales. Sin embargo, el personaje al que daba vida Michael C. Hall también podía ser visto como una especie de justiciero, algo que en el caso del interpretado por Penn Badgley resulta mucho más complicado. Cambiar para volver a lo mismo El final de la primera temporada ya marcaba un camino sin retorno para un personaje que inicialmente podría llegar a verse como un acosador encantador -si es que ese concepto tiene algún tipo de sentido- para dejar claro que simplemente era un criminal con una visión del amor de lo más retorcida. En el arranque de esta segunda temporada se juega con la idea de que Joe quiere escapar de ese lado oscuro pero todos tenemos claro que va a volver a caer más temprano que tarde. En Espinof 24 grandes series de 2019: nuestras recomendadas y favoritas del equipo de Espinof Ese intento de redención inicial no deja de ser una forma de aligerar lo que vimos en la anterior temporada para facilitar que ‘You’ nos seduzca a través de la voz en off con la que Joe reflexiona sobre su nueva realidad en Los Angeles. Es una hábil argucia de guion para ir presentando a los nuevos personajes, aunque luego se plantee un escenario similar, con él persiguiendo al nuevo amor de su vida, mientras que en su nuevo hogar hace lo posible por ayudar a una vecina adolescente suya. Si la serie hubiese querido ser realmente perturbadora, podría haber al menos coqueteado con la existencia de algún tipo de interés romántico en este último punto, pero los responsables de ‘You’ no están interesados en mostrar a Ellie -un personaje que no existía en la novela que adapta esta segunda temporada- de esa manera, sino como una joven mucho más madura de lo que debería destinada a jugar un papel clave en esta segunda temporada. En Espinof Las 47 mejores series de la historia Sobre el papel es un personaje que lo tenía todo para ser una molestia o resultar un puro artificio, pero aporta una frescura que se agradece y al mismo tiempo sirve para articular la temporada en varios frentes. Obviamente no en lo referente a la relación entre Joe y Love, pero sí en otros aspectos necesarios para que el interés nunca desfallezca. Y la aportación de la joven Jenna Ortega, vista ocasionalmente en la reivindicable ‘Jane the Virgin’ como una versión menor de edad de la protagonista, resulta esencial para ello. ‘You’ sigue siendo adictiva De hecho, una de las claves para que ‘You’ sea por encima de todo una serie adictiva está en saber rodear a Joe de personas que nos despierten la curiosidad. En ningún caso puedo hablar de personajes fascinantes en sí mismos, pues en realidad es lo que le sucede lo nos mantiene atentos a lo que está por venir. Por ello, la serie abraza de forma definitiva los excesos, maquillándolo como “normalidad” durante los primeros episodios para desatarse del todo al final. Eso no quita que haya detalles que en otro ecosistema serían motivo de desconexión de la serie, pero ‘You’ empezó jugando con la idea de identificarnos hasta cierto punto con un perturbado a través de su visión del amor para luego dejar claro que lo estaba hasta límites que no nos podíamos imaginar. Eso es algo que se redobla en la segunda temporada, alterando varios detalles de la novela original para resaltarlo aún más. Lo curioso es que la serie juega durante bastante tiempo con la idea de una posible redención, incluso cuando recupera la trama de tener a alguien encerrado contra su voluntad -y es que en lo referente a su estructura hay muchos puntos en común con la primera temporada-, manejándose bien en la línea que separa la incredulidad de lo que resulta simplemente ridículo para conseguir que queramos ver más, y queramos hacerlo sin parar. Hidden Bodies (YOU series) Hoy en Amazon por 10,92€ Y es que la principal virtud de ‘You’ es lo adictiva que resulta, sí, pero para ello no opta por una sucesión de disparates a cada cual mayor, sino un progresivo in crescendo dramático hasta llegar a un punto en el que un delirio absoluto casi parece una evolución normal dentro de la lógica interna de la serie. Y digo casi porque ese cambio que se produce en cierto personaje sí que podría verse como la serie pasándose de la raya, pero es que eso ha pasado en tantas ocasiones a lo largo de las dos temporadas que aceptarlo y seguir adelante no nos parece una mala opción. En resumidas cuentas ‘You’ corre el riesgo de repetirse a sí misma en varias ocasiones durante su segunda temporada, pero consigue mantener todas las virtudes por las que muchos devoramos la primera tanda de episodios. Aquí lo que importa no es la credibilidad, sino su capacidad para engancharte con una peculiar mezcla entre culebrón y ‘Dexter’, apoyándose en un personaje principal fascinante en sus infinitas contradicciones. - La noticia 'You': la serie de Netflix abraza sus excesos en una segunda temporada que engancha tanto como la primera fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La tortuosa senda que ha recorrido 'Cuando fuimos brujas' ('The Juniper Tree') desde que su directora, Nietzchka Keene, comenzara su rodaje en 1986 parece haber llegado a su fin. La ópera prima de la realizadora islandesa, que sólo fue proyectado en 1990 en Los Ángeles y en 23 festivales de cine -entre ellos Sundance- se ha podido ver en la gran pantalla durante 2019 con una restauración en 4K sufragada por la Film Foundation y realizada por el Film Archive & Theater Research de la Universidad de Wisconsin. Björk, los Grimm e Islandia en blanco y ***** La película, que supone el debut cinematográfico de Björk, adapta con bastante libertad un cruel cuento de los hermanos Grimm -'Del enebro'-, reapropiándose del temor de los autores hacia lo femenino para representar la incomprensión hacia la mujer en la Edad Media. Todo ello bajo el paisaje islandés, paraje inhóspito y fotografiado en estricto blanco y ***** para realzar, más si cabe, la extrañeza que suscita una película hipnótica por sus disonancias lingüísticas y musicales. En Espinof Las 33 mejores películas en blanco y ***** de todos los tiempos 'Cuando fuimos brujas' se escuda, de inicio, en el poema de T.S. Elliot inspirado en el propio cuento original para tomar una línea ascendente que se aleje de la visión primigenia de la fábula pero también de la lírica del poeta estadounidense. La película narra la travesía de dos hermanas que huyen en busca de un hombre al que hechizar para poder vivir en paz, algo que funcionará pero que también tendrá un complejo imprevisto: el hijo del nuevo marido sospecha que ambas son brujas. Bajo una inspirada banda sonora monocorde donde la voz femenina se desdobla -la de Björk incluida-, la armonía se desmorona con timbres similares pero nunca iguales que entonan una suerte de canon que bien podría recordar a la polifonía primitiva como particular hechizo musical. Una sensación reforzada por el uso del inglés como lengua del filme, a pesar de ser una producción islandesa -decisión estrictamente comercial-, que crea otra disonancia no pretendida: el acento desnaturalizado de sus personajes, que sumado al artificio fabulesco de sus diálogos, hace que cada palabra resuene como una invocación. En Espinof Las 22 mejores películas de brujas de todos los tiempos En sus tramos más audaces, la magia de 'Cuando fuimos brujas' se hace palpable e impregna el celuloide. Es el caso de las numerosas fantasmagorías mudas que presencia la joven protagonista, precedidas siempre de la polifonía femenina, pero también de su secuencia circular durante el inicio de la película que señala, literalmente, un hechizo de enamoramiento antes verbalizado por la mayor de las hermanas. Y, por descontado, el agujero ***** en el pecho materno que da pie a la más onírica de las escenas de la película, siempre acompañada de la disonancia musical vocal pero también de cuerda frotada y vientos con timbres de evocación medieval. La recuperación de un cuento olvidado A pesar de la valía de la ópera prima de Keene, que tuvo numerosas dificultades para sacar adelante la película, no ha sido hasta el año pasado cuando ha podido reestrenarse en salas de cine -en España de la mano de Capricci Cine-. Una copia en 35mm de 'Cuando fuimos brujas' pasó varias décadas entre los archivos de la Universidad de Wisconsin, lugar donde una de las restauradoras del filme, Amy Sloper -conservadora del Archivo de Cine de Harvard-, la rescató del olvido. El proyecto comenzó en 2014, cuando Sloper descubrió la cinta y comenzó a trabajar en su recuperación. Ahí, la conservadora contó con la ayuda de Rose Lipman, reputado restaurador, historiador de cine y director ocasional. Ambos acudieron a The Film Foundation, la fundación de Martin Scorsese de patrimonio fílmico -en la que también participaron Woody Allen, Clint Eastwood o Steven Spielberg-, que apoyó el proyecto con una financiación a la que más tarde se uniría otra fundación, la de George Lucas, aportando entre ambas casi 100.000 dólares al proyecto. Los restauradores trabajaron a partir del negativo de 35mm que se conservaba en Film Archive & Theater Research de la Universidad de Wisconsin, que se usó como fuente para un positivo de preservación de grano fino, así como para un escaneo digital en 4K, mientras que la pista magnética original de los 35mm se usó junto al negativo de la pista original para la restauración de audio. En Espinof La historia de Criterion: la distribuidora que restaura cada película de cine como si fueran piezas de museo A partir de los archivos resultantes, restaurados digitalmente, se produjo un DCP (Digital Cinema Package), esto es, la película en formato físico, además de realizarse copias de proyección para la colección de la Film Foundation y la Universidad de Wisconsin. Gracias a este esforzado trabajo, Sloper y Lipman han traído de vuelta la obra de Keene, una cineasta omitida por el canon cinematográfico que, con la restauración de 'Cuando fuimos brujas', puede ser rescatada del olvido. 'Cuando fuimos brujas' permite redescubrir la mirada de Nietzchka Keene Nietzchka Keene nació y se crió en Boston, y se licenció en 1975 en lingüística germánica en Amherst, tras la que realizó un máster en producción cinematográfica en UCLA en 1989 durante el que también trabajó como asistente de investigación en lengua y lingüística islandesa antigua, pasando además 1985 en Islandia gracias a una beca Fullbright, donde investigó y preparó la producción de su primera película. Retrato de la directora. © Capricci Cine La directora compaginó su trabajo como realizadora con la docencia universitaria, tarea que comenzó a realizar en 1995 en la Universidad de Wisconsin, donde impartió clases de cine -entre otras, a la propia restauradora de su ópera prima, Amy Sloper- hasta su prematura muerte en 2004 por cáncer con tan sólo 52 años. Keene dejó un proyecto inacabado: 'Barefoot in Jerusalem', una película que comenzó a rodar en 2001 en los estados de Michigan y Wisconsin. La post-producción fue terminada en 2008. Narraba el viaje de una mujer que, tras el suicidio de su amante, hacía frente al demonio en un paisaje solitario. Antes, Keene había dirigido 'Heroine of Hell', una película para televisión centrada en Magda, una artista especialmente comprometida en el sentido moral que, tras ser abandonada por su novio, sufre una crisis existencial que la lleva a vagar por su coche sin rumbo concreto que combinaba iconografía medieval con una historia actual. La realizadora también dirigió varios cortometrajes durante su época de estudiante: 'Friends' (1977), 'Still' (1978) y 'Hinterland' (1983). La restauración de su primer largometraje no sólo es significativa por la indiscutible valía de una cinta que ha sido recibida por júbilo por la crítica, sino también porque ha permitido el acceso a la filmografía de una cineasta cuya importancia en el cine independiente estadounidense se había omitido de forma flagrante. Y es que el reestreno de 'Cuando fuimos brujas' no sólo ha permitido recuperar la obra de la difunta directora, sino recordar, una vez más, que la preservación del patrimonio fílmico es clave para continuar llenando los vacíos de las historias del cine, pero también para que el canon deje de ser un elemento hermético y opaco y pueda reescribirse aunque sea a paso lento. - La noticia 'Cuando fuimos brujas': el mágico debut de Björk es una cruel fábula feminista recuperada del olvido fue publicada originalmente en Espinof por Antonio Ramón Jiménez Peña .

La inminente llegada de los Reyes Magos nos ha llevado a adelantar un día nuestro Cazando Gangas por si queréis ir adelantando algunas compras. Hoy encontraréis, entre otros artículos, el steelbook de 'Cars 3', la serie completa de 'Twin Peaks' o una figura de Finn, uno de los protagonistas de la última trilogía de 'Star Wars'. ¡Vamos allá! Películas Blu-ray Hay no pocas películas que nunca se han editado en blu-ray en España, pero en algunos casos podemos acudir a ediciones extranjeras que incluyen doblaje en castellano. Un ejemplo de ello es 'Cuernos', cuya edición alemana se queda por 9,35 euros en Amazon. Horns [Alemania] [Blu-ray] Hoy en Amazon por 9,35€ La simpática comedia 'En campaña todo vale' nunca se editó en blu-ray en España, pero la edición italiana incluye audio y subtítulos en castellano. Hoy puede ser vuestra por 8,26 euros No dejéis de echar un ojo a esta increíble oferta de Game: 2 películas en blu-ray a elegir entre un amplio surtido por 4,95 euros. DVD Con el reciente buen sabor de boca dejado por 'La trinchera infinita', quizá os apetezca recuperar 'Handia', la anterior película de sus responsables. Y si es pagando solo 3 euros, pues mejor. Handia [DVD] Hoy en Amazon por 3,00€ PVP en El Corte Inglés 9,99€ PVP en Fnac 9,99€ 'Beethoven' fue una de las películas familiares más populares de los 90, dando inicio a una longeva saga. Hoy podéis haceros con la primera entrega por 4,99 euros Para completistas del cine fantástico y de terror español: 'Arachnid', una de las producciones de la Fantastic Factory, se queda a 3,03 euros en Amazon Steelbook Una gran ocasión para sumar 'Cars 3' a vuestra colección, pues la película de Pixar se queda a 12 euros en Amazon, un tercio de lo que en otras tiendas. Cars 3 - Steelbook (BD 3D + 2D) [Blu-ray] Hoy en Amazon por 12,00€ PVP en El Corte Inglés 34,99€ PVP en Fnac 37,99€ Todo apunta a que ya nunca veremos la secuela de uno de los pocos superhéroes originales que nos ha dado Hollywood, pero siempre podemos volver a ver 'Hancock' y mejor si es pagando solamente 11 euros. No está nada mal de precio el steelbook italiano de 'A todo gas', la primera entrega de la multimillonaria franquicia 'Fast and Furious'. Por 8,30 euros será vuestro. UHD El UHD italiano de 'Como entrenar a tu dragón', una de las mejores películas de animación de todos los tiempos, se queda en Amazon a 11 euros. Nada mal teniendo en cuenta que incluye castellano tanto en la copia en 4K como en el blu-ray. Dragon Trainer (Blu-Ray 4K Ultra HD+Blu-Ray) [Italia] [Blu-ray] Hoy en Amazon por 11,00€ Lo mismo sucede con la edición italiana de 'Hook', una de las películas menos valoradas de Steven Spielberg. Solamente tendréis que pagar 11,90 euros por ella. En el caso de 'Origen', la excelente película de Christopher Nolan, solamente incluye castellano la copia en 4K, pero quizá os compense igualmente: 13,57 euros Series de televisión Blu-ray Volvió cuando se daba por sentado que se iba a quedar en dos temporadas, pero finalmente el pack con la serie completa de 'Twin Peaks' consta de tres y ahora está rebajado en Amazon a 59,99 euros en lugar de su precio habitual de 71,99. Pack 1-3: Twin Peaks (BD) [Blu-ray] Hoy en Amazon por 59,99€ PVP en Fnac 69,99€ PVP en El Corte Inglés 72,99€ Las adaptaciones de Stephen King no cesan, pero en su momento quizá se os pasó '22.11.63' y ahora podéis solucionarlo haciéndoos con su edición italiana por unos escasos 9,53 euros Quizá no sea la mejor serie de la historia como no pocos defienden, pero 'The Wire' ocupa un lugar privilegiado en la historia de la televisión y ahora puede ser vuestra al completo por 63,75 euros en lugar de 109,67. DVD La tercera temporada de 'Star Wars Rebels' se queda a un precio imbatible en Casa del Libro: 3,13 euros en lugar de los 10,45 habituales. Tercera temporada de 'Star Wars Rebels' PVP en Casa del Libro 3.13€ PVP en Fnac 11.99€ PVP en El Corte Inglés 10.99€ Sobredosis de nostalgia animada: este pack que reúne las series completas de 'David el gnomo', 'D'Artacan y los tres mosqueperros' y 'La vuelta al mundo de Willy Fog' puede ser vuestro por 35,51 euros Un imprescindible para los amantes de la ciencia: la versión extendida de la serie completa de 'Cosmos' baja en Amazon de 31,23 a 15 euros. Merchandising Figuras Finn es uno de los mejores personajes de la trilogía de Star Wars a cargo de Disney y en Zavvi tenéis un buen chollo: un busto con la imagen del personaje interpretado por John Boyega en 'El despertar de la fuerza' por unos ridículos 28,99 euros, menos de la mitad que en Amazon. Busto Finn 17 cm. Star Wars Episodio VII. Escala 1:6. Gentle Giant PVP en Zavvi 28,99€ Hoy en Amazon por 65,96€ Echa unos combates con estas cinco figuras de luchadores de WWE por apenas 22,99 euros. Incluye a Finn 'The Demon' Balor, The Rock, Triple H, El Enterrador y Sasha Banks No podía faltar un Funko Pop en nuestro Cazando Gangas: hoy os traemos a Daenerys montada en Drogon, una figura más cuidada de lo habitual que puede ser vuestra por 26,17 euros Ropa y otros En Zavvi están que lo tiran con este increíble pack de Marvel que incluye una camiseta, seis coches de juguete y seis bolígrafos por apenas 16,99 euros en lugar de los 89,49 que costaría normalmente. Pack Marvel Vengadores: Camiseta + 6 Coches Pullback + 6 Bolis PVP en Zavvi 16.99€ Todavía no se ha estrenado en España pero todo el mundo habla de 'The Mandalorian'. Con la primera temporada recién finalizada en Estados Unidos, quizá os apetezca haceros con algo de este surtido de ropa de la serie. Sobre todo porque con el código MANDALORIAN tendréis un descuento del 30% En Zavvi también tenéis una oferta para los amantes del riesgo: un pack de 10 camisetas frikis misteriosas por 34,99 euros Otros Pero si sois fans de Marvel y buscáis algo diferente, atención a este excelente réplica del guantelete de Thanos a cargo de Hasbro. En Zavvi la tenéis rebajaba a 99,99 euros, casi diez menos que en Amazon. Marvel Avengers - Guantelete electrónico articulado (Hasbro E0491EU4) PVP en Zavvi 99,99€ Hoy en Amazon por 107,06€ Ojo a esta simpática lámpara basado en el cubo interrogante del universo Super Mario. Baja de 17,99 a 11,99 y al menos yo estoy planteándome seriamente hacerme con ella, ¿y vosotros? Baja a mitad de precio este curioso felpudo de 'Stranger Things'. Costaba 17,99 y ahora puede ser vuestro por 8,99 euros Audio y vídeo Televisores Buena oportunidad para hacerse con el modelo 55RU7475 de Samsung. 