Entre Fans

Puede que el demencial espectáculo que nos brindó la espeluznante 'Cats' de Tom Hooper, que el compañero Jorge definió a la perfección como "una pesadilla musical lisérgica", haya sido uno de los fenómenos cinematográficos más destacados del final de la década pasada. Pero cuando esa obsesión por lo grotesco y lo extraño se deshinchó, en la red de redes nació el milagro que dio una segunda vida a la infame adaptación del musical de Broadway. Un milagro con forma de ano. Hace unas semanas, Twitter fue testigo del nacimiento de un rumor que apuntaba a la existencia de un montaje desechado de 'Cats' en el que los felinos antropomórficos protagonistas tenían a la vista la última parte de sus aparatos digestivos. Una versión de la cinta que la tuitersfera no tardó en bautizar como el 'Butthole Cut' mientras clamaba para que Universal la hiciese pública. En Espinof ‘El irlandés’ y la tecnología de rejuvenecimiento digital: cuando la narrativa enmascara una técnica sin depurar Pero, ¿qué hay de cierto en todo esto? ¿Es el 'Butthole Cut' una realidad? Vamos a repasar todo lo que sabemos sobre un montaje que rivaliza con el mismísmo 'Snyder Cut' de 'Liga de la justicia' por hacerse con el título de la mayor obsesión del fandom internauta. El origen del... ¿mito? Mientras Twitter aún ardía con infinidad de comentarios sobre 'Cats', incluyendo los de un Seth Rogen colocadísimo que no daba crédito de lo que estaba viendo, el pasado 18 de marzo un mensaje relativo al largometraje destacó sobre el resto. Su autor es Jack Waz, y su contenido el siguiente: "Un productor de VFX amigo de un amigo fue contratado en noviembre para terminar algunos de los 400 planos con efectos de @catsmovie. Su trabajo consistió en eliminar anos de CGI que se habían añadido algunos meses antes. Esto significa que, en algún lugar, existe un 'Butthole Cut' de 'Cats'". El tuit corrió como la pólvora, impulsado en parte gracias a los likes del propio Rogen o del mismísimo Rian Johnson, director de 'Puñales por la espalda' o 'Los últimos Jedi'. La red social estaba en llamas. El pueblo pedía a gritos que el presunto 'Butthole Cut', ahora convertido en uno de los memes más populares de lo que va de año, viese la luz. Lo ya de por si dantesco se había convertido en algo aún más turbador. Y, entonces, llegó la gran filtración. "¡Ahí hay un **** ojete!" El 7 de abril, tras infinidad de conjeturas e investigaciones infructuosas, el medio The Daily Beast logró contactar en exclusiva con una fuente anónima que, según afirma, trabajó en los efectos visuales de 'Cats'. Un Garganta Profunda de los VFX que asegura que los anos felinos aparecieron por sorpresa a la mitad del desarrollo de la película. Atentos a sus declaraciones, porque no tienen desperdicio. "Cuando estábamos viendo los playbacks, estábamos en plan '¿Qué diablos? ¿¡Habéis visto eso!?' Lo pausamos. Fuimos a llamar a nuestro supervisor rollo '¡Ahí hay un **** ojete! ¡Hay anos!'. No era prominente, pero lo podías ver, y sólo podías pensar '¿Qué demonios es eso? Hay un **** ano.' No estaba en tu cara, pero, al mismo tiempo, si lo buscabas, ibas a verlo". Según el informante, la aparición de anos no estaba prevista, ya que ni tan siquiera figuraban en los concept-art. Surgieron de manera espontánea. "Nadie había dicho, 'Queremos anos'. Era una de esas cosas que, tan sólo, ocurrieron y pasaron inadvertidas". Por desgracia, cuando el estudio se percató de la presencia de —ejem— anatomía indeseada, se vio obligado a tomar medidas y eliminarla de la ecuación. El presunto problema con los anos es tan sólo un indicativo más del caos que reinó durante una fase de post-producción de 'Cats' que la fuente describe como un infierno "próximo a la esclavitud", con semanas de 90 horas de trabajo que se fueron sucediendo durante meses y con trabajadores que se veían obligados a quedarse en la oficina durante dos o tres días durmiendo bajo sus mesas. Además de esto, el informante anónimo remarca que uno de los principales problemas era el máximo responsable del proyecto, Tom Hooper. Según el artista de efectos visuales, el director, al que describe con adjetivos como "irrespetuoso" o "condescendiente" desconocía por completo el funcionamiento básico de la animación —esto no me sorprende lo más mínimo, ya que he escuchado en varias ocasiones de primera mano que es algo más habitual de lo que debería en la industria—, y atacaba duramente al departamento de VFX. "Te habla como si fueses basura". Por poner algún ejemplo de lo que suponía trabajar con Hooper, en la entrevista se cuenta que, cuando los equipos responsables enseñaban los playblasts —animaciones de muestra sin color ni textura—, el director no entendía qué diantres pasaba y exigía ver el material renderizado al completo, con la consiguiente pérdida de tiempo y esfuerzo. Pero, probablemente, el cénit de la locura se alcanzó cuando Hooper pidió ver vídeos de gatos reales ejecutando las mismas acciones que los personajes humanoides de la película. "Como sabes, los gatos no bailan", apunta el informante. Para terminar, este artista de VFX describió, en términos generales, cómo fue trabajar en una 'Cats' que, recordemos, se estrenó sin terminar y tuvo que actualizarse una vez estrenada en cines a una versión con los efectos visuales completados. "Para nosotros fue casi esclavitud, todo ese trabajo complicado que tuvimos que realizar sin tiempo. Estuvimos tan agobiados con el proyecto que no teníamos tiempo para nada. Así que cuando la gente dice, 'oh, los efectos no eran buenos' o 'la animación no es buena', o algo parecido, la culpa no es nuestra. No tenemos tiempo. Seis meses para hacer un tráiler de dos minutos y cuatro meses para hacer una película de una hora y media. Mis matemáticas son bastante buenas... Puedes imaginar que no tiene ningún sentido". Anos accidentales Pese a la jugosa información de la exclusiva de The Daily Beast, sobre todo en lo relativo a las condiciones en las que trabajó el equipo de VFX de 'Cats', la entrevista no resultó esclarecedora en absoluto respecto a la existencia —o no— del infame 'Butthole Cut'. En Espinof Las 21 mejores películas musicales de todos los tiempos Nuestra mejor pista hasta el momento se remonta al pasado 18 de marzo, cuando el director y guionista Ben Mekler, volcado en la investigación, recibió recibió una respuesta de un miembro anónimo del equipo de 'Cats', que desmintió la idea de que existiese un 'Butthole Cut' intencionado. Pero mucho ojo, porque parece ser que, alinenándose con lo expuesto hasta el momento, de forma involuntaria, las primeras fases de VFX dieron como resultado planos bastante desagradables... "Nunca hubo planos de gatos con anos. Al menos, no según su diseño [original], nada que yo haya visto. De todos modos, hubo una docena de planos en los que la piel y el pelaje estaban doblados o peinados de un modo que, REALMENTE, parecían genitales femeninos muy peludos y anos de forma accidental. El equipo de 2D se encargó —como ocurre habitualmente con espectáculos cargados de CGI— de la tarea de borrarlos después de que se descubrieran. Las revisiones diarias tuvieron discusiones constantes e incómodas con gente armándose de valor para señalar cosas como esta; '¿Eso de ahí te parece un chocho?'. Puede que, más que de realidad o mentira, con el caso del 'Butthole Cut' estemos hablando de verdades a medias. Después de que el medio Vanity Fair escribiese a Universal tratando de aclarar el misterio, un representante del estudio respondió con evasivas, apuntando que no podía comentar nada acerca del rumor y rematando con una frase tan enigmática como la siguiente: "Con suerte, esto añadirá algo a la magia y la naturaleza de mito de este tesoro cinematográfico". Después de todo esto, da igual que exista o no un 'Butthole Cut', más allá de una serie de desafortunados errores en las primeras fases de desarrollo del filme. La simple idea de que haya un montaje maldito de la película de Tom Hooper abarrotado de anos es lo suficiente maravillosa como para compensar la decepción que generaría confirmar que se trata de una leyenda urbana. Y es que, a veces, la vida puede ser una auténtica fantasía. - La noticia ¿Existe el 'Butthole Cut'? Todo lo que sabemos sobre el delirante montaje de 'Cats' abarrotado de anos felinos fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Amazon Prime Video ha anunciado el estreno de 'Madres', la nueva serie original de Mediaset España que llegará en exclusiva a la plataforma de vídeo bajo demanda el próximo 8 de mayo. Además, ya tenemos un pequeño y emotivo tráiler para ir abriendo boca. Compuesta de trece episodios y producida en colaboración de Alea Media, nos encontramos con un drama centrado en las vicisitudes de un grupo de madres cuyos hijos reciben tratamientos en el mismo hospital por diversas circunstancias. Madres que han dejado sus respectivas carreras para poder estar pendientes de sus hijos. En Espinof Mediaset en la guerra del streaming: acuerdos con Amazon y Netflix, series exclusivas y fin de lo gratis 'Madres' está protagonizada por Belén Rueda, Aida Folch, Rosario Pardo, Carmen Ruiz y Carla Díaz. Al guion está Aitor Gabilondo, a quién hemos podido ver 'Vivir sin permiso', que acaba de terminar su segunda temporada. Gabilondo, además, está detrás de 'Patria', cuya fecha de estreno estaba prevista, precisamente, para el próximo mes de mayo y ha sido retrasada. El drama viene de la mano de Mediaset como parte del acuerdo al que llegó hace unas semanas con Amazon Prime Video y gracias a la cual estamos pudiendo ver la temporada 2 de 'El pueblo' y 'Caronte' antes de su emisión en Telecinco. Un trato que, de momento, parece que sigue funcionando. Es curioso, además, que la fecha de estreno coincida con la de otro estreno de serie española en una plataforma: 'Valeria' llega ese mismo día en Netflix. - La noticia Emotivo tráiler de 'Madres': Amazon Prime Video pone fecha de estreno a la nueva serie de Aitor Gabilondo fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Netflix sigue con su ritmo de novedades y ya tenemos la fecha de estreno de una de las esperadas adaptaciones que la plataforma tiene en cartera. Estoy hablando de 'Valeria', la serie basada en las novelas de Elísabet Benavent que aterrizará en Netflix el 8 de mayo. Diana Gómez se pone en los zapatos de Valeria, una escritora en crisis tanto por sus novelas como por su matrimonio con Adrián (Ibrahim Al Shami), con el que tiene una distancia emocional bastante pronunicada. Por ello se refugiará en sus tres mejores amigas, inmersas en sus propios torbellinos de amor, celos, alegrías y sueños. En Espinof Las 31 mejores series de comedia en Netflix, HBO, Amazon y demás plataformas de streaming Silma López, Paula Malia, Teresa Riott y Maxi Iglesias completan el reparto principal de la serie, que consta de ocho episodios producidos por Plano a Plano. María López Castaño ('La otra mirada') se encarga del guion y es creadora de la serie junto a Aurora Gracià, Almudena Ocaña y Fernanda Eguiarte. En la dirección tenemos a Inma Torrente y Nely Reguera. Vamos, que con 'Valeria' nos encontramos con una serie eminentemente femenina, llena de mujeres tanto en el reparto principal como en la dirección y guion. Algo que si bien parece lógico debido al material de partida, no es tan habitual como pudiéramos pensar. A falta de un tráiler, todavía no podemos determinar si se está llevando bien la adaptación de las novelas de Benavent. Libros que son tremendamente populares con casi un millón de ejemplares vendidos. Habrá que ver cómo es la serie. - La noticia Netflix pone fecha de estreno a 'Valeria', la serie que adapta las novelas de Elísabet Benavent fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Universal ha puesto en marcha un remake de 'La noche del cazador', la sensacional película dirigida por Charles Laughton en 1955 a partir de una novela escrita por Davis Grubb dos años antes. Por el momento, Universal ha fichado al guionista Matt Orton -'Operation Finale'- para ocuparse de escribir esta nueva versión. Se desconocen apenas más detalles sobre esta nueva versión, pero en Variety apuntan que se espera que la acción transcurra en la actualidad. El movimiento por parte de Universal encaja de lleno en la tendencia de los grandes estudios de Hollywood de seguir explorando títulos de su catálogo que creen que tienen gancho comercial. Un ejemplo reciente en el caso de esta productora lo tenemos con 'El hombre invisible', una producción de presupuesto contenido que acabó convirtiéndose en un gran éxito de taquilla. Un clásico del cine 'La noche del cazador' cuenta la historia del reverendo Harry Powell, un ex-presidiario que quiere hacerse con el botín de su antiguo compañero de celda ya ejecutado. Para ello no duda en contactar con la familia y enamorar a la viuda, casándose con ella. A los que nunca consigue engañar es a las hijos de ella... La película ya contó con una versión televisiva en 1991 con Richard Chamberlain en el personaje inmortalizado en su momento por Robert Mitchum. - La noticia 'La noche del cazador' tendrá remake de la mano de Universal: el mítico predicador Harry Powell se traslada a la actualidad fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Muchas series se han visto afectadas por la crisis del coronavirus, entre ellas ‘Patria’, la adaptación de la novela de Fernando Aramburu por parte de HBO que promete ser la obra definitiva sobre ETA hasta ahora. No ha sido el caso de ‘La línea invisible’, una miniserie para Movistar+ que también gira alrededor de la banda terrorista vasca y en la que encontramos detrás a Mariano Barroso, quien ya se marcase un gran tanto el año pasado con ‘El día de mañana’. El estreno de ‘La línea invisible’ estaba inicialmente previsto para el 17 de abril, pero Movistar+ decidió adelantarlo al día 8 del mismo mes, realizando además una premiere online que permitirá ver a todo el mundo sus dos primeros episodios de forma completamente gratuita. Seáis o no clientes de la plataforma, os animo a echarle un vistazo, ya que estamos ante un estupendo retrato de los orígenes de ETA. Un thriller pausado Lo primero que conviene dejar claro sobre ‘La línea invisible’ es que estamos ante un thriller en el que la carga política queda supeditada a cómo funciona para motivar las acciones de sus protagonistas, pero sin en ningún momento convertirlo en aquello sobre lo que gira todo. Aquí lo importante son los personajes, en especial los que están interpretados por Álex Monner y Antonio de la Torre. Por ello, Barroso se toma las cosas con calma y no quiere convertir ‘La línea invisible’ en un thriller vibrante, sino en un relato más pausado que nos permita entender mejor qué fue lo que hubo detrás del primer asesinato de ETA. Ahí habría sido muy fácil demonizar a los miembros de la banda, pero lo que era entonces la organización distaba mucho de lo en que acabaría convirtiéndose y se percibe un gran interés en centrarse únicamente en ese momento histórico y no en ofrecer un retrato viciado por lo que vino después. En Espinof Las 47 mejores series de la historia Eso da pie a que se nos muestren las divergencias internas sobre iniciar o no la lucha armada, pero no se entra a las bravas en ello, tomándose la figura de Txabi Etxebarrieta desde un enfoque más humano. Todo apuntaba para él hacia una prometedora carrera como profesor antes de que la semilla de la necesidad de liberar al pueblo vasco germinase en su interior. Ya no había vuelta atrás, sobre todo tras una enfermedad sufrida por su hermano, y poco a poco vamos viendo cómo gana importancia dentro de ETA. El guion de Michel Gaztambide y Alejandro Hernández sirve para sacar todo el partido a un evento clave dentro de la historia española del siglo XX que hasta ahora no había parecido interesar demasiado a las obras de ficción. En ‘La línea invisible’ se nota el interés en ofrecer un retrato histórico fidedigno, pero sin que ello suponga acercarse más de lo necesario a lo documental, percibiéndose en todo momento un gran interés en que la serie funcione como thriller a todos los niveles. Eso lleva a un acabado técnico de primer nivel -me funciona especialmente la fotografía de Marc Gómez del Moral para equilibrar el interés histórico con el enfoque buscado- en el que sobresale el preciso trabajo de todos los implicados. Todo ello nunca quita la sensación de que la gran dificultad de la serie ha estado en cómo contar la historia, siendo ese el motivo por el que ha tardado tanto en salir adelante. Estupenda en todos los sentidos Más atrás apuntaba que ‘La línea invisible’ no está contaminada por aquello en lo que se convirtió ETA, ya que a mediados de los 60 no dejaba de ser un grupo muy reducido de personas que principalmente funcionaban a modo de resistencia frente a la represión franquista. Incluso se nos muestra el nulo resultado que tenía optar por las huelgas y como hizo parecer como casi imposible -ojo al matiz de casi- cualquier solución que no estuviera asociada al asesinato. Ahí ‘La línea invisible’ brilla a la hora de captar la personalidad de su protagonista, alguien incluso dispuesto a “liberar” a la mujer de la que está enamorado al entender que el bien mayor lo requiere. El soberbio trabajo de Monner reflejando cómo ese idealismo inicial no deja de pervertirse hasta que toma una decisión irreversible es vital para conseguirlo, como también lo es que los métodos utilizados por el policía interpretado por un estupendo De la Torre no son precisamente limpios. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora A fin de cuentas, era una época en la que no era tan fácil distinguir entre los buenos y los malos, aunque la serie sí se permite un pequeño inciso en el magnífico quinto episodio para jugar con al mismo tiempo con la pureza de un personaje y la inevitabilidad de lo que va suceder, mostrando así un lado diferente al singular thriller que propone. Es entonces cuando todo se precipita y la serie da ese paso adelante en todos los sentidos. Hasta entonces había sabido captar bien que detrás de ese crimen no dejaban de estar personas con un deseo lógico y humano que optaron por tomar la peor de las vías para conseguirlo. Con todo, la propia serie nos recuerda que lo que era entonces ETA, incluso cuando se dio ese paso irreversible, no tiene nada que ver con aquellos en lo que sería pocos años después. Y es que esta no es una historia sobre el odio pese a sus trágicas consecuencias. Otra prueba de ello son otras tramas secundarias que enriquecen ‘La línea invisible’ en lugar de convertirse en una distracción. Pienso por ejemplo en el embarazo del personaje de Anna Castillo o la enfermedad del que tiene el rostro de Enric Auquer. Contar con dos de los mejores actores del cine español sin duda ayuda a ello, pero al final la clave está en que potencian ese toque más humano del relato sin desequilibrarlo. En resumidas cuentas ‘La línea invisible’ es una de las mejores series de Movistar+ hasta ahora, ya que no hay nada en ella que desentone y además consigue abordar una problemática historia real con tacto pero sin miedo a jugar con el thriller para convertirlo en algo aún más emocionante. A ello ayuda el estupendo trabajo de todos, tanto los que están delante de las cámaras como los que no llegamos a ver en pantalla. - La noticia 'La línea invisible': un estupendo retrato de los orígenes de ETA y una de las mejores series de Movistar+ hasta ahora fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El encierro por el coronavirus está convirtiendo al entretenimiento en algo más necesario que nunca. Cualquier recomendación es bien recibida para así poder encontrar algo que nos permita desconectar aunque sea por unos minutos y tengo muy claro que esa es la idea con la que nace 'Diarios de la cuarentena', la nueva serie de RTVE. Realizada en tiempo récord, 'Diarios en la cuarentena' es una propuesta que en condiciones normales dudo que hubiese salido adelante. Los guiones no están especialmente trabajados y por momentos puede dar la sensación de basarse en chascarrillos que podrían ocurrírsele a cualquiera, pero a la hora de la verdad es un inofensivo pasatiempo que seguramente te arranque alguna sonrisa. Con las ideas claras Dividido en varias historias, 'Diarios de la cuarentena' busca apoyarse en la cotidianidad propia de estos días, explorando para ello diversos arquetipos, desde el concepto del vecino policía que parece más interesado en que alguien del otro bloque finja aplaudir, el padre de familia desbordado o los dos amigos obsesionados con forrarse a costa de la desgracia ajena. Para ello se opta por una estructura en forma de sketch que impide que lleguemos a cansarnos de cualquier de sus protagonistas por lo poco que tardamos en dar un salto a otro. Además, esas microdosis de entretenimiento buscan en todo momento que uno pueda sentirse identificado, ya sea por tener una actitud similar a algunos de ellos o porque veamos a otros representados. En Espinof 12 casas de película donde pasar el encierro que son mejores que las nuestras Ahí lo primero que conviene desterrar es la idea de ver algo más que una pequeña dosis de optimismo. Aquí el drama no tiene presencia alguna, ya que incluso esa mujer que se obligada a mantener en casa a ese inesperado amante interpretado por Víctor Clavijo, de lejos el mejor de este primer episodio de la serie de 'Diarios de una cuarentena'. Sencilla pero cumplidora A cambio tampoco esperéis nada muy elaborado, ya que hacer una serie así en tan poco tiempo tiene el peaje de que tampoco se ha podido trabajar demasiado en los guiones. Se opta por lo sencillo, directo y fácilmente identificable, por lo que si no tienes el ánimo para algo así es probable que acabes espantando tras verla. Obviamente, tampoco tiene un acabado técnico reseñable, pero sí se ha conseguido que tenga todo la suficiente homogeneidad como para que parezca un ente unitario en lugar de pegar sin más historias diferentes. Eso también se aplica al tono, sacrificando la posibilidad de dar un poquito de mala leche a alguna de ellas, pero bueno, tampoco era eso lo que se buscaba. En Espinof 38 series españolas que puedes ver online gratis Además, se nota la entrega del reparto y también que se lo está pasando bien, cosa que aporta el clima necesario para que uno se deje llevar y se centre más en disfrutar de ella que en sus más que obvias limitaciones. Queda la duda de si es una fórmula que no se agotará ya para el segundo o el tercer episodio, pero bueno, la mayoría de las historias tienen espacio para seguir creciendo sin ser simplemente más de lo mismo. En resumidas cuentas 'Diarios de la cuarentena' no es una serie que brille especialmente en nada, pero sí que sabe cómo buscar la sonrisa cómplice del espectador para olvidarme un poco del drama del coronavirus. En el caso de que esa idea directamente te parezca actualmente una frivolidad -tengo mis dudas que nadie que haya perdido a un ser querido por esta horrible enfermedad tenga el cuerpo precisamente para algo así-, ni te acerques a ella, pero los demás podéis probar. - La noticia 'Diarios de la cuarentena': un inofensivo pasatiempo de RTVE que busca la sonrisa cómplice del espectador fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La película ‘Balto: La leyenda del perro esquimal’ (1995) de Disney se convirtió en un pequeño clásico de la animación infantil, basada en una historia real de un perro que realmente existió. Ahora, 25 años después, en vez de hacer un live action de Balto, Disney+ presenta ‘Togo’, que espiritualmente sí que es una versión de acción real de aquella, solo que trata de restituir el prestigio al perro que realmente realizó la hazaña. ‘Togo’ es la historia real nunca contada del entrenador de perros para trineos Leonhard Seppala y su conductor líder, Togo. El relato, en principio, es el mismo. Un brote de difteria en Nome (Alaska) hizo que hicieran falta muchos medicamentos, que se enviaron a un pueblo bastante lejano al que sí llegaba el tren. Para recogerlos, el gobernador envió a más de 150 perros y 20 personas en trineos para recorrer los 1000 kilómetros de ida y vuelta. El olvido imperdonable de Togo Ir a por la medicina fue sencillo, el problema vino a la vuelta, ya que, además de unas condiciones meteorológicas más adversas, la antitoxina no podía estar expuesta al frío más de 6 días, por lo que tras una carrera durísima, en la que muchos de los perros y dueños murieron por el camino, gran parte del equipo consiguió regresar a Nome en tan solo cinco días y medio, con lo que se logró curar a los enfermos para evitar una epidemia mayor. La película de Disney contaba esto, haciendo de Balto el perro heróico. Hay una estatua de Balto en Central Park, Nueva York, y en general, su nombre siempre ha estado por delante cuando se habla de la carrera de Nome. Sin embargo, la nueva película de Disney+ trata de corregir lo que está en su mano, recogiendo los datos y haciendo justicia. ‘Togo’ no trata de arrebatar nada a Balto, pero como explica antes de los créditos finales, fue el perro que más tiempo estuvo corriendo, especialmente en la posición de líder, que es la más complicada. En Espinof El lado oscuro de Disney: 13 películas de acción real tenebrosas de culto, y cuáles están en Disney+ En total, Togo hizo 563 kilómetros, y por otro lado, fue el perro guía para la etapa más larga del relevo. Los otros equipos en el relevo para entregar el medicamento hicieron 50 kilometros de media. Balto sólo corrió en esta posición unos 88 kilómetros, pero eran los correspondientes a la llegada, convirtiéndose así en el primero en ser recibido al llegar a Nome, llevándose toda la gloria. Esto convierte a Togo, inmediatamente, en un personaje marginal perfecto para una historia de héroes en la sombra. La mejor adaptación de Jack London que no adapta a Jack London Las historias de relación entre el hombre y el perro, juntos contra la naturaleza son un tema relativamente habitual en Disney, que podemos englobar dentro del universo de adaptaciones de Jack London, siendo uno de los ejemplos más redondos de ese estilo, rodada con animales reales en situaciones increíbles que deberían hacer enrojecer de vergüenza al can humanizado de ‘La llamada de lo salvaje’ (2020), la última adaptación al cine de London. ‘Togo’ se beneficia de la dirección de un veterano en escenas de riesgo reales como es el competente Ericson Core. A ello le debemos sumar la brillante actuación de Willem Dafoe, tremendo lo que transmite el actor pausado, tenue y con cada surco en su cara transmitiendo conocimiento y aventuras pasadas, pero al ser un film juvenil de animales, es difícil que nadie te cuente que está mucho mejor que en ‘El faro’ (The Lighthouse, 2019). Julianne Nicholson también está a su altura como la esposa de Leonhard, Constance. Lo que diferencia a ‘Togo’ de otros filmes de su género es que se basa en sus conversaciones, y no en las escenas de acción in crescendo. En Espinof 'La llamada de lo salvaje': una tierna aventura que demuestra que la emoción está por encima de la técnica De hecho, el punto que conecta ‘Togo’ con el gran cine de aventuras clásico, ese que ya no se ve nunca, es que renuncia a una narración lineal en la que la aventura va a más, sino que crea fragmentos de la vida del perro y la relación con su amo para establecer un clímax sobrio, agridulce y tierno, acorde con la hazaña silenciosa del perro y la humildad inocente del animal, nobleza que reconecta con la naturaleza y restituye el honor del animal con elegancia y una coda que complementa lo que no sabemos de la raza que surgió de sus camadas. Esto no significa que las secuencias de acción no sean espectaculares y de estar bellamente filmada de principio a fin. Un film familiar embellecido, de ritmo atípico y pausado, con un enfoque en los personajes antes que la acción, evitando la fórmula de las películas de perros tradicionales, que convierte su estructura atípica y sabor melancólico en una heredera del cine de aventuras maduro de John Huston que se convierte en la primera gran película de Disney +. - La noticia 'Togo' es la primera joya de Disney+: un bellísimo y melancólico biopic animal de aventuras fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

La crisis sanitaria global que tiene paralizado el mundo desde hace semanas va para largo. Después de que el nuevo Bond retrasase su estreno, los calendarios del resto de majors se han destruido y las grandes compañías están moviendo todos sus lanzamientos con vistas a unos días futuros donde la gente podrá regresar a las salas. Ahora surge una nueva opción que ya ha empezado a moverse en algunas partes del mundo, incluida España: estrenar en streaming. El cine en casa Hace unas semanas, la distribuidora nacional A Contracorriente Films anunciaba sus planes de seguir estrenando sus películas a través del streaming a través de una plataforma específicamente habilitada para albergar películas de estreno en cine durante los meses en que las salas permanecerán cerradas por razones sanitarias. En Espinof Quibi: las nueve mejores series y programas para comenzar a exprimir a fondo la nueva plataforma Varios cines de todo el país se han sumado a la salavirtualdecine.com, espacio creado para que el público, desde sus dispositivos móviles, Smart TV y online, pueda ver los estrenos cinematográficos programados para estrenarse en salas. La distribuidora, en colaboración con los más de 70 cines adheridos a la iniciativa, pretende continuar online la comercialización de sus próximos estrenos, cuyo acceso al espectador ha quedado interrumpido por la crisis. Ahora, la Asociación Estatal de Cine, negocia con el Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audivisuales (ICAA) el poder seguir adelante con los estrenos directamente en las plataformas digitales, opción que ya se maneja en China. Como es lógico, se trataría de una medida de emergencia mientras dure la crisis por el Covid-19, y "no costaría dinero al Estado, pero sí nos ayudaría a rebajar el impacto que está teniendo la pandemia sobre nuestro negocio", señalaba a el director general de la asociación, José Nevado. Ahora mismo la situación es dramática. Todos los cines de España permanecen cerrados y más de 300 rodajes están paralizados desde hace casi un mes. La Asociación Estatal de Cine cree que cuando termine la temporada de confinamiento aún habrá que pasar por una etapa de adaptación, algo completamente lógico por otra parte, y que no será un regreso masivo instantáneo. Estrenos a voluntad El tema es algo más complejo que las ventanas de distribución, obsoletas ya desde los primeros tiempos del bluray y que no parece que vayan a dejar de seccionar los estrenos, aunque de un modo mucho más confuso que antes, donde no había más que cine - X meses - doméstico. Precisamente el otro día nos hablaba de ello Álex Mendíbil, de Filmoteca: En Espinof "La distribución tiene que cambiar, un virus no puede viajar más rápido que una película". Álex Mendíbil, programador de La Sala:B de Filmoteca Española El asunto ahora es que estos estrenos llegarían de manera voluntaria. No hay plataforma que ahora esté dispuesta a abarcar económicamente (pagando en su justa y real medida) todos los estrenos que se están quedando en la nevera, por lo que ese espera que el movimiento sea voluntario. Según la propia asociación, hay al menos 22 películas que podrían encontrar así su estreno. Razones para la esperanza tenemos, vista la maniobra de A Contracorriente o el estreno de la excelsa 'Sesión salvaje' hasta en tres plataformas de manera simultánea. Pero la realidad es que no corren buenos tiempos para nadie, puesto que mientras las plataformas digitales están exprimiendo el melón de sus contenidos, y nuevas fórmulas siguen llegando con el paso del tiempo, sus producciones propias, su gran marca de fábrica, están igualmente paralizados. Ahora toca sentarse y tratar de llegar a un acuerdo entre productores y distribuidores en el que, esperemos, tengan muy en cuenta quién es el último pero, qué cosas, más importante eslabón de la cadena: el espectador. - La noticia Las plataformas como solución para la crisis: el cine español quiere estrenar sus películas en streaming durante la cuarentena fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Esty recorre su casa y su habitación cogiendo fardos de dinero, documentación y una bolsa para meter sus enseres personales. En el vestíbulo de su edificio recibe su primera mala noticia: el eruv está roto y, por tanto, no puede salir a la calle sin transgredir la prohibición de salir de casa cargada en Sabbath. Solo tiene una solución: huir de casa con lo puesto. Así comienza 'Unorthodox', miniserie de cuatro episodios de Netflix que nos narra la historia de una judía de una comunidad jasídica de Brooklyn, que decide huir y realizar una nueva vida en Berlín. Historia basada en la de Deborah Feldman tal y como cuenta en sus propias memorias ('Unorthodox: The Scandalous reject of my hassidics roots'). En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora Creada por Anna Winger y coescrita junto a Alexa Karolinski, durante la miniserie vamos viendo la vida de Esty (Shira Haas) a través de varios flashbacks que nos hablan de su contexto y su vida. Su emparejamiento casamenterio y boda, el rigor de la tradición jasídica, su vida matrimonial, el extrañamiento de su madre y sus inquietudes por la música y escapar de su rutina jasídica. En estos flashbacks, por cierto, existe un efecto "Al salir de clase". O, lo que es lo mismo, ver a actores y actrices interpretando a personajes diez años menores logra sacar un poco de la trama. Con Haas (24 años y su personaje 19), en concreto, sus facciones duras hace que parezca aún más mayor de lo que es en realidad disipando la ilusión propuesta. Pero cosas estéticas aparte, Haas está impecable en su papel, al captar con precisión la dualidad formada de fragilidad y fortaleza, con sus ingenuidades, recelos e ingenio para poder sobrevivir fuera del mundo que ha conocido hasta ese momento. Una chica entre dos mundos 'Unorthodox' no nos pone en ningún momento en contra de la vida anterior de Esty, pero se dedica a mostrar cómo es la vida para una joven chica en un mundo demasiado cerrado y encerrado en sus costumbres y tradiciones religiosas. Es un mundo que asfixia a Esty, pero es el mundo exterior lo que asfixia a esta comunidad. Personalmente, me ha parecido muy interesante el cómo se detiene en el ritual judío y las milenarias observaciones que incluye la religión. El haber sido rodada principalmente en yiddish le da, además, un toque aditivo de apreciación por esta cultura. En Espinof 'Lambs of God': un interesante thriller sobre Iglesia, fe y religiosidad en el que la historia pierde fuelle Aquí me gustaría pararme en la figura del marido. Lo poco que se puede reprochar a Yanky (Amit Rahav) viene más por su arraigada concepción del mundo y la relación de matrimonio "como Yahveh manda" que por egoísmo. Una falta de comprensión ante las ansias "mundanas" de su esposa que va, poco a poco, moviendo pequeños engranajes en su interior. Hay veces que, simplemente, las cosas no funcionan. Porque la huída de Esty no solo la lleva a ella por un viaje de autodescubrimiento sino que también concierne a su marido, que es arrastrado, a su vez, por su primo (Jeff Wilbusch) para ir a buscarla. Esa, para él, falta de un por qué será su propio revulsivo. Un drama de superación con aroma a thriller En gran parte, 'Unorthodox' es un fascinante mundo de descubrimiento personal. De abrir las fronteras de la mente y la fe de una persona por muy chocante que sean las revelaciones. Hay un momento al principio en el que Esty con sus nuevos amigos van a un lago cerca de Berlín y le cuentan cómo en una villa de ese lago se decidió el exterminio de judíos. "Pero ahora nadamos" se concluye, ante una Esty estupefacta. En definitiva, 'Unorthodox' es una miniserie sólida, potente y acertada. Anna Winger ('Deutschland '83') coge las memorias de Deborah Feldman e insufla espíritu y códigos de thriller a una historia de superación personal, maduración y búsqueda de una misma. Así, logra potenciar y dar un sabor muy interesante a una historia que, de por sí, lo es. - La noticia 'Unorthodox': una apasionante miniserie de Netflix que sabe potenciar una historia real de lucha y superación fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Seguimos encerrados en casa consumiendo todos los contenidos habidos y por haber, probablemente el momento ideal para que una nueva y experimental plataforma dé luz verde a los suyos. Llega Quibi, la plataforma de streaming para teléfonos que te ofrece nuevas series con unos episodios de una duración ideal para ver en el cuarto de baño. A mí me parece una gran idea, la verdad. Pequeño gran formato Lo que en un principio puede parecer una cosa ligera, anecdótica, una plataforma que emite contenido exclusivo para teléfonos y que está diseñada para ver en vertical, ofrece en realidad mucho más de lo que estás pensando. En su primer día entre nosotros, Quibi aterrizó con una oferta atractiva que toca casi todos los palos (estamos esperando por la animación) y que esconde una serie de interesantísimos aportes que empiezan provocando curiosidad para terminar hechos una adicción. Y además está pensada para los que somos zurdos. En Espinof Quibi: así es el Netflix exclusivo de móviles que apuesta por series de menos de diez minutos Y es que el baile de formatos y tamaños (la pantalla cambia si lo vemos en horizontal o vertical) convierte al espectador en casi realizador. El valor del plano cambia dependiendo de la posición de la pantalla, pudiendo decidir el usuario si prefiere un primero plano del personaje que hable en una conversación o bien mantener un plano general de todos los que estén en la escena. Pero aún hay más. A lo largo de los tres episodios que han subido de 'Flipped', la divertida sitcom protagonizada por Will Forte y Kaitlin Olson, el jugueteo entre la experiencia de usuario y el espectador hace que uno disfrute de sus enredos volviendo una y otra vez atrás para ver la opción b de la misma escena. Entre un "elige tu propia aventura" a nivel visual y un bloque de cualquier episodio de sitcom. Obviamente, con ese aliciente, la cosa mejora muchísimo. En la variedad está la diversión El no menos gigante Will Arnet se pone frente al show 'Memory Hole', un programa en la línea del 'The Joel McHale Show with Joel McHale' que disfrutamos en Netflix en el que la estrella de 'Arrested Development' destroza la cultura popular de su Canadá natal. Muy divertido y nada agotador: no olvides que los episodios de todo lo que tenemos por aquí oscila entre los cinco y los ocho minutos. Antes hablábamos de 'Flipped', una comedia tan obligatoria como cualquier otra cosa donde Will Forte se deje ver. Sus tres episodios son básicamente el piloto de una sitcom tradicional (suman 20 minutos) y cada uno de sus puntos álgidos son los de cualquier otra serie con sus bloques para publicidad perfectamente marcados. La diversión de la historia y su bestial (aquí sí) juegueteo con el formato y la experiencia que ofrece Quibi, la convierten de momento en una de las indispensables. En Espinof Cuando el hombre es la presa: 'La caza' y otras 15 películas sobre los juegos de supervivencia más peligrosos Por su parte, 'Most Dangerous Game', la enésima (re)visión del relato homónimo de Richard Connell, se muestra mucho más cauta a la hora de jugar con el formato. En el thriller protagonizado por Liam Hemsworth donde también se deja ver Christoph Waltz. Veremos cómo avanza la narrativa de la serie, pero sus primeros tres capítulos apenas abarcan un par de escenas estáticas, aunque explica sobradamente sus intenciones, convirtiéndola, imagino, en una de las apuestas más ambiciosas de la plataforma. De momento hay suficiente material para confiar en exprimir al máximo su contenido durante los tres meses de prueba que ofrece la suscripción, y mientras seguimos esperando lanzamientos tan interesantes como 'The Stranger', con Dane DeHaan y Maika Monroe, o '50 States of Fright', donde los hermanos Raimi están detrás de alguna historia, podemos dar por seguro que estaremos entretenidos de sobra. Además de estos programas y series que hemos visto, hay una serie de apuestas seguras para echar las horas muertas y no perder tanto tiempo en ver vídeos de esos que no hay que enviar en WhatsApp. 'Dishmantled': Tituss Burgess, una de las estrellas de 'Unbreakable Kimmy Schmidt' se encarga de meter a una serie de aspirantes/cocineros en una explosión de comida que saborear a través de un cañonazo. Tras ser bañados en comida, los concursantes deberán recrear el plato que han reventado sobre ellos como si fuera una bomba. Sí, el mejor programa de cocina que hemos visto en nuestra vida. 'You Ain't Got These', conducido por Lena Waithe, que se mete de cabeza en el mundo de las zapatillas deportivas. Si no tienes mucho dinero destinado a ampliar tu colección, dolerá. 'NightGowns': Sasha Velour y Sophie Muller hacen equipo en este asombroso y extravagante show rebosante de humor, corazón, realismo y fantasía La mejor receta para estos días. 'When the Streetlights Go On': una de las apuestas más importantes de Quibi, un thriller inquietante y muy bien escrito, esta serie te enganchará en segundos y que tal vez sea la mejor opción para adentrarse en la plataforma. - La noticia Quibi: las nueve mejores series y programas para comenzar a exprimir a fondo la nueva plataforma fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Puede que los cines estén cerrados por el coronavirus, pero Netflix sigue estrenando películas a buen ritmo y este mes de abril va a estar repleto de novedades. Hoy la plataforma ha querido hacer especial hincapié en 'Tyler Rake' lanzando el tráiler de este thriller de acción que reúne a Chris Hemsworth con los directores de 'Vengadores: Endgame'. Un prometedor thriller de acción Hemsworth da vida aquí a Tyler Rake, un mercenario sin nada que perder cuyos servicios son solicitados por un señor del crimen encarcelado cuyo hijo ha sido secuestrado. Esta ya de por sí complicada misión se convertirá en un reto casi imposible al tener que sumergirse en el submundo de los traficantes de armas y los narcos. En Espinof Las 32 mejores películas de acción de la historia La película parte de un cómic creado a partir de una historia de los Hermanos Russo, quien en un primer momento se esperaba que también se encargasen de dirigirla. Finalmente ambos figuran como productores ejecutivos, con Joe Russo escribiendo también el guion. Tras las cámaras se encuentra el debutante Sam Hargrave, conocido en Hollywood por haber sido coordinador de especialistas en títulos como 'Vengadores: Endgame', 'Atómica' o 'El contable'. Junto a Hemsworth también veremos a David Harbour, inolvidable como Hopper en 'Stranger Things', Manoj Bajpayee, Marc Donato, Fay Masterson, Randeep Hooda, Pankaj Tripathi y Derek Luke. Netflix tiene previsto estrenar 'Tyler Rake' el próximo 24 de abril. - La noticia Tráiler de 'Tyler Rake': Chris Hemsworth vuelve a trabajar con los autores de 'Vengadores: Endgame' en este thriller para Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Puede que la filmografía de Richard Kelly no destaque por su extensión, pero cuatro largometrajes han sido suficientes para generar cantidades ingentes de conversación. Puede que 'Donnie Darko' haya sido su obra más comentada, pero no debemos dejar caer en el olvido a 'Southland Tales', su segundo trabajo estrenado en 2007 tras recibir duras críticas en el Festival de Cannes y después de un remontaje que no impidió el batacazo en taquilla. La idea original de Kelly, según contó a Kevin Smith en un podcast en el año 2010, era "contar la historia completa de 'Southland Tales' en seis capítulos", y parece que el realizador está un paso más cerca de conseguirlo. Durante una viewing party del largometraje organizada en su cuenta de Twitter, el virginiano ha anunciado que hay restauraciones 4K en camino, tanto de la versión proyectada en Cannes como de la cinematográfica, y que ha completado un "ambicioso nuevo guión" para una precuela de 'Soutland Tales' que espera poder dirigir. En Espinof Las 19 mejores películas con viajes en el tiempo Según comenta Kelly en su serie de tuits, la 'Southland Tales' existente, protagonizada por Dwayne Johnson, Seann William Scott y Sarah Michelle Gellar, cubre la segunda mitad de su saga de seis capítulos, habiendo utilizado como base para dar forma a su nuevo guión los cómics que creó junto a Brett Weldele que abarcan los tres primeros episodios. #SouthlandTales is a six-chapter saga. The existing film covers the second half. I wrote graphic novels with @brettweldele that cover the first three chapters. I have completed an ambitious new script that uses the novels as a blueprint for an ambitious new film. #SouthlandNow — Richard Kelly (@JRichardKelly) April 5, 2020 Pero esto no es todo, porque el director también ha dejado caer que su nueva 'Southland Tales' está concebida como un híbrido entre acción real y animación, y que aprovechará la evolución de los efectos visuales para poder dar forma a su visión de la precuela de la que define como su película "más querida". No hay duda de que 'Southland Tales' no es una película sencilla de ver, ni mucho menos de digerir, pero la historia de Boxer, Krysta y David, a medio camino entre el thriller, la comedia y el relato sci-fi con viajes en el tiempo bien merece un revisionado ahora que una precuela está más cerca que nunca. Parece complicado que llegue a materializarse, pero la esperanza, dicen, es lo último que se pierde. Vía | Slashfilm - La noticia 'Southland Tales': Richard Kelly trabaja en una precuela de su delirio distópico que mezclará acción real y animación fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Las memorias de Woody Allen siguen acaparando titulares. Primero fue porque la editorial que debía publicarlas inicialmente se echó para atrás, más tarde porque el propio Allen desveló en el libro que Louis C.K. le había ofrecido el papel de director pedófilo en 'I Love You, Daddy' y ahora porque Larry David ha salido en defensa del cineasta tras leerlas. Ha sido en una entrevista concedida al The New York Times donde David comenta que ya ha tenido la oportunidad de leer 'A propósito de nada' y que le ha encantado, señalando además que tras hacerlo le cuesta creer que Allen hiciese nada malo. Estas fueron las palabras usadas por David: Es estupendo, un libro fantástico, muy divertido. Sientes como si estuvieses en una habitación con él y sí, es un gran libro y es difícil marcharse después de leerlo pensando que este tipo hizo algo malo. En Espinof Woody Allen, sus cinco mejores películas Recordemos que Allen fue acusado de abusos sexuales en los años 90 sin que el caso llegase a ninguna parte. Sin embargo, todo resurgió en plena era del #MeToo, por lo que muchos actores que habían trabajado con dijeron que se arrepentían de haberlo hecho y Amazon rompió de forma unilateral el contrato que tenía con él. Eso sí, para la justicia el caso quedó cerrado en su momento. No olvidemos tampoco que Allen no es precisamente alguien desconocido para David, ya que este último protagonizó 'Si la cosa funciona' y previamente tuvo pequeños papeles en 'Días de radio' e 'Historias de Nueva York', por lo que seguramente ya iba predispuesto a pensar así. 'A propósito de nada' se publicará en España el próximo 21 de mayo. - La noticia Larry David sale en defensa de Woody Allen tras leer sus memorias: "Es difícil pensar que hizo algo malo" fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Aunque pueda parecer que todo esto de las sagas cinematográficas y las franquicias es algo más o menos reciente, la realidad es bien distinta. Mucho antes de que Marvel pusiese patas arriba el concepto con su ambicioso proyecto iniciado con 'Iron Man' en 2008, la industria ya daba forma a series de largometrajes de todas las formas y colores. A continuación os propongo un repaso a las que, bajo mi punto de vista, son las 29 mejores sagas de películas que nos ha dado el séptimo arte, pero antes de ponernos manos a la obra, aclararé un par de puntos para que no arda Troya frente a algunas posibles ausencias. En Espinof Las 39 mejores películas de la década (2010-2019) El concepto "saga" implica que el relato a narrar abarque varias generaciones de una familia pero, dadas las limitaciones de esto, vamos a tomarnos una licencia y a incluir franquicias y trilogías, siempre y cuando compartan los mismos protagonistas o la misma historia, lo cual excluye joyas como la trilogía de los tres colores de Krzysztof Kieślowski, la de la venganza de Park Chan-wook o la del dólar de Leone. Dicho esto, al lío. 007 (1962 - 2015) Si al hablar de una simple trilogía ya se encuentran ciertos altibajos de calidad entre las obras que la componen, imaginad hacerlo de una saga con 26 largometrajes —si incluimos los no canónicos— a sus espaldas. Puede que entre los títulos que engrosan el legado del agente 007 figuren disparates como 'El hombre de la pistola de oro' o 'Muere otro día', pero los más de 50 años que lleva el espía de Ian Fleming derrochando estilo en la gran pantalla se traducen, por norma general, en alegrías. ¡Y las que nos quedan! El planeta de los simios (1968 - 2017) Olvidemos por un momento la existencia de esa abominación de remake que firmó Tim Burton en el año 2001. Si lo logramos, y sabemos disfrutar con una mirada cómplice las secuelas, casi exploits, del magnífico título original de 1968 dirigido por Franklin J. Schaffner, la saga de 'El planeta de los simios' es la excusa perfecta para pegarse un atracón de ciencia ficción. La nueva trilogía, directamente, es la que termina elevándola al séptimo cielo, mezclando tecnología punta con una narrativa y un tratamiento de personajes soberbio. Harry el Sucio (1971 - 1988) Las cosas claras; ninguna de las cuatro secuelas de 'Harry el sucio' consiguieron igualar el nivel de genio alcanzado por Don Siegel en su largometraje de 1971. Dicho esto, la pentalogía de Harry Callahan, con su violencia, sus toneladas de frases lapidarias y ese porte y presencia que sólo podría proporcionar Clint Eastwood, es digna de un visionado completo —sí, incluyendo 'La lista negra'—. El padrino (1972 - 1990) Qué os voy a decir que no se haya dicho ya sobre este trío de joyas. Puede que seáis de los que opinan que 'El padrino. Parte III' es una deshonra dentro de la saga cinematográfica de los Corleone, pero si pertenecéis a ese sector de espectadores, no os preocupéis, porque aún os quedan dos obras maestras que redescubrir una y otra vez mientras atendemos a una clase magistral de narrativa, dirección, fotografía, interpretación... Ante semejante maravilla, uno no puede más que arrodillarse y dar gracias a Coppola. Rocky (1976 - 2018) No diga "drama deportivo", diga 'Rocky'. Sí, 'Rocky V' es terrible, y 'Rocky III' ha quedado un poco en el olvido, pero los grandísimos momentos que nos ha dado la infravalorada saga protagonizada por Sylvester Stallone son para enmarcar, incluyendo su fantástica secuela tardía 'Rocky Balboa'. Y por si nos quedamos con más ganas de épicas pugilísticas, más allá de la serie principal, nos quedan los dos fantásticos spin-off centrados en Adonis Creed. Star Wars (1977 - 2019) Con el Episodio XI, titulado 'El ascenso de Skywalker', ya estrenado, podemos dar por concluida definitivamente esa catedral de la space opera, ahora conocida como la Saga de Skywalker. Una épica galáctica que abarca tres generaciones, narrada a través de nueve largometrajes —dejando a un lado spin-offs, cintas no canónicas y otras producciones transmedia— y más de cuatro décadas que ha hecho historia y ha cautivado a legiones de fans en todo el planeta. El George Lucas de 1977 no se lo hubiese creído ni harto de vino. Star Trek (1979 - 2016) Si el clásico futbolístico es el Real Madrid - Barcelona, en el terreno de la ficción espacial cinematográfica, la pugna más feroz continúa siendo la que enfrenta a 'Star Wars' con 'Star Trek'. Nunca he sido un gran aficionado a las aventuras de Kirk, Spock y compañía, pero el notable reboot de J.J. Abrams y sus dos recomendables continuaciones me invitaron a descubrir una franquicia irregular, extensa —sólo en largometrajes se cuentan 13 producciones—, pero con unos niveles de creatividad envidiables. Y esto sin contar su trayectoria catódica. Alien (1979 - 2017) Dicen que en la variedad está el gusto, y si aplicamos esta máxima a una serie de películas, puede que la que más se se refleje en la expresión sea 'Alien'. Del hito del terror dirigido por Ridley Scott en 1979 al delirio futurista de 'Alien Resurrección', pasando la orgía de acción de James Cameron en 'Aliens', y siempre sin olvidarnos del brutal debut de David Fincher en la malograda 'Alien 3', la cuadrilogía de los xenomorfos nos brinda una dosis de adrenalina impagable. Las precuelas ya tal... Mad Max (1979 - 2015) Puede que 'Mad Max: Furia en la carretera', la mejor película de acción de lo que llevamos de siglo XXI y una de las mejores de la historia, haya atraído todos los focos hasta el punto de casi hacernos olvidar a sus predecesoras; pero una mirada a 1979 nos permite darnos cuenta de que el genio que atesora George Miller no surgió espontáneamente en 2015. El héroe parco en palabras de Mel Gibson, y ahora de Tom Hardy, es historia del cine, y las cuatro maravillas que protagoniza—sí, 'Más allá de la cúpula del trueno' también es genial— bien merecen ese título. Indiana Jones (1981 - 2008) Poneros en la piel de un niño al que le preguntan si quiere más a papá o a mamá. Pues bien, en esa misma tesitura me encuentro yo cuando trato de averiguar qué película de la saga de Indiana Jones es mi favorita. Está claro que 'El reino de la calavera de cristal', pese a haberla disfrutado enormemente, quedaría descartada; pero a la hora de escoger entre 'El arca perdida', 'El templo maldito' y 'La última cruzada' la cosa se complica hasta el punto de, directamente, quedarme con las tres. Vaya trío de maravillas. Terminator (1984 - 2019) Podemos decir que a Indiana Jones no le ha sentado demasiado bien el paso del tiempo, pero si le comparamos con el Terminator de Arnold Schwarzenegger, Indy parece haber bebido el elixir de la eterna juventud. La primera entrega de la saga es un clásico incunable, 'Terminator 2' elevó el concepto original al séptimo cielo, y 'La rebelión de las máquinas' e, incluso, 'Salvation', aguantan el tipo con solvencia; pero, dede ahí... cuesta abajo y sin frenos. Sólo por los títulos del 84 y el 91, la franquicia de James Cameron bien merece ocupar un puesto entre las mejores de la historia. Regreso al Futuro (1985 - 1990) Hablando de clásicos de los ochenta y los noventa, no podíamos pasar por alto la trilogía de 'Regreso al futuro'; una colección de entretenimientos de primerísima calidad con un reparto que rezumaba carisma por los poros, una dirección exquisita en cada una de sus entregas y un dominio de la narrativa digno de estudio en las escuelas de cine. Una saga redonda hasta en sus momentos de desvarío en clave western. En Espinof Las 32 mejores películas de acción de la historia Agárralo como puedas (1988 - 1994) Decía el teniente Frank Drebin en la tronchante 'Agárralo como puedas' que una buena forma de morir es después de que un lapón te muerda en los huevos. Pues bien, si me dan a elegir, yo preferiría hacerlo después de partirme la caja durante casi cinco horas con un maratón de estas tres comedias absurdas protagonizadas por un Leslie Nielsen al que se echa mucho, mucho de menos. Delirantes. Jungla de cristal (1988 - 2013) Puedo afirmar sin miedo a equivocarme que la película que más veces he visto a lo largo de mi vida ha sido 'Jungla de cristal'. El clásico de John McTiernan, además de ser una de las mejores películas de acción de todos los tiempos, vio nacer a uno de los grandes iconos de la gran pantalla; un John McClane que continuó protagonizando fantásticos ejercicios del género... hasta que se estiró demasiado el chicle y se desvirtuó la franquicia en la quinta parte. Si perdonamos este desliz, tenemos un auténtico bombazo de saga, cuarta entrega inclusive. Parque Jurásico (1993 - 2018) La primera vez que vi 'Parque Jurásico' fue muy, muy difícil mantener la mandíbula en su sitio —incluso hoy día continúa costando—. Steven Spielberg nos tiene acostumbrados a sepultarnos bajo toneladas de eso que se conoce coloquialmente como la "magia del cine", pero lo que el Rey Midas logró en 1993 fue algo irrepetible. 'El mundo perdido' y 'Parque Jurásico III' —esta última de Joe Johnston— mantienen el nivel suficiente como para que la trilogía completa merezca aparecer en esta selección. Lástima de 'Jurassic World'... View Askewniverse (1994 - 2019) Puede que con la del View Askewverse estemos ante una saga, a priori, imposible de concebir. Nadie en su sano juicio hubiese pensado después de ver la espléndida 'Clerks' en 1994 que el bombazo indie de Kevin Smith pudiese abrir paso a una franquicia que se extendería durante un cuarto de siglo junto a personajes como Jay y Bob el Silencioso, Dante, Randall o Brodie, en filmes de la talla de 'Mallrats', 'Persiguiendo a Amy' o 'Dogma', pero parece que, después de todo, los milagros existen. Antes de... (1995 - 2013) ¿Estáis buscando una serie de largometrajes que os derritan el corazón, que os hagan abrazar un cojín y que os fuercen a suspirar mientras miráis el techo después de verlos? La trilogía 'Antes de...' de Richard Linklater es vuestra solución. Rodadas a lo largo de casi dos décadas junto a Ethan Hawke y Julie Delpy, estos tres diamantes en bruto narran una de las historias de amor más hermosas —y realistas, dentro de los estándares cinematográficos— de la historia del séptimo arte. Diálogos brillantes, planos secuencia a punta pala, improvisación y un corazón gigantesco para una trilogía excepcional. Toy Story (1995 - 2019) Si nos centramos en aspectos puramente tecnológicos, Pixar hizo historia en 1995 dando forma a toy 'Toy Story', la primera película cien por cien CGI de la historia. Pero la historia de Woody, Buzz y compañía no fue únicamente un prodigio técnico; también mostró el inmenso poder narrativo del que continúa haciendo gala el estudio de animación, incrementado en dos secuelas que alcanzaron su cénit en una 'Toy Story 3' sencillamente descomunal. La cuarta parte, pese a no brillar tan alto como su predecesora, continúa estando a un nivel inalcanzable para el resto de compañías. Misión: Imposible (1996 - 2018) En 1996, Brian de Palma rescató del olvido la serie de los 80 'Misión imposible' en un thriller modélico que, según el propio director, no tenía sentido convertir en franquicia. Veintidós años después, las aventuras de Ethan Hunt van por su sexta entrega, y se han convertido en todo un referente dentro del cine de acción gracias a unas secuencias set-pieces a la vanguardia del género y a un Tom Cruise, casi suicida, reconvertido en el mejor efecto especial que podamos imaginar. Diversión y adrenalina en estado puro en una saga que evoluciona in crescendo. Matrix (1999 - 2003) Abro el escudo anti misiles, porque 'Matrix Reloaded' y 'Matrix Revolutions' no suelen ser demasiado bien recibidas por parte del colectivo cinéfilo, pero soy incapaz de no defender a capa y espada la saga de Neo, que arrancó en 1999 de la mano de las hermanas Wachowski, Keanu Reeves, Carrie-Ann Moss y Laurence Fishburne. Por si todo el lore descrito en la trilogía os parece poco, podéis complementarlo con la deliciosa colección de cortometrajes de animación recopilada en 'Animatrix'. X-Men (2000 - 2019) El nutrido paso de la Patrulla X por la gran pantalla es lo más parecido a una montaña rusa que podamos imaginar en términos de calidad. Las dos primeras 'X-Men' son todo un referente para el cine de superhéroes tal y como lo concebimos hoy en día, sólo superadas por la brillante 'Primera Generación' de Matthew Vaughn y por la espléndida 'Logan'. No obstante, la otra cara de la moneda nos deja títulos como 'La decisión final', 'X-Men Orígenes: Lobezno' o 'Fénix Oscura', que son mejor olvidar. Por suerte, ahí está el Mercenario Bocazas equilibrando la balanza y salvando la papeleta con las dos tronchantes 'Deadpool'. The Fast & The Furious (2001 - 2019) A estas alturas de la saga, y después de tantísimas fantasmadas a las cuatro ruedas, tan sólo queda que Toretto y compañía vayan al espacio —ojo, porque la broma podría terminar haciéndose realidad—, pero resulta curioso comprobar cómo lo que comenzó como una versión macarra de 'Le llaman Bodhi' ambientada en el mundillo del tunning, ha mutado en una franquicia multimillonaria cargada de acción y set-pieces imposibles que ya tiene hasta sus propios spin-off. Harry Potter (2001 - 2018) Mentiría si dijese que no he disfrutado más las dos entregas de 'Animales fantásticos' que todas mis aproximaciones a la saga principal de 'Harry Potter'. Aún así, hay que reconocer el esfuerzo titánico de Warner Bros. para dar forma al arco argumental que abarcan las novelas de J.K. Rowling en ocho largometrajes que, con el paso del tiempo, fueron ganaron progresivamente en oscuridad, profundidad y solidez cinematográfica. El señor de los anillos (2001 - 2003) Sobre el papel, parecía una idea imposible, prácticamente suicida. Llevar del ***** sobre blanco a la gran pantalla la fantasía épica por excelencia, escrita por J.R.R. Tolkien entre 1937 y 1949, era una labor titánica, pero Peter Jackson hizo lo imposible, dando forma a tres maravillas que vieron recompensados todos los esfuerzos con los 11 Óscar que recibió 'El retorno del rey' en 2003. La trilogía de 'El hobbit' no debería ni mencionarla. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia ficción de la historia Jason Bourne (2002 - 2016) Puede dar la sensación de, que con nombres como James Bond o Ethan Hunt, Jason Bourne no tenga cabida en una selección como esta, pero nada más lejos de la realidad. La serie de largometrajes protagonizados por Matt Damon —y Jeremy Reener—, además de mantener un nivel notable, cuyo cénit se encuentra en 'El ultimátum de Bourne', sentó precedente en terminos de realización con la llegada de Paul Greengrass, su shaky-cam y su caos ordenado a la franquicia. Spider-Man (2002 - 2007) Con permiso de Bob Persichetti, Peter Ramsey y Rodney Rothman, directores de la maravilla animada 'Spider-Man: Un nuevo universo', el realizador que mejor ha entendido al celebérrimo hombre araña y su universo ha sido Sam Raimi. Por mucha fábrica de memes en la que haya terminado derivando 'Spider-Man 3', la segunda entrega de las aventuras y desventuras del Peter Parker de Tobey Maguire continúa siendo, a día de hoy, una de las grandes adaptaciones del cómic a la gran pantalla que hayamos podido disfrutar. Batman (2005 - 2012) Hablando de trilogías superheróicas, no podíamos dejar fuera de esta lista a la magnífica trilogía del Caballero Oscuro. Puedes amar u odiar a Christopher Nolan —con el británico parece no haber término medio—, pero hay que reconocer que su aproximación al mito de Batman sentó un antes y un después en el subgénero, con ese tono dark and gritty y ese tratamiento realista —dentro de lo que cabe— que se dio tanto al héroe como a su exquisito repertorio de villanos. Saga del Infinito (2008 - 2019) En términos de ambición, puede que estemos ante LA SAGA en mayúsculas. El Universo Cinematográfico de Marvel, y su Saga del Infinito, más que un proyecto fílmico es una obra de ingeniería narrativa articulada a través de tres fases, dos décadas y 22 largometrajes —sin contar 'Spider-Man: Lejos de casa'—. Una auténtica odisea cósmica que comenzó y terminó junto al Iron Man de Robert Downey Jr. y que ha dejado a su paso miles de millones de beneficios en taquilla. John Wick (2014 - 2019) Ya hemos hablado de John McClane, Ethan Hunt, James Bond, o Max Rockatansky, peor qué mejor manera de concluir nuestra selección con las mejores sagas que con un nuevo héroe de acción que ha llegado para quedarse mientras maravilla a los aficionados al género de todo el mundo con su estilo inimitable; estamos hablando de un John Wick que, en tres largometrajes —cada uno mejor que el anterior— ha marcado un nuevo estándar en lo que respecta a la fisicidad y el espectáculo que marcan la diferencia en sus escenas de combate. Nunca jamás una muerte de un cachorrito ha merecido —ni merecerá— tantísimo la pena. - La noticia Las 29 mejores sagas de películas de la historia fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Lo decíamos la semana pasada, 'Westworld' necesita recuperar a la audiencia tras la espantada de la temporada 2, y la apuesta por aligerar la narrativa, sin traicionar su esencia, está funcionando. Pese al ligero bache que supuso el capítulo 3, la serie de HBO ha recuperado su mejor nivel en estos primeros episodios de la temporada 3. Ha vuelto Ed Harris en este capítulo 3x04, 'The Mother of Exiles', y solo por ver sus escenas ya merece la pena llegar hasta aquí. No es, desde luego, el único intérprete de la serie que atrapa nuestra mirada pero este actorazo solo tiene que aparecer en pantalla para aumentar el interés de cualquier historia en la que esté implicado. 'Westworld' depende de muchos elementos, pero gran parte de su éxito depende de los actores, y el casting es sensacional. Aviso: a partir de aquí hay SPOILERS de 'Westworld'. No sigas leyendo si no estás al día con la serie... William, "El hombre de *****", el temido pistolero de la primera temporada, continúa viviendo su inferno personal fuera del parque, en casa. El asesinato de su hija (Katja Herbers) le atormenta y hace que se cuestione, una vez más, su realidad. La visita de Charlotte (Tessa Thompson) le proporciona un objetivo, frenar a Serac (Vincent Cassel), y le aleja temporalmente de la locura... Los dos bandos chocan y surge una respuesta inesperada Cassel es otro actor extraordinario y sus intervenciones, aunque breves, dotan a la serie de una energía diferente. Ya sabíamos que Serac es un villano muy inteligente pero en este episodio se evidencia su maldad con una escena de tortura que, sin embargo, demuestra que la serie confía en la atención y la imaginación del público: no es necesario mostrar el horror que hace hablar al prisionero, y eso lo hace más intenso. En Espinof Las 11 mejores series de 2020... hasta ahora Asimismo, se revela una interesante pista del pasado y la motivación de Serac con un flashback que, en la situación en la que se encuentra el mundo ahora mismo, resulta aún más aterradora. París no existe. Y da la sensación de que no es la única ciudad borrada del mapa... No sabemos qué ha pasado pero Serac considera a los humanos más peligrosos que las letales máquinas que han huido de Delos. Y necesita la ayuda de Maeve (Thandie Newton) para ejecutar su plan. Gracias al sutil trabajo de Cassel, este personaje parece ser el mal menor en un espectacular y violento juego de ajedrez donde Dolores (Evan Rachel Wood) está mostrándose increíblemente hábil e implacable. La reina del bando de las máquinas rebeldes contra el mundo humano cuenta con la ayuda del ingenuo, útil y fiel Caleb (Aaron Paul) pero en este capítulo se ha desvelado la mayor sorpresa de la temporada, al menos hasta ahora porque con los guionistas de 'Westworld' nunca se sabe... En el anterior episodio se jugó con la incógnita de la auténtica identidad de Charlotte, manteniendo el misterio sobre las otras perlas que Dolores se llevó del parque. En lugar de reservar esta respuesta clave para más adelante, como se hizo en temporadas anteriores, y dejar que los fans vuelquen sus ideas en diferentes teorías, la incógnita se ha resuelto ya en este capítulo: Charlotte, Martin (Tommy Flanagan) y Musashi (inesperado regreso de Hiroyuki Sanada) no son más que otros cuerpos para la mente de Dolores. Más allá de la sorpresa, es un hallazgo terrible: a falta de saber quién hay en la última bolita, Dolores solo confía en ella misma. La información la convierte en un temible ente que no solo pone en jaque a Serac sino a toda la humanidad. ¿Cuántas copias puede hacer de sí misma? ¿Qué se propone realmente y hasta dónde está dispuesta a llegar? En medio de toda la seriedad, tensión y violencia que caracterizan la serie, resultan de lo más gratificante esas dosis de humor que, de vez en cuando, rompen con el tono y demuestran que los guionistas, igual que nosotros, necesitan divertirse por muy dramáticos que nos pongamos. En este sentido, cabe destacar al divertido personaje de Stubbs (Luke Hemsworth) y la actitud con la que Maeve se enfrenta a sus enemigos. Estos detalles engrandecen la serie. Tráiler de 'Westworld' 3x05: 'Genre' Todavía queda mucho por descubrir en esta temporada y estoy seguro de que aún se van a desvelar grandes sorpresas que nos van a volar la cabeza, pero el giro final relacionado con Dolores ha sido una jugada brillante, la guinda para uno de los mejores episodios de la serie. A continuación dejo el tráiler del siguiente capítulo, para los más impacientes: - La noticia 'Westworld' 3x04: la serie de HBO vuelve a ofrecer su mejor nivel en un episodio fantástico que resuelve una importante incógnita fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

'La casa de papel' es, como no podía ser menos, un auténtico fenómeno. Su recauchutación por parte de Netflix ha sentado estupendamente a la serie, que ha ganado en público y espectacularidad. Sus atractivos personajes y su uso de la tensión le garantizan continuidad, porque... ¿acaso no es la primera vez que en España se rueda un atraco de esta manera? Pues no. Tal y como te explicamos en el nuevo vídeo de 'Old Man Yells at Cloud', una de las películas más importantes de la historia de nuestro cine es la tronchante 'Atraco a las tres', y uno de los géneros más genuinamente españoles del siglo XX es el cine quinqui. Así que el crimen, los atracos y la delincuencia siempre han estado presentes en el audiovisual español. En Espinof El thriller ibérico se ha convertido en el gran género de la industria española Poco pan para tanto chorizo Todo al estilo español, claro. Es decir, con humor, esperpento, y cierto deje barriobajero. Lo que no nos sale bien en España es el icono del ladrón elegante, de guante blanco, a lo George Clooney o, en un tono más cosmopolita, a lo Fantomas. Demasiados años viendo a los cacos de Mortadelo y Filemón poniendo TNT en cajas fuertes nos han condicionado, pero no dejan de ser ladrones genuínamente españoles. Así que si 'La casa de papel' os ha sabido a poco u os veis incapaces de esperar hasta la llegada de la temporada 5, os presentamos unos cuantos atracos muy españoles y mucho españoles. Llenos de quinquis, sucursales bancarias de mala muerte y planes que siempre salen regular. Lo mejorcito de los caper films a la española. - La noticia Más allá de 'La casa de papel': de 'Atraco a las tres' a '70 binladens', otros grandes robos a la española fue publicada originalmente en Espinof por John Tones .

Louis C.K. ha sorprendido a todo el mundo, tanto fans como detractores, con el lanzamiento por sorpresa de 'Sincerely Louis C.K.', un nuevo especial de comedia, en plena crisis por el coronavirus. El mensaje de C.K. El propio Louis C.K. ha anunciado que ha lanzado este especial para aquellos que "necesiten reírse" en una situación como la actual. Para poder verlo, tenéis la opción de comprarlo o verlo en streaming en la página web del cómico por el precio de 7,99 dólares. Además, C.K. también ha lanzado el siguiente comunicado de prensa: En Espinof Los 11 mejores especiales de comedia stand-up para ver en Netflix y HBO durante la cuarentena por coronavirus Creo que hay dos tipos de persona en el mundo. Unos necesitan reírse cuando las cosas se van a la ******. De hecho, cuantas más ****** sean, más series, más oscuras y terroríficas, más peligroso y urgente sea algo, más importante será reírse en medio de ello y a menudo directamente en su cara. Estas personas creen que no es coincidencia que los seres humanos hayan sobrevivido a pesar de nuestro cuerpos frágiles sin pelo a los tiempos más difícil. Y que somos la única especie junto a las mariquitas que se ríen de la vida. Recordemos que su carrera se hundió tras recibir varias acusaciones por acoso sexual. Fue eliminado de 'Gravity Falls' y despedido de 'Mascotas 2', siendo pocos menos que un apestado en Hollywood desde entonces. Dudo mucho que eso vaya a cambiar gracias a 'Sincerely Louis C.K.', pero nunca se sabe. Vía | Deadline - La noticia Louis C.K. lanza por sorpresa un nuevo especial de comedia para aquellos que "necesitan reírse cuando las cosas se van a la ******" fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

En una época de saturación de plataformas de móviles en el que uno de los criterios para suscribirnos es la compatibilidad con nuestros dispositivos, sobre todo con la tele, resulta algo raro que uno de los lanzamientos esperados del año sea Quibi. Por lo menos por lo radicalmente diferente de su apuesta. Y es que Quibi viene con tres características diferenciadoras y que llegan en forma de doble filo. La primera es que es un SVOD exclusivo para móviles, pensada para el que gasta un considerable tiempo (o no tan considerable) para desplazarse. Claro, el no haber retrasado su lanzamiento hace que ese "claim" pierda fuerza en el estado de confinamiento en que se encuentra medio mundo. En Espinof Netflix, Movistar, Amazon Prime y otras 9 plataformas de streaming: precio, qué ofrece cada una y promociones especiales de la cuarentena La segunda característica está en torno a la duración. Todo su catálago está limitado a episodios de menos de diez minutos. Normalmente nos moveremos por series, concursos, realities (sí también) y documentales que duran entre los 6 y los 9 minutos. Por lo menos por lo que he podido navegar. Aquí también necesitan un buen claim. Y también lo tienen. Aprendiendo del resto de plataformas, nos encontramos con nombres llamativos en las series de entrada. Así, podemos ver a Sophie Turner ('Juego de Tronos') protagonizando 'Survive', un drama sobre salud mental; '50 States of Fright', la antología de Sam Raimi (que llegará la semana que viene) y el 'After Dark' de Steven Spielberg. Pero no solo de ficción se nutre y ojo porque aquí tenemos la que quizá sea la mayor diferencia: programas de actualidad y noticias. Si bien es cierto que Netflix tiene un par de espacios cómicos de actualidad como 'Patriota no deseado', en Quibi tenemos espacio para las noticias con programas diarios realizados por BBC News, Telemundo y si nos vamos al entretenimiento está 'Late Night's Late Night' de EW y otras cápsulas diarias. Un precio algo elevado para lo que ofrece Para acceder a Quibi simplemente nos tenemos que descargar la aplicación en la store de nuestro smartphone y el registro es increíblemente rápido: correo, contraseña, decir como pagas (en Android se gestiona directamente por la Play Store) y ya está. Creo que no he tardado menos en registrarme en un sitio de estos en años. Va muy fluido todo. Pero hablemos del dinero. Para el terreno internacional, Quibi cuesta en España 8.99 euros al mes, pero viene primero con un periodo de prueba de 90 días si te suscribes antes del 30 de abril. Algo inaudito completamente ahora mismo. Vamos, que quieren que podamos probar de sobra la aplicación. En Espinof Las 31 mejores series de comedia en Netflix, HBO, Amazon y demás plataformas de streaming Un precio que es superior al básico de Estados Unidos (4.99 dólares) pero, a cambio, no tendremos publicidad. Y, según leo en medios como Engadget, es algo molesto encontrarte tanta publicidad para tan poco contenido. Porque el catálogo de Quibi es variado, tiene cosas que son atractivas de por sí... pero por lo general no hay nada que destaque para bien. Las series de ficción se encuentran en el terreno de lo correcto y hoy correcto ya no es una opción válida para llamar la atención. Películas a trozos para su consumo vertical y horizontal Quizás lo más llamativo de Quibi sea que podamos ver sus contenidos tanto en formato vertical como en formato como Dios manda horizontal. La aplicación va muy bien en este sentido y puedes girar la pantalla en cualquier momento y el contenido se adapta a cómo lo estás viendo. Esto básicamente significa que si prefieres ver el contenido en vertical te encontrarás con constantes primerísimos primeros planos y poca referencia de la puesta en escena o de los personajes que estén en segundo plano. Algo que, además, lo hacen con cierto zoom y deformación si la pantalla tiene una proporción distinta de 16:9. En Espinof 'Survivor: Winners at War', la temporada más épica del mejor reality de la historia de la televisión Por otro lado, el que la filosofía sea la de vídeos de menos de diez minutos, hace que sus series se sientan más como películas a trozos que como series. Y con películas me refiero a telefilmes de los que se pueden ver cualquier sobremesa en televisión. No parece haber una intención más que la de contar una historia y de que tengas algo para ver en ese rato que tienes libre. Una apuesta por el entretenimiento y la actualidad que quizás les salven del desdén Quizás sea por eso por lo que me lo he pasado mejor viendo 'Dishmantled' que sus ficciones. 'Dishmantled' es un concurso reality culinario presentado por Titus Burgess en el que los concursantes, con los ojos vendados, deberán averiguar qué plato les ha estallado en la cara y, una vez salidos de la zona de explosión, intentar recrearlo. O cosas raras como 'Chrissy's Court' un reality cómico judicial con casos un tanto absurdos que, si bien es algo incómodo de ver, tiene su potencial. O incluso lo nuevo de 'Punk'd' con nuevas bromas de cámara oculta tras ocho años de ausencia. El caso es que si nos alejamos de la ficción, creo que Quibi tiene su gran potencial y sus alas salvadoras en la producción de entretenimiento con formatos que, personalmente, sí me imagino siendo consumidos de forma masiva en esos ratos libres, en esos desplazamientos y a la hora de ir al baño. Sin embargo, de momento, la ficción no tiene mucho recorrido en esta plataforma. - La noticia Quibi: así es el Netflix exclusivo de móviles que apuesta por series de menos de diez minutos fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Aprovechando que Filmin recuperó hace unos meses el indispensable 'Stop Makin Sense' de Jonathan Demme, que ha vuelto a ponerse de moda ahora que ya no podemos ir a conciertos ni a bailar a los bares, es un buen momento para recordar que algunos de los mejores conciertos de nuestra vida se celebraron en el mundo del cine. One, two, three, action! Ya sea en 35, 16, Super8 o en 3D, los conciertos han formado parte de la historia del cine. A veces, como en el primer ejemplo de esta lista, incluso es posible que exista alguien que nos esté leyendo y que haya participado de la grabación. En color o en blanco y *****, representando algún tipo de historia conceptual o simplemente una sucesión de hits tras otro, voy a recomendar una serie de películas de conciertos con los que animar la cuarentena. En Espinof Las 21 mejores películas musicales de todos los tiempos Awesome; I Fuckin' Shot That! Antes de que la tragedia deshiciera para siempre al trío maravillas de los Beastie Boys, el fallecido rapero, cantante, compositor, músico y activista MCA (Adam Yauch) también fue cineasta, fundó la compañía de distribución independiente Oscilloscope Laboratories y dirigió muchos de los videos de Beastie Boys bajo el apodo de Nathaniel Hörnblowér. El 9 de octubre de 2004, Yauch entregó 50 videocámaras a unos cuantos afortunados en un concierto con todo vendido en el Madison Square Garden con una única condición: mantenerlas encendidas y grabando durante todo el concierto. Genio y figura. Ramones: It's Alive El concierto que Ramones dio en el Rainbow Theatre de Londres el 31 de diciembre de 1977 se convirtió en 'It's Alive', el mítico disco doble lanzado en abril de 1979 y que es considerado uno de los mejores discos punk de todos los tiempos. Aprovechando que el canal oficial de la banda lo tiene subido, os lo dejamos aquí para vuestro disfrute. Okonokos 'Okonokos' es un disco en directo y también una película que la banda estadounidense My Morning Jacket publicó la noche de Halloween de 2006. La banda grabó el directo en el mejor momento de su carrera, durante la gira de su descomunal disco Z, y se grabó durante dos noches en el Fillmore en San Francisco. Una estupenda elección para adentrarse en el mundo de una de las bandas más interesantes de los primeros dos mil. Neil Young: Heart of Gold Neil Young y Jonathan Demme han colaborado juntos en varias ocasiones, pero tal vez sea aquí, en el primero, donde más cómodos se han sentido ambos. Al menos la leyenda canadiense. 'Heart of Gold' está grabado tras un par de actuaciones en Nashville poco después de que el cantante se recuperase de un aneurisma cerebral. Demme, gran fan del artista, llena de cariño un trabajo creado a través de esas ondas de amor que el propio Young, muy poco dado a regalar ese tipo de vibración, envía a sus colaboradores y compañeros. Ideal para estos días chungos. Under Great White Northern Lights El tiempo pasa volando, y no falta mucho tiempo para que se cumplan 15 años sin The White Stripes. Este concierto documenta una de las últimas actuaciones del dúo mientras recorrían Canadá promocionando el que sería el último disco de su carrera, el Icky Thump de 2007. La última escena de la película tiene a Jack al piano y a su compañera Meg llorando sobre su hombro. Tal vez sabían que sus días juntos llegaban a su fin. En Espinof 'Last Christmas' y otras 11 canciones que han terminado dando título a una película The Who: Live at the Isle of Wight Festival El 30 de agosto de 1970, The Who subió al escenario frente a 600.000 espectadores despreocupados de virus en el Festival de la Isla de Wight, en la costa sur de Inglaterra. Las tres horas de caótico y desenfrenado espectáculo fueron parcialmente capturadas para la posteridad por el cineasta Murray Lerner. La advertencia "parcialmente capturada" es la clave. The Who tocó durante tres horas, pero las imágenes del concierto abarcan menos de una hora y media de la actuación. Probablemente nunca se lo perdonaremos al montador. Una de las bandas más increíbles de la historia en una de sus mejores noches. Keith Moon, role model. Shut Up and Play the Hits La despedida de LCD Soundsystem quedó registrada para la posteridad en forma de un documental que sigue a James Murphy y compañía en los días previos, durante y después de su brutal despedida de cuatro horas. Los directores Will Lovelace y Dylan Southern proporcionan una experiencia colosal donde las imágenes fuera del escenario son casi tan potentes como las otras. Heima Podría haber elegido 'Inni' por aquello de alejarse más del tono documental de este hermoso, fascinante, 'Heima', "en casa" en el idioma natural de la banda islandesa. Este delicado trabajo se centra en la gira por Islandia que dio la banda durante el verano de 2006. Durante la gira, la banda alternó grandes conciertos al aire libre con otros a pequeña escala. El documental se vuelve un clásico con las imágenes de un concierto acústico tocado para familiares y amigos en Gamla Borg, una cafetería en la pequeña ciudad de Borg, el 22 de abril de 2007. Llorarás. El último vals El mismísimo Martin Scorsese se encarga de "dirigir" en 'El último vals' alguna de las actuaciones más increíbles que puedes ver en una película. Tras más de quince años en la carretera, The Band decidió decir adiós. La grabación y montaje del concierto daría para una película de ficción, y algunos colegas de los que pasaron a despedirse de la banda son nombres como Muddy Waters, Eric Clapton, Joni Mitchell, Neil Young y muchos más. Todo bajo la atenta mirada de Martin Scorsese. Poca broma. En Espinof Las 17 mejores películas de Martin Scorsese Stop Making Sense Era lógico que ahora que no podemos movernos de casa, cada vez que nos acordemos de los conciertos de nuestra vida, salga uno que casi ninguno de nosotros vio "en directo". El monumental 'Stop Making Sense' es una brillante puesta en escena supervisada por Jonathan Demme sobre la gira de Talking Heads de 1984, momento álgido de su trayectoria. Jordan Cronenweth, director de fotografía de 'Blade Runner', hace lo propio aquí. La personalidad de la banda y del cineasta dieron como resultado uno de los mejores conciertos jamás filmados en celuloide. Rattle and Hum Antes de convertirse en el grupo más brasas de la historia de la música, U2, mientras preparaba su auténtico periodo de reinado pop-rock, se marcó este estilizado concierto-documental filmado por Phil Joanou y dos directores de fotografía según colores y formatos. Una retahíla de hits ásperos y rabiosos de una banda que estaba a punto de cambiar de rumbo antes de agotarse. Luego ya se agotarían, pero aún quedaba bastante para eso. The Song Remains the Same Otro relato de rock duro con otro de los mejores bateristas de la historia de la música. John Bonham, el hombre por el que Paiste cambió la aleación de sus platos destinados al rock, es el epicentro de este terremoto sónico originalmente concebido un concierto registrado durante tres noches en el Madison Square Garden en 1973. Desafortunadamente, gran parte del material resultó inutilizable, y la banda tampoco estaba contenta con muchas de sus actuaciones. La solución: desechar la mayor parte de la película, despedir al director y reemplazarlo con Peter Clifton para reconfigurar por completo la producción. Pero claro, vaya temazos. Roy Orbison and Friends: A Black and White Night Este concierto fue un evento crucial durante el regreso de Roy Orbison a finales de los 80. Antes de su participación en esa constelación de astros que fue Travelling Wilburys (Orbison, George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty y Jeff Lynne), el concierto puso de relieve los éxitos clásicos de Orbison con la ayuda de la TCB Band de Elvis Presley y unos invitados como Bruce Springsteen, Elvis Costello Bonnie Raitt, kd Lang, Tom Waits, Jackson Browne, J.D.Southher y Steven Soles. Es considerado como uno de los mejores espectáculos de rock de la historia. Cuando lo contemples te darás cuenta de que no has visto con este nivel. Rust Never Sleeps No podía resistirme a colar de nuevo a Neil Young en su concierto más radical y experimental, al menos en lo que respecta al concepto. Tras el éxito de 'Harvest' en 1972, Young, tuvo una carrera desigual, marcada por las problemas con su voz, con los músicos y con las drogas. A pesar de haber parido más de una obra maestra ('On the Beach', por ejemplo) en ese tiempo, no obtuvo el reconocimiento inmediato. Tras el lanzamiento el genial 'Comes a Time', Young volvió con Crazy Horse, con los que podría decirse que inventa el grunge en el tremendo 'Rust Never Sleeps'. La influencia de sus queridos Devo, con los que colaboraría más adelante en la experimental 'Human Highway', ya se intuía aquí. Hey, hey. - La noticia Las 14 mejores películas de conciertos para calmar el ansia de música en directo fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

No son pocas las series que se han dedicado al mundo del crimen organizado en los últimos años. Una de las favoritas del público fue ‘Narcos’ (2015-), que explora la realidad interna de los cárteles de la droga en Sudamérica. ‘Zerozerozero’ podría ser una más de tantas, pero la diferencia es que viene con el sello de Stefano Sollima, hijo del mítico director de cine bis italiano Sergio Sollima, algo que tiene más importancia de lo que parece. Para completar el sello de garantía, la serie se basa en el libro de Roberto Saviano, ‘ZeroZeroZero’, una especie de continuación espiritual de su trabajo en ‘Gomorra’, que se adaptó tanto en un film como en una exitosa serie, que marcan bastante del tono de esta nueva visión del mundo del tráfico de drogas, ahora con su escala ampliada, para cubrir las conexiones entre México y el sindicato italiano del crimen organizado conocido como 'Ndrangheta. Una visión poliédrica del mundo del narcotráfico Adaptado por Stefano Sollima, Leonardo Fasoli y Mauricio Katz, el libro tiene aquí caras concretas para cada facción. Adriano Chiaramida interpreta a Don Minu, un anciano jefe de 'Ndrangheta cuya capacidad para mantener el poder puede depender de un fuerte cargamento de cocaína que llega de México. Allí, Manuel (Harold Torres), un soldado del ejército mexicano encargado de destruir la infraestructura local corrupta, representa el equivalente al futuro cártel real de los Zetas, un grupo integrado por desertores militares que sembró el terror desde 1999. Los terceros en discordia son los transportistas de la mercancía, una familia naviera afincada en Nueva Orleans, liderados por el Edward (Gabriel Byrne), padre de Emma (Andrea Riseborough), y Chris (Dane DeHaan) que se verán inesperadamente empujados dentro de la refriega. Un tapiz de múltiples niveles que explora los entresijos del mundo de los narcóticos —la cocaína es el centro—, dejando espacio para a un análisis periférico de arriba hacia abajo sobre las consecuencias en los procesos de producción, distribución y consumo. En Espinof La evolución natural de 'Narcos', una serie que lo tenía todo y quería más ‘ZeroZeroZero’ es una apuesta fuerte de Amazon, y aunque no sea tan revolucionario como podría dar a entender su enfoque con múltiples historias en varios continentes y docenas de personajes que hablan varios idiomas, la familiaridad con el género le puede quitar frescura, pero no por ello el resultado no es menos impresionante. La escala de la acción no solo es ciclópea por lo geográfico, sino por el ojo panorámico de Sollima, que abre el campo de visión en todos los frentes para rodar tanto el espacio como a sus protagonistas. De la escala internacional a la intimidad de la familia Además de ir desgranando con la acción, todos los pasos del proceso, de una forma didáctica y casi documental, la serie logra penetrar en los conflictos de los personajes principales, creando una historia sólida para cada uno, que, de alguna manera, independientemente de sus conexiones, también tiene relación con la de los demás. El poder y la posición, el respeto y el miedo son los temas que logra retratar a lo largo de un camino lleno de violencia e imágenes de pura pesadilla. Un horror que construye un motor por el que circula muchísimo dinero. Quizá el mayor problema de la adaptación es que no haya logrado incluir los puntos más polémicos del libro de Saviano, las conexiones de esa microeconomía oculta con la superficie, la política y el sistema, pero quizá habría necesitado de más capítulos, y uno de las fortalezas de ‘ZeroZeroZero’ es, precisamente, su concisión. Con lo que cuenta otras series podrían rellenar tres temporadas, pero Sollima lo condensa en ocho vibrantes capítulos que, aunque suene ya manido y se tienda a sobreutilizar, es de los casos en los que parece una película de 7 horas. Sollima comparte dirección con Janus Metz y Pablo Trapero, pero el tono general parece de una de sus películas. Por una parte añade su conocimiento de la mafia italiana y su forma de tratarlo en ‘Suburra’ (2015) y por otro lado, el arco de México parece salido en forma y fondo de su tremenda ‘Sicario: el día del soldado’ (2018). Rodada en Italia, México, Senegal y Marruecos, la parte que transcurre en África es tan inesperada como espectacular, llevando a la serie casi al terreno del cine de aventuras o bélico. En Espinof Las 31 mejores películas de gángsters y mafiosos de la historia Un fresco sobre la contienda de poder llena de acción y muerte En cada episodio hay una acumulación de planos que quitan el aliento, uno tras otro, desde la belleza natural de la costa de Calabria, el desierto o la escala industrial de patio de embarque lleno de contenedores, evitando los filtros de fotografía usados en ‘Traffic’ (2000) o la serie ‘Narcos’ (2015-) y acompañando el conjunto con una partitura nada menos que de Mogwai, que añade notas inquietantes que añaden nihilismo a un retrato que no da ni un solo paso hacia la luz para mostrar algo que no sea devastador. La línea argumental más impactante de ‘ZeroZeroZero’ es la de Manuel y sus vampiros, pero la forma en la que se cierran todos los flecos y se conectan entre ellos roza la perfección, mostrando un fresco en el que nada ha cambiado, pese a que la nueva configuración y distribución de poderes es diferente. A destacar los últimos cinco minutos de la serie, que navegan entre el puro horror y una turbia escala de grises que certifican la recompensa más satisfactoria para un viaje a las tinieblas despiadado, cruel y memorable. - La noticia ‘ZeroZeroZero’: Amazon estrena una de las series más espectaculares del año, sobre el cruento mundo del narcotráfico global fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Hay acontecimientos que marcan a toda una comunidad con una cicatriz que no termina de cerrar del todo. Es el caso de los asesinatos de Atlanta, con la desaparición y asesinato de al menos una treintena de jóvenes afroamericanos, la mayoría de ellos niños, entre 1979 y 1981. Un caso que hace poco vimos ficcionado en la temporada 2 de 'MINDHUNTER' y que decide explorar HBO con 'Crimen y desaparición en Atlanta: Los niños perdidos' ('Atlanta's Missing & Murdered: The Lost Children'), una serie documental de cinco episodios que van bastante más allá de relatar estos crímenes. En Espinof 'MINDHUNTER': estos son todos los asesinos y psicópatas reales que aparecen en la temporada 2 de la serie de Netflix Nos encontramos, desde el mismísimo primer episodio, con una radiografía del crimen y la ciudad donde se comente. En este inicio, nos explican el contexto social de Atlanta como una especie de oasis para las comunidades afroamericanas en el corazón del sur de Estados Unidos. Un sitio donde los que hasta entonces lo tenían más difícil podrían llegar a prosperar y perseguir el sueño americano. Si tenías dinero, claro. Si no, te quedabas a las afueras. A los barrios marginales y deprimidas. Y son en estos sitios de donde desaparecían estos niños. Una radiografía de Atlanta A lo largo de los cinco episodios, a medida que vamos profundizando en el caso, vamos conociendo mejor las características de esta ciudad y cómo estos crímenes encendieron una olla a presión que estuvo a punto de estallar en forma de guerra racial y de clases, lo que apresuró a la policía a cerrar el caso en cuanto tuvieron un sospechoso medianamente sólido. Así, 'Crimen y desaparición en Atlanta' se detiene en la visión de los padres de las víctimas, hartas de hacer ruido para que les hagan caso; la policía, que anda sin saber muy bien por dónde comenzar y que ven que la situación se les va de las manos; el surgimiento de patrullas de vigilantes, algunos más dispuestos a dar con el bate antes que a preguntar; el KKK que sigue coleando por esos sitios, etc. Al final, más allá de la culpabilidad o no de Wayne Williams o del proceso iniciado el año pasado para reabrir y resolver correcta e indiscutiblemente el caso, los asesinatos de Atlanta se enraizan tanto en el núcleo de la sociedad local que transformaron la ciudad para siempre. Trascendiendo el terrible caso criminal, tenemos entre manos un estudio social. Y aquí es donde destaca más y mejor 'Crimen y desaparición en Atlanta', comprendiendo y haciéndonos entender el frágil equilibrio que existe en una sociedad y cómo un hecho como este puede poner a prueba e incluso romper el statu quo. - La noticia 'Crimen y desaparición en Atlanta': absorbente documental de HBO sobre el caso que 'Mindhunter' adapta en su temporada 2 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Como era de esperar, la cuarta temporada de ‘La casa de papel’ ha refrendado el éxito de la serie en Netflix. Bien poco tardó en convertirse en Trending Topic mundial en Twitter y lleva todo el fin de semana liderando el Top 10 de lo más popular de la plataforma. Lo único que falta es el anuncio oficial de una quinta temporada, pero oficiosamente hace meses que sabemos que está en marcha. Entonces se habló bastante de un nuevo golpe y que los únicos que estaban confirmados de vuelta eran Álvaro Morte, aunque él mismo comentó hace poco que no sabía nada de una quinta temporada, e Itziar Ituño, pero -ojo con los spoilers a partir de aquí- el final de la cuarta nos ha dejado claro que todavía hay mucha tela que cortar en el que la banda está llevando a cabo en el Banco de España. A continuación vamos a repasar lo que sabe por ahora de esta temporada 5. La historia La cuarta temporada fue una continuación directa de la tercera y está clarísimo que la quinta tiene que serlo de la cuarta. El desenlace de esta última nos ha dejado con sensaciones enfrentadas. Por un lado, la alegría dentro del Banco de España por el regreso de Lisboa junto al resto de la banda. Para ello hubo primero que liberarla en un astuto plan para el que tuvo que contar con la ayuda de unos mineros de Asturias. Tras arrebatársela a la policía en el parking de los juzgados, El Profesor activa el plan para el que necesitaba mantener con vida a Gandía. Consigue engañar a la policía y el personaje interpretado por Ituño consigue así reencontrarse con Tokio, Rio, Denver, Estocolmo, Palermo, Helsinki, Bogotá y Manila, aunque no con Nairobi, ejecutada sin piedad por Gandía en el sexto episodio de la cuarta temporada. En Espinof "Deseo que haya temporada 5 de 'La casa de papel' porque la 4 deja todo con un final muy heavy". Jaime Lorente Dentro del Banco de España van a tener que arreglárselas para terminar de fundir el oro antes de poner en marcha el plan de fuga. Eso sí, no lo van a tener nada fácil porque podrían dejar de contar con la ayuda de El Profesor, quien se encuentra ahora mismo en una situación de lo más delicada. Alicia es ahora mismo una prófuga de la justicia tras confesar todas las malas prácticas de las fuerzas del orden en su empeño por acabar con la banda, pero ha tenido tiempo para descubrir al topo que tenía que El Profesor dentro de la carpa. Eso le ha permitido localizarlo y la alegría dentro del Banco de España se opone a ver al personaje interpretado por Morte encañonado a punta de pistola por Alicia, quien no duda en pronunciar un rotundo “Jaque mate, cabrón”. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 La serie nos ha hecho creer que El Profesor va a ser el siguiente en caer, pero que la historia ha de seguir adelante es algo que todos tenemos muy claro. ¿Quizá una reaparición milagrosa de Marsella podría impedir lo que parece inevitable? Parece más lógico pensar que Alicia va a tener ahora sus propios planes para desaparecer e iniciar una nueva vida con un buen colchón económico. El reparto Seguro que vamos a volver a ver a todos los actores en esta quinta temporada, incluida Alba Flores como Nairobi. A fin de cuentas, la serie utiliza mucho los flashback y tanto el Berlín de Pedro Alonso como el Moscú de Paco Tous siguen apareciendo pese a que sus personajes fallecieron al final de la segunda temporada. Con los que no puede haber ninguna duda son Álvaro Morte (El Profesor), Itziar Ituño (Lisboa), Úrsula Corberó (Tokio), Miguel Herrán (Río), Jaime Lorente (Denver), Esther Acebo (Estocolmo), Darko Peric (Helsinki), Belén Cuesta (Manila), Hovik Keuchkerian (Bogotá), Luka Peros (Marsella), Rodrigo de la Serna (Palermo), Najwa Nimri (Alicia), Fernando Cayo (Tamayo) y Enrique Arce (Arturo). En Espinof Las 34 mejores series españolas que puedes ver en Netflix, HBO, Amazon, Movistar+ y otras plataformas de VOD El rodaje Cuando se filtró la existencia de una quinta temporada se habló de que el rodaje de los nuevos episodios tendría lugar a comienzos de 2020, pero nada más se ha vuelto a saber al respecto. Puede darse el caso de que la grabación haya empezado sin que se haya anunciado, pero de haber sucedido, la crisis por el coronavirus habría impedido que siguiera adelante. Y si no, lo que está imposibilitando es que simplemente comience. La fecha de estreno Ni siquiera es oficial la quinta temporada, así que de una fecha de estreno es mejor que ni siquiera hablemos por ahora. Por la crisis del coronavirus ni siquiera podemos tomar como referencia los casi nueve meses que pasaron entre el estreno de la tercera y la cuarta para hacer hipótesis, pero lo que sí podemos dar casi por seguro es que en 2020 no veremos nuevos episodios de ‘La casa de papel’. - La noticia 'La casa de papel', todo lo que sabemos de la temporada 5 de la serie de Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Netflix ha encontrado todo un filón en las docuseries con premisas extravagantes y el enorme éxito cosechado por 'Tiger King' ha llevado a la compañía a encargar un episodio adicional. La noticia viene de la mano de Jeff Lowe, uno de sus protagonistas. Lowe ha desvelado la inminente existencia de un nuevo capítulo en un vídeo que ha enviado a Justin Turner, jugador de béisbol de Los Angeles Dodgers, y su esposa Kourtney Pogue. En él bromean sobre el hecho de que sean fans de 'The Tiger King' antes de soltar la bomba que nos ha pillado a todos por sorpresa. Disponible la próxima semana En Espinof Las 27 mejores películas documentales de todos los tiempos Además, Lowe no duda en dar otros detalles jugosos como que un equipo de Netflix iba a grabar con ellos al día siguiente de realizar el vídeo y también que el episodio estaría disponible la próxima semana. Me cuesta creer este último dato, tanto por las medidas contra el coronavirus como por el hecho de que pasen tan pocos días entre la grabación y su estreno. So our friend @christie_dish listened to the podcast, @HoldingKourt and after last weeks episode decided to send us this!!! 🚨BREAKING NEWS FOLKS🚨 There will be 1 more episode of #TigerKing on@Netflix pic.twitter.com/YeRSIlDKTJ — Justin Turner (@redturn2) April 4, 2020 Se desconoce quién más participará en este capítulo especial, ¿quizá un epílogo para contar qué es de la vida de todos sus protagonistas actualmente? En Espinof ya hemos hecho un detallado repaso al respecto, pero nunca estará de más reencontrarse con todos ellos. - La noticia 'Tiger King' no ha terminado: el último bombazo de Netflix tendrá un episodio más según Jeff Lowe fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Ya ha pasado casi un año desde que pudimos echar un primer vistazo —que, por cierto, tenía una pinta más que decente— a 'Snowpiercer', la adaptación televisiva del celebrado largometraje de Bong Joon-ho 'Rompenieves' que prepara el canal TNT y que, sin haber estrenado siquiera su primera temporada, ya tiene una segunda en ciernes. Después de una larga sequía de información y nuevo material promocional, la cadena norteamericana ha anunciado que el lanzamiento de 'Snowpiercer' se adelantará dos semanas a la fecha original, debutando finalmente el próximo 17 de mayo; una noticia que han acompañado con un nuevo y escueto teaser que mantiene las buenas vibraciones que transmitía el anterior avance. En Espinof Hoy es cine, mañana puede ser verdad: 11 películas que nos alertan sobre la destrucción del planeta Esta nueva 'Snowpiercer', creada por Graeme Manson —también artífice de la notable 'Orphan Black'—, beberá tanto del largometraje de Bong Joon-ho como de 'Le Transperceneige', el cómic original de Jacques Lob y Jean-Marc Rochette en el que se basó el surcoreano para dar forma a la cinta protagonizada por Chris Evans, Song Kang-ho. En pocas semanas podremos comprobar qué tal le ha sentado el salto transmedia a esta distopía embotellada en un tren, aderezada con una fuerte carga social y cuyo reparto encabezan Jennifer Connelly y Daveed Diggs. Por el momento, en términos de diseño de producción parece que cumplirá con creces lo prometido. - La noticia 'Snowpiercer': nuevo tráiler y fecha de estreno para la adaptación televisiva de la película de Bong Joon-ho fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Vayamos por partes y comencemos nuestro viaje en 1978. Permitidme la licencia de obviar 'Superman y los hombre topo' o el 'Batman' de Adam West, primeros DC transformados en carne, hueso y licra. Aquel año, bajo el eslogan "Creerás que un hombre puede volar", y con una historia de Mario Puzo retocada por nombres como Robert Benton o Tom Mankiewicz, Richard Donner presentó un clásico lleno de emoción, carisma y un reparto estratosférico. En un lugar de DC Comics Desde entonces, incluyendo sus disfrutables secuelas, aunque la última, la que destrozaron los Golan-Globus, sea más complicada de defender, el cine ambientado en el mundo de DC Comics ha pasado por momentos extraordinarios, aunque en realidad sea recordado por el titubeante camino al desastre que arrancó, curiosamente, con las nuevas aventuras del nuevo Superman (AKA 'El hombre de acero') que dieron el pistoletazo de salida al nuevo DCEU. En Espinof Todas las películas del universo DC ordenadas de peor a mejor Tardarían una década completa en regresar por la puerta grande con su otro gran personaje gracias a la estupenda 'Batman' dirigida por Tim Burton, una película que acentuaba la oscuridad que, por momentos, quitó el aliento del espectador en la seminal película de Donner. Sí, estoy hablando de ese grito: Al igual que con el héroe de la capa roja, el éxito del héroe de Gotham cegó a a los ricachones ejecutivos de Warner, y si bien las entregas de Joel Schumacher tienen gracia, el daño estaba hecho. Tras ellas llegarían un par de palos de ciego del calibre de 'Steel, un héroe de acero', deplorable vehículo DC al servicio de un jugador de baloncesto, o 'Catwoman', una película que se esforzaba demasiado en ser un desastre indefendible. Con semejante panorama nadie quiso hacer caso a la interesante 'Constantine', aunque buena parte de la culpa la tuvo el primer trabajo de Nolan al servicio de Gotham. El dato curioso es que la recaudación internacional de ambas fue prácticamente idéntica, desmarcándose 'Batman Begins' por la caja conseguida en Estados Unidos. Luego llegarían la peor película de Superman jamás rodada, cortesía de Bryan Singer ('Superman Returns'), y dos descalabros muy diferentes pero totalmente disfrutables: 'Jonah Hex' y 'Green Lantern', dos trabajos, sobre todo el protagonizado por Ryan Reynolds, masacrados por una corriente de opinión infatigable e interesada. El encanto de la nostalgia sutil Aunque pueda ser difícil de creer para algunos, 'Escuadrón Suicida' es una película peor que cualquiera de los títulos vilipendiados que hemos recordado hasta ahora. El problema, amigos, es que ese desastre hizo dinero. Por eso, dando un salto de gigante hasta 'Shazam', el fenomenal título de David F. Sandberg, vamos a hablar de esas sensaciones que algunos creíamos perdidas y que otro importante sector del público ni siquiera ha podido conocer: la inocencia y la pureza. En Espinof Las 17 mejores series de superhéroes en Netflix, HBO y otras plataformas de streaming ¡Shazam! es exactamente eso. Y ahora mismo, eso es algo muy difícil de encontrar. Para empezar, el tema principal de la película, compuesto por el omnipresente Benjamin Wallfisch, es pura fanfarria llegada directamente de algún lugar cercano a Krypton. Absolutamente clásico, encantador y retro. Que sea una película llena de esperanza, ganas de vivir, luz y color no tiene que estar reñido con la nostalgia, pero eso no significa que tengamos que estar viendo a chavales en bicicleta todo el tiempo. No se trata de una nostalgia de H&M llena de recuerdos retro para modernos poser. Aquí nadie lleva una camiseta de Nine inch Nails ni se recuerdan viejas cadenas de videoclubs que en realidad solo ayudaron a hundir el negocio. Al menos en España. Hay nostalgia, mucha, pero no a gritos. Aquí la nostalgia está en forma de ideal fotograma, que puede transportarte al momento de infancia en que descubriste 'Aventuras en la gran ciudad' o a un sutil y discreto aterrizaje que bien podría ser del clásico General Zod. El primer enfrentamiento entre el héroe y el villano aquí es muy elegante. Si en la peli de Donner hablábamos de un reparto estratosférico y de un guión del autor de 'El Padrino', amén de una música eterna por el igualmente eterno John Williams, es cierto que aquí no encontramos ni uno ni otro y sí un poco del tercero, pero tampoco es que necesite grandes apoyos. De hecho, tiene el más importante con el que podría contar. Hacedme caso. De luz y de color ¡Shazam! también es discreta con las referencias, donde los únicos subrayados de más son los que insisten en recordarte que estamos en el mismo universo que Batman y Superman. Recortes de periódicos y juguetes. Muchos juguetes. Lo que pasa es que los protagonistas de esta historia son niños y, claro, funciona a las mil maravillas porque tiene sentido. Lo que a simple vista parece pura fórmula es en realidad un valiente volantazo a las convenciones genéricas, empezando por el mismísimo prólogo, cruel y a contracorriente, y terminando un clímax lleno de luz y color. De alegría contagiosa. De ganas de hacernos felices. En Espinof 13 películas (y una serie) de fantástico y terror ideales para ver después de 'Shazam!' Es ese sentido de la maravilla tan olvidado por el género, el que solo a veces consigue contagiarse a través de los mandos de una máquina de Sony o Microsoft, lo que traspasa la pantalla a través de fatalities, hadoukens y peleas como solo antes habíamos visto en videojuegos como 'Injustice'. En esta era de productos prefabricados estratégicamente y donde el riesgo es cero, resulta casi imposible topar semejante derroche de pureza que, además, lleva oculta una buena carga de la obligada oscuridad de la editorial de los héroes atormentados. Tal vez esa sea la razón por la que su recaudación acabará lejos de títulos más fríos y carentes de personalidad. Sí, estoy hablando de 'Capitana Marvel'. Tal vez esa sea la prueba de que, en realidad, estamos ante la mejor película DC de los últimos cuarenta años. Holy Moly, '¡Shazam!' es la mejor película de DC Comics desde Superman. - La noticia Por qué '¡Shazam!' es la mejor película de superhéroes de DC Comics en 40 años fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .