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Publicaciones del blog publicados por Entre Fans

  1. Entre Fans
    Llega la decimotercera gala de La isla de las tentaciones. Las hogueras finales pondrán punto y final a más de una relación y habrá algún que otro giro sorpresa. Como siempre, podréis seguir la gala con nosotros en directo.
    ¿Dónde y cuándo?
    Hoy, lunes 17 de abril, se emitirá el episodio 13 de La isla de las tentaciones a las 22:00 en Telecinco y terminará sobre las 00:30. También podrá visionarse online a través de Mitele.
    En Espinof La isla de las tentaciones 6: quién es Keyla, la Miss Universo y activista trans que tiene que aguantar las turras de Adrián La gala 13 mostrará todas las hogueras finales, en las que las parejas decidirán si quieren irse cada una por un lado, con un nuevo amor o juntas de la isla. Empezando por la de Laura y Alejandro, que pasarán de un silencio incómodo a pedirse perdón a gritos.
    En cuanto a Álex y Marina, será el momento en el que ella descargará toda su frutración por haberle visto tatuarse la inicial de Yaiza mientras que él le recriminará haberse acostado con media villa (o eso cree, vaya). Por su parte, Manuel querrá tener la razón diciendo que Lydia "ha jugado demasiado" con Miguel y ella contraatacará diciendo: "¿Es eso comparable a que tú metas a Miriam en tu cama?" .
    Para el final dejarán el enfrentamiento entre Adrián y Naomi, en el que ella le echará en cara "haberle puesto los cuernos delante de toda España", él la acusará de haber hecho el kamasutra y terminarán hechos un mar de lágrimas. Os esperamos a las 22:00 para seguir la gala en directo y ver qué se comenta en Twitter.
    En Espinof | Dónde está la Isla de las Tentaciones: estas son las localizaciones de Villa Playa y Villa Paraíso donde se graba el reality de Telecinco 
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    La noticia La isla de las tentaciones 6: dónde y cuándo ver la gala 13, en la que Naomi y Adrián terminarán llorando y las parejas decidirán si seguir juntas o separarse fue publicada originalmente en Espinof por Carla Monfort .
  2. Entre Fans
    El éxito de 'Super Mario Bros. La película' cada vez es más alucinante. Hace ya unos días que destronó a 'Ant-Man y la Avispa: Quantuamnia' como película más taquillera del año, pero es que ahora acaba de sumar dos nuevos récords a los que ya había conseguido durante su primer fin de semana en cines.
    Imparable
    El hito más impresionante que ha conseguido ahora 'Super Mario Bros' es el de película basada en un videojuego más taquillera de todos los tiempos. Y encima lo ha hecho a lo gran, pues ese honor pertenecía hasta ahora a 'Warcraf: El origen' con 439 millones de dólares, mientras que la película del fontanero de Nintendo acumula ya 678 millones. Y eso en poco más de una semana en cines.
    El otro récord que ha sumado 'Super Mario Bros' es el de mejor segundo fin de semana para una película animada en Estados Unidos. 'Frozen 2' lo había dejado en 85,9 millones de dólares en 2019, pero el nuevo trabajo de Illumination lo ha superado con 87 millones. No se esperaba algo así hace apenas unos días, lo cual demuestra el increíble gancho de esta película.
    En Espinof El taquillazo de 'Super Mario Bros. La película' se veía venir desde lejos, y uno de sus productores ha revelado su arma secreta para conseguirlo: el SEO Ahora la gran duda está en saber cuál será el techo de 'Super Mario Bros. La película', pero su principal objetivo está claro: convertirse en la película animada más taquillera de la historia. Ahí tendrá que volver a superar a 'Frozen 2', que logró 1450 millones hace cuatro años, pero también a 'El rey león', ya que el remake de Disney está considerado por muchos como una película animada. Ahí lo tendrá algo más difícil, ya que la cinta dirigida por Jon Favreau amasó la friolera de 1.657 millones de dólares. De hecho, ocupa el noveno puesto en la lista de las películas más taquilleras de toda la historia del cine.
    En Espinof | 4 de las mejores películas basadas en videojuegos para ver en Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max y Disney+
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    La noticia 'Super Mario Bros. La película' deja en ridículo al resto de adaptaciones de videojuegos y se merienda a Disney con dos enormes nuevos récords en taquilla fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  3. Entre Fans
    Hace unos días, el bueno de John Tones escudriñó el interesante —aunque irregular— legado de Lara Croft en el cine para explicar los claroscuros que las aventuras de la arqueóloga, interpretada por Angelina Jolie y Alicia Vikander, han proyectado sobre la gran pantalla en las tres adaptaciones de la popular saga de videojuegos 'Tomb Raider'.
    Sexy o no
    Personalmente, soy de los que disfrutaron mucho más de lo esperado con el reboot de 2018 y que guarda un gran recuerdo de 'La cuna de la vida', el segundo y divertidísimo largometraje con Jolie al frente. No obstante, no puedo opinar lo mismo de una primera entrega que tampoco dejó satisfecha a su actriz protagonista.
    En Espinof 17 películas basadas en videojuegos, ¿de verdad son todas malas? Además de haber reconocido haber estado algo perdidos en el proceso de traducción del videojuego al cine, la californiana manifestó su descontento con la personificación de Croft, llegando a sentenciar que no le parecía "suficientemente sexy".
    Parece que, al menos en lo que respecta a los valores cinematográficos, dieron con la fórmula adecuada en la secuela. Lo de si cambió o no el factor sexy de Lara ya va al gusto del espectador.
    Vía | Koimoi.com
    En Espinof | Las mejores películas sobre videojuegos
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    La noticia Angelina Jolie no quedó satisfecha con la primera 'Tomb Raider', y uno de los motivos es de lo más peculiar: "Lara no era lo suficientemente sexy" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .
  4. Entre Fans
    La historia de 'Perdidos' (Lost), el que podríamos definir como uno de los primeros fenómenos seriéfilos globales gracias a Internet, está llena de anécdotas en cuanto a su creación. Tantas y tantas que demuestran que lo que se estrenó en 2004 fue todo un milagro en forma de serie. Una serie que a punto estuvo de quedarse en una película para televisión.
    Algo que contó el propio J.J. Abrams entrevistado en el Festival de Cine de Tribeca en 2016. Durante la charla, el productor, guionista y director, habló sobre cómo fue el largo proceso de convertir una idea, un esquema de 22 páginas, en uno de los pilotos más caros hasta la fecha (se calcula que entre 10 y 14 millones de dólares):
    En Espinof 'From': la serie que propone un misterio como 'Perdidos' con el terror de Stephen King y se ha convertido en el fenómeno sorpresa de HBO Max La tv movie sin final
    Y en medio de esa locura ocurrió un movimiento que casi se carga la serie: Lloyd Braun, el presidente de ABC que había no solo aprobado la serie sino que era su gran apuesta para la temporada siguiente, fue despedido. En su lugar llegó Stephen McPherson, que no tenía tanta fe en la serie cocreada por Abrams, Jeffrey Lieber y Damon Lindelof:
    Y es que cómo cerrar una premisa de náufragos en una isla misteriosa, con un humo *****, osos polares y un sinfín de, valga la redundancia, misterios irresolubles. Afortunadamente, desde ABC parece que captaron el mensaje:
    Lo que nos hubiéramos perdido.
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    La noticia 'Perdidos' fue un fenómeno global de 121 episodios. Su cadena casi la convierte en una tv movie fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .
  5. Entre Fans
    Hacerte un hueco en Hollywood a una temprana edad puede ser garantía de un brillante futuro. No obstante, son muchas las estrellas infantiles que dieron la campanada en su más tierna infancia y luego no encontraron más oportunidades. ¿Qué fue de Mara Wilson?
    La actriz novata
    Mara Wilson nació en Burbank (California, EE.UU.) en 1987. De ascendencia judía e irlandesa, comenzó haciendo sus pinitos en la actuación con anuncios y muy pronto dio el salto al cine. En 1993 debutó con 'Señora Doubtfire', junto a Robin Williams y Sally Field y a partir de ahí se le abrieron las puertas de la meca del cine.
    Tras su breve aparición en la serie 'Melrose Place' y en la película 'Milagro en la ciudad', le llegó su papel como protagonista absoluta: 'Matilda', la adaptación del cuento de Roald Dahl dirigida y coprotagonizada por Danny DeVito, donde daba vida a la peculiar niña con poderes telequinéticos del título.
    La década de los 90 fue la más prolífera de su carrera, protagonizando otras películas infantiles como 'El hada novata' con Martin Short, el telefilm 'Un golpe de magia' o su aparición estelar en la serie 'Pearl'. Incluso hizo la audición para 'Tú a Londres y yo a California', aunque finalmente el papel se lo llevó Lindsay Lohan.
    En Espinof Qué fue de Philip Wiegratz, el niño de 'Charlie y la fábrica de chocolate' cuya carrera como actor duró menos que sus chocolatinas No obstante, esa también fue una etapa complicada de su vida: afrontó la pérdida de su madre, que falleció poco antes del estreno de 'Matilda', a los 12 años sufría ansiedad y fue diagnosticada de TOC y TDAH. Además, cada vez se fue desencantando más de actuar en películas, ya que no encontraba satisfacción en "hacer una y otra vez lo mismo, hasta que al director le pareciera bien".
    Todo ello influyó en que Wilson se retirara del mundillo en el año 2000, siendo 'Thomas and the magic railroad' (efectivamente, un live action de 'Thomas y sus amigos') su última incursión en el cine hasta 10 años después.
    "¿Dónde estoy ahora?"
    Durante el tiempo en que se mantuvo alejada de las cámaras, Wilson no dejó de actuar pero lo hizo en el teatro, incluso estudió Interpretación en la Universidad de Nueva York. También se centró en su gran pasión: escribir. Comenzó con su blog personal y acabó siendo redactora de revistas como Elle o Cosmopolitan.
    Wilson contó su experiencia como actriz infantil en su autobiografía 'Where am I now?', donde relató los problemas de autoestima que sufrió durante su pubertad por no encajar en el estándar de belleza que Hollywood, que a los 13 la consideraba demasiado mayor para papeles de niña y "no lo suficientemente guapa" para el resto.
    En la década de 2010, Wilson volvió a asomarse a Hollywood pero no con su cara, sino con su voz: ejerció como actriz de doblaje en series como 'BoJack Horseman', 'Big Hero 6: la serie' y 'Helluva Boss'. También ha sido narradora de audiolibros y participó en el podcast 'Welcome to night vale'.
    En Espinof Qué fue de Karen Dotrice, la protegida de Walt Disney que dejó de actuar poco después de la prematura muerte de su hermano en 'Mary Poppins' Sus únicos papeles ante la cámara en años han sido un par de cameos de series como 'Crítico de la nostalgia' (2012) y en 'Broad City' (2016), en un guiño a su personaje de 'Señora Doubtfire'.
    Mara Wilson pasó por experiencias terribles a una edad muy temprana y no se arrepiente de haberse retirado de un mundo que, al final, solo le estaba reportando sufrimiento. Actualmente, la actriz sigue haciendo su magia pero desde la escritura, el doblaje y colaborando en causas benéficas sobre salud mental y derechos LGTB+.
    En Espinof | Qué fue de Melissa Joan Hart, la actriz que dejó de ser Sabrina pero encontró su lugar dirigiendo películas navideñas
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    La noticia Qué fue de Mara Wilson, la niña de 'Matilda' que huyó de las exigencias de Hollywood y se refugió en la escritura fue publicada originalmente en Espinof por Carla Monfort .
  6. Entre Fans
    Estoy convencido de que más de un cinéfilo sería capaz de decir que todas las comedias encabezadas por Adam Sandler son malas. Es una idea que hasta cierto punto se puede entender dado el nivel que han exhibido varios de sus trabajos -yo aún siento escalofríos cuando me acuerdo de 'Jack y su gemela' ('Jack and Jill')-, pero entre todos ellos tampoco son tan escasos los que sí que merecen la pena en mayor o menor medida.
    Convertido en unos de los actores de mayor éxito de Netflix, hemos querido realizar un repaso a su carrera. Más abajo encontraréis 11 comedias protagonizadas por Adam Sandler que no son malas películas, en las cuales he optado por dejar fuera aquellas en las que tenga un papel secundario o una mera aparición especial. Sin más que añadir salvo recordaros que únicamente se trata de mi opinión personal, os dejo con ellas.
    'Terminagolf' ('Happy Gilmore', 1996)
    Uno de los primeros grandes éxitos del actor fue esta comedia sobre el mundo del golf en la que la particular personalidad de su personaje pone patas arriba el mundo de este deporte. No es que sea especialmente original, pero tiene gancho, en buena medida gracias al propio Sandler, quien sabe cómo adueñarse de la función echándole morro y provocando más de una risa en el espectador.
    'El chico ideal' ('The Wedding Singer', 1998)
    La película que terminó de poner en el mapa a Sandler para muchos espectadores. Ofreciendo una divertido giro a las típicas comedias románticas, ‘El chico ideal’ se ve muy beneficiada por la notable química entre el actor y Drew Barrymore y por un buen trabajo de ambientación, desde la banda sonora hasta otros guiños a ese aire ochentero que tiene. Eso sí, no tardan en aparecer unos cuantos tópicos y el desenlace vamos a dejarlo en mejorable.
    'Embriagado de amor' ('Punch Drunk Love', 2002)
    Aquí sería más adecuado hablar de una película de Paul Thomas Anderson en lugar de Sandler, pero sería un sacrilegio dejarla fuera incluso aunque no me apasione tanto como a otros. Podríamos describirla como un intento de desmontar los lugares comunes de la comedia romántica contando un romance entre dos personajes atípicos entre los que surge una conexión de lo más excéntrica. Eso sí, no esperéis que se parezca en nada a la típica comedia de Adam Sandler.
    Crítica de 'Embriagado de amor'
    En Espinof Los 23 mejores momentos del cine de Paul Thomas Anderson 'Spanglish' (2004)
    Se queda muy lejos de los mejores trabajos de James L. Brooks, pero Sandler está bastante efectivo en un rol más amable sin renunciar a lo cómico y su química con Paz Vega ayuda a que su excesivo metraje sea un problema menor. De hecho, es la ya conocida habilidad de Brooks para crear buenos diálogos -aunque aquí haya alguna frase que chirría un poco- y manejar a los actores -ojo también a una muy inspirado Cloris Leachman- lo que hace que sus otras debilidades -ese final- molesten menos.
    '50 primeras citas' ('50 First Dates', 2004)
    Mi película favorita de todas aquellas en las que ha aparecido Sandler. Aquí se reencuentra con Barrymore para darnos un relato con un corte más romántico en el que precisamente hay ciertos excesos cómicos con una marcada tendencia a la escatología que ojalá no hubieran sido incluidos. Es una cinta muy agradable y, sobre todo, encantadora, transmitiendo una calidez que yo compararía a la de un abrazo de un ser querido cuando estás un poco alicaído.
    'Click' (2006)
    Una magnífica premisa cuyo guion se queda muy pero que muy lejos de saber exprimir de forma adecuada. Si solamente te quedas con eso, la decepción va a ser mayúscula, pero la cosa se cambia si uno se fija en lo que realmente busca: Una curiosa comedia con toques dramáticos que se va balanceando con cierta soltura entre ambos géneros sin que algo huela a podrido. En definitiva, un agradable pasatiempo que daba para mucho más, pero lo que sí también merece la pena.
    'Zohan: Licencia para peinar' ('You Don't Mess with the Zohan', 2008)
    La comedia excesiva de Sandler con la que más disfruté, con un estimulante toque de parodia y un ritmo más frenético del habitual que ayuda a que uno pase por alto los gags que no funcionan -que son unos cuantos-. Tiene además un punto de sátira bastante efectivo, aunque algunos simplemente se quedarán con su humor de trazo grueso, que, eso sí, también da pie a varias escenas hilarantes.
    En Espinof Las 34 mejores películas cómicas del siglo XXI 'Hazme reír' ('Funny People', 2009)
    Una propuesta con dos mitades diferenciadas, la primera ofreciendo una estimulante visión dramática del oficio del cómico, capaz de que el resto se tronche pese a que él en sí mismo esté muy lejos de alcanzar la felicidad. Luego sigue por derroteros más obvios que estiran demasiado el metraje, poniendo a prueba la paciencia del espectador, quien es probable que acabe desconectando en un momento u otro. Esa es una de las cosas que delata la presencia de Judd Apatow, un realizador que casi siempre se excede de una forma u otra manejando propuestas que sonaban mejor sobre el papel.
    Crítica de 'Hazme reír'
    'Pixels' (2015)
    Una puesta al día de ‘Los Cazafantasmas’ (‘Ghostbusters’) -si la comparáis con el remake femenino, os aseguro que encontraréis muchos puntos en común- en el que Sandler vuelve a meterse en el papel de inmaduro “encantador” -lo segundo queda a juicio de cada uno- que logra sobreponerse para intentar así recuperar a la chica que ama. La diferencia aquí es el contexto con la invasión de alienígenas con la imagen de famosos personajes de videojuego, pero lo que sigue igual es su sentido del humor. Aceptable.
    'Sandy Wexler' (2017)
    Esta producción para Netflix es una especie de declaración de amor tanto hacia su antiguo agente como a muchos de sus amigos. La trama central no es gran cosa y recurre a muchos puntos comunes en su carrera, pero todo lo que le rodea tiene un curioso encanto que hace que su visionado sea de lo más agradable. Tiene además alguna escena muy divertida -me quedo sobre todo con las de Terry Crews como luchador de wrestling-.
    Crítica de 'Sandy Wexler'
    'Garra' ('Hustle', 2022)
    Una película deportiva sobre el mundo del baloncesto en el que se mezcla con bastante fortuna el drama de un cazatalentos que descubre a un jugador (interpretado por el español Juancho Hernangómez) sobrado de talento pero que lo tendrá difícil a la hora de intentar cumplir su sueño a la NBA con el apartado cómico, más centrado en la eficaz relación que surge entre ambos. Con un buen trabajo de sus protagonistas, es cierto que pisa demasiado sobre seguro en lo argumental, pero la clave está en presentarlo de una forma que fluya y conquiste al espectador, algo que logra con creces.
    Crítica de 'Garra'
    En Espìnof | Las 27 mejores comedias de la historia del cine y dónde las puedes ver
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    La noticia Las 11 mejores comedias de Adam Sandler (no, todas sus películas no son malas) fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  7. Entre Fans
    Vivimos tiempos en los que cada vez se estrenan más películas de 3 horas, por lo que seguro que muchos agradecen encontrarse con títulos mucho más cortos y fáciles de encajar en algún rato libre que tengamos. Hoy os voy a hablar de uno de ellos, pues la estupenda 'Más allá de los dos minutos infinitos' acaba de aterrizar en el catálogo de Amazon Prime Video.
    Por qué merece la pena verla
    La premisa se 'Más allá de los minutos infinitos' es tan sencilla como sugerente: el dueño de un café se ve hablando consigo mismo desde la pantalla de su ordenador, pero es que además se trata de una versión que le habla desde dos minutos en el futuro. Una diferencia temporal mínima pero que exprimirá con genial resultado, convirtiéndose en una de las mejores películas de viajes en el tiempo del cine reciente.
    Además, los responsables de 'Más allá de los dos minutos infinitos' prefieren dotar a la película de un enfoque cómico de lo más acertado y que además en ningún momento supone una excusa para mostrarse perezosos en lo argumental. Y es que el ingenio es una de sus principales señas de identidad, sabiendo cómo sorprender al espectador e incluso introduciendo cierta reflexión sobre hasta qué punto estamos encadenados a nuestro destino.
    Todo ello con un aliciente adicional: 'Más allá de los dos minutos infinitos' está presentada como un enorme plano secuencia, lo cual ayuda a que el espectador se sumerja más en la historia e incluso genere cierta dosis de tensión sobre la idea de que quizá no sean capaces de mantener la continuidad entre todo lo que va planteándose en un espacio tan reducido.
    En Espinof 4 de las mejores películas con viajes en el tiempo que los amantes de la buena ciencia ficción pueden ver en Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max y Disney+ Es verdad que puede resultar un poco rocambolesca, sobre todo en su tramo final, y que exige ciertos saltos de fe -¿dónde compran esos cables kilométricos?-, pero en líneas generales destaca por ser una película muy medida pese a su aparente tendencia al descontrol y además sus escasos 70 minutos de metraje se pasan volando.
    En Espinof | 4 de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años para ver en Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max y Disney+
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    La noticia Sólo dura 70 minutos y es una de las mejores películas de ciencia ficción con viajes en el tiempo de los últimos años: llega a Amazon Prime Video una joya minimalista del género fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  8. Entre Fans
    El éxito de ‘Super Mario Bros. La película’ va más allá de haber conseguido ser la película de animación con el mejor estreno de la historia, sino que confirma que Hollywood está tomando los pasos adecuados para corregir una larga tradición de adaptaciones catastróficas de famosos videojuegos. La tendencia empezó con ‘Rampage’, pese a que tomaba una dirección creativa de un concepto sencillo como un Kaiju.
    Ahora con ‘Sonic’ y la serie ‘The Last of Us’, el mundo gamer empieza a dar crédito a la industria de cine cuando convierte videojuegos en largometrajes o series. Pero no siempre fue así, y hasta hace relativamente poco tiempo no había ni una sola de ellas que hubiera convencido a la parroquia. No hace falta leer muchas críticas. Las versiones de videojuegos al celuloide habían sido hasta ahora, con mucha suerte, fascímiles mediocres de sus populares muestras en cartucho. Si queremos comprobarlo sólo hay que mirar el termómetro de la página Rotten Tomatoes. Ninguna adaptación llegaba a pasar un 50% de críticas positivas.
    Aunque alguna de estas películas no están tan mal, alguna incluso es tan estrepitosa que resulta singular por sí misma, pero las virtudes que se le pueden sacar a algunas de ellas no las libra de algo que todas tienen en común: cabrear a los fans del juego original. Muchas usaban el nombre como marca para luego rodar lo primero que pasaba por la cabeza con directores de fotografía que parecían salidos del porno. Otras juntaban a actores de renombre y se olvidaba del guionista. El presupuesto se gastaba en pagar derechos a Konami para invertir la calderilla en efectos especiales. Hay muchas razones que convirtieron estas populares piezas de cultura popular en experiencias miserables para el espectador y exhibiciones humillantes para los actores y miembros del equipo.
    Todo empezó con ‘Super Mario Bros.’ (1993) en la que los fontaneros italianos más famosos de Nintendo protagonizaron el primer intento de adaptación del bit al celuloide. El resultado según Bo Hopkins es “Lo peor que hecho nunca (…) toda la experiencia fue una pesadilla”. Con un villano con la cara de Dennis Hopper teñido de rubio al estilo de los 90, la película omitía una escena que explicaba que se suponía que esta era una historia real que los personajes contaban a los ejecutivos de Nintendo, que la reinterpretarían a su antojo. Ahora tiene su culto, pero durante 30 años ha sido muy odiada.
    Las primeras intentonas
    ‘Double dragon’ (1994) fue la segunda intentona de adaptación de un videojuego de la historia y es bastante peor que la primera. Más parecida a un episodio chungo de ‘Power Rangers’ que al arcade en el que los personajes iban zurrando delincuentes en las calles, resultaba muy tontica, chusca, infantiloide… seguía con la moda de teñir al malo con agua oxigenada. Esta, además abrió el paso para la infame ‘Street Fighter’ (1994). Todos queríamos ver a nuestros luchadores favoritos hechos carne y hueso, pero según iban apareciendo en pantalla la decepción iba siendo cada vez mayor, del hadouken sin lustre de Ryu a ese Blanka que parecía el Hulk de los 70 con pelucón pelirrojo. Dolor.
    En Espinof Las 13 mejores películas sobre videojuegos ‘Mortal Kombat’ (1995) no era tan horrible como su segunda parte, pero ver a Christopher Lambert intentar ser gracioso es suficientemente vejatorio como para querer suicidarte con su banda sonora estridente. Y faltaban fatalities. La nueva adaptación los tiene, pero es casi peor que esta. ‘Wing Commander’ (1999) era la prueba de que, en ocasiones, ni con el propio creador dirigiendo sale algo parecido al juego. El mítico simulador espacial de SEGA se convertía en una space opera juvenil con el reparto de ‘Scooby Doo’ sobreactuando.
    ‘Lara Croft: Tomb Raider’ (2001) Tenía a Angelina Jolie haciendo acrobacias y pateando culos, pero no fue suficiente. Las escenas de acción son aceptables pero no dejaba de ser una copia de Indiana Jones con secuencias inconexas unidas con imperdible. Típico vehículo olvidable y falso. La nueva adaptación con Alicia Vikander es mucho más potente. Del mismo año fue ‘Final Fantasy: The Spirits Within’ (2001), que no tiene mala fama entre los fans del videojuego pero para el espectador medio resulta un verdadero plomo. Es la primera película hecha con personajes fotorrealistas, pero el resultado no difiere mucho de las introducciones infográficas de un juego de la época.
    El ocaso de las vacas sagradas
    Aunque tiene sus fans ‘Resident Evil’ dio lugar a una saga de acción y vergüenza ajena si tenemos en cuenta los presupuestos que se manejaron. Su capítulo inicial es medianamente salvable y como película de zombies no estaba del todo mal, porque aún no había 300 iguales, pero tiraron a la basura un guión de George A. Romero fiel al videojuego —que tendrá un documental próximamente— para hacer una oda bakala al CGI cutre que aún no se ha acabado de corregir. Pese a las buenas intenciones de ‘Bienvenidos a Raccon City’ y la serie de Netflix, aún no hay una buena adaptación.
    En Espinof 17 películas basadas en videojuegos, ¿de verdad son todas malas? La pelis de Uwe Bol, de aproximadamente 2004 a 2007, han hecho mucho por el desprestigio de las adaptaciones en el cine. Desde ‘House of the dead’, que metía planos random del arcade orginal a ‘Dragon Siege’, ‘Alone in the dark’ o ‘BloodRayne’ que inexplicablemente consiguieron ser estrenadas en cine. Boll es garantía segura de desastre, y sus pelis suelen set tan malas que no, ni siquiera hacen gracia. ‘Doom’ (2005) cayó mal en su momento, pero lo cierto es que como peli de acción y terror de serie B es pura diversión, hay sangre y monstruos de latex a raudales en su versión unrated. Se echó en falta la trama infernal pero la secuencia que recrea la visión típica en primera persona sigue funcionando y la película es mejor versión de ‘Resident Evil’ que el grueso de adaptaciones.
    El original de ‘DOA: Dead or Alive’ (2006) es un viaje de muñecas hinchables hechas de bits en bikini peleando, por lo que no puedes pedirle mucho a la peli que lo adapta. Vamos, más material para adolescentes aislados que interactúan con ellos mismos. Sin embargo, ese mismo año apareció una notable excepción con ‘Silent Hill’ (2006), cuya primera hora consigue una buena aproximación a la atmósfera inigualable del mejor videojuego de terror de la historia. Hasta ahí el guión no es algo espectacular pero en la segunda mitad se abre un galimatías de explicaciones de “fin de fase” y gore infográfico más parecido a algo de playstation 2 de lo que debería.
    Cambio de década hacia la mejora
    ‘Hitman’ (2007) tenía una correcta dirección de Xavier Gens, pero no la libraba de ser una más bien zafia película de acción con un garrafal fallo de casting en su protagonista. Hay distintos tonos de sangre, de ropa de Olga Kurylenko y de idiotez. Intentaronvolver a lanzar el personaje en ‘Hitman: Agente 47’, pero no hubo mucha mejora. Tampoco es muy tolerable lo de ‘Max Payne’ (2008)  que no sólo no tiene casi sentido como adaptación, es que apenas llega a tener una mínima coherencia como narración. Su falta de cohesión interna y escenas de alucinaciones convierte un juego con raíces en el cine ***** y John Woo en casi una obra surrealista.
    En Espinof 11 videojuegos que necesitamos ver convertidos en (buenas) películas El cambio de década no ofrecía mejoras y ‘Prince of persia’ (2010) es probablemente la peor película del gran Jake Gyllenhaal. El actor de ojos azules, aquí muy adecuado para interpretar a un príncipe árabe, no puede estar más raruno con esa peluca. Con todo, es una adaptación válida y un blockbuster de aventuras correcto, al igual que ‘Need for speed’ (2014), que no es un completo horror, pero aunque no es fácil hacer una trama con chicha a partir de un videojuego de coches, tampoco se trataba de hacer una secuela desaborida de ‘Fast and Furious’ desaprovechando al gran Aaron Paul.
    El futuro ha ido mejorando, o al menos intentándolo y tras las fallidas ‘Assassin's Creed’ ‘Warcraft: El Origen’ (2016) ha dejado paso para otras que han convencido más, como ‘Detective Pokemon’ y las series como ‘Halo’, que tiene episodios espectaculares o ‘The Witcher’. Y aunque se nombre poco, por el estilo de animación, tenemos verdaderas joyas como ‘The Cuphead Show!’ y otras muy infravaloradas como la terrorífica ‘Detention’, que tiene una película espectacular.
    En Espinof | 4 de las mejores películas basadas en videojuegos para ver en Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max y Disney+
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    La noticia La edad oscura del videojuego en el cine: por qué antes de 'Super Mario Bros. La pelicula' o 'The Last of Us' la mala fama de las adaptaciones estaba justificada fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .
  9. Entre Fans
    Según cree Matt Damon, "un actor consigue el papel que está destinado a tener". Esta reflexión, que podría estar grabada en una taza hollywoodiense de Mr. Wonderful, ayudaría a explicar la considerable cantidad de roles en largometrajes multipremiados que ha rechazado a lo largo de su carrera, incluyendo 'Spotlight', 'Mi nombre es Harvey Milk' o 'El club de los poetas muertos'. Casi nada...
    No obstante, hoy vamos a centrar brevemente nuestra atención sobre la relación de Damon con el mundo de las franquicias y, más concretamente, con el universo del Hombre murciélago de DC. Y es que el de Cambridge pudo haber participado no en una, sino en dos producciones para la gran pantalla centradas en las aventuras de Batman.
    Amor imposible
    Una de ellas fue nada menos que en 'El caballero oscuro' de Christopher Nolan, en la que rechazó dar vida a Harvey Dent, alias Dos Caras; uno de los villanos de la función al que terminó interpretando Aaron Eckhart. Así habló sobre el tema en el podcast Happy. Sad. Confused. mientras, a su vez, volvió a darse latigazos en la espalda por haber descartado trabajar en 'Avatar' a cambio de un 10% de su taquilla.
    En Espinof Tiempo, memoria y obsesiones: cómo Christopher Nolan se ha convertido en el rey del "mindfuck" cinematográfico del siglo XXI Eso sí, Damon se sacó la espinita de colaborar con Nolan en 'Interstellar', y parece que ha pasado a formar parte de los colaboradores habituales del británico, ya que repetirá con él en 'Oppenheimer'.
    Pero, ojo, porque el amigo del alma de Ben Affleck, con quien comparte un Óscar por el guión de 'El indomable Will Hunting', pudo formar parte de la Bat-Familia a finales de los 90 en la 'Batman & Robin' de Joel Schumacher; ya que fue uno de los finalistas para hacerse con el papel de Robin que terminó en manos de Chris O'Donnel... aunque la cosa tenía gato encerrado.
    Tristemente, nos quedaremos sin saber cómo le hubiese sentado a Matt Damon el traje con pezones incorporados.
    En Espinof | Todas las películas de Batman ordenadas de peor a mejor
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    La noticia Matt Damon también pudo haber sido el Robin de Joel Schumacher, pero el papel también se sumó a su lista de rechazos millonarios fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .
  10. Entre Fans
    Recuerdo una pintoresca escena de 'Ya eres un gran chico' ('You´re a big boy now', 1966), una de las obras maestras menos reconocidas de Francis Ford Coppola, en la que el protagonista, un joven adolescente con problemas de adaptación, fantaseaba con aplicar nombres y apellidos al azar a los distintos peatones que encontraba a su paso.
    Como impelido por un extraño mecanismo de inercia, el espectador relacionaba de inmediato la etiqueta pronunciada por el muchacho con el rostro de las distintas personas que aparecían en pantalla, aun a sabiendas de que fuera falsa, dando lugar a una suerte de fenómeno performativo de la escuela de Butler. Margot Sanders, Michelle Robbins, Jack Penthouse, Michael Flanagan… La realidad pasaba a un plano oculto, menos interesante y, paradójicamente, también menos significativo.
    Elizabeth Hartman y F.F. Coppola en el rodaje de Ya eres un gran chico Me resulta imposible no relacionar esta sucesión de imágenes con los recuerdos de mi yo adolescente, indagando entre las estanterías de majestuosos e inabarcables videoclubes, en la Edad de Oro del cine de los ochenta y la exploitation. Yo mismo fascinado y aturdido entre carátulas que aparecían firmadas por distintos nombres que, en muchas ocasiones, no se correspondían con personas reales sino más bien representaban una proyección de estas mismas con fines comerciales, como una percha más a la hora de capturar la atención del posible e incauto cliente.
    La vergüenza callada: creación y difusión del seudónimo
    Aquellos años fueron fiestas de máscaras chiripitiflaúticas en las que Juan Piquer Simón podía pasar por J.P. Simon (por imperativos del mercado extranjero, preferiblemente estadounidense, todavía temeroso de los nombres españoles, sinónimos de chapuzas) y Jesús Franco convertirse, según correspondiera, en Jess Franco, Jess Frank, David Khune o A. L. Mariaux.
    En Espinof Guía básica del euro-horror: 13 películas clave del cine fantástico más excesivo de los 70 El complejo europeo no sólo afectaba a lo español, pues se dio mucho entre la exploitation italiana: así, Antonio Margueretti fue Anthony M. Dawson y Antony Daisies; Aristide Massaccesi se convirtió en Joe D´Amato; así como Andrea Bianchi en Andrew White, siempre moviéndose entre géneros liminares con el horror, la ciencia ficción, el suspense, la sexploitation y la pornografía.
    El mismo Sergio Leone aparece con el trasunto de Bob Robertson en algunas versiones de su célebre Trilogía del Dólar. Con Italia podríamos casi hacer una mini enciclopedia: Enzo G. Castellari fue E.G. Castell; Luciano Risi, Herbert Wise; Luigi Cozzi, Lewis Oates; Bruno Mattei, Vicent Dawn; el actor Luigi Montefiori, George Eastman; Giarcarlo Parolini, Frank Kramer; Lucio Fulci, Louis Fuller; Giorgio Ferroni, Calvin Padget; Umberto Lenzi, el nabokoviano alias de Humphrey Humbert; Riccardo Freda, Robert Hampton; Massimo Puppilo, Ralph Zucker; Camilo Mastrocinque, Thomas Miller; Renato Polselli, Ralph Brown; Mario Bava, John M. Old. Y su hijo Lamberto, para continuar con la tradición familiar, John M. Old, jr. Tantas veces las apariencias engañan, amigos.
    De hombre a mujer y viceversa
    El controvertido caso de Carmen Mola hacía flotar en mi cabeza todos aquellos nombres y disfraces que, a veces, también implicaban un cambio de sexo, como es el caso de cuando el mismo Jesús Franco usó el nombre de su mujer y estrella Lina Romay para firmar algunos de sus filmes S o X.
    Dr Alien ¿Existen otros casos de hombres firmando como mujeres dentro del género? A mí se me ocurre al menos uno: David DeCoteau, director de deliciosas comedias trash como 'Dr. Alien' y progresivamente especializado en cine de serie B de marcado componente homoerótico, firmando algunas de sus películas como Victoria Sloan o Ellen Cabot. Y en otro orden de cosas, Steven Soderbergh usando el nombre de Mary Ann Bernard para firmar el montaje de 'Solaris'. El mundo del clasificado S fue también prolijo en escamoteos y caretas: Al Bagran era Alfonso Balcázar; Félix Varón, Ismael Rodríguez; Richard Vogue, Ricard Reguant y un largo etcétera…
    Las más de las veces el uso del seudónimo se debía al descontento con el resultado final y el consiguiente cargo del mochuelo al primero que pasara por allí: tal es el caso de la taquillera 'El maravilloso mundo del sexo', a mayor gloria de Susana Estrada, dirigida por Gil Carretero, pero firmada por su secretario, Mariano V. García. El porno también sería famoso por sus seudónimos, cuando fuera llevado a cabo por directores que no querían ver menoscabado su prestigio: Henri Pachard, Henri Paris, Damon Christian, Armand Weston, Alex deRenzy o Bruce Steven no serían más que máscaras de quita y pon.
    El seudónimo como broma o guiño
    El seudónimo no sólo es una argucia comercial, también oculta una vergüenza. Las más de las veces, por el resultado final, pero también por una nacionalidad, por la necesidad de escamotear un diseño de producción mejorable. Pero a veces, la careta esconde un guiño.
    Así es el caso de Walter Hill que, una vez vistos los resultados de la irregular 'Supernova', prefirió parapetarse bajo el nombre de Thomas Lee, un guiño a uno de sus personajes de una de sus películas más reconocidas, 'Calles de fuego'. Lo mismo le pasó a Blake Edwards en el guion de la simpática Ciudad muy caliente', que prefirió usar el nombre de Sam O' Brown, iniciales de su película S.O.B., esto es Son of *****, la película que tan cariñosamente el director dedicara a la industria del cine y que en las estanterías españolas, rizando el rizo, fuera subtitulada como 'Sois hOnrandos Bandidos'.
    David O. Russell, tras no considerarse responsable de la aquí inédita 'Accidental Love', utilizó el nombre de Stephen Greene, sin relación aparente con su obra anterior. David Lynch, para la versión televisiva de su discutida 'Dune', aparecería acreditado en el guion como Judas Booth, un guiño a Judas Iscariote y a John Wilkes Booth. Para el libreto de la neumática 'Megavixens' ('Up!') de Russ Meyer, el prestigioso crítico Roger Ebert se ocultaría bajo el chisposo nombre de R. Hyde (o lo que es lo mismo; está(n) escondidos).
    En Espinof Exploitation: cómo nace y las mejores películas del cine de explotación Igualmente se da el caso de directores que recurren al seudónimo para no figurar con su nombre en tareas de música, escritura o montaje. Es muy común en las producciones pequeñas, donde los directores quieren dar la impresión de que el equipo implicado es mucho mayor.
    Pero también se da entre cineastas independientes de mayor influencia y envergadura, como es el caso de Joel y Ethan Coen, que firman muchos de sus montajes con el nombre ficticio de Roderick Jaynes; Steven Soderbergh, que ha utilizado Peter Andrews, el nombre de su padre, o Sam Lowry, para firmar sus guiones. Otros seudónimos famosos en España para la escritura fueron Luis Peñafiel (Chicho Ibáñez Serrador) o Jaime de Andrade, trasunto del mismísmo general Franco para el guion de 'Raza' de José Luis Sáenz de Heredia.
    John Carpenter también es muy amigo de los seudónimos y los usa como pequeños homenajes y juegos de palabras a escritores, realizadores y personajes, en las tareas de escritura o música: John T. Chance en 'Asalto a la comisaria del distinto trece', Frank Armitage en 'Están vivos' y, por supuesto, Martin Quatermass en una de sus obras de terror más personales: 'El príncipe de las tinieblas'. A veces el seudónimo no pasa de la mera broma fácilmente identificable: Steven Spielberg firmando como Steven Spielrock en la producción ejecutiva de 'Los Picapiedra'.
    Expediente Smithee
    Durante un año hubo un nombre que me intrigaba especialmente durante mi peregrinaje entre las estanterías. Alan Smithee. Aquel hombre parecía haber dirigido muchas películas y curiosamente ninguna era lo que se dice buena. Debemos precisar que nos encontrábamos en una época pre-Internet, en la que no era tan fácil encontrar cierto tipo de informaciones, y que yo era un adolescente particularmente ingenuo que creía que BSO (siglas de Banda Sonora Original, como descubriría tiempo después) era un grupo, como REM, que había compuesto las canciones originales de 'Ghost', 'Pretty woman' y 'Twin Peaks'. ¡Menudos cracks!
    Con el tiempo descubriría que tras el nombre de Smithee no se encontraba nada, salvo la vergüenza y el arrepentimiento, pues el tal Alan no era más que un seudónimo. Un seudónimo que a veces tomaba las formas de Allan Smithee o Allen Smythee para venir a decir más o menos lo mismo: que el responsable repudiaba el resultado de la película. El tal Smithee nace en 1968 como invento, o parche, del Sindicato de directores de Hollywood, y muere con el comienzo del milenio, a raíz de una historia particularmente divertida que luego contaremos.
    Según la cláusula establecida por el sindicato, que con el tiempo se extendería también al gremio de guionistas y en algún caso raro a segundos de dirección y compositores, el director se comprometía a no desvelar quién se ocultaba tras la máscara, así como a no explicar las razones de su insatisfacción autoral y creativa. Lo malo o lo bueno es que, como casi siempre en Hollywood, todo se termina sabiendo.
    En Espinof El increíble caso de David Manning: cuando Hollywood se inventó un crítico de cine para promocionar sus películas Pese a que la mayoría de las películas que firmaría el inexistente Smithee serían comedias o delirios de acción, el caso es que todo empezó con un western. Durante el rodaje de la modesta 'La ciudad sin ley' ('Death of a Gunfighter'), el actor Richard Widmark se encuentra descontento con el trabajo del director, Robert Totten y se las arregla para que sea reemplazado por el más prestigioso Don Siegel, responsable de clásicos como 'La invasión de los ladrones de cuerpos' y futuro autor de 'El seductor' o 'Harry el sucio'. Siegel invierte entre 9 y 10 días de rodaje, que se sumaban a los 25 del trabajo de Totten. Cuando la película se termina, Siegel rechaza aparecer en créditos y Totten se niega igualmente.
    El sindicato de directores propone usar entonces este nombre cifrado para el estreno de la película en 1969. Si bien en numerosas fuentes figura que el origen del nombre correspondía a un anagrama de "The alias men", lo cierto es que fue un derivado de Al Smith, tras ser rechazado éste por considerarse demasiado común y, por tanto, proclive a equívocos.
    Aunque a día de hoy 'La ciudad sin ley' es un título olvidado, valioso, eso sí, para los completistas del western o la filmografía del señor Siegel, la crítica no la recibiría del todo mal, pese a lo desbaratado de su rodaje. Roger Ebert, quien como hemos visto, no es del todo ajeno a los seudónimos, diría de ella: "no conozco de nada a Smithee, pero el caso es que consigue que la historia se desarrolle con naturalidad". Una circunstancia atípica ya que, con el tiempo, el nombre de Smithee pasaría a ser sinónimo de basura, un aviso grabado a fuego en las carátulas comerciales. Si usted alquila esto, abandone toda esperanza.
    Casi al mismo tiempo, el seudónimo también sería aplicado de manera retroactiva a otra película, dirigida por Jud Taylor con anterioridad a 'La ciudad sin ley'. Se trataba de 'Fade in', también conocida como 'Iron cowboy', protagonizada por Burt Reynolds. Taylor, que volvería a usar el seudónimo en 1980, comentaría más adelante: "Tuve un par de complicaciones en mi carrera relacionados con el montaje y el hecho de no haber concretado con mi agente el número de días que podría dedicarme a ello. Entonces fui al sindicato y les planteé el problema. En ambos casos tuve que recurrir al nombre de Smithee. Significaba una señal para la industria desde el punto de vista de unos derechos creativos que habían sido dañados".
    Los más atractivos despropósitos de Smithee
    Tanto la Wikipedia como la IMDb recopilan más de 20 títulos firmados con el hombre fantasma, a los que habría que añadir otros tantos correspondientes a trabajos televisivos y vídeos musicales. En muchos de ellas, el director continúa en el anonimato, pero aquí nos centraremos en los casos más llamativos. Vaya por delante que, al menos a juicio de este crítico, no todas las obras firmadas con el nombre de Smithee son películas completamente desdeñables.
    'Camino de retorno' ('Cathfire') es probablemente el ejemplo más notable. Dirigida realmente por el actor Dennis Hooper, después de la notable 'Colors: colores de guerra' y justo antes de la que sería una de sus mejores obras, 'Labios ardientes' ('The hot spot'), la película constituye una rareza en toda regla, protagonizada por el propio Hopper, Jodie Foster, Fred Ward y Vincent Price y con pequeños papeles para Joe Pesci, John Turturro, Charlie Sheen, Catherine Keener y Bob Dylan.
    La producción se caracterizó por los continuos enfrentamientos entre Hopper y Foster; concretamente a partir de una escena de ducha en la que la actriz tenía que aparecer desnuda de cintura para arriba. El guion, originalmente escrito por Rachel Kronstadt, sería reescrito por Ann Louise Bardach. Hopper llegaría a contratar a un tercer guionista, el director Alex Cox, para pulir el resultado, pero no lograría salvar la película. La crítica dijo de ella: "Es un film mediocre, con giros ilógicos, a veces incomprensibles, y un pobre desarrollo de personajes". Continúa siendo la película maldita de la estimulante trayectoria del director, incluso por encima de 'The Last Movie'.
    Más adelante, Hopper añadiría 18 minutos al material y la recuperaría para la televisión por cable, ya con su nombre en créditos y con el título de 'Backtrack'. Esta es la versión que vimos en España, directa a vídeo, con el título señalado más arriba. El resultado es un despropósito sorprendentemente torpe que, a veces, recuerda a la comedia negra que podía haber sido pero que en cualquier caso desmerece al vigor narrativo del autor de la extraordinaria 'Caído del cielo'.
    En Espinof Cuando el montaje final lo cambia todo: 13 películas con versiones alternativas superiores a la original Algo parecido debió ocurrir nueve años más tarde con 'Se busca mujer', basada en una novela de Joanna Glass y protagonizada por Holly Hunter, Kiefer Sutherland y Michael Moriarty, que iba a ser la tercera incursión tras la cámara del propio Sutherland tras el telefilm 'El último amanecer' y el bien recibido thriller 'Últimas consecuencias' ('Truth or consequences, N.M.'). De escasa repercusión, la película sería una de las últimas que usarían oficialmente el seudónimo de Smithee.
    Otro de las ocasiones en los que la vergüenza iría íntimamente relacionada con el nombre de Smithee sería en relación al primer segmento del film de episodios 'En los límites de la realidad'. El segundo de dirección, Anderson House, usaría el nombre después de que el actor Vic Morrow y dos niños resultaran muertos en un accidente de helicóptero durante el rodaje. Curiosamente el director, John Landis, sí firmaría el segmento, aunque el incidente, del que se acabaría por declarársele no responsable, le traería no pocas complicaciones.
    Otro ejemplo raro es el relacionado con la pobre parodia '13 asesinatos y medio', donde el productor, Michael Ritchie, también conocido director, utilizaría el seudónimo lavándose las manos ante el desastre, mientras que el director Mickey Rose, guionista habitual de las primeras películas de Woody Allen, sí firmaría la película con su nombre.
    Más casos: Rick Rosenthal, firmante de 'Halloween 2: ¡Sanguinario!', renegando de 'Los pájaros 2: El fin del mundo', una secuela televisiva del clásico de Alfred Hitchcock 'Los pájaros', en 1994. Paul Bogart, futuro director del clásico *** 'Trilogía en Nueva York', recurriendo al seudónimo ante el resultado de la también televisiva 'Fun and games'. El prestigioso Stuart Rosenberg renunciando a la autoría de 'Let´s get Harry', cuando la productora tomó la decisión de filmar nuevo material para aprovechar la efímera popularidad de Mark Harmon.
    La simpática comedia juvenil 'Home Front' ('Morgan Stewart´s coming home'), en la estela de la magnífica 'Todo en un día' y con Jon Cryer y Viveka Davis, filmada originalmente por Terry Winsor y, una vez éste fuera despedido, por Paul Aaron. La comedia de terror 'Ghost fever', coproducción entre EE.UU. y México, rodada originalmente por Lee Madden. La tragicomedia semiautobiográfica 'I love NY', dirigida en 1987 por el fotógrafo Gianni Bozzacchi, con Scott Baio y Jennifer Beals. La inenarrable farsa 'The shrimp on the Barbie', con Cheech Marin, capaz de avergonzar hasta al autor de 'Maniquí y Mr. Nanny'. Más aparente es la producción de 1990 'Solar crisis', dirigida por el veterano Richard C. Serafian, adaptación de la novela de Takeshi Kawata, que no convencería a su responsable.
    A medida que avanzan los años noventa, las películas firmadas por Smithee y sus correspondientes anécdotas se van difuminando. Kelly Makin firma con este nombre algunas versiones de su divertida 'Desmadre sobre ruedas', ya que la productora incluyó en el montaje final algunas escenas no dirigidas por ella. 25 minutos cortados y numerosos cambios fueron razones más que suficientes para que Kevin Yaguer y Joe Chappelle renunciaran a aparecer en los créditos de la fallida 'Hellraiser: Bloodline', el cuarto episodio de la saga que, de todas formas, obtendría críticas terroríficas.
    En Espinof Falsas secuelas y títulos horribles: cómo se malvende el cine en 21 ejemplos Lo mismo ocurriría en algunas versiones del documental sobre la vida del actor porno John Holmes 'Wadd: The life and times of John C. Holmes', de Cass Paley, lo que no le impediría a obtener buenas críticas y ganar diversos premios. No se puede decir lo mismo de un despropósito como 'The Nutt House', firmado por Adam Rifkin, y escrita por Scott Spiegel (bajo el seudónimo de Peter Perkinson), Bruce Campbell (R.O.C. Sandstorm), Ivan Rami (Alan Smithee Junior) y el mismísimo Sam Raimi como Alan Smithee. La película no era para menos.
    También es frecuente que los directores emplearan el nombre de Smithee para versiones cortadas de sus películas. Tal es el caso de William Friedkin, que utilizó para la televisión para televisión por cable de 'La tutura' el nombre de Alan Von Smithee. Lo mismo ocurre con la versión para televisión de 'Rudy', dirigida por David Anspaugh el mismo año. Directores como Martin Brest o Michael Mann suelen utilizarlo también en las correspondientes versiones editadas de sus películas para la programación de los aviones.
    ¡Arde Hollywood! Un final a la altura del engaño
    Y, durante todos estos años, ¿acaso no apareció alguien verdaderamente llamado Smithee exigiendo reclamar las recaudaciones y los derechos de autor de alguna de estas películas, cuando no de todas? ¿O que un hombre llamado de verdad Smithee quisiera quitar su nombre de un proyecto del que no se sentía responsable? Éste es precisamente el punto de partida del satírico mockumentary '¡Arde Hollywood!' ('An Alan Smithee Film: Burn Hollywood Burn') de 1997, protagonizado por Eric Idle, con apariciones de estrellas hollywoodienses como Sylvester Stallone, Jackie Chan o Whoopi Goldberg.
    Por lo visto, el productor Joe Eszterhas metió excesivamente sus zarpas durante el rodaje, hasta el punto de que el director Arthur Hiller, artesano de la comedia durante los setenta y ochenta, pediría retirar su nombre y, como en uno de muchos casos en los que la ficción imita al arte, usar el de Smithee.
    La película, una farsa atropellada e irregular pero simpática dentro de sus imperfecciones, fue un fracaso de crítica y público, quedando sólo como una mera anécdota a día de hoy. Eso sí, sirvió de perfecto y surrealista corolario a uno de los capítulos más curiosos, secretos y retorcidamente fascinantes de la industria cinematográfica durante las últimas décadas del siglo pasado: el asunto Smithee.
    En Espinof | Las parodias cada vez tienen menos gracia: una evolución del género desde 'El jovencito Frankenstein' a 'Casi 300'
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    La noticia Alan Smithee, el director que nunca existió y el fascinante mundo de los seudónimos en el cine: 30 años de historia del séptimo arte a través de sus máscaras fue publicada originalmente en Espinof por Pablo Vázquez .
  11. Entre Fans
    "Hola. Vamos, Vogue. Solo me voy a asegurar de que no entran malas energías [en esta casa]". Así saludó Pamela Anderson al equipo editorial de la revista de moda estadounidense en pleno reportaje mientras se preparaba para acudir a la premiere de su documental, 'Pamela Anderson: una historia de amor', producido por su hijo Brandon Thomas Lee y que aborda su vida personal y profesional ante la mirada pública.
    Esa imagen, palosanto en mano, podría ser perfectamente una de las instantáneas del documental de Netflix que están rodadas en la playa de Ladysmith, la isla natal de Canadá en la que actualmente vive Anderson, y que rompen por completo los esquemas de la imagen preconcebida del espectador sobre la que fuera C.J. Parker en 'Los vigilantes de la playa'.
    La tristeza de una estrella olvidada
    A lo largo del documental de Pamela Anderson, que empezó a trabajar delante de las cámaras como modelo después de ir con unas amigas a un partido de fútbol de los BC Lions en 1989 y ser "descubierta" por la cámara, lo que le valió un primer contrato para la compañía cervecera Labatt, queda clara una cosa: la realidad de una mujer que se mueve con la inteligencia de quien se ha creado una coraza irónica para hacer chistes, antes que nadie, de su sexualización heredada.
    Pero, sobre todo, deja traspasar el poso de tristeza de quien ha visto frustradas sus propias aspiraciones por la explotación de una muñeca a manos de la industria, para luego romperse en el olvido por convertirse en el escándalo de una sociedad hipócrita.
    De hecho, es muy revelador ver cómo de manera constante Pamela Anderson habla de sí misma alejando su espíritu de su físico y de lo que significa, en teoría, un patrón de comportamiento clásico de la que fuera icono de la revista Playboy. Así, cuenta en ese vídeo de Vogue, al hacer referencia la estilista a su clásico recogido rizado de pelo de los 90, que ese voy a hacer "lo mío" va a pasar por última vez, para tomar por fin las riendas propias, ser "realmente yo" y hacer lo que le apetezca.
    El documental de 'Pamela Anderson: una historia de amor' toma forma rápidamente como carta de despedida a ese arquetipo de icono sexual que su imagen personal adoptó socialmente fuera de las cámaras. Lo hace desde una perspectiva dolorosa que da cuenta de las secuelas emocionales de la actriz tras vivir la filtración sin consentimiento de un vídeo íntimo, su carrera rota y la continua mirada reduccionista de la sociedad a sus tetas.
    En Espinof 'Pam & Tommy': la polémica historia real que adapta la excelente serie en Disney+ Al comienzo del documental de Netflix, Anderson habla sobre el entorno en el que creció —con un padre alcohólico— de los abusos de una niñera y de la violación que sufrió a los 12 años a manos de un hombre que le doblaba la edad y que, por tanto, ya era adulto.
    En ese camino autobiográfico, empieza deshojar cómo la sociedad llega a moldear a la mujer para hacerle responsable de lo que le pasa. Por ejemplo, cuenta que cuando era pequeña odiaba su cuerpo y veía las revistas Playboy que tenía su padre, escondidas, pensando en lo preciosas eran esas mujeres y por qué ella no se parecía a esas modelos.
    Tiempo después, al poco de empezar a trabajar como la chica Blue Zone de la cerveza fabricada por Labatt, una llamada de Playboy irrumpe en su vida para ficharla como modelo, un trabajo que empezó, tal y como cuenta en el documental, sintiéndose por primera vez "liberada de sus inseguridades". Para Anderson, además, ser imagen de uno de los reportajes de la revista era interpretar a un personaje, ya que todo el rato había querido "abandonar su cuerpo y escapar".
    La disociación de un mito
    A partir de ese punto, Pamela Anderson transmite cómo se ha alejado de esa realidad paralela al verse atrapada por ella. En imágenes durante el documental, se ve una y otra vez a la modelo y actriz más como un producto a consumir que como una mujer libre de etiquetas y con el poder de tomar, sin lastres, las decisiones que crea conveniente.
    En Espinof 'Barb Wire': cuando Pamela Anderson fue la superheroína del reboot postapocalíptico de 'Casablanca' que condensa la esencia de los 90 De hecho, su propio hijo expresa su desconfianza hacia una sociedad que no la considera "dueña de su propia imagen" y que la ve como "propiedad de todos" por el mero hecho de haberse desnudado en la cabecera de Playboy. Testigo de ese doloroso legado son los diarios que Anderson entrega, sin querer poner ella misma la voz en off para esas palabras del pasado, y en los que se desvelan muchos pensamientos y vivencias del pasado, incluidos los celos de sus exparejas.
    No es raro escuchar tampoco de su boca que no va a ver el documental, ni aunque lo haya producido su hijo, porque, tal y como dice, "lo único que quiero saber de todo esto es nada". Pamela Anderson da la sensación en este proyecto de que ha llegado a dudar incluso de quién es y de cuál es su personalidad por las humillaciones a costa de su físico y el robo de la célebre cinta.
    Y lo más descorazonador de todo es ver, delante de una cámara, cómo se muestra claramente la disociación con respecto a quién se supone que es, según la mirada de los demás. "Me sorprendo a mí misma viviendo más de esa forma que como realmente soy", se escucha decir a Anderson en el metraje al ahondar en la imagen de "caricatura" que la industria del entretenimiento ha creado de ella, pegada literalmente, como expresa, asimismo, a unos senos que tuvieron una carrera.
    Décadas después, la sociedad sigue inoculando un estatuto de belleza poco realista, haciendo creer que para sentirse bien con el cuerpo propio se deben cumplir unos cánones que encajan con la búsqueda de la perfección. A ese acoso y derribo se une el hecho de confluir con una industria del entretenimiento aún muy acostumbrada a aprovecharse de la imagen femenina desde la mirada masculina y, a la vez, a culpabilizarla por esa imagen frívola creada.
    En el documental, por ejemplo, se incluyen imágenes de Pamela Anderson y Tommy Lee saliendo de noche, una grabación en la que se cuela la pregunta de la prensa hacia ella sobre dónde está su bebé, cuestión también latente a día de hoy en las redes sociales, como por ejemplo le pasó a la actriz Shay Mitchell, quien fuera Emily en 'Pequeñas mentirosas', a finales de 2019 cuando fue a una fiesta después de haber dado a luz a su primera hija.
    ¿Quién es Pamela Anderson?
    La Playboy de ahora, en lo que a sentar cátedra se refiere en torno a la imagen arquetípica e ideal que gusta en sociedad, bien podría asemejarse al desfile hegemónico de estar siempre listo para consumir ante un desconocido que inició en 2008 el programa 'Mujeres y hombres y viceversa', que ha vivido su legado con 'La isla de las tentaciones', volcada ya en este 2023 en su sexta temporada.
    Vivir al servicio del constructo social de belleza supone estar constantemente en el ojo del huracán y estar expuesta al borde del precipicio por quienes creen, además, tener el derecho de juzgarte por el siempre hecho de haber jugado con las normas disponibles. Al igual pasa con el encadenar relaciones en este tipo de ambientes al perseguirse siempre la gran historia de amor vendida por la sociedad. Como pasó con los matrimonios de Anderson, hay también una mirada hipócrita al juzgar la efusividad de una forma de relacionarse que también se ha impulsado, socialmente, hacia lo efímero.
    A pesar de todo, la vuelta de Pamela Anderson a la televisión también deja hueco para el renacer, con la actriz dejando claro que esto significa el cierre de una vida pasada para "transitar hacia la siguiente etapa". Ya con la práctica de saber escapar y construirse una realidad paralela desde hace tiempo.
    En Espinof | Las mejores series de Netflix en 2023
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    La noticia Lo que vivió Pamela Anderson en los 90 es lo más parecido a 'La isla de las tentaciones' hoy: del producto de consumo rápido a la caricatura fue publicada originalmente en Espinof por Sandra S. Guerra .
  12. Entre Fans
    El 21 de abril se estrena en cines ‘La mujer de Tchaikovsky’ (Zhena Chaikovskogo), una sorprendente película histórica dirigida por Kirill Serebrennikov, uno de los nombres emergentes del cine ruso actual más destacados, pese a que vive exiliado en Alemania. Un biopic transversal que narra la obsesión amorosa de la joven burguesa Antonina Miliukova con el compositor Piotr Tchaikovsky, conocido por ‘El Lago de los cisnes’ o ‘El cascanueces’.
    Estrenada en la Sección Oficial del Festival de Cannes 2022, no es la primera vez que Serebrennikov encaja en Cannes, en donde presentó ‘El estudiante’ (2016) y la muy comentada ‘Leto’ (2018), otro biopic musical alternativo centrado en Viktor Tsoï, pionero del rock ruso. Su último trabajo, también la muy reciente ‘La fiebre de Petrov’ (2021) dejó claro que su puesta en escena e ideas de realización transgresoras le confieren una personalidad que en ‘La mujer de Tchaikovsky’ aparecen a partir de su ecuador.
    Se ha escrito mucho sobre la música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, pero su tumultuoso matrimonio con Antonina Miliukova sigue siendo un aspecto sobre el que no se profundiza. Su decisión de cambiar de vida casándose, para acabar con los rumores sobre su homosexualidad, al más puro estilo de estrella de Hollywood, le provocó una grave crisis mental que hizo que pudiera aguantar apenas dos meses y medio con la mujer, con lo que la pareja vivió separada hasta la muerte del genio.
    Un descenso a las tinieblas sin oxígeno
    Pero a nadie le había importado qué fue de Miliukova, a la que el abandono finalmente la volvió loca. El problema principal es que anular un matrimonio en la Rusia del siglo XIX requería la aprobación de la corona y una razón válida para romper los lazos, pero la joven no estaba dispuesta a reconocer una infidelidad, ni suya ni de su esposo. Como ya sugiere su título, el largometraje explora el drama de la vida de la esposa de Tchaikovsky, aunque no nos muestra la razón para el enamoramiento absorbente del compositor, dejando algunos detalles intuitivos.
    En Espinof Aquellos maravillosos biopics musicales La muchacha, también aspirante a compositora dice haberse enamorado a través de la música, y se deja implícito que su talento, coartado por la estructura patriarcal de la época, era una posible vía de escape del aburrido mundo burgués. La película se centra más en los intentos del músico de deshacerse de ella, los intentos de sus hermanos para que se divorcie y cómo finalmente Antonina se aferra obstinadamente a su matrimonio de forma irracional y desesperada.
    Su último tercio es una caída a las tinieblas, mientras su situación financiera se deteriora, su cordura se desvanece y se aferra a sus delirios en momentos de elipsis mise en scène con saltos que parecen ocurrir dentro de los recuerdos, que se van acumulando hasta un clímax directamente vanguardista, casi de horror gótico, utilizando iconografía ***** para ilustrar la comprensión final del dilema de su marido. Serebrennikov da una vuelta de rosca al modelo histórico-biográfico convencional explorando las facetas menos publicitadas de Tchaikovsky.
    Las consecuencias de la hipocresía social
    Su inclinaciones sexuales eran un tabú absoluto en la época, y lo siguen siendo ahora en Rusia, en donde esta película levantará ampollas, puesto que no se corta al mostrar la aversión del autor al sexo femenino, llegando a la auténtica misoginia. Las tensiones psicológicas entre sus protagonistas son llevadas con elegancia hasta mezclar escenas oníricas y pesadillescas que ilustran el delirio de la protagonista, cuya obsesión por un hombre narcisista que la desprecia deja una imagen del personaje cuestionable.
    En Espinof Las 21 mejores películas musicales de todos los tiempos Esto no es la clásica historia de “la mujer detrás del ídolo” de manual, sino que nos plantea una relación tóxica, que se mueve desde lo que vemos en ‘Swarm’ o la propia ‘Cisne *****’ a una especie de versión en negativo de ‘El hilo invisible’. Con una duración de casi dos horas y media, el arco de Antonina se mantiene plano durante la mayor parte del metraje, entre la ingenuidad y la complacencia aprendida de una educación de servidumbre al hombre, hasta que explota la locura en el acto final.
    A medida que el personaje se desliza más hacia la decadencia, Serebrennikov y su director de fotografía Vladislav Opelyants iluminan los interiores con luz oscura y penumbras que entran por las ventanas, y mucha niebla en las tomas exteriores que recuerdan a un cine soviético y del este de los 70 que realzan la ambientación y el suntuoso diseño de vestuario y la dirección de arte. ‘La mujer de Tchaikovsky’ es una obra amarga y opresiva que no da ningún asidero al espectador, replicando la consternación y tristeza marca de la casa de muchos clásicos de la madre Rusia.
    En Espinof | Las 27 mejores películas basadas en hechos reales de la historia
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    La noticia ‘La mujer de Tchaikovsky’: una polémica mirada al tortuoso matrimonio del creador de ‘El lago de los cisnes’ con tenebristas fugas oníricas fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .
  13. Entre Fans
    MediaMarkt tiene diferentes outlets dependiendo de si compramos en la tienda online o en las tiendas físicas. Estas últimas ponen en eBay aquellos productos de exposición, que se han devuelto, con algún pequeño desperfecto o que simplemente están descatalogados. Y entre su amplio catálogo de productos, hemos encontrado la edición coleccionista más completa de El Señor de los Anillos que incluye tanto la primera trilogía como las propias de 'El Hobbit', y todo ello por un precio de 239,99 euros.
    Pack Tierra Media (El Hobbit y El Señor de los Anillos)
    Hoy en Ebay por 239,99€ No se trata de una edición de coleccionista precisamente barata, ya que actualmente se encuentra en algunas de las tiendas principales a un precio de 300 euros. Pero si quieres llevártela más barata, el outlet de MediaMarkt la tiene por 239,99 euros, y lo mejor es que está como nueva y cuenta con la misma garantía de MediaMarkt.
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    No son muchas las adaptaciones llevadas al cine de novelas importantes en la historia, pero sin duda una de las más reconocibles y que más seguidores ha reunido con el paso de los años es El Señor de los Anillos. Pese a que 'Los anillos de poder' no ha tenido demasiadas críticas positivas, podemos seguir disfrutando de la franquicia con ediciones como esta que incluye las primeras dos trilogías tanto en 4K Ultra HD como en Blu-ray, todo ello en un completo castellano y en una caja personalizada.
    En Espinof 'Succession' va más allá de Rupert Murdoch: en quién se inspiró realmente Jesse Armstrong para crear al clan de los Roy en la serie de HBO Las películas son en versión extendida e incluyen contenido adicional, como comentarios de los cineastas, el Alamo Drafthouse, un especial por el 20 aniversario, presentación del Festival de Cannes y mucho más contenido. En su totalidad, la edición coleccionista cuenta con 3.299 euros minutos, más de 54 horas para disfrutar de las películas.
    Pero eso no es todo, ya que al tratarse de una edición coleccionista incluye aún más contenido. Viene con un libreto de 64 páginas donde podemos ver bocetos de vestuario, notas de producción, fotografías inéditas e incluye siete postales artísticas de algunos de los escenarios de las películas.
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    Imagen | New Line Cinema, Warner Bros. Entertainment
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    La noticia Es la colección más completa de El Señor de los Anillos y está escondida en el outlet de MediaMarkt: aprovecha esta ganga que incluye también 'El Hobbit' fue publicada originalmente en Espinof por Alberto García .
  14. Entre Fans
    Uno de los mejores episodios de 'Los Simpson' es, sin duda, "Homer, hombre malo" de la sexta temporada. Aparte del citable chiste de "Ese dulce cu", deja otro fabuloso reflejo de la televisión contemporánea y la explotación de los escándalos con un programa ficticio presentado por un oso con un micrófono en la cabeza. "El bueno de Ben" tira de sensacionalismos y de las reacciones encendidas del público, aunque todo el programa se va al garete cuando el oso se revela al ver comida en el set.
    Aparte de ser un ejemplo de cómo medían los gag para que cada cosa graciosa entrase en el mejor momento, es divertido pensar que su muestra de la naturaleza desatada al intentar ser controlada y explotada ha tenido su influencia en Jordan Peele para su última película, de igual modo que la puede haber tenido una película como 'Cowboys y Aliens' para intentar mejorarla. Son, por supuesto, conjeturas mías medio en broma medio en serio de lo que puede formar parte del variado conjunto de referencias que pueden darse en una ambiciosa película como '¡Nop!'.
    Haré de ti un espectáculo
    No hay que menospreciar, eso sí, la capacidad que tiene Peele para emplear recursos y recuerdos de la cultura pop para hacer relatos complejos y potentes de carácter social. Su última película de terror, que se mete también en los terrenos de la ciencia ficción y hasta del western, traza un discurso apasionante al mismo tiempo que refrenda su condición como director del momento con un espectacular trabajo de realización de imágenes y secuencias. Y ahora se puede ver en streaming a través de Movistar+.
    En Espinof Qué ver en Netflix: la mejor película de Jordan Peele es un potente home invasion sobrenatural con afiladas puñaladas hacia el sistema Aquí una familia con un rancho especializada en entrenar caballos para rodajes de cine es azotada por una tragedia y, luego, por una amenaza. Un extraño objeto se observa en el cielo, y aparece al mismo tiempo que empiezan a suceder fenómenos inexplicables. Daniel Kaluuya y Keke Palmer, la pareja de hermanos protagonista, toman la decisión de intentar capturar imágenes de este fenómeno que puedan ser vendidas y les saquen de sus apuros económicos.
    Hay muchos enfoques por los que se puede abordar esta película de Peele, porque es tal su riqueza en cuanto a temas, que están fenomenalmente ligados a través del guion. El prólogo inicial desconcierta al llevarnos a la fallida producción de una sitcom donde uno de los monos actores ha causado un desastre en el set de rodaje. Ahí '¡Nop!' asienta su advertencia sobre intentar domar la naturaleza salvaje y, sobre todo, intentar explotarla en beneficio propio.
    '¡Nop!': Jordan Peele consagrándose
    Sobre la explotación y el espectáculo hay también muchas ideas que extraer. Lo cuál resulta especialmente interesante en una película cuyo acabado visual es impresionante y de gran escala, muy inspirado en cómo Steven Spielberg afrontaba películas como 'Encuentros en la tercera fase' o 'Tiburón' (sólo que lo que esta última hacía con el agua '¡Nop!' lo hace con el cielo). Peele se consagra como narrador de intriga y como creador de imágenes con una película asombrosa de ver, con referencias que van desde clásicos del fantástico hasta al anime o al western en su tramo final. Además, fotografiada de maravilla por Hoyte van Hoytema, que deja unas secuencias nocturnas extraordinarias y revolucionarias.
    Las imágenes juegan un papel crucial, especialmente a través del personaje de Steven Yeun con su parque de atracciones colindante. Parece la parte más ajena al meollo de la película, pero deja momentos como cuando relata el trauma que le lleva persiguiendo toda su infancia a través de un sketch que se hizo del mismo en SNL. La obsesión con la celebridad y con las imágenes de impacto entran en colisión con nuestra manera de procesar lo que nos pasa a través de la cultura popular contemporánea.
    En Espinof Qué ver si te gusta 'Nop': 4 alucinantes películas en streaming sobre invasiones alienígenas inexplicables Son sólo algunas de las ricas ideas que están fluyendo en el subtexto de la película, que no hace sino ganar con el tiempo y también con los revisionados. No sólo hace una de las películas de monstruos más impresionantes de los últimos años, con un diseño único que tiene miga, sino que Peele demuestra una vez más que disecciona como nadie el momento que vivimos a través de propuestas diferentes a las que proponen otros cineastas. Su mezcla valiente de tonos, donde el humor tiene también su papel, ahora se da de la mano con ambición de cineasta grande cuyas pelis son ya eventos por sí mismos.
    En Espinof | Las mejores películas de 2022
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    La noticia Es un espectacular western de ciencia ficción y terror: llega al streaming la última y ambiciosa joya de uno de los directores del momento fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .
  15. Entre Fans
    El cine siempre ha explorado el miedo a lo desconocido y no hay nada menos explorado que los límites oscuros del universo más allá de la Tierra. Naves varadas a años luz de casa, o planetas desconocidos, a menudo hay tripulaciones a merced de un monstruo o parásito espacial asesino. Muchas películas de terror juegan con el aislamiento y la claustrofobia, por lo que hace el terror en el espacio es siempre muy efectivo.
    Naves espaciales estrechas y perdidas en medio de un espacio que la mente humana es incapaz de concebir. Manchas de oscuridad, agujeros negros, miedo cósmico... En estas 13 películas la ansiedad claustrofóbica del espacio cósmico da lugar a pesadillas que se mezclan con la ciencia ficción. Son algunos de sus mejores ejemplos con esta recomendables para los fans de la fantasía y el horror:
    El Terror del Más Allá (It! The Terror from Beyond Space, 1958)
    El precedente más obvio y clásico de 'Alien', con la típica expedición de regreso a la Tierra a la que antes de despegar de Marte se les cuela una criatura en el interior de la nave, ha sido la plantilla para el resto de estas películas. Su trama contada a lo largo del viaje, en la que el alien comienza a diezmar a la tripulación, es la piedra filosofal del terror espacial.
    Terror en el espacio (Terrore nello spazio , 1965)
    Un clásico de ciencia ficción con el estilo camp de los años 50 y el colorido glorioso del technicolor de los 60. Mario Bava sigue a una tripulación de astronautas que va en una misión de rescate a un planeta desolado. Los compañeros están muertos, pero los cuerpos de los difunto han sido reanimados por seres alienígenas. Numerosas pistas, de nuevo, para la posterior película de Scott.
    Alien: el octavo pasajero (Alien, 1979)
    La revolución ene este pequeño subgénero, a partir de este momento, todas las películas de la lista tienen su huella. La obra maestra de Ridley Scott y Dan O' Bannon tiene influencia en 'Life' y sigue produciendo episodios, precuelas, secuelas y proyectos que siguen siendo relevantes en el panorama comercial.
    En Espinof 'Alien': todas las películas de la saga ordenadas de peor a mejor La galaxia del terror (Galaxy of Terror,1981)
    A la sombra del éxito de 'Alien', esta producción de Roger Corman es de las propuestas más originales que surgieron a docenas. Una especie de 'It (Eso)' (1990) en el espacio en el que un grupo de viajeros espaciales se estrellan en un planeta que manifiesta las peores pesadillas de sus visitantes. En su reparto, futuros iconos del terror como Robert Englund o Sid Haig. La secuencia de la violación por un gusano gigante es de ver para creer.
    Creature (1985)
    Otro de los primeros clones de 'Alien', que mezcla body horror, sangre y la locura de Klaus Kinski, que aunque pase por aquí a recoger el cheque, logra atraer la atención de esta poco conocida serie B espacial dirigida por el añorado William Malone, por encima incluso de la criatura que le da título.
    Horizonte Final (Event Horizon, 1997)
    Antes de meterse en 'Resident Evil' (2001), Paul W.S Anderson se rebozó en 'Alien' y 'Hellraiser' (1987) para enhebrar la que todavía es su mejor película. Un Sam Neill que se vuelve loco mientras Laurence Fishburne corre por su vida en la que quizá es la única película de una nave espacial embrujada jamás hecha. Un clásico de culto.
    Jason X (2001)
    Después de ver nueve veces al zombi de Jason Voorhees con una máscara de hockey matando adolescentes, New Line puso un poco de sal en la saga 'Viernes 13' enviando al asesino al espacio. Cercana a la serie Z, es sorprendentemente divertida, con una sana dosis de sátira y un cameo de David Cronenberg.
    Pitch Black (2000)
    Un planeta desierto con un asesino de masas fugado y monstruos voladores devoradores de hombres que han salido a buscar que tratan de comerse a la tripulación de la nave que custodiaba a Riddick, el criminal interpretado por Vin Diesel. Acción y terror de serie B que dio lugar a una interesante franquicia.
    Fantasmas de Marte (Ghosts of Mars, 2001)
    Los fantasmas marcianos de una civilización antigua que poseen cuerpos de los colonos humanos ponen la misión de transportar a un criminal peligroso en peligro. Un auténtico Western de terror espacial de John Carpenter homenajeándose a sí mismo y a sus greatest hits.
    Sunshine (2007)
    Aunque no tan visceralmente aterrador como otras de la lista, a pesar del manido tercer acto con un asesino torturado, la versión de Danny Boyle del terror espacial compensa por la tensión añadida de salvar a toda la raza humana de la amenaza de un sol moribundo. La combinación de técnicas cinematográficas, toques de sorpresa y la intensidad de la narración hace que 'Sunshine' sea una pieza a revisitar.
    Pandorum (2009)
    Terror y ciencia ficción con una especie de mutantes súper hambrientos sueltos libremente a bordo de una nave laberíntica. Con una premisa muy interesante, que recuerda un poquito a 'Passengers'(2016), la película tiene un diseño espectacular y un misterio que se diluye entre escenas de acción. Aún así es una parada reseñable en el camino.
    En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia Life: Vida (2017)
    'Life (Vida)', la película de Daniel Espinosa, recupera la tradición de cine de ciencia-ficción con un corazón de puro terror. Pese a que los resultados no son todo lo originales que se podría esperar, la aventura fue definida como una mezcla entre 'Gravity' (2013) y 'Alien: El octavo pasajero' (Alien, 1979), aunque tiene más de la segunda que de la primera, pero se enmarca dentro del subgénero ofreciendo una versión suavizada del mismo, con poca sangre y mucho efecto digital.
    The Cloverfield Paradox (2018)
    Un grupo de científicos prueban un dispositivo de energía que podría proporcionarles un poder ilimitado pero las cosas no salen como esperaban. Este estreno sorpresa de Netflix recuperaba la franquicia de 'Cloverfield' y mezclaba horror corporal, paradojas interdimensionales y cyberpunk.
    Podría haber sido un terror espacial de serie B independiente sin ninguna conexión con 'Cloverfield' haber mejorado, revelando la estrategia de J.J. Abrams de transformar otros guiones en un universo semiantológico que estaban relacionados por los pelos. Afortunadamente, este chasco hizo que 'Overlord' fuera completamente independiente.
    En Espinof | Las mejores películas de ciencia ficción y fantasía de 2022
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    La noticia Las 13 mejores películas de terror en el espacio fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .
  16. Entre Fans
    Desde que debutó con su sorprendente largometraje de presupuesto ínfimo 'Following', Christopher Nolan se ha empeñado en ir incrementando progresivamente ya no sólo la ambición, sino la complejidad argumental de sus largometrajes; algo que ha ido más allá de, simplemente, jugar con el montaje y la estructura, para meterse de lleno en los terrenos de la astrofísica y la mecánica cuántica.
    Puede que, con permiso de su viaje dimensional en 'Interstellar', la mayor representante de esto sea una 'Tenet' que puso a prueba los cerebros del público —yo aún tengo pesadillas después de hacer el vídeo explicando su trama— con sus juegos con la entropía y el tiempo. Si fuiste una de esas personas que tuvo que concentrarse más de lo normal para entenderla, no estás solo, porque a Robert Pattinson también se le hizo algo de bola...
    ¡¿Que pasa qué?!
    Según confesó en una entrevista con Esquire, el coprotagonista del filme estuvo meses llegando al set sin tener ni idea de lo que estaba ocurriendo en las escenas que rodaba, teniendo que consultar a su compañero de reparto John David Washington para hacerse un dibujo general.
    En Espinof Tiempo, memoria y obsesiones: cómo Christopher Nolan se ha convertido en el rey del "mindfuck" cinematográfico del siglo XXI Por su parte, Nolan continúa defendiendo la idea de que Pattinson sí "tenía una comprensión completa del guión", tal y como explicó a la revista GQ. Eso sí, no dudó en ponerse metafísico para describir su libreto y justificar lo exigente que resulta para el respetable.
    Desde luego, hay que querer a este hombre.
    En Espinof | Todas las películas de Christopher Nolan ordenadas de peor a mejor
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    La noticia Si no entendiste nada viendo 'Tenet' no estás solo, Robert Pattinson tampoco: "Es una película increíblemente complicada, como todas las de Christopher Nolan" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .
  17. Entre Fans
    Como alguien que por aquel entonces estaba poco familiarizado con el universo expandido de Star Wars (aunque años antes hicieron un buen borrón y cuenta nueva), recuerdo que cuando fui a ver 'El despertar de la fuerza' de J.J. Abrams salí del cine sintiendo que me faltaba algo que me explicase de dónde había venido esa Primera Orden.
    Casi cuatro años después del final de la trilogía de Rey, por fin voy teniendo claro cómo ha surgido todo gracias al buen hacer de Dave Filoni. Y es que esta temporada 3 de 'The Mandalorian' parece tener claro que, además de contar el resurgir de los mandalorianos, transcurre en un momento clave para el futuro de la galaxia de George Lucas.
    En Espinof 'Star Wars': en busca del orden definitivo para ver la saga tras el estreno de 'La remesa mala' en Disney+ A llenar huecos con material de calidad
    Capítulo a capítulo nos van dejando migas, referencias o, directamente, tramas que enlazan completamente con el renacer del Imperio. Tampoco es extraño. Como bien comentó alguno en la recapitulación de 'Los espías', el espectacular séptimo episodio de la presente temporada de 'The Mandalorian', Dave Filoni lleva dos décadas rellenando huecos y potenciando tramas y cosas pasadas algo por alto por las películas.
    Comenzó con 'The Clone Wars', situada entre 'El ataque de los clones' y 'La venganza de los Sith'; continuó con 'Rebels', situada antes de 'La guerra de las galaxias' original y, ahora con la maquinaria de Disney+ detrás -contando con colaboradores de la talla de Jon Favreau-, está rellenando el hueco entre la primera y la tercera trilogía con 'The Mandalorian', 'El libro de Boba-Fett', 'Ahsoka' y la futura película que lo culminará todo.
    Pero centrémonos en la serie protagonizada por Pedro Pascal como Din Djarin. Ya desde el principio teníamos en Moff Gideon (Giancarlo Esposito) un villano importante. Él era el responsable no solo de la Gran Purga de Mandalore, sino también de la captura de "El niño", nuestro Grogu, con el objetivo de que sirviese para los experimentos genéticos del Dr. Pershing.
    El propósito de esos experimentos, o de la investigación secreta de Pershing y del interés de Gideon en ella fue quedando un poco en el aire, hasta esta temporada 3. Es este año en el que ya parecen tomar forma las teorías en lo que, además, empezamos a saber más de la Nueva República en 'El converso'. En ese episodio vemos que Elia Kane embauca al científico para recuperar el laboratorio portátil y continuar sus experimentos, prohibidos por el gobierno actual.
    El Consejo Sombra
    Episodio a episodio hemos ido sabiendo pequeños detalles y movimientos a lo largo de la galaxia, incluyendo unos droides cuya rebeldía ha sido programada por un antiguo ingeniero del Imperio. Sin embargo, el momento más claro de "Primera Orden, allá vamos" lo hemos tenido en 'Los espías', episodio en el que hemos visto al Consejo Sombra, un grupo de conspiradores que buscan derrocar la Nueva República.
    Un Consejo fundado unos años después de la Batalla de Yavin y que se disolvió aparentemente tras la batalla de Jakku y la derrota definitiva del Imperio. Sin embargo, poco después debió ser refundada por nueve antiguos altos oficiales del Imperio. Sin embargo, excepto tres (y uno de ellos es Gideon) los demás nos son desconocidos.
    En Espinof Las 17 mejores películas de ciencia ficción y fantasía de 2022 Así, en el episodio vemos a Moff Gideon asistir a una reunión de este grupo de verdaderos creyentes en lo que debaten si es el momento de escalar sus acciones. Algunos no quieren llamar la atención, considerando que deben seguir pareciendo "caciques descoordinados", otros quieren avanzar en sus proyectos.
    Pellaeon y el regreso de Thrawn
    Entre los "puntos del día" nos encontramos el inminente regreso del Gran Admirante Thrawn, que anda de perfil bajo pero que se supone pieza clave como "Heredero del imperio". Aquí entra en juego Gilead Pellaeon (Xander Berkeley), mano derecha del dirigente, del que es muy leal.
    No profundizan exactamente qué papel jugará Thrawn más allá de ser el "heraldo" de este regreso del Imperio pero será algo que explorará Filoni en la próxima 'Ahsoka', donde le veremos de antagonista encarnado por Lars Mikkelssen.
    El proyecto Nigromante
    Sin embargo, lo que quizás nos interesa más es el tercer miembro del Consejo nombrado: el comandante Brendol Hux (Brian Gleeson). Sí, os suena el nombre debido a que es el padre de Armitage Hux, el oficial al que vimos en las películas. Hux se desvela como responsable del Proyecto Nigromante o, al menos, de parte del mismo.
    En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia Si bien no sabemos del todo la amplitud total del Proyecto (de hecho a Gideon le vemos recorrer un pasillo con cubetas con cuerpos), que jugaba con los experimentos genéticos (ahí está el trabajo de Pershing y para qué querían la sangre rica en midiclorianos de Grogu), con esta alusión la serie nos ha respondido que, efectivamente, de aquí salió el "resucitado/clonado" Palpatine... y también derivados, como Snoke o (no está del todo claro) la propia Rey.
    Es decir, Nigromante es una pieza fundamental (que no la única) para la irrupción de La Primera Orden y todo lo que acabó derivando en la tercera trilogía. El que pasa a partir de ahora es algo de lo que deberemos estar pendientes tanto en la tanda final de la temporada 3 de 'The Mandalorian' como en los próximos proyectos de Filoni. Pero me apunto.
    En Espinof | 'Andor': todo lo que sabemos de la temporada 2 de la estupenda serie de Star Wars en Disney+
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    La noticia Cómo 'The Mandalorian' y Dave Filoni están allanando la llegada de la Primera Orden de la trilogía de 'Star Wars' de J.J. Abrams fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .
  18. Entre Fans
    Tras varios meses (un año) de dimes y diretes, por fin Warner Bros. Discovery desveló sus planes de futuro en el campo del streaming con la previamente anunciada plataforma conjunta entre HBO Max y Discovery+. El nombre es Max, su lanzamiento en Estados Unidos es inminente y vamos a repasar todo lo que sabemos.
    En Espinof Comparativa de Netflix, HBO Max, Disney+, Amazon Prime Video, Movistar Plus+ Lite, Filmin y otras plataformas de streaming: precio, catálogo, ventajas e inconvenientes ¿Es una plataforma aparte?
    Comenzaremos respondiendo a algo que muchos nos habéis preguntado. No, Max no es una plataforma aparte de HBO Max. Es, digamos, la evolución de la marca. Esta aplicación sustituirá a la actual cuando se lance y, además, habrá un periodo "de adaptación" en el que conservaremos nuestras tarifas antes de elegir alguno de los planes que nos ofrecen.
    Tampoco se cargan HBO como tal. La cadena premium seguirá operando por separado como tal en aquellos territorios en los que está disponible. Como es el caso de América. En palabras de Casey Bloys, CEO de HBO:
    El catálogo
    Esto lo afirmó JB Perrette, presidente y director ejecutivo de Global Streaming & Games de Warner Bros. Discovery, reafirmando que Max será "lo que hay que ver". Y no es para menos, ya que tienen un abanico que incluye Warner Bros. Pictures y TV, DC, HBO, [adult swim], HGTV, Food Network, Discovery Channel, TLC, ID, etc. Un contenido que en parte ya estábamos empezando a disfrutar en HBO Max (en España ya pudimos ver algún que otro documental de Discovery+, por ejemplo).
    En Espinof Las 21 mejores series en HBO Max en 2022 Además, para aderezar la presentación, Casey Bloys anunció distintos originales de HBO y Max: la serie de 'Harry Potter', un spin-off de 'The Big Bang Theory', otra precuela de 'Juego de Tronos', la serie de 'Expediente Warren', el ya anunciado anime de 'Rick y Morty', 'Peter & The Wolf' de Bono o 'Tiny Toons Looniversity', entre otros.
    La aplicación
    Aparte del catálogo, gran parte de la presentación se ha dedicado a destacar las características de Max como aplicación. Según los ejecutivos, han querido fusionar lo mejor tanto de HBO Max como de Discovery+ para ofrecer "una experiencia de usuario sin fisuras", dice la nota de prensa.
    La prioridad parece haber sido ofrecer en todo momento una mayor fluidez tanto a la hora de navegar como de reproducir vídeos. Destacan una mayor personalización para el usuario, tanto humano como automático, a la hora de ofrecer recomendaciones. También habrá una navegación simplificada, a través de los distintos "hubs" y, también una experiencia infantil más destacada con PINs y rango de edades.
    El precio
    De momento, solo sabemos los precios para Estados Unidos y estos no parecen diferir demasiado de los planes que tenía la plataforma en ese país, a excepción de un tercer plan que llegará con el servicio:
    Max Ad Lite (9,99 dólares/mes o 99,99 al año): 2 transmisiones simultáneas, 1080p, sin descargas, sonido 5.1 Max Ad Free (15,99 dólares al mes o 149,99 al año): igual que el Lite pero con 30 descargas sin conexión. Max Ultimate Ad Free (19,99 dólares al mes o 199,99 al año): 4 dispositivos simultáneos, resolución 4K UHD, 100 descargas y calidad de sonido Dolby Atmos. Cuándo saldrá Max
    Como suele pasar, con esta plataforma tendremos también un lanzamiento escalonado. El primer país será Estados Unidos, con fecha prevista para el 23 de mayo. Los siguientes serán los países de Latinoamérica, que empezarán a disfrutar de la plataforma a finales de este 2023.
    En España y Europa, el lanzamiento de Max está previsto para principios de 2024, año en el que se irá desplegando en el resto de territorios de HBO Max.
    En Espinof | HBO, HBO España y HBO Max: guía para entender las distintas plataformas de WarnerMedia y qué llega a nuestro país
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    La noticia Max: fecha de lanzamiento, precio, catálogo y todo lo que sabemos de la plataforma de Warner Bros. Discovery fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .
  19. Entre Fans
    Depende de a qué edad de pille, muchas series te pueden causar un impacto bastante grande o incluso dejarte algún pequeño traumita. Viendo 'Dragon Ball' seguro que podemos enumerar unos cuantos, y si encima nos ponemos a sacar la lista de villanos podemos llegar a tener material de pesadillas.
    La serie tiene antagonistas impactantes y despiadados para rato, y es de las cosas que más nos gusta de 'Dragon Ball' porque una historia sin un buen villano se queda coja, ¿verdad? Pero si quieres que un buen villano levante respeto y temor, hay que empezar por el propio autor.
    Sacado de los peores sueños de Toriyama
    De hecho, Akira Toriyama ya hablado en alguna ocasión del personaje que más miedo de la de 'Dragon Ball', y es fácil coincidir con él. No solo es el actual gran villano del manga que dibuja Toyotaro, también es uno de los más icónicos de toda la historia y hay que darle la razón a Toriyama teniéndole miedo a Freezer.
    Según explicó hace tiempo el mangaka en una entrevisto, diseñó a Freezer basándose en sus propias pesadillas. El villano de 'Dragon Ball' ha tenido muchas formas diferentes a lo largo del manga y el anime, y para definirlas Toriyama se inspiró en las criaturas más terribles que veía en sus sueños cuando era niño.
    En Espinof Black Freezer y las tarjetas de crédito: el dibujante de 'Dragon Ball Super' explica por qué la poderosísima nueva forma de Freezer tiene ese color Las pesadillas de Toriyama en especial influenciaron la forma de lagartija de Freezer, y esa mirada despiadada de no ir a dejar títere con cabeza. Esta criatura le causaba un auténtico temor a Toriyama de pequeño y al crear a Freezer recordó los peores momentos que le causaron sus pesadilla..
    Aunque también es cierto que los sueños de Toriyama no fueron la única inspiración y Freezer también terminó teniendo un poquito del Xenomorfo de 'Alien'. Todo muy amigable y sacado directamente de una buena pesadilla.
    En Espinof | Todo lo que sabemos sobre Gohan Bestia, la nueva e impresionante transformación que debutó en 'Dragon Ball Super: Super Hero'
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    La noticia Si este personaje de 'Dragon Ball' te daba miedo de pequeño, no eras el único. Hasta el mismísimo Akira Toriyama tenía pesadillas fue publicada originalmente en Espinof por Mariló Delgado .
  20. Entre Fans
    Uno de los grandes estrenos de Netflix de esta semana es 'Fenómenas', una comedia de terror española que toma como base la historia real del Grupo Hepta, una organización altruista centrada en la investigación de fenómenos paranormales en España muchos antes de que Iker Jiménez acaparase toda la atención sobre ese tema en nuestro país.
    Con ese curioso punto de partida, 'Fenómenas' nos traslada a Madrid en el año 1998, época en la que el grupo está pasando por una situación delicada, lo cual hace que acepten un caso que aparentemente no tiene nada de especial pero que acaba complicándose mucho más de lo esperado. El resultado es una película bastante solvente en líneas generales en el que destaca el trabajo de su trío protagonista.
    Bastante mejor de lo esperado
    Algo que me despertaba serias dudas sobre 'Fenómenas' era la presencia tras las cámaras de Carlos Therón, ya que no puedo decir que sea un gran amante de sus películas -'Operación Camarón' era mi favorita hasta ahora y tampoco es que fuese nada del otro mundo- y además me chocaba la idea de que se ocupase de una obra en la que el terror debía tener una presencia más o menos marcada en el relato. Temía que todo fuese a acabar siendo una tontería al servicio de sus dos protagonistas y prestando poca atención a su acabado formal, pero, afortunadamente, estaba equivocado.
    Es verdad que nunca resulta deslumbrante, pero desde el primer momento se nota cierta preocupación en que el hecho de situarse en una época concreta no sea una simple anécdota, algo que se percibe sobre todo en la caracterización de las tres protagonistas, pero también en otros detalles de diseño de producción que ayudan a dar una mayor consistencia a la propuesta. Eso también se traslada a lo visual, con un acertado trabajo en la fotografía de Ángel Amorós a la hora de meter en situación al espectador, mientras que Therón muestra un mayor mimo a la hora de construir los planos y de jugar con el guion de Fernando Navarro y Marta Buchaca para crear suspense y expectación alrededor de los hechos que van sucediéndose.
    En Espinof Las 14 mejores películas de terror en Netflix Eso sí, el terror y hacérselo pasar mal al espectador nunca es algo a lo que 'Fenómenas' preste especial atención, ya que prefiere centrarse en el misterio de ese anticuario y cómo todo va creciendo cada vez más hasta que la cosa estalla del todo. Por ello, quien busque una experiencia inmersiva o grandes sustos, puede ir olvidándose de encontrar eso aquí. Hay algún sobresalto aquí y allá, pero en general predomina mantenerlo todo bajo control y dar más prioridad a la investigación.
    Muy medida, quizá demasiado
    Ahí la película podría haber apostado por tomárselo todo a mofa y que los personajes de Belén Rueda, Toni Acosta y Gracia Olayo destacasen desde lo cómico hasta el punto de canibalizar todo lo demás. No obstante, 'Fenómenas' también está bastante medida ahí, buscando que sea más la personalidad de sus personajes la que despierte la simpatía del espectador en lugar de recurrir a la gracieta fácil -aquí prima más partir de algún hecho más o menos cotidiano y construir a partir de ahí-. Eso es algo que las tres saben aprovechar para brillar siempre que la ocasión lo permite, convirtiéndose así en el principal baluarte de la película, pues su aportación es clave para dar con ese tono tan complicado de moverse siempre desde la ligereza pero sin desvirtuar la amenaza en ciernes.
    Además, ese reparto más maduro también ayuda a dar un toque único a 'Fenómenas', ya que la película nunca rehúye este hecho y no duda en asimilarlo a la hora de abordar tanto la historia que nos cuenta como la relación entre las tres protagonistas. También ayuda que haya buenas aportaciones en roles secundarios de intérpretes como Emilio Gutiérrez Caba o Miren Ibarguren, donde también predomina el estar al servicio de la película en lugar de dar más importancia al lucimiento personal.
    En Espinof Terroríficamente divertidas: las 13 mejores películas para pasar un Halloween de risa y miedo Todo ello también resulta un arma de doble filo, pues es verdad que no hay nada en 'Fenómenos' que destaque para mal, pero tampoco hay algo que brille con tal intensidad que convierte su visionado en obligatorio. Sí que despierta curiosidad por conocer más sobre la historia de ese grupo de investigadores de lo paranormal -y esa escena post-créditos parece estar prometiendo una posible secuela-, pero como película de terror es bastante suave y como comedia no es especialmente graciosa, por lo que habrá quien vea aquí simplemente una oportunidad perdida. La clave aquí está en lo bien que sabe manejarse entre ambas realidades para que se vea con agrado y sus ajustados 90 minutos de metraje se ven como agrado.
    ¿Entonces merece la pena o no?
    'Fenómenas' no es una gran película, algo que se debe en parte a que se conforma con ser como mínimo correcta en todo lo que propone. El buen hacer del reparto, en especial de Rueda, Acosta y Olayo, y el relativo mimo con el que parece haberse hecho acaban siendo lo más estimulante de este especie de mezcla a la española de 'Los Cazafantasmas' y 'Expediente Warren'.
    En Espinof | Las 22 mejores películas de Netflix en 2022
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    La noticia Netflix mezcla 'Expediente Warren' con 'Los Cazafantasmas' en su nueva película española de terror y humor: 'Fenómenas' es una grata sorpresa en la que destaca su trío protagonista fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  21. Entre Fans
    Estos días vuelve a hablarse mucho de la saga Harry Potter con motivo de la confirmación de que habrá un reboot televisivo que volverá adaptar los libros escritos por J.K. Rowling. Todavía queda mucho para que podamos echar un ojo a esa serie, pero lo que sí podéis hacer ya es ver en streaming estas 4 películas de fantasía mejores que cualquiera de las aventuras en la gran pantalla del joven mago interpretado por Daniel Radcliffe.
    Con eso no quiero faltar al respeto a la franquicia de 'Harry Potter', pues le tengo bastante estima y creo que 'El prisionero de Azkaban' es la mejor entrega de todas. De hecho, me ha costado bastante elegir, pues yo mismo me he limitado al querer dejar fuera cualquier producción animada por eso de que en la gran mayoría hay animales que hablan y eso ya las mete de lleno en el terreno de la fantasía -eso no quita que me haya dado pena dejar 'La famosa invasión de los osos de Sicilia', disponible en Filmin, pues cualquier ocasión es buena para reivindicarla-.
    En Espinof 4 de las mejores películas de aventuras de los últimos años para ver en Netflix, Amazon Prime Video, Disney+ y HBO Max Antes de entrar en materia, os recuerdo que en Espinf también tenéis una lista con 4 de las mejores películas de fantasía de los últimos años que podéis ver en streaming, otra con 4 asombrosas de fantasía disponibles en HBO Max y otra con 4 geniales series animadas de fantasía y ciencia ficción que encontraréis en plataformas. Sin más que añadir, vamos con las elegidas de hoy:
    'Eduardo Manostijeras' ('Edward Scissorhands', 1990)
    Dirección: Tim Burton. Reparto: Johnny Depp, Winona Ryder, Anthony Michael Hall, Dianne Wiest, Kathy Baker, Alan Arkin, Vincent Price
    Una excelente fábula en la que Tim Burton pudo dar rienda suelta a su inagotable imaginación en una época en la que su talento estaba en su época de mayor esplendor. Tierna en líneas generales pero sin renunciar al lado más retorcido de su director, es una película que aguanta perfectamente el paso del tiempo y que aborda con mucha fortuna lo que supone ser diferente.
    Crítica de 'Eduardo Manostijeras'
    Puedes verla en Disney+ y en Movistar+ 'El laberinto del fauno' (2006)
    Dirección: Guillermo del Toro. Reparto: Sergi López, Ivana Baquero, Álex Angulo, Maribel Verdú, Ariadna Gil, Doug Jones, Manolo Solo
    Segunda entrega de la todavía inconclusa trilogía española de Guillermo del Toro en la que superó a la ya de por sí notable 'El espinazo del diablo' con un oscuro cuento de hadas que puede leerse como una especie de versión adulta de 'Alicia en el país de las maravillas'. Aquí el viaje de Ofelia la enfrenta a los horrores de la Guerra Civil española, pero refugiándose a menudo en un aparente mundo de fantasía que nos deja momentos inolvidables como la aparición del temible hombre pálido.
    Crítica de 'El laberinto del fauno'
    Puedes verla en Disney+, en HBO Max y en Movistar+ 'El señor de los anillos: La comunidad del anillo' ('The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring', 2001)
    Dirección: Peter Jackson. Reparto: Elijah Wood, Ian McKellen, Liv Tyler, Viggo Mortensen, Sean Astin, Cate Blanchett, John Rhys-Davies, Billy Boyd, Dominic Monagha,n Orlando Bloom, Christopher Lee, Hugo Weaving, Sean Bean, Ian Holm, Andy Serkis
    Una sensacional primera etapa en la odisea de Frodo para conseguir destruir el todopoderoso Anillo Único. Brillante en la presentación de personajes, Peter Jackson también lo borda en lo referente a la llamada de la aventura, ofreciendo además momentos tan icónicos como la batalla con el balrog en Minas Moria. Es cierto que las siguientes entregas la superan en épica, pero de eso tampoco falta aquí y además el resultado es mucho más equilibrado.
    Crítica de 'El señor de los anillos: La comunidad del anillo'
    Puedes verla en Amazon Prime Video, en HBO Max y en Movistar+ En Espinof Todas las películas del universo 'El señor de los anillos' de Peter Jackson ordenadas de peor a mejor 'La princesa prometida' ('The Princess Bride', 1987)
    Dirección: Rob Reiner. Reparto: Cary Elwes, Mandy Patinkin, Chris Sarandon, Christopher Guest, Wallace Shawn, André the Giant, Fred Savage, Robin Wright, Peter Falk
    Incluso si no la has visto todavía -ya tardas en solucionarlo-, seguro que has oído o leído varias veces la mítica frase "Me llamo Iñigo Montoya. Tú mataste a mi padre, prepárate para morir", pero es que esta pequeña maravilla es mucho más que uno de los momentos más icónicos de la historia del cine. Lo que encontraréis aquí es una aventura emocionante disfrazada de cuento que rebosa encanto y diversión por los cuatro costados.
    Crítica de 'La princesa prometida'
    Puedes verla en Amazon Prime Video, en Filmin y en Movistar+ En Espinof | 4 de las mejores películas de ciencia ficción de los últimos años para ver en Netflix, Amazon Prime Video, HBO Max y Disney+
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    La noticia 4 películas de fantasía mejores que cualquiera de 'Harry Potter' para ver en streaming este fin de semana fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .
  22. Entre Fans
    Desde que George Méliès lo introdujese por primera vez en el mundo del cine con su cortometraje 'Le manoir du diable', el mito del vampiro ha sido explotado en la gran pantalla con infinidad de formas. Estas van desde el terrorífico 'Nosferatu' de Murnau al romántico 'Drácula' de Coppola, pasando por los macarras 'Vampiros' de John Carpenter, la pareja hipster de 'Sólo los amantes sobreviven', la tronchante tropa de 'Lo que hacemos en las sombras' e, incluso, las aberraciones brillantes de la saga 'Crespúsculo'.
    Como se puede intuir leyendo este breve compendio, la lista de tonos y géneros con los que ya se han abordado a los chupasangres es prácticamente infinita, y en un mundo en el que todo está inventado, lo único que queda es introducir ingredientes preexistentes en una coctelera y rezar para que el resultado no termine reducido al enésimo pastiche sin alma cargado de tópicos.
    En Espinof 13 películas y series de vampiros antihéroes recomendadas para ver si 'Morbius' te ha dejado con ganas de más Por suerte, la divertidísima 'Renfield' ha jugado sus cartas a la perfección al abrazar los tropos del subgénero y retorcerlos hasta moldear una comedia de acción en clave fantástica y con espíritu de serie B intachable. Un jolgorio al que acudes por ver a Nicolas Cage desatado, por su violencia explícita y por su humor pasado de vueltas, y en el que te quedas por unos personajes entrañables a los que, sin esperarlo, acabas adorando.
    Ven por la acción y el gore. Quédate por los personajes.
    Aunque no estemos hablando, bajo ningún concepto, de cine de autor, no cabe duda de que 'Renfield' es una película hija de su tándem de guionista principal y director; algo que se refleja en primera instancia en un Robert Kirkman —creador de joyas como 'Invencible', 'Los muertos vivientes' o 'Outcast'— que ha impregnado de esencia comiquera a una producción más próxima a la historieta superheróica que al terror basado en la leyenda de Vlad Tepes.
    El otro factor en la ecuación es el realizador Chris Mckay, que ha logrado proyectar la agilidad y comicidad de su trabajo en 'Batman: La LEGO película' y, lo que es más determinante, la mala baba y el peculiar sentido del humor de 'Robot Chicken', la serie animada de Seth Green en la que dirigió 59 episodios y que se hermana con 'Renfield' en su modo de pervertir materiales de referencia.
    Esta combinación de talentos se traduce en un largometraje que parece no tener más intención que la de entretener con su repertorio de salvajadas, su sangriento festival de gore, sus solventes escenas de acción —no tan refinadas como las de 'John Wick' pero sí muy efectivas— y una narrativa sorprendentemente precisa y concisa que exprime la voz en off y su fantástico montaje para llevar en volandas el relato.
    En Espinof Las 21 mejores películas de terror de 2022 Pero, entre pilas de cadáveres, carcajadas cómplices y una buena dosis de escapismo de calidad, 'Renfield' alcanza un nuevo nivel gracias a un elemento inesperado: un corazón gigantesco y a prueba de estacas canalizado por su encantador dúo protagonista. Una pareja compuesta por Nicholas Hoult y una Awkwafina que roba todos los focos de la función y consigue eclipsar a un Nic Cage desatado y pasándolo en grande como la versión desquiciada del Drácula de Bela Lugosi.
    De este modo, lo que se antojaba como un simple pasatiempo para disfrutar entre colegas un sábado noche, termina cautivando con su colección de gente rota, su ácida —y lúcida— radiografía de las relaciones tóxicas y con una refrescante autoconsciencia que invita a soñar en una industria que dé más prioridad a este tipo de proyectos en medio de un desierto plagado de franquicias  aún más desalmadas que el conde transilvano.
    En Espinof | Las 31 mejores películas de vampiros de la historia
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    La noticia Mucho más que Nicolas Cage pasado de rosca: 'Renfield' es un encantador jolgorio de serie B con un corazón enorme y a prueba de estacas fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .
  23. Entre Fans
    Hoy en día solemos tener más de un televisor en casa, y normalmente es el del salón el que mejores prestaciones queremos que tenga. Aquí solemos tener una gran duda: ¿televisor OLED o QLED? Son muchas las diferencias que podemos encontrar en cada uno de los televisores con estos paneles, y a diferencia de la creencia popular: no, los televisores OLED no son mejores que los QLED. Al menos, no en todo.
    Ventajas de los paneles QLED
    Nivel de brillo y luminosidad. Una de las principales ventajas de los paneles QLED es el nivel de brillo y luminosidad que pueden alcanzar, superando con creces a los paneles OLED. Esto, en la práctica, podemos notarlo en aquellos momentos o en determinadas habitaciones donde la pantalla del televisor esté expuesta a la luz solar. Vida útil del televisor. Desde la mismísima creación de los paneles OLED, hemos visto o escuchado una y otra vez que si dejas la pantalla encendida demasiado tiempo pueden aparecer marcas de quemaduras en la imagen. Esto es una realidad, aunque actualmente lo es a medias. Hoy en día los paneles OLED han evolucionado para evitar este problema, y aunque no están exentos, la vida útil suele ser bastante amplia. Sin embargo, los paneles QLED no presentan este problema y pueden alcanzar una vida aún mayor. Pero, como siempre, esto puede depender del uso y de algún fallo de fabricación. Mayor volumen de color y menor saturación. Otra de las ventajas de los paneles QLED con respecto a los paneles OLED es la capacidad para reproducir un 100% de volumen de color. Esto es algo que ha asegurado Samsung durante años, aunque es más efectivo en la teoría que en la práctica, ya que depende del calibrado y otra serie de factores que pueden determinar si cumple o no con lo prometido. En Espinof 'Renfield': Nicolas Cage se desparrama como Drácula en una gamberrada gore llena de acción y comedia deudora de 'Lo que hacemos en las sombras' Ventajas de los paneles OLED
    Negros más puros o profundos. Una de las ventajas más claras debido a la composición de los paneles OLED es que con capaces de mostrar colores negros más profundos. El hecho de que puedan apagarse para mostrar estos colores es una diferencia enorme, aunque esto no quiere decir que el resultado final sea una mejor calidad de imagen. Los paneles QLED necesitan de una fuente externa para mostrar imágenes, y por esta misma razón les es más difícil conseguir el mismo resultado. Mayores ángulos de visión. Aunque hay televisores LED y QLED que ofrecen buenos ángulos de visión, en este aspecto no consiguen alcanzar el resultado de los paneles OLED. En la práctica, es recomendable fijarse en esta característica si el lugar donde se instalará el televisor es amplio, ya que son capaces de mostrar una gran calidad de imagen casi independientemente de dónde nos encontremos. Grosor del televisor. Debido a la ya mencionada fuente de luz externa que necesitan los paneles QLED, les obliga a tener unos límites en el grosor del televisor, algo que no ocurre en aquellos televisores OLED que, dependiendo del modelo, suelen ser muy delgados. Un menor tiempo de respuesta e input lag. El tiempo de respuesta no es algo en lo que todo el mundo suele fijarse a la hora de comprar un televisor, pero es interesante conocer que aunque los paneles QLED consiguen mantenerse entre los 2 y 8 ms, los televisores OLED reducen esa cifra hasta los 0,1 ms. De igual forma, el input lag, que está más pensado para videojuegos, suele ser menor en los televisores OLED, aunque en los últimos años hemos notado una gran evolución en los paneles de Samsung. En Espinof Las 46 películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023 Con todo ello, es complicado decidir si los televisores OLED son mejores que los QLED o viceversa, debido a que tendríamos que comparar modelos de forma individual para sacar conclusiones. De igual forma, nunca debemos fijarnos solo en el tipo de panel, sino en el conjunto del televisor, ya que hay tecnologías o especificaciones que pueden marcar completamente la diferencia.
    Desde el 2021, Samsung ha competido de forma más directa con marcas como LG, que suele centrarse sobre todo en televisores OLED, presentando su nueva gama de modelos Neo QLED. ¿Esto qué significa? Una mejora considerable en su calidad, con su correspondiente subida de precio, integrando un nuevo procesador y añadiendo los denominados Mini LED para reducir la retroalimentación, entre otras novedades.
    Qué Smart TV comprar para ver una película o serie
    Samsung 55Q64B
    Samsung tiene un enorme catálogo de televisores, y aunque muchos de ellos están bien equilibrados para tener una gran experiencia para videojuegos y películas y series, lo cierto es que las tecnologías que suele integrar en ellos están enfocados al cine. Prueba de ello es el modelo Samsung 55Q64B, un televisor que entre otras cosas destaca por contar con un panel QLED Serie 6 y HDR10+ y Modo Director de Cine.
    Samsung TV QLED 4K 2022 55Q64B
    PVP en Amazon 599,00€ Ambas combinadas permiten poder representar una experiencia o sensación cercana a lo que el director pretendía en un principio, mejorando así también la profundidad de color y acercándose a lo que puede ofrecer Dolby Vision. Este modelo lo podemos encontrar bajo un precio bastante ajustado, siendo un televisor de 2022 que actualmente lo vemos por 599 euros en su versión de 55 pulgadas.
    Samsung QN700B (Neo QLED)
    En cambio, en 2022 samsung lanzó otra gama de televisores con importantes novedades, y son las denominadas Neo QLED, cuyos primeros televisores se abrieron paso un año antes bajo una presentación. En este caso, la marca abandonó los LEDs de los paneles QLED para integrar Mini LED, generando así un control más preciso de luminosidad y mayor contraste.
    Samsung TV Neo QLED 8K 55" QN700B
    PVP en Amazon 1.226,31€ Entre los televisores del 2022 destaca, entre otros modelos, la Smart TV Samsung QN700B, un televisor bastante reciente que, al igual que el QLED que hemos nombrado anteriormente, viene con HDR10+ Adaptive, HDR 2000 y Modo Director de Cine, además de la gran diferencia de integrar Quantum Matrix Technology Pro (más luz y contraste gracias a los Mini LED) y la implementación de Inteligencia Artificial con el procesador Neural 8K.
    Este modelo cuenta con una mayor potencia de audio al alcanzar los 60 W y Dolby Atmos; características y tecnologías que no vemos en el modelo 55Q64B. Eso sí, en este caso su precio es más elevado, llegando a los 1.226,31 euros en su tamaño de 55 pulgadas.
    Hisense 55E7H
    De la mano de Hisense también podemos encontrar televisores QLED, como es el caso del modelo 50E7H. Se trata de un televisor más equilibrado en el apartado de imagen que despunta, sobre todo, en la implementación de Dolby Vision. También viene con el formato HDR10+ y unos buenos ángulos de visión de 178º, pero no viene con Modo Filmmaker.
    Hisense 55E7H QLED Smart TV
    PVP en Amazon 449,00€ En cambio, el apartado de audio sacrifica algunas características, como su potencia que se ve reducida a 16 W entre sus dos canales y una compatibilidad con Dolby Audio en lugar de Dolby Atmos. Frente al sistema operativo Tizen de Samsung, Hisense también incluye el suyo propio en sus televisores (VIDAA) con el que podemos tener acceso a las plataformas de streaming.
    Este televisor es más económico que los citados anteriormente, ya que con un tamaño de 55 pulgadas su precio alcanza los 449 euros.
    TCL QLED 43C639
    Otro televisor del 2022 que es bastante económico y que viene con un panel QLED es el modelo TCL 55C639. Se trata de una Smart TV que se diferencia de otros televisores al integrar el sistema operativo Google TV, una versión diferente de Android TV cuya baza reside en su amplio catálogo de aplicaciones.
    TCL QLED 43C639
    PVP en Amazon 449,00€ No solo destaca en esto, sino también en ofrecer un sonido firmado por Onkyo para poder garantizar una expereriencia de audio Dolby Atmos, clara, nítida y de gran calidad. También cuenta con Dolby Vision y un precio bastante reducido para todo lo que ofrece, ya que el tamaño de 43 pulgadas lo encontramos por 449 euros.
    Philips 55OLED807/12
    La marca Philips es única en materia de televisores, y no por destacar al ofrecer mejores tecnologías que, por ejemplo, el modelo LG C2, sino porque sus televisores cuentan con Ambilight. Esto puede ser la diferencia (o no) para muchas personas, y lo cierto es que es una mayor garantía de inmersión a la hora de ver películas o series.
    Philips 55OLED807/12 OLED
    PVP en Amazon 1.799,00€ Su modelo OLED, la Smart TV Philips 55OLED807/12, cuenta con un gran equilibro en sus apartados. Además del Ambilight, también incluye una tasa de actualización de 120 Hz, cuatro puertos HDMI 2.1, Dolby Vision, HDR10+ Adaptive, IA para la mejora de la imagen, Modo IMAX Enhanced y Modo de cineasta.
    El sonido consigue superar al televisor de LG al menos en potencia, ya que alcanza los 70 W con la compatibilidad de Dolby Atmos y personalización del sonido Mimi, una tecnología de Philips que permite al televisor ajustar el sonido a nuestro perfil auditivo. Además del Ambilight, otra de las grandes diferencias es que su sistema operativo es Android TV. Todo ello por un precio ligeramente más barato, reduciendo su tamaño a las 55 pulgadas, y podemos encontrarlo por 1.799 euros.
    Sony BRAVIA XR 55A75K
    Aunque los televisores de Sony gozan de una gran calidad, por lo general suelen tener un precio algo más elevado. La marca también se ha sumado a los paneles OLED en estos últimos años y encontramos diferentes modelos a tener en cuenta. El más recomendado es el televisor Sony BRAVIA XR 55A75K.
    Sony - TV OLED 55" BRAVIA XR 55A75K
    PVP en Amazon 2.149,00€ Por un lado, y como marca la tradición en este tipo de paneles, cuenta con una tasa de refresco de 120 Hz, HDMI 2.1, Dolby Vision, HDR10 (en este caso no es HDR10+) y un añadido diferencial: XR TRILUMINOS PRO, una tecnología para conseguir una mayor paleta de colores y matices.
    También incluye IMAX Enhanced y una gran variedad de modos de imagen, Dolby Atmos y 40 W de potencia distribuidos en sus cuatro altavoces con Acoustic Surface Audio, que permite mejorar el sonido de los diálogos. En este caso, volvemos a encontrarnos con el sistema operativo Android TV, pero con una ligera versión: Google TV. Este televisor podemos encontrarlo en las tiendas a un precio de 2.149 euros en su tamaño de 55 pulgadas.
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    Imagen | LG
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    La noticia Smart TVs OLED o QLED: características, diferencias y modelos recomendados fue publicada originalmente en Espinof por Alberto García .
  24. Entre Fans
    La pandemia ha puesto a los cineastas en un estado de inquietud y ansiedad mayor sobre el futuro de las salas de cine, ese espacio que no paran de reivindicar como el más majestuoso para poder ver sus obras y el que favorece hacer una conexión especial con la película de la mano de un montón de desconocidos. Es una manera quizás romántica de más de lo que es la experiencia media, pero no por ello deja de ser necesario reivindicar el factor amplificador que tienen estas localizaciones.
    Ya antes del cierre forzado por el Coronavirus hemos visto a autores hablando de la experiencia del cine a través de sus propias biografías, pero esta clase de películas han proliferado para intentar recordarnos ese placer de encontrar historias en una pantalla gigante dentro de una sala a oscuras. 'El imperio de la luz' es el último ejemplo de ello, con una historia romántica de varios niveles de profundidad.
    Una luz mágica
    Sam Mendes se toma un descanso de los excelentes espectáculos de James Bond y '1917' para volver a un drama adulto más íntimo y delicado. Aquí seguimos al personaje de Olivia Colman, una trabajadora de un modesto cine del sur de Inglaterra en la época de los ochenta que mantiene una compleja relación con el propietario, al que da vida Colin Firth.
    En Espinof '1917': más allá del plano secuencia, una obra de arte humanista para redescubrir en Netflix o Amazon Prime Video La dinámica en el antiguo cine cambiará con la llegada del personaje de Micheal Ward, un joven ***** que busca trabajo temporal hasta que se vaya a estudiar a la universidad. Este muchacho conectará de forma especial con el personaje de Colman, manteniendo una relación romántica secreta marcada por la complejidad. Él tiene que soportar las dificultades de ser de raza negra en un momento donde el racismo se encuentra en auge, mientras que ella lidia con problemas de salud mental y con la abusiva relación con su jefe.
    Todos estos son problemas serios (o SERIOS) que Mendes trata de entrelazar con las relaciones románticas que tienen lugar, tanto la que tienen los protagonistas entre ellos como la que mantienen con el espacio sagrado en el que trabajan. La inminente premiere de 'Carros de fuego', una ambiciosa producción británica pensada para exaltar el sentimiento de unidad en la nación, es uno de los detalles sofisticados con los que el cineasta juega para expresar la paradójica situación que vive el país con el incremento del odio racial.
    No obstante el guión, firmado por el propio Mendes, no termina de dar con la refinación necesaria para que todos sus frentes estén conectados. Aparte de que la intolerancia está abordada con cierta superficialidad que no le hace mucho favor, la conexión entre sus protagonistas no se sostiene. Su tratamiento es errático, especialmente el del personaje de Colman y su inestabilidad mental, que debería sentirse más considerada y genuina por la conexión personal del director (a su madre también sufrió con problemas de salud mental).
    El tono de su dirección también se siente irregular, no sabiendo navegar desde la melancolía que domina el relato hasta los exabruptos más chabacanos, que tienen lugar curiosamente en la entrada del cine. Hay escenas muy concretas donde parece querer hacer una espectacular unión entre el drama personal y los estallidos políticos que recuerdan al cine de Alfonso Cuarón, que suele hacer esa clase de momentos y tornarlos en algo espectacular, pero en esta película se sienten excesivamente bruscos.
    'El imperio de la luz': un espacio lleno de vida
    No por ello Mendes deja una película descuidada. Lo visual es uno de los aspectos donde 'El imperio de la luz' destaca completamente, creando una exquisita melancolía a través de esa atmósfera bien recreada. Hay dos claros ganadores en esta película con los que el director muestra una perfecta sintonía: Roger Deakins, que vuelve a firmar una fotografía digna de nominación al Premio Oscar (cuando parecía que se la habían regalado por ser él) con un maravilloso uso de los colores y el espacio, y Mark Tildesley, que hace el diseño de producción tan formidable que ayuda a que este antiguo cine luzca majestuoso y lleno de vida.
    En Espinof Cómo se ha convertido Roger Deakins en uno de los grandes genios de la fotografía en el cine La película resulta más cautivadora cuando más nos hace pasear por las entrañas de este teatro de sueños, desde el lujoso recibidor hasta el abandonado segundo piso. Y también en la sala del proyector, que crea un mágico instante con Colman viendo la pantalla (la clase de momento "el poder del cine" que resulta tan hortera como conmovedor aquí). En esos tramos es cuando todo hace click, desde los actores con sus personajes a la melancólica música de Trent Reznor y Atticus Ross (que firman un trabajo discreto pero adecuado). Sólo por eso es imposible despreciar algo como 'El imperio de la luz'.
    En Espinof | Las películas más esperadas y los mejores estrenos de 2023
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    La noticia Una melancólica carta de amor a las salas de cine que estuvo nominada al Oscar: 'El imperio de la luz' conmueve en lo visual pero es un paso atrás para el director de '1917' y 'Skyfall' fue publicada originalmente en Espinof por Pedro Gallego .
  25. Entre Fans
    Glen Powell protagonizará 'Twisters' junto a Daisy Edgar-Jones una tardía secuela de 'Twister' de 1996, una película lejos de ser un clásico pero que tiene sus fans. Según Deadline, Lee Isaac Chung dirigirá la película a partir de un guión escrito por Mark L. Smith, que se estrenará el 19 de julio de 2024 de mano de Universal y Amblin Entertainment.
    Revivir viejas glorias
    Llamado como un "nuevo capítulo" de la película de 1996, el medio informó que la aquella recaudó 500 millones de dólares en taquilla y recibió nominaciones al Oscar en las categorías de efectos visuales y sonido. El elenco de la película incluía a Helen Hunt, Bill Paxton, Carey Elwes y Philip Seymour Hoffman.  la trama de la próxima película Twisters permanece "en secreto" aunque estaría protagonizada por la hija de los dos protagonistas de la película original.
    En Espinof El placer de la destrucción: las 13 películas imprescindibles del cine de catástrofes Warner Bros. Pictures cofinanciará 'Twisters' con Frank Marshall y Pat Crowley. Además, la vicepresidenta ejecutiva de producción de Universal, Sara Scott, y la ejecutiva creativa, Jacqueline Garell, administrarán la producción para el estudio, que empezó como un reboot dirigido por Joseph Kosinski y ha terminado siendo una segunda parte.
    Kosinski se ha bajado del proyecto después del éxito de 'Top Gun Maverick', y ahora Chung dirigirá el guion es de Mark L. Smith, guionista de 'Martyrs' o 'El renacido', y según fuentes todos los que lo han leído, incluyendo Steven Spielberg, afirman que es un gran libreto.
    En Espinof | La moda de las secuelas tardías: el recurso fácil y nostálgico con el que Hollywood huye de lo original
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    La noticia 'Twisters': Glen Powell cazará huracanes con Daisy Edgar-Jones en la secuela del taquillazo de los 90 que prepara Universal fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .
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