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No queda nada para que Hollywood se vista de nuevo de gala y nos presenten la ceremonia de entrega de los Globos de Oro 2020, organizados por la Asociación de Prensa Extranjera en Hollywood. Ricky Gervais será el encargado de presentar unos premios que seguiremos en directo (ya os diremos cómo) en lo que llegan los Reyes Magos en la madrugada del 5 al 6 de enero (hora española). Ayer estuvimos repasando las categorías de cine y hoy toca ver las de televisión con nuestra particular apuesta sobre quién ganará, quién debería y quién podría ganar los Globos de Oro 2020. En Espinof Todos los nominados a los Globos de Oro 2020 Mejor actriz secundaria Quién ganará: Helena Bonham-Carter ('The Crown') Quién podría ganar: Meryl Streep ('Big Little Lies') Quién quiero que gane: Meryl Streep Curioso enfrentamiento entre dos pedazo de actrizacas que han aterrizado en sus respectivas series para divertirse. Sobre todo la intérprete de la díscola Princesa Margarita en la serie de Netflix. No podemos olvidar que Streep es la piedra angular que ha sostenido la temporada 2 de 'Big Little Lies' con su papel. La tercera en discordia está competida entre Patricia Arquette por 'The Act' y Toni Collette por 'Creedme', papelones ambos. Mejor actor secundario Quién ganará: Andrew Scott ('Fleabag') Quién podría ganar: Kieran Culkin ('Succession') Quién quiero que gane: Andrew Scott ('Fleabag') No lo neguemos, el cura macizorro de la temporada 2 de 'Fleabag' es un caramelito ideal para los votantes de los premios de la prensa hollywoodiense. Y, teniendo en cuenta su ninguneo en los Emmy, sus posibilidades son altas. Por otro lado Kieran Culkin se presenta como la segunda opción gracias a su buen hacer en 'Succession', aunque, para mí, de cerca anda Stellan Skarsgård y su 'Chernobyl'. Mejor actriz en miniserie o película para televisión Quién ganará: Michelle Williams ('Fosse/Verdon') Quién podría ganar: Merritt Wever ('Creedme') Quién quiero que gane: Joey King ('The Act') Echando un ojo a la categoría, parece que mucho tendría que cambiar el universo para que el portento de Williams no se lleve un nuevo galardón por so papelón como Gwen Verdon, que ese esa conjunción de astros (estrella de cine petándolo en la televisión) que tanto gusta. Por otro lado, mientras que mi apuesta personal es Joey King, porque no me la quito de la cabeza desde que vi 'The Act' hace medio año largo, Wever en 'Creedme' es un papel sensacional que puede tener muchas papeletas para arrebatarle el premio a Williams. Mejor actor en miniserie o película para televisión Quién ganará: Russell Crowe ('La voz más alta') Quién podría ganar: Jared Harris ('Chernobyl') Quién quiero que gane: Jared Harris Lo mismo lo podríamos aplicar a la categoría masculina. Estando ahí Crowe y su transformación en el magnate de FOX News Roger Aisles poco tienen que hacer el resto de candidatos... salvo que se lo den al magnífico Jared Harris, que llevó el peso de la mejor miniserie del año. Mejor miniserie Cuál ganará: 'Chernobyl' Cuál podría ganar: 'Creedme' Cuál quiero que gane: 'Chernobyl' Con el aval de haber sido premiada en los Emmy 2019 como mejor miniserie, 'Chernobyl' podría coronarse también en los premios de la prensa extranjera. Es la que más ruido hace, la que más convence y el sello HBO sigue teniendo mucha potencia. Sin embargo, 'Creedme' es sensacional y podría ser un premio de consolación por no haber nominado siquiera a la única miniserie de Netflix capaz de hacerle sombra a la de HBO: 'Así nos ven'. En Espinof Las 33 mejores series de 2019 Mejor actriz en comedia o musical Quién ganará: Phoebe Waller-Bridge ('Fleabag') Quién podría ganar: Rachel Brosnahan ('La maravillosa Sra. Maisel') Quién quiero que gane: Phoebe Waller-Bridge ('Fleabag') Ojo, que aquí no descarto que Kirsten Dunst nos dé la sopresa mayúscula al alzarse el galardón por protagonizar 'Llegar a ser Dios en Florida'. Y Brosnahan es muy querida y su Maisel está en plena forma. Pero habiendo sido el año de Phoebe Waller-Bridge es de suponer que la guionista, creadora, productora y actriz de moda se lleve el globo. Mejor actor en comedia o musical Quién ganará: Bill Hader ('Barry') Quién podría ganar: Ben Platt ('The Politician') Quién quiero que gane: Bill Hader Esta es una de las categorías por las que más me ha costado decidirme. Por un lado, si Bill Hader no ganó el año pasado fue por culpa de Michael Douglas y su 'Método Kominsky' y este año no creo que sean tan atrevidos para volver a repetir la jugada... ¿o sí? Si eliminamos a Douglas, el resto de contrincantes tienen unas posibilidades interesantes. Tanto que podría pasar cualquier cosa: ¿optarán por otra estrella de cine como Paul Rudd y 'Cómo vivir contigo mismo' o tirarán por un rostro más nuevo? En ese caso, Ben Platt, protagonista de 'The Politician' es la mejor opción... pero ojo con Ramy Youssef, su serie ha sido muy querida por la prensa. Mejor comedia o musical Cuál ganará: 'Fleabag' Cuál podría ganar: 'The Politician' Cuál quiero que gane: 'Barry' Yo lo siento por 'Barry', pero 'Fleabag'. Y mira que la serie de HBO se lo merece todo y más, pero lo gigante que es el fenómeno de la Waller-Bridge hace que la otra tenga la batalla perdida. Por otro lado, 'The Politician' es la típica serie nueva a la que los Globos de Oro les gusta recompensar, por lo que la dramedia de Ryan Murphy podría llevarse el galardón por encima de las veteranas. En Espinof 24 grandes series de 2019: nuestras recomendadas y favoritas del equipo de Espinof Mejor actriz en drama Quién ganará: Jennifer Aniston ('The Morning Show') Quién podría ganar: Olivia Colman ('The Crown') Quién quiero que gane: Olivia Colman Está claro que 'The Morning Show' es la serie favorita de Apple TV+ para la prensa de Hollywood. Vamos, a poco que sea algo sobre la industria tienen bastante recorrido. Pero, si bien no es tan buena como nos gustaría, tiene su mejor baza en Jennifer Aniston, la reina de la serie y una actriz sobre la que recae mucha atención, por lo que es muy tentador. Pero para reinas tenemos a Olivia Colman, con su magnífico trabajo en la tercera temporada de 'The Crown'. Está nominada por esa serie, pero recordemos que también es la grandiosa madrastra de Fleabag y, además, ya triunfó en la pasada temporada de premios gracias a 'La favorita'. Mejor actor en drama Quién ganará: Brian Cox ('Succession') Quién podría ganar: Billy Porter ('Pose') Quién quiero que gane: Rami Malek ('Mr. Robot') Siguiendo con el hilo de los favoritos de la prensa, ahí también está 'Succession', cuya atención mediática en la temporada 2 ha aumentado considerablemente respecto a la primera. Brian Cox es el alma de la serie y merecido ganador. Aunque no lo tendrá fácil teniendo en cuenta que el personaje de Billy Porter ha sido de lo más destacado de 2019. Por otro lado, en el corazón del seriéfilo hay algo que desea que la última temporada de 'Mr. Robot' recompense a Rami Malek como homenaje. Mejor drama Cuál ganará: 'Succession' Cuál podría ganar: 'The Morning Show' Cuál quiero que gane: 'The Crown' Y vamos al combate final. Y combate de altura porque, a pesar de que en cuanto a calidad 'Succession' gana con diferencia a 'The Morning Show', la tendencia a considerar series nuevas y que la serie de Apple haya sido tan seguida y analizada durante su emisión, aparte de narrar un tema tan candente la hace una candidata idónea. Hasta aquí nuestro repaso televisivo. ¿Estáis de acuerdo? ¿Quiénes deberían ganar estos Globos de Oro? - La noticia Globos de Oro 2020: quiénes ganarán y quiénes deberían ganar en las categorías de series de televisión fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Con la llegada a los cines de 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' resulta inevitable comparar, elegir favoritas, y hacer un ranking de las películas de la popular saga creada por George Lucas. Una franquicia iniciada en 1977 y que, hasta la fecha, consta de once largometrajes, con Lucas apartado de labores creativas desde la venta de su compañía a Disney. Cada fan tendrá su opinión, yo aquí comparto la mía. Quizá es evidente siendo el autor del artículo pero, como ya dije al hacer la reciente selección de los duelos de sables láser, soy seguidor de 'Star Wars' desde mi infancia, en la década de los 80. Aún hoy me emociono al escuchar la banda sonora de John Williams, el sonido de un sable láser encendiéndose, un caza imperial en plena persecución, o cuando aparece en pantalla "Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana..." En Espinof 'Star Wars': en qué orden conviene ver todas las películas y series de la saga antes de 'El ascenso de Skywalker' Pero ser fan, disfrutar con una historia y sus personajes, no debería significar adorar todo, sin condiciones. A menudo, empezando por los responsables de las franquicias, se trata a los fans como fieles seguidores ciegos de una secta; para mí, no está reñido con una visión crítica. Si te gusta todo, ¿cuál es tu criterio? Y no se trata de ser un hater. Creo que puedes ser fan y diferenciar lo que te gusta de lo que no. E intentar razonar, argumentar, aunque a veces es una cuestión visceral: lo amas o lo odias. A veces tiene que ver con nuestra forma de ser o apreciar las cosas, y eso es algo muy personal. Como este listado. Sin más preámbulos, a continuación están las once películas de Star Wars ordenadas de peor a mejor: 11. 'El ataque de los clones' ('Star Wars: Episode II - Attack of the Clones', 2002) Director: George Lucas. Reparto: Hayden Christensen, Ewan McGregor, Natalie Portman, Ian McDiarmid, Christopher Lee, Temuera Morrison, Samuel L. Jackson... El Episodio II es la peor película de la franquicia, no tengo duda alguna. Hay escenas muy torpes en otras entregas pero en conjunto el Episodio II es el que reúne más disparates, vacío y aburrimiento. Cine inútil. La demostración de que Lucas estaba arruinando la saga con sus "nuevas" ideas y el exceso de CGI. Debía ser 'El imperio contraataca' de las precuelas pero el cineasta nunca encontró el tono, se perdió entre pantallas azules y verdes, y firmó un desastre del que apenas se salvan algunos momentos concretos. Este gif lo resume todo: 10. 'La amenaza fantasma' ('Star Wars: Episode I - The Phantom Menace', 1999) Director: George Lucas. Reparto: Liam Neeson, Ewan McGregor, Natalie Portman, Jake Lloyd, Pernilla August, Ray Park, Terence Stamp... Un gran acontecimiento en su momento: la vuelta de Star Wars 14 años después de 'El retorno del jedi' era también un viaje al pasado para descubrir la infancia de uno de los mejores villanos de la historia del cine. La promesa de mostrar la evolución de Anakin Skywalker a Darth Vader era demasiado poderosa. En Espinof Es hora de reivindicar la trilogía de precuelas de 'Star Wars': todo lo que George Lucas hizo bien Las expectativas jugaron en su contra así como una equivocación de Lucas con el tono: siguió con su idea de hacer cine familiar, diversión para todos los públicos, y se pasó de rosca. Además, los fans no querían eso, la mayoría ya eran adultos. Es un film blando, tontorrón y torpe, si bien posee algún rastro del espíritu de la trilogía clásica y un final vibrante con la entrada de Darth Maul. 9. 'El ascenso de Skywalker' ('Star Wars: The Rise of Skywalker', 2019) Director: J.J. Abrams. Reparto: Daisy Ridley, Adam Driver, John Boyega, Oscar Isaac, Domhnall Gleeson, Ian McDiarmid, Carrie Fisher, Keri Russell, Billy Dee Williams, Richard E. Grant... Tras la fuerte división de opiniones causada por 'Los últimos jedi', en Disney han querido cerrar la historia de los Skywalker con un film que intenta satisfacer a todos los fans. Y como dijo Rian Johnson, cuando das al público lo que crees que quiere, puedes provocar todo lo contrario. Porque hay fans muy contentos con el Episodio IX, pero otros estamos realmente decepcionados. En Espinof 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': 41 referencias, easter eggs y homenajes para disfrutar a fondo el final de la trilogía Abrams se aleja de la valiente (o insensata) ruta emprendida por Johnson y devuelve el material al lugar donde se siente más cómodo, lo más cerca posible al glorioso pasado, reciclando ideas de probado éxito y creando su particular "retorno del jedi". Tiene el talento para crear atractivas secuencias de acción y crear un ritmo frenético que desvía la atención del guion (que se mueve entre lo fácil y lo absurdo) pero es una lástima que no haya sido más valiente. Sabe a poco para ser el gran final de la saga. 8. 'La venganza de los sith' ('Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith', 2005) Director: George Lucas. Reparto: Hayden Christensen, Ewan McGregor, Natalie Portman, Ian McDiarmid, Jimmy Smits, Anthony Daniels, Kenny Baker... La entrega más oscura de la trilogía de las precuelas y una de las más violentas de toda la saga. Lucas quiso corregir el tono infantil del Episodio I llevando la historia a terrenos más adultos y dramáticos, completando el viaje con un climax sorprendentemente impactante. A pesar de las mejoras, el Episodio III sigue teniendo un guion muy flojo, repleto de diálogos ridículos, y un reparto desafortunado, desorientado, en manos de un cineasta más interesado en los avances tecnológicos que en extraer autenticidad de sus actores. 7. 'El retorno del jedi' ('Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi', 1985) Director: Richard Marquand. Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, David Prowse, Billy Dee Williams, Frank Oz, Warwick Davis... Sí, la de los ewoks. El principio de todo lo que George Lucas hizo mal en 'Star Wars'; su creación se convirtió en un fenómeno tan popular que empezó a pensar en cuestiones que iban más allá de las cinematográficas. Muñecos, familias yendo al cine, merchandising. En Espinof Más allá de 'Star Wars': 14 películas (y un cortometraje) de culto para fans con más ganas de aventura, diversión y explotación galáctica Es una película dividida entre los esfuerzos por llegar a todo el mundo y la necesidad de cerrar la historia de una manera coherente con lo narrado en las dos anteriores entregas. Es una lástima que no continuara el tono del Episodio V aunque tiene momentos estupendos como la revancha de Luke o la redención de Vader, con el único momento padre-hijo que comparten. 6. 'Han Solo: una historia de Star Wars' ('Solo: A Star Wars Story', 2018) Director: Ron Howard. Reparto: Alden Ehrenreich, Emilia Clarke, Woody Harrelson, Donald Glover, Thandie Newton, Paul Bettany, Phoebe Waller-Bridge... La penúltima novedad de la saga tiene muy poco de nuevo: su tono de clásico cine de aventuras, constantes referencias a las películas anteriores y un guion cargado de rutina la hacen muy previsible a pesar de sus esfuerzos por sorprender al espectador con constantes giros. Las secuencias de acción orquestadas por Howard carecen de riesgo y emoción, se hacen pesadas. Aun así, y teniendo en cuenta la problemática producción, el resultado es una especie de western galáctico que funciona bastante bien, un entretenimiento palomitero para todos los públicos. Quizá no debemos pedir más, tal como están las cosas en la franquicia... 5. 'Rogue One: una historia de Star Wars' ('Rogue One: A Star Wars Story', 2016) Director: Gareth Edwards. Reparto: Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Riz Ahmed, Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, Donnie Yen... El primer spin-off de la saga tenía el desafío de iniciar un desvío en la historia de la familia Skywalker y centrar la mirada en una pequeña aunque esencial aventura para la resistencia rebelde. Sin jedis. Sin ayuda de "magia". Sólo un grupo de soldados realizando una misión suicida. En Espinof ‘The Mandalorian’: space-opera y western se abrazan mostrando el mejor camino para ampliar el universo 'Star Wars' La narración es algo torpe, fruto del cambio de director y los importantes reshoots, pero la historia es entretenida y tiene un tramo espectacular y dramático. Creo que nadie esperaba algo así en un film de Star Wars distribuido por Disney. Y el epílogo es increíble: un Vader desatado que no habíamos visto nunca hasta ahora. 4. 'El despertar de la fuerza' ('Star Wars: The Force Awakens', 2015) Director: J.J. Abrams. Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Oscar Isaac, Domhnall Gleeson, Max von Sydow, Lupita Nyong'o... Diez años después del Episodio III regresábamos al universo de los jedis y los sith con un semi-reboot que marcaba el inicio de la etapa Disney tras la venta de Lucasfilm. Puede tacharse de ser algo cobarde, de agarrarse demasiado a los orígenes, pero debía ser una transición, recuperar historias del pasado y presentar a una nueva generación de héroes y villanos, manteniendo la esencia de la saga. Para mí, el reto se llevó a cabo de manera muy satisfactoria, es espectacular, sumamente entretenida y sienta las bases para desarrollar a personajes con mucho potencial. Por cierto, ¿soy el único que cree que tiene el mejor tráiler de la saga? 3. 'Los últimos jedi' (Star Wars: The Last Jedi', 2017) Director: Rian Johnson. Reparto: Daisy Ridley, John Boyega, Adam Driver, Óscar Isaac, Benicio del Toro, Laura Dern, Andy Serkis... La película más polémica de la franquicia, hasta la fecha, es para mí una de las mejores. Entiendo el enfado de algunos fans, a mí tampoco me convencieron algunas decisiones pero en el segundo visionado, ya más relajado, pude disfrutar de una historia que, en realidad, es muy respetuosa con el espíritu de la trilogía original. En Espinof ‘Star Wars: El ascenso de Skywalker’ no reniega de 'Los últimos jedi': es una conclusión orgánica de la última trilogía Es divertida, emocionante, hermosa y atrevida, intenta llevar la saga más allá. Estoy seguro de que, con el paso del tiempo, el Episodio VIII será reivindicado. Los grandes cambios pueden ser difíciles de asumir y decir adiós a Luke no es fácil, pero su despedida es maravillosa. 2. 'El imperio contraataca' ('Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back', 1979) Director: Irvin Kershner. Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Frank Oz, Billy Dee Williams, David Prowse, Peter Mayhew. La entrega más aclamada de la saga siempre ha tenido un problema para mi gusto: ese final abrupto. O dicho de otro modo, carece de final. Es la primera mitad de una historia, realmente. Aun así, valorándola por separado, es fácil entender por qué es la favorita de tanta gente: es épica, oscura, tiene el giro sorpresa de la saga, la dramática captura de Han Solo, la batalla en el planeta Hoth... Es una secuela ejemplar. 1. 'La guerra de las galaxias' ('Star Wars', 1977) Director: George Lucas. Reparto: Mark Hamill, Harrison Ford, Carrie Fisher, Alec Guinness, Peter Cushing, David Prowse, Peter Mayhew. Creo que siempre será mi favorita. Es perfecta. Bueno, hay duelos mucho más intensos y espectaculares en prácticamente todas las demás películas, pero dejando eso a un lado, es una película de aventuras redonda, extraordinaria. Tiene todos los ingredientes. Y extrañamente, a pesar de que los spin-offs deben ser historias independientes, el Episodio IV es el único que funciona por sí solo, con principio y final. Lucas lo bordó con su producción más arriesgada, aportando un espectáculo nunca visto antes en la gran pantalla. Como decía, éste es mi ranking. El orden está reflexionado y lo tengo muy claro. Y cada uno tendrá el suyo. ¿Cómo ordenarías tú las películas de Star Wars de peor a mejor? - La noticia Star Wars: todas las películas de la saga ordenadas de peor a mejor fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Aprieta el calor. Los equipos están jugándose la vida sobre el terreno de juego. Todo apunta a que nos iremos hacia una prórroga inevitable. El aburrimiento es de alto nivel. Y entonces, pasa. Y siempre nos extraña.¿Cuántas veces hemos visto un plano como este durante una retransmisión deportiva? Échale la culpa a Andy Sidaris. Honey Shot Bien, pues ese recurso, ese tipo de plano, se conoce como "Honey Shot". Y lo inventó Andy Sidaris, veterano realizador deportivo, durante los años ochenta. Sidaris fue un pionero de la realización televisiva que tuvo la idea de recurrir a primeros planos de animadoras y chicas atractivas en las gradas en eventos deportivos. Por si fuera poco, ganó un premio Emmy en 1969 por dirigir la cobertura deportiva de ABC de los Juegos Olímpicos de México 1968. Una vez revolucionado el panorama deportivo, Sidaris saltó a la ficción, dirigiendo episodios de series como 'El hombre invisible' (Gemini Man) o la popular 'Kojak'... no sin antes dejar claras sus intenciones en su ópera prima, 'Dulce y peligrosa' (Stacey), todo un clásico de los recopilatorios de tráilers de cine trash. Conocida en Italia como 'La porno detective', la película de Sidaris era una declaración de intenciones. Todas las pasiones de su visionario creador (aunque aún tardaría en lanzarse a la escritura en solitario) estaban elevadas a la máxima potencia. Atractivas mujeres con facilidad para desprenderse de sus ropas, helicópteros en persecuciones, muertes a cámara lenta y mucho sexo soft tirando a rancio. Vamos, que se inició en el cine con un clásico de explotación. El salto a las grandes ligas Contento con el resultado de su película, que marcaría el rumbo a seguir en el resto de su obra, además de abrir un sinfín de puertas a los sub-géneros que comenzarían a salir de debajo de las piedras, el director necesitó seis años para volver a dirigir una película: 'Los siete profesionales', su trabajo más respetado por crítica y público. Protagonizada por el mítico William Smith, que solo lucía músculos en el póster, este genuino thriller de serie b-tirando a z marcaba en el mapa la isla de Hawái como escenario de correrías de acción inimaginables hasta ese momento: asesinatos en público, patinadores horteras que no parecen tener ningún dominio de su herramienta, desnudos gratuitos y un gusto exquisito a la hora de cuidar los créditos. Sidaris perfeccionaría la fórmula con su siguiente película, pero las bases de su cine, de su ligereza y el todo vale con tal de lograr un entretenimiento de primera, estaban aquí. Con un guión de Robert Baird y William Driskill, veteranos en Cannon y en la televisión, sobre una idea del director, 'Seven' (su título original), es una película realmente adelantada a su tiempo. Una precursora de mucho cine de acción genérico con un nivel de espectacularidad que hace que sea complicado asimilar que es anterior a la década de los ochenta. A partir de aquí se inicia la edad de oro de su cine, entre 1979 y 1989. La década prodigiosa de Andy Sidaris. Perfeccionando la fórmula Pasarían unos cuantos años hasta que el director volvió a las andadas con un programa doble alucinante formado por 'Malibu Express' (1985) y 'Hard Ticket to Hawaii' (1987), sus dos mayores excesos, dos títulos que sobrepasan cualquier expectativa del espectador más aventurero a la hora de buscar un par de horas de diversión sin pretensiones ni (presumiblemente) cerebro. En la primera de ellas, un mujeriego investigador de Texas, detalle que queda claro viendo el maletín donde transporta sus armas, es contratado para investigar quién está detrás de unas filtraciones de alta tecnología informática para los rusos. Otra vez unos estupendos títulos de crédito muy acordes a la época (Sidaris salta de la máquina de escribir de la anterior película al ordenador de estos créditos), más chicas Playboy, acción, cachondeo y un nuevo antihéroe para su galería, en este caso interpretado por un Darby Hinton estupendamente acompañado por Sybil Danning. En Espinof The Asylum, 20 años hundiendo la industria del cine 'Malibu Express' es un entretenimiento de primer nivel que, como todo el cine de su responsable, no sería bien visto en la actualidad. Escrita en solitario por Sidaris, sin mediadores, deja claro adónde quiere llegar su creador y no se avergüenza ni duda un solo segundo. Con ella se cierra la brecha entre las viejas comedias de acción y enredo de los años 70 y el híbrido entre espionaje, erotismo y comedia donde el cine de Andy Sidaris se quedaría a vivir para siempre. La cima de Sidaris llegó con 'Hard Ticket to Hawaii', una de las películas más complicadas de explicar que haya tenido la suerte de ver en toda mi vida. Mucho antes de Amir Shervan y Tommy Wiseau, Sidaris combinó thriller de espías, erotismo casposo, desnudos gratuitos, skaters asesinos, monstruos (sí, monstruos) y una banda sonora casi más sonrojante que todo lo anterior en un delirio que incluye hasta la autopromoción más ridícula. La película está llena de malas interpretaciones y personajes problemáticos a todos los niveles, pero aún así se las arregla para ser un ejercicio de cine de acción increíblemente explosivo. Y monstruoso. Repito: en esta película también hay monstruos. Y armas pesadas que se disparan en interiores sin ningún miramiento. En Espinof "Es tan mala que es buena": desmontando el mayor mito del cine basura La banda sonora cuenta incluso con una canción pop creada para la ocasión, lo que demuestra el nivel y cuidado de una producción de un cineasta en el mejor momento de su carrera. Y los créditos más alucinantes de toda su carrera. También es posible que la ejecución más loca de la historia del cine se encuentre aquí. Como ves, un clásico. El principio del fin Tal vez por el cambio de era, tal vez porque las buenas ideas se acaban, Sidaris empezó a decaer artísticamente a partir de 'Picasso Trigger' (1988), para cerrar esos años de vacas gordas con 'Savage Beach' (1999), llegando así a cubrir diez años en la cresta de la ola y preparando el terreno para los directos a vídeo más casposos de su carrera. Casi una secuela de la anterior película, algo que se siente en todas sus producciones, 'Picasso Trigger' está llena de todo lo que nos gusta de su cine, pero con unos preocupantes síntomas de fatiga que ya advertían que lo bueno siempre se acaba. Arreglando parte de su aburrida puesta en escena a la hora de la verdad, la película termina entregando todas lo que uno espera de una película de su director Sidaris aunque ya lejos de la frescura de sus mejores propuestas. Como siempre, pero cada vez más acentuado, apenas hay diferencias entra las películas. La fórmula se agotó cuando tenía que agotarse y las bromas, las localizaciones y los uniformes dejaron de hacer gracia. Por su parte, 'Savage Beach', tiene su clásica isla desierta, con un cargamento de oro filipino robado por japoneses y perdido en el mar durante la Segunda Guerra Mundial. 'Savage Beach' es una búsqueda del tesoro con una trama tan enrevesada como de costumbre con Andy Sidaris al timón. Tiene sus desnudos habituales y el plus de contar con el siempre mortal especialista en villanos Al Leong, rostro que aparece en todas las películas de tu vida. A partir de ahí llegaron las horas bajas de un artista que ya había dicho todo lo que tenía que decir en el cine. 'Ráfaga infernal' (1990), con Erik Estrada y Danny Trejo, 'Conexion Hawai' (1991), donde Pat Morita se dejó caer bien rodeado, o 'Fit to Kill' (1993) aún contaron con una distribución digna a pesar de ser más subproductos que grandes ideas de Sidaris. 'Day of the Warrior' (1996) y 'L.E.T.H.A.L. Ladies: Return to Savage Beach' (1998) fueron su canto del cisne, prácticamente cine basura... pero siempre divertido y aún con alguna seña de identidad bien visible. Andy Sidaris fue un autor capaz de crear un universo propio sin levantar la voz y al que, al menos en su país de origen, va siendo redescubierto con el paso del tiempo. Hoy, por supuesto, su cine no tendría cabida y sería criticado, censurado y enterrado lo más profundo posible, pero, ¿sabéis qué? Ojalá haya más Sidaris por ahí. Y no, el cine de The Asylum y compañía no cuenta. Eso se hace con la misma caligrafía que las grandes franquicias, pero con dinero suelto. - La noticia Disparos de miel: el cine de Andy Sidaris y su increíble universo de acción erótica fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Cuando uno va a ver una película de Martin Scorsese, su mente, en ascuas, aguarda imágenes como esta: Pero, muy probablemente, en ningún caso evoca estas: Este artículo comienza con una reflexión sobre otros artículos; en concreto, las críticas de 'El irlandés', la última obra maestra, y esperemos que no de facto la última, de Martin Charles Scorsese. No se trata, desde luego, de enmendar la mayor a nadie; más bien el contrario. Lo que busco es indagar en un runrún de fondo que rodea a todos los análisis de 'El irlandés' y que se puede resumir en una palabra: Serenidad. Martin Scorsese, el Martin Scorsese que ponía la cabeza de un gánster en una prensa hasta que le estallaba un ojo, el del "Me estás hablando a mí" de Travis Bickle, el de HATE en los nudillos de Max Cady, el de "No besé la lona" de Jack La Motta en su versión de La Masacre de San Valentín siente paz. Scorsese se ha serenado. Unos cuantos extractos de estas reflexiones. Adam Graham, para 'The Detroit News': "El irlandés' se mueve lenta y pensativamente, apuesta por el fluir natural de las conversaciones y se para a oler las rosas [...]. Trata sobre los pequeños momentos —las noches pasadas en el callejón de la bolera, los helados de frutas y nueces, los largos viajes en coche y las paradas en el camino— que componen la vida". David Sims, para 'The Atlantic': "La quietud es la característica definitoria de esta película, una apabullante epopeya de gánsteres de tres horas y media [...]. Carece del barroquismo, maníaca energía de muchos de los clásicos de Scorsese; en su lugar, es una película meditabunda, pensativa que anida en los sombríos márgenes de la criminalidad estadounidense". En Espinof 34 grandes películas de 2019: nuestras recomendaciones y favoritas del equipo de Espinof Ann Hornaday, para 'The Washington Post': "La película está poblada de los mismos matones, delincuentes y capos, pero ahora está claro que el cineasta tal vez esté dispuesto a barajar la posibilidad de que no eran tan interesantes como la obsesión de Hollywood con el atractivo criminal ha sugerido. Por supuesto, el mismo Scorsese ha sido el gran capo propagador de esos mitos, que desmantela con tanto sentimiento y artesanía en 'El irlandés' como construyó, con tanta seducción en sus inicios [...]. 'El irlandés' no es un triunfo apabullante, lo es deliberado, pensativo y, de alguna manera, silente." Ty Burr, para 'Boston Globe': "El irlandés' se compone, inexorablemente, hacia un acto final acechado por la senectud y los remordimientos. Es la fusión definitiva de las dos caras de Scorsese, el goce retorcido con el que retrata el pecado humano y la preocupación que tiene por el alma humana. Y aunque le lleva un tiempo llegar a ello, la película es una obra maestra, una hecha por un hombre que cuenta sus propios años como las cuentas de un rosario". Sabiduría en todas estas citas, particularmente deliciosa la última de Burr, pues creo difícil definir mejor cómo desgrana sus últimos años Scorsese que aludiendo a "las cuentas de un rosario". Exactamente así cuenta, años y películas, el de Queens la mina que le queda en el lápiz. Los fotogramas en la recámara. Un Scorsese diferente, domado a sí mismo Pero fue la sorpresa ante ese contar lo que me sorprendió como cinéfilo; más que nada porque en las conversaciones con mi padre, otro amante impenitente del cine, había surgido a menudo la cuestión. Yo, de siempre, un enamorado hasta la médula de Scorsese. Él, de siempre, un convencido de que su talento no vuela ni remotamente al mismo nivel que los otros dos grandes italoamericanos de su época: véase, Coppola y Cimino. Pero el caso es que los polos opuestos se atraen y en esa atracción encuentran un territorio común en el que, si no entenderse, al menos sí dialogar. Más o menos desde 'Shutter Island', ambos sentíamos que la carrera de Scorsese había cristalizado en algo muy distinto al frenesí, pues no hay epíteto que le calce mejor. Scorsese parecía haber perdido el barroquismo y la energía indómita, y ganado a cambio una mirada honda, queda y comprensiva de las miserias y glorias, pero sobre todo las miserias, de nuestra especie. Dado que esa percepción ha llegado, en mi caso, con casi dos décadas de retraso, decidí ponerla a prueba de la manera más empírica: el método científico. Observación: "¿Es cierto que Scorsese se ha domado a sí mismo, que su cine, en efecto, se ha serenado?". Experimentación: volver a ver su cine en su mayor parte —'El rey de la comedia', 'Uno de los nuestros', 'Malas calles', 'Shutter Island', 'El color del dinero', 'La edad de la inocencia', 'Casino' y 'Toro salvaje'— y cubrir los huecos que me quedaban —'Alicia ya no vive allí', 'El tren de Bertha', 'Silencio' y 'El irlandés'—, amén de revisitar muchas escenas. En Espinof Las 17 mejores películas de Martin Scorsese Hipótesis, pues a más nunca podemos llegar: La observación está equivocada. Scorsese no tiene dos caras, como comenta el excelente artículo de Burr. No. Tiene una. Y solo una. Este rostro, y de lo que va realmente este artículo es de descifrarlo, en todos sus tics, misterios y matices, cuenta siempre lo mismo: cómo alguien siente, en aquel lugar inefable que llamamos alma, las mayores zozobras de su vida. Cómo se enfrenta al trauma. Cómo sucumbe a él o cómo logra vencerlo. Visto desde esta óptica, la cuestión mayor ya no es si el cine de Scorsese es más lento y denso ahora de lo que lo fue en el pasado. La cuestión mayor es por qué es más lento cuando es más lento y más veloz cuando es más veloz. Cada vez creo más en una lectura serena, como 'El irlandés', de las palabras/fotogramas/viñetas/notas/mecánicas; una lectura que no esté ávida de cumplir el siguiente hito, que sería completar la lectura de este artículo como un logro. No, más bien lo que me gustaría es un lector que goza cuestionando la lectura. Interrogándola sin descanso, porque interrogarla es interrogarse a sí mismo. Digresiones aparte, te pido, lector, que vuelvas arriba para ver esos extractos, en formato GIF, con los que abro el artículo. Tanto en los serenos como en los frenéticos, están los dos supuestos Scorsese. Pero no es que unos sean más contemporáneos que otros. Es que Scorsese, desde los comienzos de su carrera, caminaba ya entre dos aguas; con la misma canoa. Los locos y los casi locos "Voy a hablar de manera personal; es la única manera en la que puedo hablar del cine [...]. La iglesia y el cine, ambos tienen sentido para mí [...]. El concepto de la moral: lo correcto y lo incorrecto, lo bueno y lo malo, lo bueno y lo malvado. Y cómo la fe es un pilar en guiar una vida, que podría ser una vida moral, y cómo la fe podría ser algo que contiene una gran medida de duda, que hay una lucha en ella, eso es algo que arraigó en mí." [Martin Scorsese] Hay una parte de la crítica y la academia que cree que lo que dice el autor importa más bien poco en el análisis de una obra. Que es accesorio o incluso en algunos casos hasta contraproducente que se pronuncie sobre ella. Que lo que cuenta es lo que otros infieran sobre dicha obra. Ya he dicho que no pretendo enmendar la mayor a nadie. Sí pretendo, como pide Scorsese en la excepcional master class de donde he hurtado sus palabras, contar mi verdad. Y para contar mi verdad, la verdad de Scorsese me importa mucho. Podría decirse que es lo que más me importa, pues mi reflexión, lo que perseguía contar y que se dibujaba y desdibujaba en un horizonte neblinoso, como ese buque en el arranque de 'Shutter Island', terminó de cuajar al escuchar la cita que rescato. Mi manera de entender a Scorsese se completa escuchando cómo se entiende él. Para entender a Scorsese hay que partir de sus personajes. Pero no de la descripción banal de quiénes son, de dónde vienen, adónde van y qué les sucede en el tránsito. Lo esencial en Scorsese es cómo viven aquello que les sucede. Y aquello que les sucede tiene que ver con todo eso que dice Scorsese: lo correcto y lo incorrecto, el bien y el mal. El bien, y como puntualiza magníficamente en inglés, y lo malvado (good and evil en oposición a good and bad, para recalcar que habla de los absolutos, no de pecata minuta). A estos elementos se le suma otro del que no habla en la master class, pero que está presente en toda su filmografía, y que siempre he atesorado como mi revelación particular sobre el tuétano del cine de Scorsese: la locura. La investigación de este artículo me hizo encontrar un texto magnífico, contenido en la antología 'The Philosophy of Martin Scorsese'. The Philosophy of Martin Scorsese (The Philosophy of Popular Culture) Hoy en Amazon por 26,34€ Lo firma Jerold J. Abrams bajo el título 'Friedrich Nietzsche y las películas de Martin Scorsese'. En él se lee: "La idea de la locura recorre toda la filmografía de Scorsese: de los trabajos iniciales en 'Malas Calles' a los que median su carrera como 'La última tentación de Cristo' y 'El cabo del miedo' a los más recientes como 'Al límite' y 'El aviador'". Ese es el gran tema que enhebra a todos los personajes de Scorsese. Pero no es otro tema a mayores del expuesto por el propio Scorsese, el discernimiento entre el bien y el mal. Es el resultado más terrible, a juicio del cineasta, que puede suceder en la lucha por mantener a flote ese discernimiento: esto es, perderlo. Cómo la cordura se quiebra y cómo la persona que se quiebra, física o espiritualmente, pasa a ser un pecio humano, los restos arrastrados, sin remedio, por su propio oleaje. A poco que pensemos en todos los personajes de Scorsese, los podemos dividir en tres categorías según su relación con la locura, que es también su relación con la moral: los que sucumben a ella, los que se mantienen firmes y los que ya la habitan. En la primera categoría se encontrarían personajes como Jake LaMotta de 'Toro Salvaje', Travis Bickle de 'Taxi Driver', Rupert Pupkin de 'El rey de la comedia', Billy el Carnicero de 'Gangs of New York', Paul Hackett de '¡Jo, qué noche!', Sebastiao Rodrigues de 'Silencio' o Billy Costigan de 'Infiltrados'. Entre los que resisten, Sam Rothstein de 'Casino', Charlie de 'Malas Calles', Alice de 'Alicia ya no vive aquí', Newland Archer de 'La edad de la inocencia' o Frank Sheeran de 'El irlandés'. Resistir no significa no acumular cicatrices sino lograr salir vivo del encuentro. Y luego están los que la habitan, Howard Hughes en 'El aviador', Max Cady en 'El cabo del miedo', Henry Hill en 'Uno de los nuestros', Jordan Belfort en 'El lobo de Wall Street' o Teddy Daniels en 'Shutter Island'. En Espinof ‘El irlandés’: Guía de personajes para saber quién es quién en la película de Martin Scorsese para Netflix Todos ellos rozan la locura por ser enfrentados a traumas morales capaces de quebrar la mente. A veces es la violencia pura, como la que presencia Sebastiao Rodrigues desde su celda en Japón contra los creyentes cristianos o los ríos de sangre que ve el jovencísimo Amsterdam Vallon en el apabullante arranque de 'Gangs of New York'. A veces es la locura de un tercero, como le ocurre a Charlie en 'Malas Calles', que se pasa toda la película intentando defender al Johnny Boy de Robert de Niro, sabiendo que le traerá por la calle de la amargura. Y a veces es algo muy sutil y súbito, como el escalofriante arrebato de locura que sufre un dechado de virtudes como es el Newland Archer de 'La edad de la inocencia', quien por un momento, como describe su narradora, piensa, mediante eufemismos, en asesinar a su mujer para poder reunirse con su amada condesa. Pero todos ellos golpean el muro de su mente, a veces, literalmente, como en esta inolvidable escena de 'Toro Salvaje'. Todos pierden el control de sí mismos, como ese Rothstein que se sube a un coche, lo arranca y estalla (metafóricamente, aunque parezca literal) por los aires. Entonces, ¿qué hace Scorsese? Cómo traduce esta lucha a imágenes. De una manera extrema: se mete dentro de los personajes e intenta traducir al audiovisual no lo que les ocurre, sino lo que sienten. El lenguaje del alma En tres ocasiones, en 'La edad de la inocencia' se parte un leño. En tres ocasiones, ese partir incandescente, seguido de un crepitar, responde a la misma alegoría: cómo se le va quebrando el alma a sus protagonistas, Newland Archer y Ellen Olensa, ante la creciente certidumbre de que su amor imposible es, en efecto, imposible. Que el destino solo se confabulará en una dirección: la de impedirlo. Ese leño quebrado representa tanto la locura de amor —cuando Archer piensa por un instante en que su joven y saludable mujer tal vez pudiera perder súbita y trágicamente la vida— como el abdicar definitivo. Ese repliegue de velas, interpretado con un desvanecimiento de la pasión casi tan intenso como la pasión en sí misma, con el que Lewis dota a su personaje del aceptar las cosas como son tras escuchar que su mujer, a quien no ama, está embarazada. Al comienzo de la película, una imagen mucho más casual nos vuelve a hablar de lo mismo. Es esta: El personaje no es, precisamente, de los relevantes. Juega un papel esencial en este Nueva York de las apariencias, el de ser encrucijada y caudal de todos los cotilleos imaginables, pero cómo decide retratarlo Scorsese es una pincelada de genio que apunta en la misma dirección que ese leño que se quiebra. ¿Cómo se representa la atención de una personalidad rapaz como la de este Larry Lefferts? Pues restándole fotogramas a la imagen y sobreimpresionándola para que sintamos el vértigo de quien intenta absorber todos los detalles de una situación tan fastuosa como una ópera. Lo que busca Scorsese es traducir, a términos estrictamente cinematográficos, estados existenciales, el retrato de un alma, antes que de una psique. Por ello su puesta en escena, al contrario que la de narradores puros, como Spielberg, Ford o Eastwood, es lírica antes que narrativa. Pero tampoco se trata de esa lírica operística que practican Einsenstein, Ganz o Coppola. No es una lírica que tenga a Scorsese como epicentro. Los personajes son siempre su epicentro. Y de todos los vaivenes del alma, Scorsese parece sobre todo obsesionado por traducir a imágenes y sonidos, precisamente, la zozobra del alma. El momento en que se quiebra. Por ejemplo, en esta magnífica escena de 'Malas Calles', donde anticipa técnicas que luego replicaría, con genio y mismos objetivos, Darren Aronofsky en 'Réquiem por un sueño': La pregunta se mantiene, ¿en qué ha cambiado el Scorsese de ahora del Scorsese de entonces? Esencialmente, en nada. Sigue haciendo lo que hacía antes, retratar espacios interiores audiovisualmente. Pero hay una matiz fundamental. El Scorsese de antes se obsesionaba por ese espacio interior que surge como reacción al caos exterior; y muy especialmente al caos que generan los mundos violentos. El Scorsese de ahora simplemente retrata personajes que, incluso en un clima de violencia, no son violentos. Sus agonías se sufren en otros terrenos. Baste ver la diferencia entre el momento de renuncia a la fe del pandillero de Leonardo DiCaprio en 'Gangs of New York' y la agonía de pisar su ídolo que sufre el sacerdote portugués de Andrew Garfield en 'Silencio'. Aunque ambas imágenes son ralentís, y ambas retratan el repudio al Dios de los cristianos, no pueden transmitir emociones más distintas. Pero son los personajes los que marcan tempo de montaje, recursos y encuadre. Scorsese solo intenta escuchar cómo suenan y se ven sus almas. ¿Qué cómo me siento? ¿Qué como me siento?, declama DiCaprio en la mejor escena de 'Infiltrados', en una de sus conversaciones con la magnífica psicóloga devenida en amante a la que interpreta Vera Farmiga. No vemos a DiCaprio mientras dice estas palabras. Lo que vemos es un encabalgamiento visual a la altura de esas ideas magistrales que tenía David Lean. El espacio de la consulta se rompe y nos topamos con una casa vacía, desangelada, mientras rompe a sonar el rasgueo de una guitarra española. Scorsese, en un solo plano, clava el espacio interior de su personaje sin que sean necesarias las palabras. El amor, el horror, el dolor y las cenizas Si la historia me pusiera contra la espada y la pared y me dijera: "Elige una, solo una secuencia del cine para preservar como testimonio de lo sublime en lo humano", no sería capaz de contestar; ni balbucear podría. Pero en mi mente, una de esas escenas que sí o sí compiten por estar ahí, a la altura de cualquier otra, como el monólogo de las Lágrimas en la lluvia, ese Ethan que abraza en vez de golpear, la flauta que tocan los dedos de un flautista ciego, el rostro de una actriz que se desploma en la locura o el Willard que libera el Vietnam que lleva dentro en un motel, estaría esta. Dura exactamente 2 minutos y 49 segundos y tiene exactamente 34 planos. El cine que hay contenido en él es incalculable. Pero hagamos un esfuerzo. Después de la presentación de la situación y personajes, Teddy Daniels se echa a dormir, atribulado por la desaparición de la paciente Rachel Solando y por la extraña actitud de todos los funcionarios de la prisión para enfermos mentales ante la investigación oficial de un U.S. Marshal. Entonces, Teddy duerme, en una noche tormentosa, gótica. La banda sonora alcanza un crescendo de película de terror y de pronto, al entrar en el sueño de Teddy, se funde con otra música, de un tono mucho más hogareño, aunque distorsionado, sin apagar ese cuchillo sonoro que perfora los tímpanos. Entonces, aparece ella. La mujer de Teddy Daniels. Dolores. Lo que viene inmediatamente después, es una exploración, infinitamente dolorosa, del interior de Teddy Daniels. Una exploración que mediante metáforas visuales profetiza el final de la película. Y no me refiero meramente al giro de guion, que Teddy era un paciente del psiquiátrico y no un marshal del gobierno. Me refiero a lo realmente importante: a que Teddy es un hombre quebrado porque aún ama a su mujer, a la que mató tras descubrir que esta había asesinado a sus hijos. La espesa red de mentiras que Teddy teje en su mente es plasmada en esta magistral secuencia onírica sin ninguna sobrexplicación. Solo se puede entender la hondura de la escena a posteriori, por más que su impacto emocional llegue de primeras. En Espinof Martin Scorsese aclara su crítica a Marvel: "La situación en este momento es brutal y hostil para el arte" ¿De qué recursos cinematográficos se vale Scorsese para plasmar la narrativa fragmentada de los sueños? Pues, principalmente, de quebrar el cine en sí mismo. El primer elemento onírico de la escena es una rotura del raccord consciente. Del plano 5 al plano 8, Teddy le pregunta a Dolores: ¿Eres real? Y Dolores le responde, en un close-up estremecedor: No. Inmediatamente, ya no tiene la botella en la mano con la que arrancaba la escena, quejándose de que Teddy bebe demasiado. Si la sintaxis cinematográfica es el montaje, un elemento esencial de la cualidad onírica de esta escena es la alteración de la sintaxis.En otro momento, protagonizado también por Dolores, los planos se encabalgan sin sentido. A veces, por el sonido, que antecede al plano en off visual. A veces, porque se rompe el eje adrede, para que un personaje que estaba de espaldas (Dolores) de pronto enfrente a la cámara sin que se nos haya mostrado la acción. Otro elemento fundamental son las cenizas. Antes, un poco de pasada, se nos ha contado que la mujer de Teddy murió en un incendio. Así que el motivo estético que elije Scorsese para todo este sueño son las cenizas, que entran muy pronto, aunque de manera muy sutil, en el plano 8. Sin embargo no será hasta mucho después —plano 19, la espalda de Dolores incandescente; planos 23 a 26, ráfaga de primeros planos a la caída de las cenizas; plano 27, con una panorámica de Teddy abrazando a Dolores sobrecogedora; plano 31, con Dolores disolviéndose en cenizas; planos 32 a 34, con la casa ya en llamas— que Scorsese haga patente este elemento al espectador. Conjeturo que la intención es hacer de los elementos más imposibles un suave goteo en toda la escena, para que la emoción de los personajes nos atraviese antes de que se manifieste que, de facto, estamos en un sueño. El último recurso visual es mucho más sutil. Es un relato de los hechos en trampantojo, a través de la ventana de la casa. Hay que fijarse con atención, porque están en fou y por lo tanto en ausencia de nitidez, pero en los primeros planos de la escena podemos ver a los hijos de la pareja jugando en la calle. Luego, cuando Dolores camina por la casa hasta otra ventana, el escenario urbano se sustituye para que podamos ver la casa de verano, al pie del lago, donde detonará la tragedia. "¿Te acuerdas de la casa de verano, Teddy? Éramos tan felices." Los niños de Teddy y Dolores, al fondo del plano. De nuevo, los niños de Teddy y Dolores, mientras su madre se mueve en el espacio y en el tiempo hasta el día de su asesinato. El último elemento, y tal vez el más poderoso, el que asienta la escena, es un préstamo. Como todos los grandes, Scorsese ha estado siempre excepcionalmente dotado para acompasar sus imágenes a la banda sonora. Pero como le pasa también a Tarantino o a Michael Mann, Scorsese puede ir más allá de la banda sonora para ganar espesor en sus secuencias clave. Puede escoger una melodía en concreto, clásica o contemporánea, y empastarla con una escena para un resultado sublime. Eso pasa aquí con 'On the Nature of the Daylight', una composición del colosal Max Richter de seis minutos y pico, que Scorsese condensa en su momento más emocionante, cuando el violín se deja acompañar por otro violín y entretejen a dos voces una emoción que atraviesa. Atraviesa tanto que otro cineasta preclaro, Denis Villeneuve, la usó también como elemento arquitectónico fundamental de su mejor película, 'La llegada' ('Arrival'). Pero nadie le puede arrebatar a Scorsese su fusión más poderosa con esta secuencia inolvidable de 'Shutter Island' que me arranca lágrimas cada vez que la veo. En el número de enero de 2009 de Cahiers du cinema, la cineasta argentina Celine Murga relata su experiencia como testigo de excepción del rodaje de 'Shutter Island'. Estas eran sus reflexiones del 28 de abril de 2008: "Hoy, llueve mucho, todo el día, llueve y llueve. Hablamos sobre filmar sueños, pesadillas, alucinaciones. La dimensión del ensueño. Su idea es rodarlas de la manera más directa posible, como si fueran reales. Hablamos de Buñuel: 'Los Olvidados', su secuencia onírica favorita. 'El fantasma de la libertad', 'La edad de oro', 'El ángel exterminador'. Me dice que piensa que para aquellos que tienen sueños, o pesadillas, o alucinaciones, esas cosas SON reales; lo que las hace incluso más aterradoras. Su intención es aportar ambigüedad; no debería ser fácil distinguir entre el reino de lo real y el reino del ensueño. Eso, pienso, te emplaza más en el punto de vista de su protagonista, Teddy. Muchas de sus películas tienden a hacer eso, a crear realidades deformadas que generan la sensación de un mundo de pesadilla. Para muchos de sus personajes, la realidad es una pesadilla viviente." El irlandés, el hombre mediocre Llegamos, después de un largo viaje, a Frank Sheenan, "El Irlandés". La última película, tal vez la última de verdad, de Martin Scorsese. ¿Qué podemos decir de ella, más que todo lo que se ha dicho? Podemos hacer un poco de epílogo de toda esta reflexión, y ver qué elementos comunes hay al resto del cine y de la mirada de Scorsese. Pues todos; con una fenomenal excepción. ¿Y cuál es? Pues la que lleva en su título. Frank Sheenan. 'El Irlandés'. Como todo el cine en Scorsese, 'El Irlandés' habla, de la manera más literal posible, de cómo ha sentido Frank el devenir de su vida. Lo hace desde un arranque magistral en el que Scorsese vuelve a construir otro recurso audiovisual que es todo menos pantomima. Empezamos a escuchar a Frank Sheenan en off, cosa que siempre asociamos, y asociaremos, con la voz interna del personaje; con sus pensamientos. Pero llegados a un momento, con una naturalidad que desarma, De Niro continúa la voz de su pensamiento ya hablando, con extrema serenidad, al espectador. Es mucho más que un recurso cómico, por más que la gente en el cine riera con ese encabalgamiento. Es Scorsese resumiendo todo su cine. Te voy a hablar a través de unos ojos. Hoy toca los de Frank Sheenan. En Espinof 'El irlandés': 13 grandes películas para ver después de la épica criminal de Scorsese y Netflix 'El Irlandés' habla también, cómo no, de la quiebra del alma. En este caso esa quiebra se produce en una conversación muy tranquila en la superficie, e infinitamente tensa bajo los rostros, durante un desayuno entre los personajes de Joe Pesci y de De Niro. El capo de Pesci le revela, sin decirlo en ningún momento, que el inolvidable Jimmy Hoffa de Al Pacino tiene las horas contadas. Y que el reloj lo va a parar el propio Sheenan; su amigo del alma. Y el alma se le quiebra a Sheenan en una serie de miradas mudas, en plano sostenido, de las que Scorsese es experto cazador. Estas miradas: Pero es en la personalidad de Frank Sheenan donde vemos la mayor diferencia con todos los personajes descritos hasta ahora por Scorsese; porque sí, es radicalmente distinto. Scorsese, supongo que como todos los talentos inusuales, como diría el Tyrell de 'Blade Runner', "luces que brillan con el doble de intensidad", retrata personajes de esta hechura. Da igual que hablemos de Bill El Carnicero, ese que dice: "Bienvenido, Ámsterdam, yo soy Nueva York"; o del Travis Bickle de "Me estás hablando a mí"; o del Frank Costello que habla de "putas ratas". Todos los personajes, incluido el Teddy Daniels que reimagina el mundo como un film noir, son personajes excepcionales, que luchan con su destino a dentelladas y que, hasta en el fracaso y la autodestrucción, son colosales. Frank Sheenan no. Frank Sheenan es el primer personaje de Scorsese sin agencia. El hombre mediocre. El hombre que hace lo que le dicen. En Espinof 'El irlandés' en cine o en Netflix: así cambia la experiencia de ver la película de Scorsese ¿Por qué se ha interesado súbitamente Scorsese en alguien mediocre? No he encontrado una respuesta clara rastreando sus palabras en estas últimas semanas. Pero estas de una entrevista concedida a Esquire quizás son las que más dan en el blanco: "¿Cómo puede ser uno justo? ¿Qué hace a un hombre un hombre bueno y que también hace a una mujer buena? ¿Qué hace buena a una persona, sabes, y en último término es esa persona consumida por todo? [...] Estos son los pensamientos. Se escriben en los hogares de todo el mundo, en las cocinas, en los dormitorios, en los encerados." Scorsese parece haber encontrado en este gánster brutal, pero en cierta manera simple, dirigido, un epítome de ese gran conflicto que lo obsesiona y siempre lo obsesionará: la moral. El pulso de la moral y la locura por el alma de cada uno de nosotros. Por lo que seremos cuando se escriba nuestro epitafio. Por lo que somos a cada instante, en cada aliento. Por lo que yace tras esta mirada de Frank Sheenan; el hombre mediocre. 'El Irlandés'. - La noticia 'El irlandés' es la última obra maestra de Scorsese: medio siglo de lucha para retratar las sombras del alma en imágenes fue publicada originalmente en Espinof por Ángel Luis Sucasas .

A lo largo de 2020 se estrenarán multitud de series que darán mucho de lo que hablar y no me cabe duda de que una de ellas será 'ZeroZeroZero'. Se trata de la nueva adaptación televisiva de uno de los libros de Roberto Saviano, el mismo autor detrás de la aclamada 'Gomorra', la cual presenta ahora su intenso tráiler. 'ZeroZeroZero' cuenta las diferentes etapas por las que pasa un cargamento de cocaína empezando por el momento en el que unos criminales italianos lo compran hasta que es entregada. Eso ha llevado a que el rodaje de la serie haya tenido lugar en seis países diferentes y que se hayan grabado escenas tanto en español como en inglés, italiano, francés, italiano, árabe y wólof. Mucho talento detrás y delante de las cámaras En Espinof 24 grandes series de 2019: nuestras recomendadas y favoritas del equipo de Espinof El desarrollo de la serie ha corrido a cargo de Leonardo Fasoli, Mauricio Katz y Stefano Sollima. Este último se desvinculó en su momento de 'Gomorra' para realizar 'Sicario: El día del soldado' y aquí también se encarga de dirigir los dos primeros episodios. Los seis restantes se dividen a partes iguales entre Pablo Trapero -'El clan'- y Janus Metz -'Borg McEnroe'-. Por su parte, Andrew Riseborough, a la que podemos ver actualmente en la estimable 'La maldición', Dane DeHaan, Gabriel Byrne, Harold Torres, Giuseppe De Domenico, Francesco Colella y Tchéky Karyo encabezan el reparto. El estreno de 'ZeroZeroZero' tendrá lugar en una fecha aún por concretar de 2020, pero su dos primeros episodios ya se presentaron en exclusiva durante el pasado Festival de Venecia. A España llegará de la mano de Amazon Prime, aunque en otros países también se verá en Sky o Canal+, ya que se trata de una coproducción entre las tres compañías. - La noticia El intenso trailer de 'ZeroZeroZero' presenta la nueva serie de los responsables de 'Gomorra' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El 5 de enero tendrá lugar la 77 entrega de los Globos de Oro, que serán entregados en el hotel The Beverly Hilton de California en una gala estará presentada por Ricky Gervais, que ya levantó ampollas en la gala de 2014. El humorista conocido por su mala baba regresa para echar aceite hirviendo a una gala que se estaba empezando quedar fría. Las categorías cinematográficas de este año tienen algunas oportunidades de sorpresa en los Globos. Las subcategorías separadas para el mejor drama y la mejor comedia o musical, aumentan posibilidades para que las victorias de esa noche acumulen ventaja para convencer a algunos de los votantes de los Óscar que están ya cerca. Estas son nuestras predicciones para los premios de cine, para los de televisión podéis seguir las publicaciones bajo la etiqueta Globos de Oro 2020. Mejor película: drama El irlandés Joker Los dos papas Historia de un matrimonio 1917 Quien ganará: 'El Irlandés' Quién debería ganar: '1917' Siendo un drama un tema apropiado podría ser el divorcio y el guión, actuación y dirección de 'Historia de un matrimonio' podría calar, pero '1917' además añade la proeza técnica y el puro cine, eliminando el factor película de sobremesa de la ecuación, 'Joker' ha ido perdiendo fuelle por las guerras a su alrededor, los Papas una rareza y la película de Sam Mendes**** demasiado reciente, por lo que 'El irlandés', acumula enteros, sirviendo para premiar tanto a Scorsese como a Netflix, por el considerable esfuerzo en producir buen cine en 2019. En Espinof Las 11 mejores películas de Netflix en 2019 Mejor película: Musical o comedia Érase una vez en Hollywood Puñales por la espalda Yo soy Dolemite Jojo Rabbit Rocketman Quién ganará: 'Érase una vez en Hollywood' Quién debería ganar: 'Érase una vez en Hollywood' Dividir categorías da mucha ventaja a Tarantino. Mientras su película es casi una obra maestra, la comedia de Hitler de Taika Waititi es excéntrica y un poco ñoña, 'Cuchillos por la espalda' funciona bien como divertimento de sábado tarde, pero se olvida más fácilmente de lo que Rian Johnson cree y Dolemite pertenece a esas comedias puras que suelen escurrirse en las manos de los premios. 'Rocketman' lo tiene crudo tras el golpe de Queen en 2019. Mejor dirección Martin Scorsese, El irlandés Quentin Tarantino, Érase una vez en Hollywood Bong Joon-ho, Parásitos Sam Mendes, 1917 Todd Phillips, Joker Quién ganará: Bong Joon-ho, 'Parásitos' Quién debería ganar: Quentin Tarantino, 'Érase una vez en Hollywood' Es probable que Bong Joon Ho se vaya a casa con un Globo a la mejor película en lengua extranjera y al mejor director, como lo hizo Alfonso Cuarón el año pasado con 'Roma'. Puede depender de lo que salga en mejor película, pero 'Parásitos' sufre un poco del efecto moda y en su realización no hay nada que no se haya visto en el cine coreano reciente. Que Tarantino no tenga un premio mayor como director en Estados Unidos es ridículo, pero es que su último film está a años luz del de Ho. En Espinof 34 grandes películas de 2019: nuestras recomendaciones y favoritas del equipo de Espinof Mejor actriz en drama Renée Zellweger, Judy Charlize Theron, El escándalo Saoirse Ronan, Mujercitas Cynthia Erivo, Harriet Scarlett Johansson, Historia de un matrimonio Quién ganará: Renée Zellweger, 'Judy' Quién debería ganar: Renée Zellweger, 'Judy' Aunque Johansson tiene aquí una oportunidad esta categoría, la inmersión radical de Zellweger es más que digna del premio, pero además supone uno de esos regresos a escena que suelen gustar en Hollywood, por lo que todo apunta hacia ella. Mejor actor en drama Christian Bale, Le Mans 66 Joaquin Phoenix, Joker Antonio Banderas, Dolor y gloria Jonathan Pryce, Los dos papas Adam Driver, Historia de un matrimonio Quién ganará: Joaquin Phoenix, Joker Quién debería ganar: Antonio Banderas, Dolor y gloria Banderas y Driver están brillantes en sus papeles, pero aunque Driver esté haciendo ruido por sus muchos papeles, aún no le han dado una película para que brille él solo. Además, Banderas lo merece por toda su carrera pero hay muchas probabilidades de que gane Phoenix. No premiar a algo a 'Joker' sería raro y todo el peso del film es suyo. Por descontado, perdió tantos kilos y es el clásico caso de actor que se deja la salud que gusta mucho premiar en Norteamérica. Mejor actriz en comedia o musical Awkwafina, The Farewell Beanie Feldstein, Súper Empollonas Ana de Armas, Puñales por la espalda Emma Thompson, Late Night Cate Blanchett, Where’d You Go, Bernadette? Quién ganará: Awkwafina, The Farewell Quién debería ganar: Ana de Armas, Puñales por la espalda De Armas es lo mejor de la película de Johnson y, además ha sorprendido demostrando que no es la cara bonita sin talento en donde muchos la querían etiquetar, pero Awkwafina es la favorita aquí: una actriz de comedia ligera, hasta hace poco, rapera que cuadra bien en su categoría, además de tener una popularidad emergente. En Espinof Todos los nominados a los Globos de Oro 2020 Mejor actor en comedia o musical Leonardo DiCaprio, Érase una vez en Hollywood Eddie Murphy, Yo soy Dolemite Daniel Craig, Puñales por la espalda Taron Egerton, Rocketman Roman Griffin Davis, Jojo Rabbit Quién ganará: Eddie Murphy, Yo soy Dolemite Quién debería ganar: Leonardo DiCaprio, Érase una vez en Hollywood DiCaprio ha convencido hasta a los que no acaban de verle dentro de la comedia. Perfecto como el actor vaquero tontorrón de Tarantino, tendrá que luchar contra la narrativa de regreso de Eddie Murphy que parece fuerte, y que sería el único premio a 'Yo Soy Dolemite'. Mejor actriz secundaria Jennifer Lopez, Estafadoras de Wall Street Laura Dern, Historia de un matrimonio Margot Robbie, El escándalo Kathy Bates, Richard Jewell Annette Bening, The Report Quién ganará: Jennifer Lopez, Estafadoras de Wall Street Quién debería ganar: Jennifer Lopez, Estafadoras de Wall Street Una de las mejores interpretaciones en la carrera de López. Tiene trabajo físico, está deslumbrante y, debajo de toda la brillantina deja ver a un ser humano con capas. Además, la película fue un pequeño fenómeno que puede recibir su premio. Mejor actor secundario Brad Pitt, Érase una vez en Hollywood Al Pacino, El irlandés Tom Hanks, A Beautiful Day in the Neighborhood Joe Pesci, El irlandés Anthony Hopkins, Los dos papas Quién ganará: Brad Pitt, Érase una vez en Hollywood Quién debería ganar: Brad Pitt o Joe Pesci por El irlandés Pitt hace uno de sus mejores papeles en tres décadas y hasta ahora no tiene Óscar en funciones además compone a un personaje magnético, Pesci y Pacino están estelares en 'El irlandés', pero Pesci se sale de su típico histérico y acaba eclipsando a los demás. Mejor guion Érase una vez en Hollywood Historia de un matrimonio Los dos papas Parásitos El irlandés Quién ganará: Quentin Tarantino por Érase una vez en Hollywood Quién debería ganar: Quentin Tarantino por Érase una vez en Hollywood Si los últimos tres años son un indicio de algo, el ganador del guión también se llevó a casa el premio a la mejor película , entonces el premio debería ser para Tarantino, además de no ganar dirección o película, este es su premio de consolación habitual. Mejor banda sonora Thomas Newman, 1917 Hildur Guonadottir, Joker Randy Newman, Historia de un matrimonio Alexandre Desplat, Mujercitas Daniel Pemberton, Motherless Brooklyn Quién ganará: Hildur Guonadottir, Joker Quién debería ganar: Thomas Newman, 1917 La banda sonora de Thomas Newman para la epopeya de la Primera Guerra Mundial de Sam Mendes es una combinación perfecta para la fotografía de Roger Deakins para capturar el horror físico y emocional de la guerra, pero 'Joker' huele a un vacío de premios importantes que puede completar estas categorías menores. Película de habla no inglesa The Farewell Dolor y gloria Parásitos Retrato de una mujer en llamas Los miserables Quién ganará: Parásitos Quién debería ganar: Retrato de una mujer en llamas La mezcla de thriller y comedia de Bong Joon Ho parece la predilecta para ganar y es ya la película es la favorita de casi todos en Hollywood, incluida la HFPA, pero hay opciones menos obvias y con mejor cine como 'Dolor y Gloria' y, sobre todo 'Retrato de una mujer en llamas'. Mejor película de animación Frozen 2 Toy Story 4 Cómo entrenar a tu dragón 3 Mr. Link. El origen perdido El rey león Quién ganará: Toy Story 4 Quién debería ganar: Mr. Link. El origen perdido El dulce Mister Link es el único que protagoniza algo que no es una secuela o un remake, pero eso no suele importar, además, 'Toy Story 4'seguiría una tradición en la franquicia, que ya lleva dos, y no sería raro cuando Tom Hanks recibe el Premio Cecil B. DeMille, y se cumplen 25 años desde que la original hizo historia como la primera película animada enteramente por ordenador. - La noticia Globos de Oro 2020: quiénes ganarán y quiénes deberían ganar en las categorías de cine fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

El año 2020 ha empezado pisando fuerte en lo referente a estrenos cinematográficos. El día 1 de enero llegaron a los cines españoles ‘Richard Jewell’ y ‘El oficial y el espía’, los nuevos trabajos tras las cámaras de Clint Eastwood, y el próximo viernes 10 será el turno de títulos como ‘El faro’, la cinta con la que Robert Eggers tiene que confirmar que ‘La bruja’ no fue una casualidad, y ‘1917’, el primer largometraje dirigido por Sam Mendes desde que dejase atrás su etapa al frente del universo de James Bond. La gran particularidad de ‘1917’ respecto a otras muchas películas que hayamos visto ambientadas durante la I Guerra Mundial está en el hecho de trasladar al espectador la sensación de que todo sucede en un único plano secuencia. Obviamente hay varios cortes a lo largo de su metraje, pero Mendes logra disimularlos con soltura para realizar una proeza técnica que va mucho más allá de eso al conseguir sumergirnos en las trincheras para experimentar de una forma muy viva la misión que reciben dos soldados para evitar una matanza. Un hito Esta claro que, aunque en ocasiones pueda ser de forma inconsciente, cierto componente de lucimiento personal hay cuando un director toma la decisión de hacer un gran plano secuencia. A su manera puede verse como un golpe de efecto similar al que se puede conseguir a través de los efectos visuales, siendo lo realmente importante que aporte a la obra en su conjunto. En ‘1917’ sirve inicialmente para dar más fuerza a la presentación de los personajes, pero la clave está en una sensación de movimiento continuo para que los protagonistas completen la tarea que se les ha asignado. En Espinof Las 23 mejores películas bélicas de todos los tiempos El primer acierto de Mendes es evitar que ‘1917’ resulte acelerada sin necesidad. Sí, hay movimientos de cámara impresionantes y seguro que somos muchos los que habríamos dado casi cualquier cosa por estar en el rodaje, pero todo está muy medido, relajándose cuando la ocasión lo requiere y pisando a fondo el acelerador cuando no queda otra para evitar que una unidad del ejército británica caiga de lleno en una trampa que los alemanas llevan tiempo ideando. De esta forma, podemos ver en ‘1917’ dos mitades más o menos diferenciadas. En la primera vemos a dos soldados emprender viaje, con uno de ellos más implicado en la misión porque podría salvarle la vida a su hermano, mientras el otro simplemente se tiene que comer el marrón que le ha caído encima. Ahí es cuando Mendes, también coguionista de la película, también entra a perfilar el lado más humano, pero siempre vinculado a que no pueden parar si quieren llegar a tiempo. En Espinof 34 grandes películas de 2019: nuestras recomendaciones y favoritas del equipo de Espinof El contraste entre los personajes interpretados por Dean-Charles Chapman y George McKay se consigue a través de detalles sencillos, pero todo está encaminado a estrechar más los lazos entre ellos antes de que la única opción posible sea seguir adelante. De forma puntual cuentan con el apoyo de rostros más conocidos por el gran público, ya sea a modo de etapa intermedia en su “viaje” o como culminación, pero sin llegar nunca a convertirse en una distracción. Un gran equilibrio A fin de cuentas, ‘1917’ es la historia de una misión imposible y cómo va afectando a los dos encargados de llevarla a cabo. Es cierto que es McKay el que cuenta con un arco de personaje mas amplio que el sabe mostrar a la perfección a través de su expresión corporal, pues llega un punto en el que los diálogos casi desaparecen en beneficio de la acción bélica. Ya en esa primera mitad se había notado una preocupación exquisita por conseguir el realismo buscado, pero es en la segunda cuando nos sumerge por completo en el campo de batalla. Y es que al principio no solamente había presentado a los personajes, también nos había ido metiendo a nosotros en ella de forma paulatina para convertir a ‘1917’ en una experiencia inmersiva inolvidable con un ritmo envidiable. Es entonces cuando esa apuesta de Mendes traspasa la frontera de la proeza técnica para que uno casi llegue a sentir en nuestras carnes las penurias que suceden en pantalla, disparándose por completo en un tramo final frenético que eleva la tensión que pueda sentir el espectador a otro nivel. Todo ello sin olvidarse de ese componente más emocional, pero sin llegar nunca a adornarse sin necesidad, ya que se siente como una evolución lógica de todo lo visto hasta entonces. No me cabe duda de que lo que ha conseguido Mendes en ‘1917’ no habría sido posible sin estar rodeado de otros talentos de primer nivel. El mas importante de ellos un Roger Deakins que sabe exprimir a fondo las posibilidades que le daba la iluminación natural para que esa continuidad sea constante en todos los frentes. Y es que se está cambiando constantemente de escenarios y todos ellos son en exteriores, por lo que conseguir esa armonía visual era tan importante o más que el hecho de que los cortes de plano sean inapreciables. En resumidas cuentas Apenas llevamos unos días de 2020 y ya tengo muy claro que ‘1917’ va a ser una de las mejores películas del año. Sam Mendes ha conseguido ofrecer una visión diferente de la guerra, sin deleitarse en ella pero tampoco recurriendo a la crítica. Lo que hace aquí es meternos de lleno en ella a través de un encargo imposible que reciben dos soldados para poco menos que conseguir que nos convirtamos en otro personaje más en una carrera contrarreloj. Bravo. - La noticia '1917' es imprescindible: una proeza técnica que brilla también en lo emocional fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

A falta de un par de días para que sepamos si la gran 'Killing Eve' se lleva el Globo de Oro a Mejor serie de drama, BBC America ha anunciado su renovación por una cuarta temporada. Un anuncio que viene meses antes de que la tercera temporada se estrene la próxima primavera. Nueva temporada, nueva showrunner Y, al igual que con cada temporada anterior, estos nuevos episodios volverán a contar con una nueva showrunner/guionista principal. Alguien de quien solo sabemos que será mujer, en lo que ya consideran una tradición por el que han pasado Phoebe Waller-Bridge (temporada 1) Emerald Fennell (temporada 2) y Suzanne Heathcote en la próxima temporada 3. En Espinof Siete series imprescindibles para ampliar tu imaginario feminista Un cambio que, la verdad, hasta el momento se ha notado bastante orgánico conservando en cada temporada los sellos de identidad de la serie pero sin renunciar al estilo de cada guionista. 'Killing Eve' cuenta con el logro de haber duplicado su audiencia entre la primera y la segunda temporada, algo que según BBC America, solo había logrado 'Breaking Bad'. Acompañando a Sandra Oh, Jodie Comer, Fiona Shaw y Kim Bodnia, el reparto de la temporada 3 de la serie contará con Dame Harriet Walter, Danny Sapani, Gemma Whelan, Camille Cottin, Steve Pemberton, Raj Bajaj, Turlough Convery, Pedja Bjelac y Evgenia Dodina. - La noticia 'Killing Eve' renovada: Eve y Villanelle volverán a verse las caras en una cuarta temporada fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Llevamos demasiado tiempo conviviendo con él para no saber que cuando Quentin Tarantino le da por hablar, es muy probable que suba el pan. Su última intervención pública ha sido en el podcast 'Rewatchables', donde el director de 'Érase una vez en... Hollywood' ha aprovechado para arrojar algo de luz sobre su lista con lo mejor de la década de los 2010 y lanzar un par de dardos envenenados a James Gray. Para comenzar, Tarantino explicó los motivos por los que la fantástica 'Dunkerque' de Christopher Nolan escaló posiciones del número 7 al número 2 en su Top 10 particular después de su tercer visionado. "Tuve una experiencia interesante con ella las dos primeras veces. La primera vez que la vi, no sabía en qué estaba pensando. Tan sólo me centré en todo el espectáculo. No podía lidiar con nada más que no fuese su espectáculo. me gustó la película, pero el espectáculo casi me insensiblizó frente a la experiencia. No creo que sintiese nada emocional. Estaba sobrecogido, pero no sabía por qué... No fue hasta la tercera vez que pude ver a través del espectáculo, a la gente sobre la que gira la historia. Al final pude ver a un poco a través de los árboles." En Espinof Las 39 mejores películas de la década (2010-2019) El director y guionista aprovechó para ensalzar la labor de Christopher Nolan a la hora de enmascarar sus artificios y los trucos que hacen que funcione el filme bélico como si fuese un reloj suizo. "Muchas veces ves una película en la que el estilo se centra en su adrenalina, el estilo es una experiencia inmersiva, pero en el tercer o cuarto visionado vas más allá del estilo y descubres los trucos del mago. En el caso de 'Dunkerque', los esfuerzos de Nolan hacen que quieras ver más. Hay un momento, a mitad de la película, en el que nada puede ir mal. Es una sinfonía. No hay nada que no funcione." Confusión espacial En las antípodas del entusiasmo mostrado hacia 'Dunkerque' se encuentra la reacción de Tarantino con 'Ad-Astra', lo nuevo de James Gray, que dejó al bueno de Quentin confundido —en el peor sentido de la expresión—. "Si estoy confundido y no estoy en buenas manos, enotonces, has roto el hechizo. En la segunda mitad, no sé por qué pasa nada. Se supone que tan sólo tenemos que estar de acuerdo con todo lo que dicen, pero no se por qué funciona esto, o lo otro; por qué un motín en una nave que ocurrió hace 15 años ahora esta enviando picos de tensión que han matado a 40,000 personas. Lo aceptamos porque nos dicen que es lo que está ocurriendo. Disfruté viendo 'Ad Astra', fue una película muy hermosa y adoré a Brad en ella, pero no entendía por qué estaban ocurriendo las cosas. Nolan no nos cuenta nada de lo que pasa en 'Dunkerkque', pero tenía consciencia de lo que ocurría." Después de esta colección de bombas, sólo queda que Quentin Tarantino haga público su selección con los mejores largometrajes de la década para terminar de poner patas arriba el panorama cinematográfico. - La noticia Tarantino afirma que ‘Dunkerque’ es la segunda mejor película de la década y explica qué falla en ‘Ad Astra’ fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Pocas cosas hay que marquen tanto las fiestas navideñas en mi casa como el ponernos a ver la competición de turno de patinaje artístico sobre hielo en Teledeporte. Quizá por eso estaba en mi radar 'Spinning Out', una de las series con las que Netflix ha inaugurado 2020. Compuesta por diez episodios, nos encontramos con un drama (un tanto culebronesco) romántico sobre hielo protagonizado por Kat (Kaya Scodelario, Effy en 'Skins'), una patinadora que ve su carrera (y su confianza) hacerse añicos tras un accidente. En Espinof Las 27 mejores películas de deportes de la historia Sin embargo, poco después ve una segunda oportunidad cuando una prestigiosa entrenadora rusa (Svetlana Efremova), viendo en ella talento, decide emparejarla con Justin (Evan Roderick), un gran patinador chulesco que se convertirá en interés romántico. Todo esto mientras se ve sin apoyo familiar, teniendo que abandonar su casa debido a su abusiva madre con trastorno bipolar (January Jones), trastorno que también padece nuestra protagonista. Carol (Jones) reniegará de su hija mayor mientras que pondrá todos sus esfuerzos en lanzar la carrera patinadora de su otra hija, Serena (Willow Shields). Soñando triunfé patinando Samantha Stratton, cuyo curriculum no es para tirar cohetes ('Agente X' o 'Mr. Mercedes' es de lo último que ha hecho), es la creadora y guionista principal de 'Spinning Out', para lo cual coge un poco de sus propias experiencias en el mundo del patinaje. Así, a lo largo de sus episodios exploramos lo duro, abusivo y despiadado, tanto física como psicológicamente hablando, del patinaje mezclado con un drama familiar/juvenil con enfermedad mental, disputas, celos, envidias y gente queriendo aprovecharse de patinadoras de dieciseis años como ingredientes variados. En Espinof Diccionario teléfilo: guilty pleasure Los que esperabais/mos una aproximación seria a los claroscuros del patinaje artístico... o a cualquier otro tema de los que exponen en la serie (como la salud mental), lo siento. Esto no es para ti. Y si esperabais un guion contundente, tampoco. En 'Spinning Out' las cosas pasan porque pasan y con una facilidad tan gratuita como inverosímil. Pero hay algo que evita el dejar de mirar. Esa sensación de las series que son malillas pero no puedes parar de ver el dramón que se han montado con esas emociones tan a flor de piel, esas situaciones exageradas, esos clichés del género romántico que los ves venir y te los zampas con gusto... y sí, cierto toque mamarracho que nunca está de más. Aunque es cierto que a ratos llega a rozar el aburrimiento, sobre todo si no te metes de lleno en su propuesta, 'Spinning out' puede pasar a ser perfectamente una opción ideal para una tarde tonta. Sí esa que tenemos todos en las que solo nos apetece ver algo que nos distraiga bien distraidos. - La noticia 'Spinning Out': Netflix nos ofrece un culebrón de patinaje artístico como primer placer culpable de 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El modelo voraz de Netflix lleva a que muchas de sus series y películas pasen desapercibidas o desaparezcan de las conversaciones entre los amantes de lo audiovisual apenas unos días después de su lanzamiento. Eso no ha sucedido con 'The Witcher', la ambiciosa adaptación televisiva de la saga literaria de Andrzej Sapkowski. Sin embargo, uno de los motivos por los que se sigue hablando de ella no es especialmente positivo. Son muchos los que se sienten algo perdidos ante la narrativa utilizada por Lauren S. Hissrich, showrunner de la serie, en especial en lo referente al momento temporal en el que nos encontramos en cada momento. La clave está en que la historia de cada uno de los tres protagonistas evoluciona de forma líneal, pero no suceden al mismo tiempo. La propia Hissrich aclaró qué es exactamente lo que buscaba en una entrevista concedida a Tv Guide: Las tres líneas son igual de importantes, siendo esto por lo que contamos la historia de esta manera. Tuve uno de esos momentos en los que estaba en la ducha, salí y le dije a mi marido "¿Es esto una locura? ¿Es una locura hacer eso con la historia? ¿Es una locura decir que la historia de Ciri transcurre durante dos semanas, la de Yennefer durante 70 años y la de Geralt durante 20 años? ¿Es una locura?" Y él me dijo "Creo que no si lo haces bien". Fue todo un reto y muy divertido abordar la historia de esa forma. En Espinof Las 33 mejores series de 2019 Para intentar aclararlo un poco más, veamos cuál ha sido exactamente el viaje de Geralt, Yennefer y Ciri. Obviamente va a haber spoilers: El viaje de Geralt En el primer episodio vemos a Geralt realizar uno de sus primeros encargos como Witcher, aunque no será hasta el octavo episodio cuando realmente conozcamos su auténtico origen: fue abandonado por su madre por motivos desconocidos, quedando a cargo de otro Witcher llamado Vesemir, quien le entrena durante varias décadas para que el propio Geralt acabe convirtiéndose en uno. Dejando a un lado esos detalles que se desvelan cuando Geralt se encuentra en una estado cuestionable, 'The Witcher' empieza haciendo honor a las novelas originales mostrándonos diferentes aventuras a las que ha de ir haciendo frente, siendo en el cuarto episodio cuando las cosas se complican. En Espinof Las 47 mejores series de la historia En 'De banquetes, bastardos...' vemos cómo Geralt salva la vida a Duny, el caballero que acabaría casándose con la princesa Pavetta de Cintra. A modo de recompensa, Duny ofrece a Geralt la Ley de la Sorpresa, algo que no se concreta hasta tiempo después y que resulta desear que el destino de Geralt y el de Ciri, la hija que tendrían Pavetta y Duny, queda unido para siempre. Tiempo después -se calcula que aproximadamente un año-, los caminos de Geralt y Yennefer se cruzan y comienza una peculiar relación sentimental que se rompe en el sexto episodio tras un descubrimiento realizado por ella. Mucho tiempo ha pasado desde entonces, porque la serie regresa a la caída de Cintra, donde Ciri ya cuenta con 14 años. Geralt acude a su rescate obligado por la Ley de la Sorpresa, pero le impiden el acceso hasta ella, quien no tiene otra que huir. El viaje de Yennefer La serie de Netflix rellena un vacío del personaje de Yennefer al contarnos el origen de sus poderes. Aún siendo una adolescente, Tissaia de Vries se la compra a su padre y la lleva a una especie de escuela de magia, donde consigue sus poderes, sacrificando su útero en el proceso. Finalmente, consigue hacerse con un puesto en la corte de Aedirn. La serie opta ahí por dar un notable salto de temporal de unos 30 años -Anya Chalotra, la actriz que interpreta a Yennefer, declaró en su momento que el arco de su personaje iba desde los 14 hasta los 70 años- para mostrarnos que Yennefer no está satisfecha con su vida y ha abandonado Aedirn, poniéndose como objetivo romper el sacrificio que hizo en su momento para así poder tener un hijo. En Espinof Las 11 mejores películas de Netflix en 2019 No mucho después de eso es cuando su camino se cruza con el de Geralt al intentar conseguir los deseos que concede un Djinn -el último de los cuales Geralt utiliza para que su destino quede ligado al de Yennefer, pero sin concretarse exactamente lo que pide-. Tras descubrirlo, Yennefer abandona a Geralt. La última vez que vemos a Yennefer es luchando en la batalla de Sodden Hill, el resultante de la especie de guerra civil que tiene lugar en la escuela de magia a la que acudió en su momento. Su bando sufre numerosas bajas pero queda en duda qué ha sido de ella, pues desaparece tras echar mano de todo su poder. El viaje de Ciri Esta línea temporal es la que transcurre en un periodo más breve de tiempo. Tras la caída del reino de Cintra a manos de Nilfgaard, Ciri huye de la ciudad y vaga durante unas dos semanas, tiempo en el que descubre que tiene unos poderes sobrenaturales. Finalmente se encuentra con Geralt tras la batalla de Sodden Hill, cimentando el camino de cara a la segunda temporada cuando le pregunta quién es Yennefer. El motivo de esta narrativa Tiempo antes del estreno de la primera temporada, Hissirch ya destacó que uno de los grandes cambios que había hecho respecto a las novelas fue "fue introducir a Ciri y Yennefer un poco antes... y hacer que se sintieran como personajes completamente desarrollados". Vamos, que tuviesen entidad propia en lugar de ser personajes que se cruzan en el camino de Geralt. Tengamos en cuenta, que las novelas están contadas desde el punto de vista de él, mientras que en su adaptación televisiva se ha optado por ir saltando entre Geralt, Yennefer y Ciri, por lo que había que ir entrando en sus viajes por separado. La forma de hacerlo ha provocado la confusión en muchos espectadores y esperemos habéroslo aclarado en este artículo. - La noticia 'The Witcher': guía para no perderse con la línea temporal de la serie de Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Es uno de los cineastas más interesantes y personales de la última década desde su peleado debut, 'Katalin Varga'. Aquella pequeña película comenzó a abrir al director las puertas algunos de los festivales más importantes del mundo. Por desgracia, el gran público aún no ha conseguido conectar con su cine, que no termina de encontrar una distribución idónea ni tan siquiera en su país. Pero estamos hablando de Peter Strickland, un director que, a lo mejor, no está destinado a conectar con él. Trash entre amigos Nacido en Reading, de madre griega y padre británico, Strickand comenzó a visitar regularmente Nueva York a los veinte años, gracias a la hospitalidad de una familia de conocidos griegos. Allí entra en contacto con la nueva y vieja guardia de la escena más transgresora, experimental y artística cinematográfica, y realiza su primer trabajo, el cortometraje ‘Bubblegum’, con los iconos de la escena Holly Woodlawn, que debutó en el 'Trash' de Paul Morrissey, y Nick Zedd, responsable de la sugerente 'They Eat Scum'. En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) Ocho años más tarde llegaba su siguiente corto, de apenas tres minutos, ‘A Metaphysical Education’, y un par de años más tarde comenzaría la producción de su ópera prima, que sacó adelante gracias a una herencia familiar, rodando en dos semanas y media, en Rumanía, 'Katalin Varga', que puedes ver aquí. Diseñada para el lucimiento de su estrella principal, la entonces debutante Hilda Péter, 'Katalin Varga' es un austero ejercicio de cine puro, sin concesiones, directo. Una historia de venganza cruda, filmada en 16mm y hecha a través del esfuerzo de apenas once personas. La película se rodó en Rumania en el verano de 2006 por apenas 25,000 libras y con un pequeño equipo de once personas (incluido el transporte y el catering). Strickland pagó a todos de su bolsillo excepto al foquista, András Szöke, que aceptó trabajar gratis. Todo el equipo técnico y artístico convivió en una casa vacía de un pequeño pueblo en las montañas de los Cárpatos. Tras el rodaje, Strickland se quedó sin dinero durante el proceso de edición. Se acercó a muchas productoras de Reino Unido, pero la reacción siempre fue negativa: una película sórdida de un director desconocido, que ni siquiera estaba hablada en inglés, desanimó a todos los inversores del país. Solo dos productores rumanos, Oana Giurgiu y Tudor Giurgiu, prestaron atención y se unieron como co-productores, proporcionando los fondos necesarios para hacer una mezcla de sonido adecuada y procesaron el negativo de Super-16 a 35 mm, con el que aterrizó en la 59 edición del Festival Internacional de Cine de Berlín en 2009 y ganando el premio a la 'Contribución Artística Excepcional' por el diseño de sonido. Sin los productores rumanos, la película nunca habría visto la luz. Horror en el estudio de sonido Tres años después llegaría el verdadero toque de atención para los aficionados al fantástico. Su segunda película, "la primera" para buena parte de sus seguidores entonces, respondía al título de 'Berberian Sound Studio'. Con ella ganó varios premios importantes, tanto en terreno nacional como internacional, incluidos el British Independent Film Award al mejor director o varios premios en Locarno, Sitges o Fantasporto. Mucho más agradecida que su predecesora, con una factura más a favor de la atmósfera giallo que baña el conjunto, e impulsada por la potente música de Broadcast, 'Berberian Sound Studio' supone un hito en el fantástico de la década que estamos a punto de dejar atrás… porque en realidad no estamos ante una cinta de género. ¿O sí? La historia del sonidista desesperado por la sugestión sensorial dentro de una película sobre la sugestión sensorial a través de la postproducción de un film de horror es, cuanto menos, original. Podríamos decir que ‘Berberian Sound Studio’ no tiene mucho argumento. Bien podría afirmarse que la película tampoco lo necesita. Strickland construye un diabólico ejercicio de suspense a través de… ¡nada! Mejor dicho, el autor juega con el suspense de la cotidianidad. Gilderoy le preocupa que nunca le paguen (lo que significa que nunca podrá darse el lujo de irse), y observa cómo las personas que dirigen el estudio discuten en voz alta en un lenguaje que no habla, sobre temas que claramente han estado enconándose por algún tiempo. En ausencia de verdadero terror, Strickland crea una sensación de temor creciente al jugar con los componentes brutos de la cinematografía. 'Berberian Sound Studio' nunca muestra un frame de 'The Equestrian Vortex' (más allá de los increíbles créditos iniciales que podéis ver un poco más arriba), la película prefiere insinuar lo que Gilderoy está viendo a través del sonido (claro) y las descripciones en sus notas de trabajo. El amor más violento Para su tercer largometraje solo hubo que esperar un par de años (y un trabajo para Björk) hasta la llegada de 'The Duke of Burgundy', una poderosa historia de amor loco con dos personajes protagonistas increíbles y maravillosamente interpretados. Sidse Babett Knudsen y Chiara D'Anna bordan sus papeles de amantes pasionales aficionadas al dolor físico y emocional con una intensidad nada habitual en el género. Sea cual sea el género. La banda sonora de Cat's Eyes es alucinante y emocionante. Lo mejor de la película es lo que cuesta creer que esté rodada este siglo y lo bonita y agradable que le ha quedado a Strickland una historia tan, en teoría, desagradable. Efectivamente, hay mucho Jess Franco aquí. No solo porque te lo parezca a ti. Hablando con Mad Movies en la primavera de 2015, el cineasta afirmaba lo siguiente. "Un amigo me puso en contacto con Andrew Starke y Pete Tombs, que dirigen Rook Films y la editorial de DVD de Mondo Macabro. Planeaban hacer una nueva versión de la película de Jesús Franco 'Lorna, la exorcista', y eso me interesó. Sin embargo, pensamos que había algo diferente que hacer, y eso me dio la idea de tomar el cine erótico europeo como punto de partida". "Si bien el grindhouse ha sido revaluado, al igual que el giallo e incluso el cine de caníbales, el género erótico aún está bastante olvidado. Y hay grandes obras. También muy malas, por supuesto. Así que cogí algunos temas, como la pareja de lesbianas o el sadomasoquismo, para tratar de ir más allá, construyendo más un drama que algo en plan porno suave. Muchas de estas películas están diseñadas básicamente para la masturbación, viven dentro de la fantasía, donde una persona dominante siempre es dominante y una sumisa siempre sumisa. Lo que quería explorar es el hecho de que una dominante no dormirá con sus tacones de aguja: dormirá en pijama". Dicho y hecho. El diablo viste de saldo 2019 fue un extraordinario año para el terror textil. 'Le Daim', de Quentin Dupieux, y la nueva película de Strickland, 'In Fabric', fueron dos de los trabajos más pulcros, atrevidos y estilosos del año cinematográfico... del país que decidiera estrenarlos. El británico nos recuerda aún es uno de los cineastas más personales, atrevidos, sugerentes y cachondos del cine actual. No está en la misma orilla que Hélène Cattet y Bruno Forzani, pero tampoco en el extremo de Lars von Trier o Yorgos Lanthimos. El cineasta inglés es una bendición que está justo entre esos nombres, y los baña en horror británico de mediados del siglo pasado con pintas de cerveza barata. La brujería de saldo, el hechizo de las rebajas, se convierte en una extraña y muy bizarra historia de humor y horror, como siempre, excesiva. Su ambientación es tan extraordinaria como de costumbre, y su hipnotismo te agarra desde los fastuosos créditos iniciales, tan cuidados como de costumbre y con un 7'' completamente agotado obra de Cavern of Anti-Matter. Una gran película de terror textil unisex y deliciosa. Hay mucho del extraordinario 'Halloween III: Season of the Witch' de Tommy Lee Wallace, pero también mucho cachondeo y flema británica. Julian Barratt y Steve Oram, viejos conocidos de 'The Mighty Boosh', se apoderan de la función con sus secuencias hilarantes, narcóticas, que casan perfectamente con la música de la película. 'In Fabric' no es perfecta, porque se resiente del plan inicial abortado, que la convertía en un tridente de historias, pero aún así se trata de una exquisita y atemporal gema de género. Y Peter Strickland un genio que merece la máxima atención. No hay muchos cineastas que sigan reventando plateas sin dejar de ser fieles a sí mismos. Y si no me creéis, echad un ojo a su último proyecto, porque devuelve al británico a la mugre neoyorquina donde aprendió todo lo que sabe. O casi todo. - La noticia Peter Strickland y su fascinante mundo de horror fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Netflix al fin ha tomado una decisión sobre la continuidad de 'Educar a un superhéroe': la serie desarrollada por Carol Barbeee a partir del cómic de Dennis Lui tendrá segunda temporada. Una renovación esperada La plataforma de streaming desveló hace unos días que era una de las series más populares de 2019 en Estados Unidos, allanando así el camino para una renovación que se ha hecho esperar más de lo previsto. Recordemos que la primera tanda de episodios llegó a Netflix el pasado 4 de octubre y la compañía no suele esperar tanto para darnos buenas noticias... En Espinof Las 33 mejores series de 2019 'Educar a un superhéroe' cuenta la historia de cómo Nicole (Alisha Wainwright) cría a su hijo Dion (Ja'Siah Young) tras la muerte de su esposo (Michael B. Jordan). Los problemas habituales van más allá cuando descubren que tiene superpoderes, teniendo que hacer un esfuerzo extra para que siga siendo un secreto. Para ello contará con la ayuda de Pat (Jason Ritter), el mejor amigo de su marido. La segunda temporada constará de ocho episodios, uno menos que la primera, y el rodaje tendrá lugar durante este mismo 2020, sin haberse concretado por el momento la fecha exacta. Por su parte, Barbee regresará para seguir ejerciendo como showrunner. Vía | Variety - La noticia 'Educar a un superhéroe' tendrá temporada 2: Netflix renueva una de sus series más populares de 2019 fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Después de 42 años disfrutando de épicas espaciales imposibles entre droides, Jedis, Sith, sables láser, planetas inhóspitos y naves de todos los tamaños y apariencias imaginables, es innecesario puntualizar que el universo 'Star Wars' es una vasta caja de arena en la que dar forma a infinidad de relatos, edificados sobre una mitología prácticamente inagotable. Esto se ha visto reflejado ya no sólo en la rica enealogía principal, que ya ha dado su cierre definitivo con la controvertida 'El ascenso de Skywalker', sino en un surtido de spin-off que —sin entrar en el terreno de cómics, novelas y videojuegos— han explorado tanto en la gran como en la pequeña pantalla la cronología galáctica desde diferentes tonos y puntos de vista. En Espinof 'The Mandalorian': cómo encaja en la cronología 'Star Wars' y quiénes son los mandalorianos Tras las ambiciosas y duramente criticadas apuestas cinematográficas de las dos precuelas subtituladas 'Una historia de Star Wars' —filmes que siempre he defendido a capa y espada a pesar de sus flaquezas—, en Disney han decidido trasladar sus historias paralelas al medio catódico con la primera serie en acción real de la franquicia: una soberbia 'The Mandalorian' que debería ser tomada como referente a la hora de dar forma a las siguientes aproximaciones al material original de George Lucas. Por un puñado de créditos Un hombre avanza por un camino polvoriento hacia lo que parece un pueblo no demasiado acogedor. La puerta de la cantina se abre, revelando a nuestro héroe a contraluz, en pose de duelo, con su guardapolvo al viento —aquí es una suerte de capa— y con la cartuchera de su revólver —reconvertido en un blaster— a la vista de todos los parroquianos, que no tardan en centrar su atención sobre el misterioso visitante. Con esta cliché —término desprovisto en este caso de cualquier connotación negativa—, 'The Mandalorian' inicia su apasionante periplo, abrazando sin miramientos los códigos estéticos, tonales y narrativos propios del western que marcarán los ocho episodios que componen su primera temporada. Un viaje rebosante de virtudes en el que la fusión genérica brilla como principal reclamo. Esta escena introductoria es sólo la primera de muchas referencias a uno de los géneros más longevos de la historia del cine que encierra la nueva aventura de 'Star Wars'. Estas van desde situaciones como asaltos a caballo a asedios a un grupo de personajes encerrados en un recinto cerrado, pasando por un tratamiento del cazarrecompensas protagonista, a quien se conoce únicamente como "Mando" y que bien podría ser el equivalente galáctico del hombre sin nombre de Sergio Leone. Esta esencia del cine del oeste también transpira en el espíritu que envuelve la producción y sus personajes, de una extraña solemnidad y moral más propia del 1860 terrestre que del año 9 después de la Batalla de Yavin, y en el modo en el que traslada estas normas al terreno de la space opera; estableciendo un lúcido paralelismo entre la norteamérica de la posguerra civil y una decadente galaxia posimperial. Finalmente, entre duelos, forjajidos y demás cánones del western, no tarda en aflorar la verdadera naturaleza de 'The Mandalorian', que condensa todas y cada una de las señas de identidad —guiños y fan service aparte— que han hecho tan grande y querida a 'Star Wars': el misticismo que siempre ha rodeado al concepto de la Fuerza, la permanencia del conflicto velado entre Imperio y República típico de la saga y la sensación de ambientarse en un mundo casi inabarcable, repleto de criaturas y sorpresas de todo tipo. Lo bueno, si breve... Ambientación aparte, si hay algo que reverenciar en 'The Mandalorian', eso es su brillante formato. Compuesta por cuatro pares de piezas que superan por muy poco la barrera de los treinta minutos, uno no puede evitar lamentarse por su escasa duración tras la conclusión de cada capítulo, pero dado lo depurado de su narrativa y las cotas de calidad que se alcanzan, estas "pequeñas" píldoras reafirman el dicho de que lo bueno, si breve, dos veces bueno. En Espinof Star Wars: todas las películas de la saga ordenadas de peor a mejor Parca en palabras y abanderada de la máxima que apuesta por el uso de la narración en imágenes y no de la exposición oral, la serie de Disney+ se construye como una suerte de colección de pequeñas piezas autoconclusivas, cada una estructurada en tres actos, que hacen gala de una variedad conceptual exquisita; mención especial para un episodio 6 que parece beber del mismísimo John Carpenter, y para una recta final de infarto que vuelve al western quintaesencial. Pero todo lo comentado hasta el momento no tendría, ni por asomo, el mismo efecto sin una ejecución audiovisual a la vanguardia del medio. Los 15 millones de dólares con los que se ha presupuestado oficialmente cada capítulo han quedado plenamente justificados después de ver el estilizado festival formal ofrecido por los realizadores del show, entre los que se encuentran Bryce Dallas Howard o el mismísimo Taika Waititi. Rodada con una relación de aspecto de 2.39 : 1 —conocida como cinemascope y, de nuevo, propia del western—, y sacando oro de la espectacular tecnología Stagecraft —de la que os hablé ampliamente en este artículo—, 'The Mandalorian' nos regala un surtido de instantáneas, paisajes y set-pieces para el recuerdo que dan empaque al rico lore del relato y elevan los niveles de épica hasta límites insospechados. Redondeada por una descomunal banda sonora original cortesía de Ludwig Goransson que, probablemente, sea de lo mejor que nos ha dado la televisión durante los últimos años, 'The Mandalorian' es una auténtica delicia que, Baby Yoda aparte, muestra a la gente de Disney y Lucas Film que "este es el camino" para continuar expandiendo el universo 'Star Wars'. - La noticia ‘The Mandalorian’: space-opera y western se abrazan mostrando el mejor camino para ampliar el universo 'Star Wars' fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Ya hemos entrado en 2020, pero eso no quita para que no sigamos echando la vista atrás viendo qué programas y series han sido los más vistos en España este pasado año, gracias a los informes que han publicado GECA y Barlovento. Así pues vamos a ver cuales son los programas, series y partidos de fútbol más vistos en 2019 Las 50 emisiones más vistas en España en 2019 Este año el gran cambio que podemos destacar respecto a las listas de años pasados es que el festival de Eurovisión 2019 no ha sido el espacio no deportivo más visto del año. Ese honor lo ha tenido el Debate electoral de RTVE, emitido el 22 de abril y correspondiente a las Elecciones generales celebradas ese mismo mes. En Espinof 24 grandes series de 2019: nuestras recomendadas y favoritas del equipo de Espinof Fútbol: Copa del Rey. Barcelona - Real Madrid (La 1. 6/2 - 7.315 M) El debate en RTVE (La 1. 22/4 - 7.246 M) Fútbol. Copa del Rey: Real Madrid - Barcelona (La 1. 27/2 - 7.168 M) Fútbol. Copa del Rey: Barcelona - Valencia (La 1. 25/5 - 6.430 M) Telediario 2 (La 1. 27/2 - 6.272M) Telediario 2 (La 1. 6/2 - 6.194M) Baloncesto. Mundial: Argentina - España (Cuatro. 15/9 - 6.168M) Eurovisión: Votaciones (La 1. 18/5 - 6.148M) Post Baloncesto: Argentina - España (Cuatro. 15/9 - 5.886M) Copa del Rey. Preva (La 1. 6/2 - 5.670M) Telediario Fin de Semana (La 1. 25/5 - 5.513M) Post Fútbol. Copa del Rey: Barcelona - Valencia (La 1. 25/5 - 5.450M) Festival de Eurovisión (La 1. 18/5 -5.449M) El Debate de Atresmedia (Antena 3. 23/4 - 5.283M) Copa del Rey Previa (La 1. 27/2 - 5.179) Fútbol: España - Alemania (Cuatro 30/6 - 5.036) Copa del Rey Previa (La 1. 25/5 - 4.873) Campanadas (Canarias) (La 1. 31/12 - 4.828M) Fútbol: Malta - España (La 1. 26/3 - 4.798M) Campanadas (La 1. 31/12 - 4.763M) Campanadas (Antena 3. 31/12 - 4.749M) Informativos (Telecinco. 22/1 - 4.627M) Fútbol. España - Noruega (La 1. 23/3 - 4.505M) Supervivientes (Telecinco. 25/4 - 4.363M) GH VIP: Express (Telecinco. 19/12 - 4.324M) Previa Fútbol Clasificatorios Eurocopa (La 1. 26/3 - 4.906M) ¡Boom! (Antena 3. 8/7 - 4.272M) 'Campeones' (La 1. 22/12 - 4.247M) GH VIP (Telecinco. 19/12 - 4.231M) El Debate de Atresmedia (laSexta. 23/4 - 4.194M) Feliz 2020 (La 1. 31/12 - 4.176M) Supervivientes (Telecinco. 25/4 - 4.164M) ¡Boom!: Los Lobos (Antena 3. 8/7 - 4.148M) Previa Fútbol Clasificatorios Eurocopa (La 1. 23/3 - 4.142M) Salvados: Francisco (laSexta. 31/3 - 4.107M) Supervivientes (Telecinco. 18/7 - 4.103M) GH VIP: Express (Telecinco. 12/12 - 4.093M) GH VIP: Express (Telecinco. 21/11 - 4.063M) El Hormiguero: Santiago Abascal (Antena 3. 10/10 - 4.049M) Al Rojo Vivo: Objetivo La Moncloa (laSexta 28/4 - 4.044M) Pasapalabra (Telecinco. 22/1 - 4.028M) Fútbol: Suecia - España (La 1. 15/10 - 4.024M) Previo Fúbol Copa del Rey (La 1. 25/5 - 4.005M) Telediario 2 (La 1. 26/3 - 3.994M) GH VIP: Express (Telecinco. 14/11 - 3.984M) La Voz: Audiciones a Ciegas (Antena 3. 7/1 - 3.970M) 31D: Un Golpe de Gracia (La 1. 31/12 - 3.963M) GH VIP: Express (Telecinco. 28/11 - 3.940M) GH Dúo (Telecinco. 11/4 - 3.882M) GH VIP (Telecinco. 5/12 - 3.837M) Como siempre, resulta curiosa la nimia presencia de propuestas de ficción en el ránquin, sobre todo teniendo en cuenta que según el informe de Barlovento el género ocupa un 42.7% del tiempo de pantalla. Los programas más vistos en España De hecho, habría que irse al top de programas continuados (que incluye el seguimiento de competiciones deportivas como Copa del Rey, y demás) para encontrar la presencia de una serie: 'La que se avecina' que ha logrado colarse en el puesto número 20, rodeado de programas como 'GOT Talent' y 'Supervivientes' Aquí se ve, claramente, lo que funciona en Telecinco el llenar su parrilla con un puñado de programas que siguen el reality de turno, así como los previos y demás. De hecho, si decidimos "desduplicar", nos encontramos con que en vez de 25 programas, apenas superan los diez... ocho si descontamos los deportes. En Espinof Los responsables de 'The Big Bang Theory' explican cómo se decidió el final de la serie Lo más visto en la TDT Si nos vamos a las cadenas temáticas en abierto (la TDT), nos encontramos con un panorama también dominado por el fútbol (y el tenis de Roland Garros en DMAX). Pero ahí nos encontramos con la despedida de 'The Big Bang Theory' con una notoria plata (si, claro, desduplicamos la final del campeonato). En cuanto a las temáticas de pago, no os sorprenderá saber que de las 25 emisiones más vistas en 2019 no hay nada que no sea fútbol. Con el Barcelona - Real Madrid del pasado 18 de diciembre siendo la emisión más vista. 'Juego de Tronos': lo más visto en diferido Donde sí que hay más ficción, y bastante, es a la hora de recoger los datos de consumo en diferido. Algo lógico ya que en este sentido el directo ha perdido mucho fuelle. En el top de emisiones nos encontramos con los seis episodios de la temporada final de 'Juego de Tronos' copando los seis primeros puestos del ranking. Como véis, también hay hueco para series de emisión en abierto con 'La que se avecina', 'Estoy vivo' y 'La caza. Monteperdido'. Por último destacar el consumo en diferido de 'MasterChef Celebrity'. - La noticia Los programas y series de televisión más vistos en España en 2019 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Hace ya tres años del estreno de la cuarta temporada de ‘Sherlock’ y los fans de esta serie británica todavía siguen esperando la llegada de la quinta. Lo curioso es que sus responsables comentaron tras el lanzamiento de la tercera que ya tenían pensada la trama tanto para la cuarta como para la quinta, pero todo hace pensar que los planes han cambiado mucho desde entonces. A continuación vamos a repasar todo lo que se sabe hasta ahora de la quinta temporada de ‘Sherlock’, desde cómo han ido evolucionando las noticias al respecto hasta el estado actual de una nueva tanda de episodios que quizá nunca lleguemos a ver. Mientras tanto, nos queda la versión de ‘Drácula’ que los responsables de ‘Sherlock’ acaban de estrenar. La temprana confirmación y las dudas posteriores Como apuntaba más atrás, Steven Moffat aprovechó el por aquel entonces inminente estreno del ultimo episodio de la tercera temporada para desvelar sus planes de futuro: Mark Gatiss y yo hemos empezado a elaborar las tramas de lo que podríamos hacer en el futuro. Hemos dibujado todas las tramas de la cuarta y la quinta temporada. Las ideas que tuvimos ese día creo que son las mejores que hemos tenido. En Espinof Las 29 mejores series de intriga y suspense en Netflix, HBO, Amazon y Movistar Luego hubo ciertos problemas para organizar las agendas de todos los implicados, lo cual llevó a la realización de un episodio especial que se emitió el 1 de enero de 2016, estrenándose la cuarta temporada justo un año después. Fue entonces cuando empezaron a surgir las dudas sobre una quinta tanda de episodios tras unas declaraciones de Moffat: Si esta fuese la última vez, -no tenemos planeado que así pero podría ser, es posible-, podríamos acabar ahí. No podríamos haber terminado la serie en ninguna otra de la temporadas porque siempre acababan con increíbles cliffhangers. Eso si, apenas unos meses después afirmó que seguía trabajando con la idea de que ‘Sherlock’, aunque Andrew Scott, que interpreta a Moriarty en la serie, también destacó que la serie no iba a volver durante al menos dos años más para mantenerla fresca. El plazo ha acabado y, por desgracia, seguimos sin noticias concretas sobre que ya se hayan puesto manos a la obra. En Espinof Las 47 mejores series de la historia De hecho, Gatiss y Moffat han estado bastante ocupados durante este tiempo con ‘Drácula’, serie en la que empezaron a trabajar a mediados de 2017, aunque el impulso definitivo llegó a finales de 2018 cuando BBC dio luz verde a la misma. Habrá que ver si su lanzamiento les deja ahora libres para volver a pensar en ‘Sherlock’, si prefieren continuar adelante con ‘Drácula’ o si simplemente se centran en un proyecto nuevo. Benedict Cumberbatch y Martin Freeman Benedict Cumberbatch es uno de los actores más solicitados de los últimos años, por lo que encontrar un hueco en su agenda siempre va a ser complicado, pero es que a Martin Freeman tampoco le falta precisamente el trabajo y no se lleva demasiado bien con la fama, pero sobre todo con las exigencias de los fans. En marzo de 2018 llegó a declarar que “ha dejado de ser divertido” hacer la serie por la presión que sentía por parte de los fans, siendo respondido poco después por Cumberbatch de forma bastante contundente: Es bastante patético si eso es todo lo que hace falta para que no quieras tener contacto con tu realidad. ¿Por las expectativas? No sé. No tengo que estar necesariamente de acuerdo... Hay un nivel de obsesión donde [los fans] se apoderan de la franquicia a pesar de que somos nosotros quienes la estamos haciendo. Sencillamente, eso no me afecta del mismo modo, debo decir. Esperemos que esa aparente disputa se haya solucionado amigablemente, pero desde luego no invita a pensar que Cumberbatch y Freeman estén deseando volver a trabajar juntos. Además, el segundo dejó muy claro en una entrevista concedida en agosto de 2019 que no iba a ser precisamente fácil convencerle para hacer una quinta temporada: Si es algo realmente especial y es algo realmente jugoso e interesante, entonces creo que estaría abierto a ello. (…) Siempre ha sido como un evento y si hacemos más, tiene que estar a la altura. No podemos volver con algo que no sea muy bueno. Tendría que sentirse como algo muy muy especial. Es ese tipo de serie. No cierra la puerta, pero quizá sea también una forma de quedar bien para que no se le señale a él como el responsable de que no haya más ‘Sherlock’. Por su parte, Cumberbatch tiene que empezar a rodar en breve la esperada secuela de ‘Doctor Strange’ y tiene varios proyectos más confirmados, pero siempre ha sonado más dispuesto a volver a Baker Street que Freeman. Para matar el gusanillo Si no puedes esperar más para ver nuevos casos de ‘Sherlock’, siempre te queda la opción de ver alguna de las otras muchas adaptaciones del mítico personaje creado por Arthur Conan Doyle. Los amantes de las series de televisión tienen varias opciones, desde ‘Elementary’, la cual sin duda se hizo por la enorme popularidad alcanzada por la serie de Moffat y Gatiss. Protagonizada por Jonny Lee Miller y Lucy Liu, cuenta con siete temporada y 154 episodios que, sin lugar a dudas, os mantendrán ocupados durante un buen tiempo. Sin embargo, nadie en la pequeña pantalla se había asociado tanto a Sherlock Holmes como Jeremy Brett, aún hoy el favorito de muchos. Su debut se produjo con ‘Las aventuras de Sherlock Holmes’ en 1984, recuperando al personaje en otro puñado de series de corta vida, la ultima de ellas ‘Las memorias de Sherlock Holmes’ en 1994. Su fallecimiento apenas un año después nos dejó sin más casos investigados por Brett. En la gran pantalla tenemos que remontarnos unos cuantos años más hasta 1939 para encontrar ‘El perro de los Baskerville’, primera de las múltiples ocasiones en las que Basil Rathbone se metió en la piel de este carismático detective. Ya en 1959 fue Peter Cushing el que ofreció una interpretación memorable adaptando la misma historia -recuperando el personaje en 1968 para una serie de televisión-, pero si buscáis un acercamiento diferente pero fascinante al personaje ni se os ocurra dejar pasar la magnífica ‘La vida privada de Sherlock Holmes’. El último acercamiento cinematográfico memorable al personaje vino de la mano de Guy Ritchie en 2009 con Robert Downey Jr. Al frente del personaje. Con un enfoque más moderno, se trata de un gran pasatiempo que dio pie a una secuela bastante inferior. Cada cierto tiempo se habla de una posible tercera entrega que actualmente está en manos de Dexter Fletcher, responsable de la reciente ‘Rocketman’. Si buscáis encontraréis más versiones, desde adaptaciones directas -ojo a la infinidad de cortometrajes mudos entre 1921 y 1923 con Eille Norwood metido en la piel del incasable detective- hasta versiones libres de lo más diferentes entre sí. Desde la maravillosa ‘El moderno Sherlock Holmes’ liderada por Buster Keaton hasta el inolvidable Doctor House interpretado por Hugh Laurie. - La noticia 'Sherlock': todo lo que sabemos sobre la temporada 5 fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El piloto de ‘Drácula’ es un auténtico regalo de año nuevo para los fans del vampiro cinematográfico más prolífico del cine. Como hicieran con ‘Sherlock’ (2010-) Mark Gatiss y Steven Moffat, el mito nacido de la gran novela de terror gótico de Bram Stoker se reinventa de forma sorprendente, provocadora e inteligente. Siguiendo el patrón del texto hasta cierto punto, el guion juega pronto a romper las reglas lanzándose sin red. Quien espere una adaptación funcional y sacra saldrá escaldado. Gatiss y Moffat proponen una lectura del primer acto de la novela, con Harker visitando el castillo de Hungría que en principio parece seguir la plantilla, pero pronto comienza a alterarse hasta convertirse en una remezcla libre llena de atrevimiento, cambios y vueltas de tuerca a situaciones y pasajes del texto original, de manera que sirven de homenaje autoconsciente mientras presentan lo ya conocido de forma sorprendente y fresca. Un Drácula terrorífico, divertido y sadiano Relatado a base de flashbacks, el periplo de Harker se asemeja al estilo epistolar del texto original, recuperando la distancia necesaria para dar un carácter más legendario al vampiro. En realidad, todo es una carta de presentación para indagar en el núcleo del episodio y de la serie en general: la recreación de Drácula como un monstruo válido para el año 2020, un personaje inclasificable que bebe tanto de su origen literario como de muchas de las versiones vistas en pantalla. En Espinof Las 31 mejores películas de vampiros de la historia Charles Bang ofrece el que es, posiblemente el mejor vampiro desde Gary Oldman, llegando incluso a superarlo como representación del mal absoluto. Donde el conde de Coppola sufría su condena y vivía martirizado por el estigma de su tragedia, el de Gatiss/Moffat disfruta de su existencia vampírica, de su visión de la vida propia de un superhombre, despreciando a sus víctimas como comida. Su forma de actuar es la de una bestia, pero al mismo tiempo es atractivo, sexual y muy, muy divertido. Probablemente sea el punto que más conflicto pueda introducir en los puristas. El uso del humor —*****, macabro e incluso grotesco— puede echar para atrás a los fans del conde. No había habido ninguna versión, o al menos no de comedia, con tantas frases llenas de ironía y flema británica en la lengua de un transilvano. Podría decirse que a veces funciona como una especie de Freddy Krueger, con sus one liners en medio o después de un acto atroz y violento. Terror gótico en estado puro Bang, consigue encarnar a un ser de la noche con el porte de Christopher Lee, la lengua punzante de Louis Jourdan y el magnetismo sexual de Frank Langella. Es, realmente, un gran Conde Drácula. Además, el piloto no trata de renegar de las reglas tradicionales de los vampiros sino que las reinventa y juega con ellas, tratando de preguntarse por qué funcionan de forma dogmática, dando lugar a interesantes diálogos que exploran los fundamentos de la ficción con chupasangres. En Espinof Halloween: las 19 mejores series de terror que puedes ver en Netflix, HBO, Amazon y Movistar+ Pero Gatiss y Moffat conocen la iconografía de la Hammer y despliegan todo un manto de atmósfera gótica y recursos del cine de terror, quizá en ocasiones abusando de algunos sustos de volumen, pero sin olvidar los aspectos más físicos y decrépitos de la mitología del vampiro. Muertos, ghouls, transformaciones, animales, víctimas de anatomías corruptas y metamorfosis conscientes de la importancia del látex, el pringue y la sangre tangibles. ‘Drácula’ es una pieza de horror puro y duro. Elegancia victoriana y carne putrefacta, provocación sexual y desafío religioso, este vampiro quiere ganarse el nombre de Príncipe de las tinieblas y funciona como el mismísimo demonio, asociando más que nunca al Conde con el ocultismo y el cine satánico. Toda su presencia se percibe como el mal rodeando y mancillando las reglas de los vivos. Si no se tuerce en el resto de capítulos, estaríamos hablando de la mejor ficción sobre la obra de Bram Stoker desde la de Francis Ford Coppola. - La noticia 'Drácula' es brillante y gore: la miniserie de Netflix reinventa el mito en la mejor ficción del vampiro desde Coppola fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Mira que el otro día hablábamos de las series más esperadas de 2020... y van los de Disney+ y me cambian los planes. Coincidiendo con el año nuevo, la plataforma ha publicado una promo con lo que llegará en 2020 y, dentro de todo un grupo de series que ya sabíamos, nos ha sorprendido colando 'WandaVision', una de las nuevas ficciones televisivas de Marvel. Lo que sabemos de 'WandaVision' Hasta hoy de 'WandaVision' sabíamos el reparto principal, con Elizabeth Olsen y Paul Bettany haciendo de Wanda y Visión respectivamente, y poco más. Los detalles argumentales se han guardado bajo siete sellos y Kevin Feige asegura que la serie jugará con distintos formatos y género, explotando (y explorando) lo que la pareja es capaz de hacer. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 "Tenemos la oportunidad de mostrar más de lo que Wanda puede hacer, más de lo que hace Visión, y lo más importante, revelar un nombre que no estoy seguro que hayamos dicho en el MCU todavía, pero que será importante en la serie... que Wanda es la Bruja Escarlata. Y ¿qué significa eso, el que sea la Bruja Escarlata? Eso es lo que tocaremos... de modo que sea divertido, a veces aterrador, y que tendrá repercusiones para el futuro de la Fase 4 del MCU." Jac Schaeffer, guionista de 'Capitana Marvel' servirá como showrunner de 'WandaVision', que contará con Kat Dennings como Darcy Lewis, Randall Park como el Agente Jimmy Woo, Kathryn Hahn como la vecina entrometida y Teyonah Parris será una Monica Rambeau ya crecida. Como podéis ver en la promo, tenemos también imágenes de los revivals de 'Lizzie McGuire' y 'Star Wars: The Clone Wars', que llegarán a lo largo de este año a la plataforma. Disney+ estará disponible en España a partir del 31 de marzo. - La noticia 'WandaVision' llega en 2020: Disney+ adelanta el estreno de una de las series más esperadas de Marvel fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

'Star Wars: El ascenso de Skywalker' no deja de acaparar titulares varias semanas después de su estreno. Uno de los aspectos más llamativos de la película de J.J. Abrams fue la aparición de Carrie Fisher en la misma cuando la actriz había fallecido de forma inesperada bastante antes de que arrancase el rodaje. La confirmación de Chris Terrio En su momento se había prometido no recrear digitalmente por ordenador a Fisher y ahora ha llegado la confirmación definitiva de que todas sus escenas en 'El ascenso de Skywalker' provienen de metraje de otras películas de la saga, incluyendo 'El retorno del jedi'. Ha sido Chris Terrio, uno de los guionistas del Episodio IX, quien ha desvelado este detalle en una entrevista concedida a Hollywood Reporter: En Espinof 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': 41 referencias, easter eggs y homenajes para disfrutar a fondo el final de la trilogía En lo referente al audio, toda palabra que ella dice dice en la película ha sido dicha por Leia en Star Wars. Tendría que hablar con Skywalker Sound sobre qué partes exactamente eran utilizable como estaban y cuáles hubo que improvisar con diferentes pistas de sonido. Tuvimos todo lo que dice Leia a nuestra disposición y por supuesto que toda palabra que dice en cámara es realmente Carrie. También tuvimos acceso a los dailies de la trilogía original yn el flashback con Luke y Leia, la imagen de Carrie procede de 'El retorno del jedi'. Tuvimos acceso a todo lo que había en el archivo, lo cual resultó ser muy útil. Así que sí, la trilogía original estaba disponible para el flashback y el audio. Dicho esto, Leia era una persona muy diferente en la nueva trilogía y no estoy seguro de que hubiésemos usado cualquier tipo de audio de la trilogía original. Su voz había cambiado y, obviamente, era mayor, más sabia y con unos rasgos diferentes en su interpretación. No estoy seguro de haber usado algún audio de la trilogía original, ya que intentamos ser fieles a las intenciones interpretativas de Carrie tanto como pudimos. Hasta ahora quedaba la duda de si los flashbacks -ojo al spoiler- que mostraban a Luke entrenando a Leia en las artes jedi habían sido o no recreadas digitalmente, pero parece que finalmente no fue el caso. Eso sí, seguro que no soy el único que siente curiosidad por ver cómo eran las escenas originales de las que se sacó el metraje de Carrie. Algunas, como la que tenéis más arriba de 'El despertar de la fuerza', ya han sido identificadas, pero en ese caso seguro que tuvieron mucho más material entre el que elegir, mientras que remontarse a 'El retorno del jedi' suena a tarea titánica. El resultado personalmente no me entusiasmó, ¿y a vosotros? - La noticia 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': todas las escenas de Leia proceden de otras películas de la saga, incluyendo 'El retorno del jedi' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .