Entre Fans

Que 'Élite' es uno de los bombazos españoles de Netflix parece que está más que claro. Y, al igual que con 'La casa de papel', la plataforma tiene bastante seguridad puesta en la serie y ha renovado la serie juvenil por dos temporadas más: la cuarta y la quinta. La noticia llega semanas antes de que la temporada 3 de 'Élite' se estrene el próximo mes de marzo y, según Bluper, estos nuevos episodios se empezarán a rodar en las próximas semanas. Lo que esto signifique cara al estreno es todavía pronto para saberlo. En Espinof 'Élite': todo lo que sabemos de la temporada 3 de la serie de Netflix Esta doble renovación responde a la estrategia de grabación que están llevando a cabo con bastantes de sus series. Ya la segunda y tercera temporada de la serie juvenil se rodaron a la vez y, por ejemplo, la parte 4 de 'La casa de papel' se estaba rodando mientras se nos presentaba a los medios la 3... siendo entonces cuando nos enteramos de ello. De hecho, probablemente Netflix tarde unos días en hacer oficial esta renovación. Así que habrá que esperar para enteranos de más detalles sobre estas próximas cuarta y quinta temporada. Por mi parte tengo muchísimas ganas de volver a Las Encinas en una serie que, dentro de su género, está siendo de lo más adictivo que existe en la televisión. - La noticia Netflix renueva 'Élite' por dos temporadas más antes del estreno de la tercera fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Si eres amante de la animación, esto te interesa. Y mucho. Porque, a partir de febrero, y después de varias negativas de distribuir sus largometrajes a través de plataformas digitales, las películas del legendario Studio Ghibli llegarán a nuestros hogares a través de Netflix. La plataforma de streaming, a través de su agente de ventas Wild Bunch, subirá a sus servidores 21 filmes de la casa Ghibli, incluyendo joyas como 'El viaje de Chihiro', 'La princesa Mononoke', 'Mi vecino Totoro', 'El cuento de la princesa Kaguya' o 'Arrietty'. Todas ellas podrán verse en todo el mundo a excepción de Estados Unidos, Canadá y Japón, dobladas en 20 idiomas y subtituladas en 28. En Espinof Más allá de Disney, Pixar y Ghibli: 17 películas (y 3 cortos) imprescindibles para enamorados de la animación "Un sueño hecho realidad" Toshio Suzuki, productor de Studio Ghibli, ha celebrado el acuerdo en un comunicado. "A día de hoy una película puede llegar al público de varias formas. Hemos escuchado a nuestros fans y hemos tomado la decisión definitiva de ofrecer nuestro catálogo de largometrajes en streaming. Esperamos que la gente de todo el mundo descubra el mundo de Studio Ghibli a través de esta experiencia". Por su parte, Aram Yacoubian, director de animación original en la gran N, ha admitido que este es "un sueño hecho realidad". "Este es un sueño hecho realidad para Netflix y para millones de sus miembros. Las películas animadas de Studio Ghibli son legendarias y han cautivado a fans de todo el mundo durante 35 años. Estamos emocionados de hacerlas disponibles en más idiomas a lo largo de América latina, Europa, Africa y Asia, para que más gente pueda disfrutar este extravagante y maravilloso mundo animado". Los 21 títulos de la colección Ghibli llegarán a Netflix de forma escalonada. Os dejo con las fechas de lanzamiento para que vayáis organizando vuestras maratones animadas. ● 1 de febrero de 2020: 'El castillo en el cielo' (1986), 'Mi vecino Totoro' (1988), 'Nicky, la aprendiz de bruja' (1989), 'Recuerdos del ayer' (1991), 'Porco Rosso' (1992), 'Puedo escuchar el mar' (1993), 'Cuentos de Terramar' (2006). ● 1 de marzo de 2020: 'Nausicaä del Valle del Viento' (1984), 'La princesa Mononoke' (1997), 'Mis vecinos los Yamada' (1999), 'El viaje de Chihiro' (2001), 'Haru en el reino de los gatos' (2002), 'Arrietty y el mundo de los diminutos' (2010), 'El cuento de la princesa Kaguya' (2013). ● 1 de abril de 2020: 'Pompoko' (1994), 'Susurros del corazón' (1995), 'El castillo ambulante' (2004), 'El secreto de la sirenita' (2008), 'La colina de las amapolas' (2011), 'El viento se levanta' (2013), 'El recuerdo de Marnie' (2014). - La noticia Studio Ghibli llega a Netflix: 21 clásicos del estudio de animación estarán disponibles a partir de febrero fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

El escocés Armando Iannucci sigue jugando a las apariencias mientras saca la mugre escondida al fondo mejor que casi ningún escritor de comedia actual. Nominado al Óscar y ganador del Emmy o el BAFTA, Iannucci continúa triunfando en HBO tras 'Veep' con una nueva comedia llena de dolor y gloria. 'Avenue 5' es todo lo que uno espera de su creador manejando a la tripulación de un crucero espacial. Vacaciones en el espacio 'Avenue 5' es una comedia espacial ambientada en un futuro en el que viajar por el sistema solar ya no es algo exclusivo de las películas de ciencia ficción. Ryan Clark (Hugh Laurie) es el seguro y agradable capitán de la "Avenue 5", un crucero espacial lleno de lujos que se verá amenazado por una serie problemas técnicos. Mientras tanto Ryan y su tripulación deberán mantener la calma entre los descontentos pasajeros y lidiar con acontecimientos inesperados a bordo. En Espinof Las 21 mejores películas sobre exploración espacial de la historia A lo largo de los episodios, Iannucci y su equipo creativo irán jugando a lo que mejor saben, dejando un rastro de esperanzadoras migajas de pan que los buitres no tardarán en devorar a la más mínima ocasión. Y es que no solo será la nave la que sufra problemas mecánicos. Como siempre con su autor, el desfile de máscaras que irán cayendo, provocando situaciones verdaderamente hilarantes, no se hará esperar. Hugh Laurie vuelve a capitanear una comedia británica con la energía (y la apatía que lleva su personaje) como en sus viejos tiempos, y además se encuentra secundado por un reparto de categoría lleno de rostros habituales en algunas de las mejores comedias de los últimos años. Zach Woods, que empezó a llamar la atención de todos precisamente en 'In the Loop', Josh Gad (casi convertido en Jack Black) y Andy Buckley brillan como secundarios. Especialmente llamativo este último, pasando de ser el jefe de Michael Scott en 'The Office' (USA) a ser prácticamente un Michael Scott a bordo de la nave. Orbitando alrededor de la comedia Los problemas de la nave no solo dejarán al descubierto las bajezas de la empresa que lo maneja, si no que los desastres individuales, las mentiras, grandes y pequeñas, de cada personaje, no tardarán en salir a la luz para dejar al descubierto que en realidad nadie es quien parece ser. En Espinof Las 21 mejores películas de ciencia ficción y fantasía de la década (2010-2019) Las cosas en el planeta Tierra tampoco están mucho mejor. Filtraciones a la prensa, problemas con la NASA y un terrible retardo de 26 segundos en las comunicaciones que se convertirá rápidamente, más que en un genial gag recurrente, en otro personaje más. En sus momentos "terrestres" es donde mejor apreciaremos el estilo Iannucci, con sus pasillos y sus cámaras sobre los personajes que siempre van con prisa. Nadie parece tomar la decisión más apropiada en 'Avenue 5' salvo el propio creador, que se va guardando la revelación de secretos y los clásicos golpes de humor que aligeran la carga para ir dosificando sus altas dosis de comedia del más alto nivel. Si bien es cierto que la aventura espacial paródica nunca ha terminado de conquistar a las masas, ni en el cine ni en la televisión (aunque Seth McFarlane está esforzándose lo suyo con 'The Orville'), se agradece que alguien tan agudo como Armando Iannucci se empeñe en poner en órbita una apuesta muy clásica, por muy futurista que sea el ambiente. - La noticia 'Avenue 5': Armando Iannucci estrena en HBO una divertida sátira entre 'Vacaciones en el mar' y 'Perdidos en el espacio' fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

La casa de cómics Dark Horse publicará una adaptación al cómic del guión original de Dan O'Bannon de la película de ciencia ficción / terror de 1979 de Ridley Scott, 'Alien, el octavo pasajero' (Alien 1979) según The Hollywood Reporter. El anuncio llega en un momento en el que la figura del guionsita se empieza a reivindicar como es debido tras el documental 'Memory: The Origin of Alien'. Lo mismo, pero diferente El film exploraba en gran parte del metraje la figura de Dan O'Bannon, guionista original de la obra y uno de los grandes pilares de su éxito por su implicación en todo el proceso creativo desde diseño a referentes estéticos. Uno de los detalles que comenta el documental es cómo cambió el primer guion a lo que acabó en la pantalla. De igual forma que el guión de William Gibson para la tercera parte de la saga, ahora Dark Horse cumple otro sueño cinéfilo ofreciendo una visión alternativa de lo que pudo ser la mítica película. En Espinof El guión original de ‘Alien³’ descartado hace 30 años ve la luz en forma de cómic Cristiano Seixas y Guilherme Balbi adaptan el guión de O'Bannon en cinco números para Dark Horse Comics en colaboración con Twentieth Century Fox, y el artista Guilherme Balbi y la colorista Candice Han, ponen en imágenes la línea paralela de eventos concebidos inicialmente por O'Bannon antes de ser reescritos en gran medida antes del rodaje por Walter Hill y David Giler, quienes, entre otras modificaciones, cambiaron el nombre de la nave espacial de la película a "Nostromo" mientras su nombre original era "The Snark". La sinopsis de la novela gráfica reza así: "En el camino de regreso a la Tierra, la tripulación de la nave espacial Snark intercepta una transmisión alienígena. Su investigación los lleva a un planetoide desolado, una nave espacial alienígena estrellada y una estructura piramidal de origen desconocido. Entonces comienza el terror. . .". 'Alien: The Original Screenplay' número 1 (de cinco) sale a la venta el 22 de abril de 2020, justo a tiempo para celebrar el Alien Day del 26 de abril. - La noticia ‘Alien’: el clásico de Ridley Scott tendrá una novela gráfica basada en el guión descartado de la película fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Como decía mi abuelo, la alegría dura poco en casa del pobre. Y es que, tras el entusiasmo que experimentamos la semana pasada cuando '1917' destronó a 'El ascenso de Skywalker' en taquilla, el prodigio de Sam Mendes y Roger Deakins ha perdido el trono a manos de 'Bad Boys For Life', que ha recaudado 68 millones de dólares en Estados Unidos durante este fin de semana largo del Martin Luther King Jr. Day. Con esta cifra, la tercera entrega de 'Dos policías rebeldes' se ha convertido en el mejor arranque de la saga —frente a los 15 millones de la original y los 46 de la secuela—, ha batido el récord como el mejor día de estreno del mes de enero con 23.5 millones amasados el viernes —'Monstruoso' ostentaba el honor desde 2008 con 17 millones—, y se eleva como el mejor debut de una cinta calificada R producida por Sony. En Espinof Las 32 mejores películas de acción de la historia El segundo puesto del Top 5 norteamericano ha sido para 'Dolittle', la nueva versión del clásico protagonizada por Robert Downey Jr., que ha cuajado a medio gas con 30 millones de dólares; cantidad muy próxima a los 27 millones de '1917', que sigue aguantando el tipo tras el empujón en los Globos de Oro. Cerrando el top, se aferran al cuarto y quinto puesto 'Jumaji: Siguiente nivel' y el Episodio IX de 'Star Wars' con 12.5 y 10.6 millones de dólares recaudados respectivamente. Los policías rebeldes también triunfan en España TOP 5 Weekend Provisional 1-Bad boys for life 1,9M€ 2-1917 1,5M€ 3-Malasaña 32 0,9M€ 4-Jojo Rabbit 0,5M€ 5-Jumanji: Siguiente nivel 0,5M€ pic.twitter.com/NCRfGGANZi — ComscoreMoviesSpain (@cSMoviesSpain) January 20, 2020 Los detectives de Lowery y Burnett de Will Smith y Martin Lawrence también han arrasad la taquilla española, coronando el Top 5 con 1.9 millones de euros de recaudación, quedándose muy cerca de una '1917' que le pisa los talones con 1,5 millones en su segundo fin de semana en cartelera. Las sorpresas de la semana llegan de la mano de la cinta de terror nacional de Atresmedia 'Malasaña 32', que se ha hecho con la medalla de bronce con 0.9 millones de euros —algo lógico si tenemos en cuenta la enorme campaña promocional que ha tenido la cinta en televisión— , y de una 'Jojo Rabbit' que debuta con 0,5 millones empatada con 'Jumanji: Siguiente nivel'. - La noticia Taquilla: 'Bad Boys For Life' se convierte en el mejor estreno de la franquicia, 'Dolittle' se queda a medio gas fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Después de haber deleitado los paladares cinéfilos de medio mundo, la descomunal 'Parásitos' de Bong Joon-ho continúa dando sorpresas en esta temporada de premios 2020. Después de haber amasado seis merecidísimas nominaciones a los inminentes Óscar —incluyendo mejor dirección y mejor película—, el filme coreano ha hecho historia en los SAG Awards. La pasada noche, la ganadora de la última Palma de Oro en el Festival de Cannes se alzó con el galardón al mejor reparto en un largometraje, llevándose por delante a 'Bombshell', 'El irlandés', 'Érase una vez en... Hollywood' y 'Jojo Rabbit', y convirtiéndose en el primer filme de habla no inglesa en alzarse con la distinción. En Espinof 34 grandes películas de 2019: nuestras recomendaciones y favoritas del equipo de Espinof Ganando posiciones Esto ha hecho que las apuestas a favor de 'Parásitos' hayan subido como la espuma de cara al premio gordo del año; un Óscar a la mejor película sobre el que preguntaron a Bong Joon-ho, que capeó la cuestión con elegancia y lanzando balones fuera. Hay que quererle. "Es cierto que se ha cogido impulso y que somos parte de la competición por los premios, pero creo que hoy es realmente importante que estos actores hayan sido reconocidos por sus colegas, y esa es la alegría más grande de la noche. En lo que respecta a los Óscar, nadie puede predecir qué ocurrirá". Por su parte, Song Kang-Ho, intérprete principal de la cinta coral, agradeció así el premio en el escenario. "Aunque el título sea 'Parásitos', creo que la historia versa sobre la coexistencia y sobre cómo podemos vivir todos juntos. Pero ser honorado con un premio al mejor reparto hace que me plantee que tal vez no hemos creado una película tan mala. Estoy muy honorado por recibir este premio frente a actores tan increíbles y a los que admiro, nunca olvidaré esta hermosa noche, muchas gracias". Choi Woo-shik, actor que da vida al hijo de la familia protagonista, Ki-woo, espera que el SAG Award que ha recibido 'Parásitos' siente precedente e implique mayor reconocimiento para filmes extranjeros. "Más allá de nosotros, hay muchísimas leyendas en países exrtanjeros. Espero de verdad que tras este momento, tal vez el próximo año, podamos ver más películas de habla no inglesa y películas asiáticas". Como decía el póster honesto que vimos ayer por aquí, "En un mundo cuerdo esta película ganaría mejor película, pero... ya sabes... subtítulos". Esperemos que esa barrera no sea impedimento para que esta joya surcoreana haga historia en la gran cita cinematográfica del año. - La noticia SAG 2020: 'Parásitos' hace historia al convertirse en la primera película extranjera que gana el premio al mejor reparto del año fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

"Vamos a morir todos" es una de las expresiones más recurrentes para "celebrar" aniversarios de cosas que nos gustan mucho y que resulta que vivimos en su momento. Y ese momento puede haber quedado lejos, muy lejos, en el tiempo. 2020 dará buena cuenta de todos esos títulos. De cero a cien Diez, cincuenta, ochenta años. Qué más da. El tiempo no va a dejar de pasar por nosotros, aunque afortunadamente para muchas de nuestras películas favoritas, su tiempo sí se congeló para siempre. Todos sabemos dónde la vimos, quién estaba a nuestro lado y cuánto tiempo ha pasado desde entonces. Aunque a veces uno no sea consciente del todo de la cifra. En 2020, como es lógico, son muchas, muchísimas, las películas que celebran un aniversario. Como el de cinco años es meramente simbólico en lo que respecta a tener peso específico en nuestras vidas, vamos a recordar algunas de las que, entre diez y ochenta años, están de enhorabuena este año. 10 años Canino (Kynodontas) La película que puso en órbita a Yorgos Lanthimos, uno de los cineastas más rompedores de la actualidad (siempre dentro del establishment, por supuesto) y que supuso un magnífico punto de partida para quienes seguimos su obra, puesto que sus trabajos anteriores tampoco eran sencillos de encontrar. Una obra tan disfuncional como la familia protagonista y alguno de los momentos más recordados de la última década. Sirva este recordatorio como homenaje a Mary Tsoni. Otras películas que cumplen 10 años en 2020 son 'Un profeta', 'Shutter Island', 'MacGruber', 'Toy Story 3', 'Origen (Inception)', 'Scott Pilgrim contra el mundo', 'Enredados (Tangled)', 'Cisne *****', 'Valor de ley (True Grit)', 'La red social' o 'El discurso del rey'. 15 años Munich Ideológicamente compleja, inspirada en unos hechos retorcidos y cada vez más cercana, lo que es seguro e indiscutible es que es una de las películas más redondas de su santidad Steven Spielberg, además de que posiblemente estemos ante la película sobre terrorismo más hermosa que se haya filmado jamás. Otras películas que cumplen 15 años en 2020 son 'Batman Begins', 'Wallace & Gromit. La maldición de las verduras', 'Virgen a los 40', 'Una historia de violencia', 'Kiss Kiss Bang Bang', 'Brokeback Mountain', 'Serenity' o 'La guerra de las galaxias. Episodio III: La venganza de los Sith'. En Espinof "En la animación, las cosas más memorables son las más sutiles". Nick Park, director de 'Cavernícola' 20 años El protegido (Unbreakable) La génesis por la némesis. Una obra maestra, la mejor y más realista película de superhéroes del cine moderno, narrada siempre desde la tragedia y el desconocimiento (de los personajes) a través un tratamiento soberbio, grave, emocional y, lo más importante, sin disfraces ridículos ni antifaces. Deja huella. En Espinof "¿Que Bruce Willis está QUÉ?": todos los finales del cine de Shyamalan, ordenados de peor a mejor Otras películas que cumplen 20 años en 2020 son 'X-Men', 'Gladiator', 'Lo que la verdad esconde', 'Casi famosos', 'Tigre y dragón', 'Bailar en la oscuridad', 'Alta fidelidad', 'Destino final' o 'Very Important perros (Best in Show)'. 25 años Dos policías rebeldes (Bad Boys) La primera película del mismísimo Michael Bay cumple un cuarto de siglo. Bodas de plata para un pelotazo que marcó un antes y un después en el género de acción y catapultó a dos astros con una carrera (más o menos) imbatible. Will Smith y su director aquí no han parado (más o menos) de regalarnos horas de diversión sin igual. Buen momento para brindar en la sala de cine con la nueva entrega, 'Bad Boys for Life'. Otras películas que cumplen 25 años en 2020 son 'Apollo 13', 'Desperado', 'Braveheart', 'Marea roja (Crimson Tide)', 'Waterworld', 'Sospechosos habituales', 'Seven', 'Heat', '12 monos' o 'Casino'. En Espinof Todas las películas de Michael Bay ordenadas de peor a mejor 30 años Darkman Esta (otra) obra maestra de Sam Raimi es, al igual que pasó con la majestuosa 'Robocop' de Paul Verhoeven, mucho más que una película de superhéroes. En realidad, como aquella, es una superpelícula de héroes, un producto de primera, original, trepidante, atrevido y comercial. Cine puro disfrazado de género que hoy en día sería inimaginable. Hoy en día preferirían hacer un mal reboot que no llegaría ni a las suelas de las botas a sus cachondas secuelas. Otras películas que cumplen 30 años en 2020 son 'Temblores', 'La caza del octubre rojo, 'Regreso al futuro III', 'Desafío total', '**** Tracy', 'Gremlins 2: la nueva generación', 'Uno de los nuestros', 'Muerte entre las flores', 'Eduardo Manostijeras' o 'Misery'. 40 años Mad Max Una pesadilla interminable. Una película de terror puro y duro donde apenas sí había carreteras más allá de la persecución inicial y donde lo que reinaba era una atmósfera asfixiante protagonizada por palurdos australianos a la altura de 'Despertar en el infierno (Wake in Fright)'. Porque aquí nadie se libra del ridículo, ni siquiera el cuerpo de policía Judas Priest. Mandanga de la buena no apta para corazones sensibles. Otras películas que cumplen 40 años en 2020 son 'Aterriza como puedas', 'Vestida para matar', 'Granujas a todo ritmo (The Blue Brothers)', 'El hombre elefante', 'Toro salvaje', 'Flash Gordon' 'El imperio contraataca' o 'Popeye'. 50 años El valle de los placeres (Beyond the Valley of the Dolls) Escrita por el añorado Roger Ebert y dirigida por Russ Meyer, esta epopeya femenina (y feminista) tiene absolutamente todo lo que cualquiera pueda desear. Sexo, drogas y rock. Fiestas, drogas, muerte, destrucción, playas y nazis. La historia sobre los problemas y ventajas de una banda femenina de rock para conseguir un hueco en la escena de finales de los sesenta fue el primer trabajo de Meyer para un gran estudio. Un clásico. Otras películas que cumplen 50 años en 2020 son 'M.A.S.H.', 'Patton', 'Mi vida es mi vida' o 'Regreso al planeta de los simios'. 60 años Psicosis El maestro del suspense se las apañó para meter a un asesino en los hogares de todo el mundo y además logró que con un simple gesto de pedir silencio el planeta llegase virgen al desenlace más aterrador que los espectadores habían vivido en sus vidas. La adaptación de la novela de Robert Bloch fue un éxito por el que los años no pasan. Una de esas películas que no se acaban nunca. Otras películas que cumplen 60 años en 2020 son 'Espartaco', 'El apartamento' o 'La herencia del viento'. En Espinof La franquicia 'Psicosis': lecciones para continuar un clásico intocable 70 años El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard) ¿La obra definitiva de Billy Wilder? No sé si me atrevería a afirmarlo, pero sin duda estamos ante la obra definitiva sobre el ocaso de las estrellas. Y estamos hablando de una película de hace setenta años. No quiero ni imaginar cómo es ese ocaso ahora, en tiempos de constante exhibicionismo a nivel mundial. 'El crepúsculo de los dioses' es uno de esos casos en los que los títulos nacionales estaban trabajados, ¿verdad? Otras películas que cumplen 70 años en 2020 son 'Eva al desnudo', 'El invisible Harvey', 'Rashomon', 'En un lugar solitario' o 'La cenicienta'. 80 años Rebeca Con una nueva versión a cargo de Ben Wheatley que Netflix soltará en cualquier momento, 'Rebeca' es, como todo el mundo sabe, la ganadora al Oscar a mejor película de Alfred Hitchcock. Laurence Olivier y Joan Fontain al frente de uno de los mejores thrillers psicológicos de cualquier época, un cuento gótico elaborado por un genio. Otras películas que cumplen 80 años en 2020 son 'El gran dictador', 'Historias de Filadelfia' o 'Pinocho'. - La noticia De 'El gran dictador' a 'Scott Pilgrim contra el mundo': estos son los aniversarios cinematográficos más destacados de 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Lo de los pósters honestos de las nominadas a los Óscar ha pasado de ser algo puntual a convertirse en una especie de tradición internauta que, además de administrar una necesaria dosis de humor a la excesivamente gravedad con la que el colectivo cinéfilo suele tomarse la gran cita de la temporada de premios, aporta algo de perspectiva sobre los grandes títulos del año. La lista de menciones de este 2020 es más jugosa de lo que muchos esperábamos —las polémicas están cada vez más a la orden del día—, y ha dado pie a una selección de carteles con tanta mala baba como de costumbre y que, probablemente, os harán soltar alguna que otra risotada. Aquí los tenéis. En Espinof Las olvidadas de los Óscar 2020: 17 películas que merecían alguna nominación de la Academia 'Historia de un matrimonio' No la veas con tu mujer si alguna vez le has puesto los cuernos. Un conmovedor y bien interpretado drama destinado a ser recordado como una PLANTILLA DE MEME. Básicamente 'Kramer contra Kramer' pero en Netflix. 'Historia de un matrimonio', nominada a la mejor película, mejor actor, mejor actriz, mejor actriz secundaria, mejor guión original y mejor banda sonora original. 'Jojo Rabbit' La sátira anti belicista que es totalmente antibelicista porque... eh... ¡Mirad! ¡Hitler está haciendo muecas! LOLOCAUSTO ¡Una comedia hitl-arante! 'Jojo Rabbit', nominada a la mejor película, mejor actriz secundaria, mejor guión adaptado, mejor diseño de vestuario, mejor diseño de producción y mejor montaje. 'Bombshell' Vaya, ¿creéis que en Fox tienen un prototipo de mujer? Una escandalosa revelación sobre la cadena que JODE LAS NOTICIAS. Número uno entre depredadores sexuales. 'Bombshell', nominada a la mejor actriz principal, mejor actriz secundaria y mejor maquillaje y peluquería. 'Vengadores: Endgame' CHÚPATE ESA, SCORSESE 'Vengadores: Endgame', nominada a los mejores efectos visuales. 'Puñales por la espalda' EL GALLO CLAUDIO INVESTIGA. Digo, digo, digo, sospecho que ha habido juego sucio. 'Puñales por la espalda', nominada al mejor guión original. 'Parásitos' En un mundo cuerdo esta película ganaría mejor película, pero... ya sabes... subtítulos. MALA JUGADA DE KOREA. No, esto no es una prueba de que tu criada te esté robando. 'Parásitos', nominada a la mejor película, mejor dirección, mejor película de habla no inglesa, mejor guión original, mejor diseño de producción y mejor montaje. 'Mujercitas' MUJERES DE TAMAÑO NORMAL. Puedes tener una mujercita como premio. 'Mujercitas', nominada a la mejor película mejor actriz principal, mejor actriz secundaria, mejor guión adaptado, mejor diseño de vestuario y mejor banda sonora. En Espinof Óscar 2020: las grandes sorpresas y decepciones de la lista de nominaciones 'Érase una vez en... Hollywood' Jesús, Tarantino. LO PILLAMOS... HAS VISTO MÁS PELÍCULAS QUE NOSOTROS. Si tanto te gustan los 60, vete a vivir allí. 'Érase una vez en... Hollywood', nominada a la mejor película, mejor dirección, mejor actor principal, mejor actor secundario, mejor dirección de fotografía, mejor guión original, mejor diseño de vestuario, mejor mezcla de sonido, mejor montaje de sonido y mejor diseño de producción. '1917' La guerra por la atención continúa. REALMENTE NO ES UNA TOMA ÚNICA, AUNQUE, ¿LO ES? El montaje es el enemigo. '1917', nominada a la mejor película, mejor dirección, mejor dirección de fotografía, mejor guión original, mejor mezcla de sonido, mejor montaje de sonido, mejor banda sonora, mejor diseño de producción, mejor montaje y mejores efectos visuales. 'Le Mans ´66' Un vehículo hacia el Óscar. Tu recordatorio anual en la temporada de premios de que CHRISTIAN BALE ES BRITÁNICO. 'Le Mans ´66', nominada a la mejor película, mejor montaje de sonido, mejor mezcla de sonido y mejor montaje. 'Joker' ¿Otra película con delirios de grandeza basada en un cómic? LOL, NO, GSS P.D. Ser una ****** como monologuista no es una excusa para ser malo. 'Joker', nominada a la mejor película, mejor dirección, mejor actor principal, mejor dirección de fotografía, mejor guión adaptado, mejor diseño de vestuario, mejor mezcla de sonido, mejor montaje de sonido, mejor banda sonora original, mejor montaje y mejor maquillaje y peluquería. 'Judy' Aún no he visto esta película. En fin, JEFFREY EPSTEIN NO SE SUICIDÓ. Perdón, ¿de qué estábamos hablando? 'Judy', nominada a la mejor actriz principal y mejor maquillaje y peluquería. 'El irlandés' Netflix ha hecho a Scorsese una hoff-erta que no podía rechazar. El Universo Cinematográfico de Marty. LEYENDAS DE LA MAFIA, REUNÍOS El 1 de noviembre el cines seleccionados. El 27 de noviembre es cuando termina. 'El irlandés', nominada a la mejor película, mejor dirección, mejor actor secundario, mejor dirección de fotografía, mejor guión adaptado, mejor diseño de vestuario, mejor diseño de producción, mejor montaje y mejores efectos visuales. Bolas extra (sin nominaciones) 'Hustlers' De algún modo, Jennifer López tiene 50 años. ¿Qué? ¿Cómo? Es la misma edad que Zack Galifianakis. J. LO TIENE 50. En serio. Tiene 50. Crítica en Espinof: 'Estafadoras de Wall Street': Jennifer Lopez brilla en la adaptación de una llamativa historia real 'Diamantes en bruto (Uncut Gems)' Dirigida por un estudiante de yeshivá cabreado y un dentista majo. LA ÚNICA PELÍCULA BUENA DE ADAM SANDLER DE LA DÉCADA. La siguiente toca en 2030. - La noticia Óscar 2020: los “carteles honestos” de las películas nominadas traen cachondeo y verdades como puños fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Ayer mismo, Mikel nos contaba que Sony ya ha puesto en marcha una secuela de la divertidísima 'Bad Boys For Life' en la que Chris Bremmer, esta vez en solitario, repetirá como escritor de las aventuras de los detectives Mike Lowery y Marcus Burnett. Ahora, a través de una exclusiva de The Hollywood Reporter, hemos descubierto que a Bremmer no le va a faltar el trabajo durante los próximos meses gracias a un proyecto que muy pocos esperábamos. La cosa va de sagas, porque el guionista será el encargado de dar forma al libreto de la tercera parte de 'La búsqueda', la franquicia de Disney protagonizada por Nicolas Cage que regresará más de una década después de 'El diario secreto', nuevamente bajo el amparo del productor Jerry Bruckheimer —también responsable de 'Bad Boys For Life'—. En Espinof Las 21 mejores películas de aventuras de la historia Las malas noticias es que, por el momento, no hay confirmación de que el bueno de Nic vaya a ponerse en la piel del historiador, criptólogo y cazatesoros Benjamin Franklin Gates, aunque sería descabellado que nuestro meme viviente favorito no volviese para cerrar la trilogía —de hecho, en We Got This Covered lo dan prácticamente por hecho—. Por el momento no han trascendido más detalles sobre una tercera parte de 'La búsqueda' que, como es lógico, se encuentra en una fase muy prematura de su desarrollo, pero estaremos pendientes de cualquier novedad; y es que las dos primeras entregas, dentro de sus flaquezas, son dos divertimentos más que decentes. Por eso, y porque no podemos vivir sin Cage. - La noticia 'La búsqueda' será una trilogía: el guionista de 'Bad Boys For Life' escribirá la nueva entrega de la franquicia fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Un domingo más acudimos de forma puntual a nuestra cita con Cazando Gangas, la sección en la que repasamos las mejores ofertas del mundo del cine y la televisión de esta semana. Hoy podréis haceros, entre otros productos, con la colección completa de James Bond en dvd, la serie completa de 'Sexo en Nueva York' y un peluche de Baby Yoda. Películas Blu-ray Por 7,56 euros podréis sumar a vuestra colección 'El gran Gastby' en una edición que también incluye la película en 3D. Il Grande Gatsby (Blu-ray 2D + Blu-ray 3D);The Great Gatsby [Italia] [Blu-ray] Hoy en Amazon por 7,56€ En 34,21 euros se queda el estupendo pack Alfred Hitchcock: The Masterpiece Collection con 14 películas suyas en alta definición, todas ellas con doblaje en español salvo 'Topaz' por ser diferente el montaje británico. Apenas 7,54 euros cuesta la edición italiana de 'M.A.S.H.', un gran clásico que sigue inédito en alta definición en España. 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En momentos convulsos, el cine, como otras artes y formas de expresión del alma humana, se erige en cronista de su tiempo. La tremenda crisis migratoria que asola el mundo occidental encuentra desde hace ya muchos meses una respuesta alta y clara en forma de film, llenando los festivales internacionales y desvelando el diagnóstico del estado actual del mundo. Una etapa que recordaremos como esos años en los que las cinematografías mundiales reaccionaron con urgencia ante una de las mayores crisis humanitarias en lo que va de siglo. En este contexto, y ante la radicalización de posturas en todos los polos del globo, echamos la vista atrás para repasar las reacciones del cine ante la que fue, sin duda, la época más negra de nuestra historia como conciudadanos europeos. Me refiero, claro, al alzamiento y proliferación de los regímenes fascistas que sembraron el odio, la discriminación y la delación en un estado generalizado de lucha por la supervivencia ante el mayor genocidio del pasado siglo. El estreno de 'Jojo Rabbit', donde Taika Waititi da vida a una versión imaginaria y cómica de Hitler, vuelve a poner el tema de actualidad. Así lo ha contado Hollywood A estas alturas, y tras muchas décadas de recuperación y superación, casi podríamos pensar que el cine ha abordado el régimen nazi desde todos los ángulos posibles. Sin embargo, los films centrados en la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto continúan proliferando como un método recurrente de apelar a las propiedades terapéuticas del séptimo arte para la conservación de la memoria histórica. Quizá debido a un cierto distanciamiento moral y con la perspectiva que da poner tierra de por medio, o quizá por ser padre adoptivo de muchos cineastas obligados a huir de su asolada Europa, Hollywood toma la delantera y probablemente ostenta el récord de producciones de gran aparataje basadas en los horrores de la Alemania nazi. En Espinof 'JoJo Rabbit': una delicia que ridiculiza el nazismo con lucidez y un gran corazón Empezando por la maravillosa sátira urgente de Charles Chaplin cuando el mundo más necesitaba reír y afrontar los propios fantasmas de una sociedad que había fallado en humanidad, el resto del siglo será un desfile de condenas cinematográficas al terror absolutista fascista. En efecto 'El gran dictador' de Chaplin es una valiente declaración de guerra fílmica al régimen que, hasta la fecha, no había encajado oposición alguna por parte de la comunidad internacional. En los albores de la II Guerra Mundial, cuando el afán megalómano y expansionista de Adolf Hitler era ya patente pero todavía a las puertas de un genocidio cuyos peores momentos aún estaban por llegar, la imagen de un patético dictador devolvía la esperanza de poder derrotar a la persona detrás de la máscara. Parte de la enorme relevancia viene dada por su visionaria aparición en 1940, momento en el que tales dimensiones brutales aún nadie podía esperar. Tras la victoria aliada y el descubrimiento de las atrocidades provocadas por el odio xenófobo, llegó la necesidad de buscar responsabilidades, como medida para pasar página, y algo más de una década después del fin de la guerra, Stanley Kramer filmaría '¿Vencedores o vencidos?' ('Judgment at Nuremberg', 1961). Spencer Tracy, Burt Lancaster, Marlene Dietrich y Judy Garland, entre otros, desfilaban por el banquillo donde se juzgaba en 1948 a cuatro jueces del régimen nazi por crímenes de guerra. Uno de los mayores éxitos de la carrera de Kramer, además de un sinfín de nominaciones, dos Globos de oro y dos Oscars, uno de ellos a la mejor interpretación protagonista de Maximilian Schell. También siguiendo esa línea, y varias décadas más tarde, Stephen Daldry pone en tela de juicio la moralidad en los crímenes perpetrados por el régimen nazi y sus posteriores juicios en 'The Reader' (2008). Una talentosa Kate Winslet interpretaba entonces a una exguarda de un campo de concentración que, en su intento por continuar adelante tras la caída del régimen, se enamora de un joven al que con cierta pasión poética pide que lea para ella. Los motivos del fetiche desarmarán al joven estudiante de leyes cuando, años después del fin de su affair, tendrá que enfrentarse con la realidad de presenciar el juicio contra su amante, lo que desatará toda una serie de cuestiones morales. Por supuesto, toda una lista de cintas de gran envergadura se sucedía en las siguientes décadas a la guerra, firmadas por muchas de las voces autorizadas de Hollywood. Además del retrato de ida y vuelta de Clint Eastwood, que en el binomio 'Banderas de nuestros padres' y 'Cartas desde Iwo Jima' (2006) filmó las dos caras de la moneda (una desde el bando aliado dentro del ejército de los Estados Unidos, la otra desde el punto de vista japonés) o la violenta caricatura tarantinesca de 'Malditos bastardos' ('Inglourious Basterds', 2009), que nos dejaba el descubrimiento de un magnífico Christoph Waltz en el papel de uno de los villanos nazis más memorables. Steven Spielberg era el que ponía las más célebres notas sobre el holocausto con 'La lista de Schindler' (1991), cuya banda sonora de John Williams todavía hoy pone la piel de gallina sólo al recordarla. En 1993, al tiempo que presentaba 'Parque Jurásico', un ya aclamadísimo Spielberg estremecía al mundo con la conmovedora historia real del empresario Oskar Schindler (para la posteridad inmortalizado por Liam Neeson) quien, al servicio de la inteligencia nazi e impresionado por el recrudecimiento del exterminio, hizo lo que estuvo en su mano por salvar todas las vidas posibles. Alrededor de 1200, las que empleó en su fábrica en Polonia, como medida para evitar su deportación a los campos de concentración. En Espinof Las 22 mejores películas biográficas de la historia del cine Más recientemente, en 2014, sería George Clooney quien dejaría su aportación con su 'Monuments Men'. Si bien queda lejos de ser una obra maestra, sí nos deja algunas anécdotas interesantes. Clooney centra la trama en uno de los efectos colaterales de la megalomanía de Hitler: su imparable afán por hacerse con las mayores obras de arte europeas, de gran valor económico y artístico sin duda, pero al mismo tiempo símbolo de la variedad de culturas y civilizaciones del continente. La tropa de élite de Clooney se desplaza así a Bélgica para recuperar uno de los iconos de la pintura flamenca, 'La adoración del cordero místico' de Jan Van Eyck, que hoy en día se encuentra en Gante y de la que, efectivamente, varias piezas se hallan en paradero desconocido. El multipremiado Alexandre Desplat pone la música en la película y se estrena como actor en un gracioso cameo. El horror nazi, desde dentro Paralelamente al cine de propaganda financiado directamente por el régimen de Hitler y sus colaboracionistas, algunos directores alemanes trataron de continuar su labor artística al margen. Un ya consolidado Fritz Lang dirigiría en 1931 'M, el vampiro de Düsseldorf', no sin dificultades, según recoge el crítico Quim Casas en su libro sobre el cineasta. La película, cuyo primer título estaba previsto como 'El asesino entre nosotros', molestó al partido de Hitler, que interpretó tal afirmación como una amenaza directa. Si bien es cierto que Lang utilizó el subtexto de sus dos últimas películas alemanas como crítica encriptada al creciente régimen. Así pues, 'M' y 'El testamento del doctor Mabuse' (1933) —esta última le costaría una visita del ministro de propaganda nazi, Joseph Goebbels— serían sus últimos intentos alemanes, antes del comienzo de su persecución. Tras una obligada propuesta del régimen para dirigir los nuevos títulos de la propaganda nazi, Lang se vio forzado a escapar a París, desde donde emigraría a Estados Unidos para iniciar un nuevo capítulo cinematográfico. Allí rodaría finalmente películas abiertamente anti-nazis como 'Los verdugos también mueren', estrenada en 1943, en plena II Guerra Mundial, o 'El ministerio del miedo', de 1944. Muy posteriores son otras aproximaciones del cine alemán sobre el capítulo más ***** de su historia reciente, y muchas de ellas exploran más que el qué, los porqués. Así pues, Michael Haneke se remonta al periodo que precede a la Primera Guerra Mundial para encontrar el origen del declive moral alemán, en una mordaz reflexión sobre el bien y el mal. En la ampliamente galardonada 'La cinta blanca' (Palma de oro de Cannes 2009), el austriaco de origen alemán busca responsables a través de los ojos de una infancia genuinamente cruel como símbolo del futuro que presagia el principio del fin. Una infancia indirectamente inspirada en la conducta de sus mayores, que nos apunta incisivamente como colaboradores necesarios. También en un intento de reflexión sobre la estructura organizativa del régimen nazi y los motivos que pudieron impulsar su ascenso en un periodo convulso donde el liderazgo del cambio fue la clave para hacer que el país renaciera de sus cenizas, el alemán Dennis Gansel impactaba en 2008 con 'La ola'. En esta ocasión, un experimento en las aulas llevará al caos a la sociedad más allá de los muros del instituto en el que un profesor intenta hacer ver a sus alumnos —seguros de que una segunda oleada autoritarita sería impensable en Alemania— cómo se siente el crecimiento imparable de un totalitarismo que, incluso antes de reconocerlo, amenaza con irse de las manos. Otro intento peculiar de entender a la cúpula nazi fue el de Oliver Hirschbiegel en 'El hundimiento' (2004), donde un poderoso Bruno Ganz se pone en la piel de Adolf Hitler, en el retrato de los que serán los días finales del terror nazi, que continuará golpeando fuerte hasta el último de sus suspiros. El suicidio del dictador, así como las últimas horas de un extenso grupo de líderes nazis que no correrán mejor suerte, configuran algunos de los momentos más destacables de esta obra, nunca antes retratados. La realidad italiana Italia fue otro de los territorios sensibles que, si bien participó activamente de la masacre absolutista de la mano de Alemania, su población sufrió doblemente las consecuencias del fascismo. Con su alianza con el eje nazi, la ocupación del territorio italiano complicó el cometido de la resistencia y multiplicó la presión sobre el pueblo italiano, ya sometido al régimen fascista de Benito Mussolini. Sorprende que, en ese contexto, la cinematografía italiana sea una de las más activas de la época y se corona, quizá, como el periodo de mayor esplendor, así como cuna del movimiento que dará origen a los nuevos cines más de una década después. Así pues, cineastas como Roberto Rossellini, Luchino Visconti, Vittorio de Sica o Giuseppe de Santis, cuya obra surgía de la necesidad de reivindicar a la población en un país en ruinas, inician el movimiento que después acuñaríamos como Neorrealismo. Rossellini, que ya había contribuido a la gloria del régimen de Mussolini con tres películas propagandísticas de corte militar —su debut cinematográfico—, se convirtió en cuestión de pocos meses en el arma secreta de la cinematografía italiana de guerrilla, y alumbraría una nueva forma de hacer cine, surgido de la urgencia del alma para capturar en imágenes el testimonio de una época en ruinas de forma naturalista. Así 'Roma, ciudad abierta' (1945), historia desgarradora de una familia italiana en lucha secreta contra la invasión alemana y testimonio de la crueldad de la ocupación, se revela como crónica de la guerra al tiempo que el fascismo caía. En una Italia ocupada y dividida entre el fascismo nacional y la obligación de colaborar con las tropas nazis, el pueblo se rebela contra los soldados que no representan su sentir nacional y vigilan su día a día a la fuerza. La resistencia partisana, que encuentra refugio tanto en la más corriente de las familias, entre divas teatrales y dentro de la propia Iglesia, lucha desde todos los frentes —y es representada de una forma orgánica y humana— contra el enemigo invasor. El papel de una facción revolucionaria de la Iglesia configura en este retrato de miseria una posición prominente en el apoyo a la resistencia, mientras que la figura de la infancia se revela, como en la mayoría de relatos de la época, como la clave para el futuro. Un futuro huérfano de referentes y con toda una mochila negra de vivencias cuyas imágenes impactantes tardarán mucho en borrar. Con 'Roma città aperta', Rossellini apunta ya el estilo que marcarán sus retratos de guerra y que dará lugar al nuevo cine italiano. Siguiendo de forma natural el sentir de sus personajes, lejos de perfilarlos a escuadra y cartabón, los deja evolucionar de forma orgánica como testigos de su tiempo, sensibles al espacio que les rodea, humanos, reales en definitiva. Sin embargo, será una segunda película post-guerra de Rossellini, 'Paisà (Camarada)' (1946), la que consolidará el testamento de la Segunda Guerra Mundial en Italia. Construida sobre localizaciones reales y naturalistas, en su mayor parte exteriores, y combinando la interpretación de actores (en su mayoría no profesionales) con la filmación de los supervivientes de una Italia asolada, seis historias de humanidad surgen de las ruinas de la guerra. Sienta así, definitivamente, las bases del nuevo cine italiano, por oposición a la grandeza falseada, híper teatral y de grandes decorados que se había producido hasta la fecha en las instalaciones nacionales de Cinecittà. A través de la óptica de una cámara que observa cual ojo humano a las personas dentro de los personajes, Rossellini nos acerca de tú a tú a la humanidad detrás de todas esas historias que deja la guerra. De forma cronológica, 'Paisà' salta de un relato a otro en un compendio coherente de sketches de supervivencia alrededor de la geografía italiana, y que configurará en su total una historia de la liberación del país. La confluencia de historias humanas de diferentes nacionalidades y lenguas tras la ocupación de todos los ejércitos (aliados o no), construye una narración muy alejada de lo que conocemos como un relato de guerra, tratada a su vez con tanta sensibilidad e inteligencia que resulta emocionante y, sin duda, aún hoy vigente. Difuminando las fronteras entre ficción y realidad, el cineasta construye un discurso en la ficción sobre el paisaje asolado que se desvela frente a su cámara casi documental y se erige así en testimonio de su tiempo. Tan pegado a la realidad que incita a dudar de su carácter ficticio. Al término de la guerra, un activamente opositor Rossellini desplazaba su producción a la Alemania devastada post-nazi para retratar en clave de neorrealismo las repercusiones de la catástrofe germana sobre la zona cero. Así, en 'Alemania año cero' (1948), el cineasta italiano retrata las dificultades de la posguerra alemana desde la piel de un niño que tendrá que ingeniárselas para ayudar a sobrevivir a su familia. Algunos años después, y firmada por otro de los autores cumbre de la cinematografía italiana, aunque de corte totalmente diferente, es 'La caída de los dioses' (1969). Luchino Visconti situaba la acción de esta gran producción al inicio del régimen nazi, donde el imparable ascenso de Hitler pronto se plasmará en poder absoluto tras las convulsas elecciones de 1933. Es en esa precampaña donde el poder económico y empresarial se ve obligado a tomar partido. En ese "conmigo o contra mí" que empujó al popular y ya peligrosamente poderoso Hitler al triunfo legal al frente del gobierno alemán, una familia de metalúrgicos debe elegir dónde posicionar su industria. Detrás de una óptica indiscutiblemente autoral, esta historia de dioses y hombres recoge todos los signos del cine de la modernidad. Un magnífico plano-secuencia basado en la complicidad de una cámara orgánica, nos traslada alrededor de una mesa donde los comensales discuten las decisiones que definirán toda su relación con el Régimen. Un punto de partida que sentará las bases, en fondo y forma, del que más tarde se descubrirá como un relato turbio, cuyos personajes no menos oscuros y retorcidos, representan a la amplia base social y económica que sirvió de sustento al dictador. Casi coetáneamente, y ya marcando una distancia temporal suficiente desde la que poder proponer lo más arriesgado de su carrera, Pier Paolo Pasolini presenta en 1975 'Saló o los 120 días de Sodoma', un relato completamente retorcido y perverso que yuxtapone las narraciones del Marqués de Sade con los horrores del fascismo. Como muchas otras reflexiones cinematográficas, Pasolini centra su mirada en la infancia y la juventud, una vez más como signo de futuro: un futuro ***** en este caso, marcado por el terror, la violencia y la tortura, y cuya resolución sólo puede tener una lectura pesimista y desesperanzadora. Cuatro dirigentes nazis, cual jinetes del apocalipsis, reclutan a los más exclusivos jóvenes —de acuerdo a los requisitos de un exigentemente perverso casting— para su encierro durante 120 días en Sodoma. Lo que ocurrirá en ese edificio, si bien se vislumbraba, queda lejos de lo que cualquier mente humana sana pueda siquiera imaginar. Aunque al contrario que Hitler, Pasolini nos arrastra abiertamente hasta las entrañas de su propio campo de concentración, obligándonos a mirar los crímenes provocados por una turbia conducta humana con un resultado casi diabólico. Quizá la más corrosiva crítica hasta la fecha, cuyo subtexto simbólico y cargado de referencias tras la exposición de los cuerpos desnudos, esconde una incisiva representación del fascismo como la absoluta violación de la Humanidad. Y al mismo tiempo, perversión de la juventud como icono del futuro de una Europa arrasada cuyas secuelas serán irreparables. Los conceptos de castigo y culpa se mezclan en una mordaz reflexión sobre víctima y verdugo que nos arrastra con la mirada fija hasta las entrañas del terror y nos convierte en cómplices. Años más tarde, ya como parte de nuestro cine contemporáneo más cercano, y pasado un punto de inflexión sobre la representación del horror del Holocausto, Roberto Benigni da la vuelta al concepto de la infancia en la que será una de las obras más citadas de la cinematografía en este campo. Pretende demostrar, desde una Italia unificada y moderna de final de siglo, que la recuperación efectivamente sí es posible: teniendo esperanza. 'La vida es bella' (1997) sigue la historia de Guido y su familia, cuyas raíces judías llevarán como en tantos otros casos a la destrucción de su hogar. Tras la separación de la madre, quien se ve arrastrada de forma indiscriminada por un ***** destino, el padre, un optimista de nacimiento, se dispondrá a facilitar el trago a su hijo, retrato de la inocencia de la infancia. Así, sobrevivir al Holocausto se convierte en una carrera de obstáculos que superar para conseguir el gran premio. La visión de Europa del Este Roman Polanski firma una de las películas más desgarradoras de su filmografía con 'El pianista' (2002), donde el polaco pone el foco en la crudeza de la invasión nazi sobre su país durante la Segunda Guerra Mundial. Adrien Brody da vida al pianista en uno de sus mejores papeles -el que le valió un Oscar-, en su peregrinación para sobrevivir en una asolada Varsovia, donde los judíos polacos fueron condenados al aislamiento del gueto. El que fuera un distinguido pianista, reputado por sus interpretaciones del compatriota Frédéric Chopin, se ve despojado de su fama y su carrera, quedando reducido a la miseria de todos cuantos fueron condenados por la discriminación racial. En la dureza de la persecución, los recuerdos de lo que un día fue le ayudarán en la supervivencia contra el régimen nazi. Desde un punto de vista más comprometido, la polaca Agnieszka Holland nos acerca en forma de involuntario road trip a la historia real de supervivencia de Solomon Perel, actor ocasional y autor de la autobiografía en la que se basa 'Europa, Europa' (1990). Tras huir de su Alemania natal, una familia de comerciantes judíos se asienta en Polonia, ante la perspectiva de la seguridad del otro lado de la frontera, sin siquiera considerar lo que finalmente ocurriría en el país vecino. En una Polonia violentamente dividida entre las tropas nazis y las soviéticas, más temidas incluso que las capitaneadas por Hitler, un joven judío por convicción tratará de sobrevivir a unos y otros camuflado tras la chaqueta que más abriga. Tras escapar de los bombardeos, Solomon recalará en un orfanato para niños soviéticos, para finalmente acabar entre las filas nazis donde, como en todas partes, encontrará buenos y malos. Desde el punto de vista de la inocencia de la mirada de quien, ajeno a prejuicios adquiridos, es blanco del adoctrinamiento, Holland explora la paradoja de ser pero no pertenecer a la comunidad, que está presente a lo largo de toda la travesía en su intento de adaptarse cual camaleón. La cineasta cambia así la perspectiva clásica de los relatos sobre el nazismo y sitúa al espectador en la encrucijada entre dos ejércitos, tan bárbaros como humanos, devolviendo la dimensión personal de la historia. En Espinof Las 27 mejores películas basadas en hechos reales de la historia Holland que, tras sus estudios en Checoslovaquia, empezara su carrera como aprendiz junto al también director polaco Andrzej Wajda, y desde hace años a caballo entre los Estados Unidos y sus orígenes, construye así un relato sobre el desarraigo de todos aquellos que, tras el estallido del hasta entonces concebido hogar, pasaron a ser apátridas. Agnieszka Holland revisitaría más tarde algunos de estos temas en otros títulos más recientes, como la coproducción europea 'In Darkness' (2011), en la que una vez más narra una historia real de tantas muchas que impactaron Polonia. En este caso, la de un ladrón inicialmente movido por intereses propios que esconde durante meses a refugiados judíos en una ciudad ocupada por los nazis. También en los últimos años el propio Wajda aportaba su particular testimonio sobre la doble ocupación polaca durante la II Guerra Mundial, en la que inevitablemente se veía envuelto en su infancia. Hijo de un capitán del ejército polaco, en 1940 sería testigo de la masacre de Katyn a manos de los soviéticos. En un intento claramente movido por el sentido de justicia histórica, el más prominente cineasta polaco firma en 2007 'Katyn', una historia personal sobre la matanza y su contexto. Doblemente presentada, desde el frente y al mismo tiempo desde la espera incierta de todas esas familias ansiosas de noticias, Wajda apunta directamente a la URSS y sus artimañas mentales para dar la vuelta a la Historia. Con una población dividida entre dos aguas, el realizador pone en el disparadero esa parte de la historia no tan a menudo reivindicada, las represalias de la victoria. Si la invasión nazi fue dañina y destructiva, la soviética no sería menos sanguinaria y despótica. Andzrej Wajda hace hincapié en la crueldad que históricamente ha sometido el país, en liza por el interés de unos y otros, cual juguete que pasa de mano en mano con la promesa de facilitar la liberación de la población. Este personal relato firmado en los últimos años de su carrera cinematográfica no es, ni mucho menos, la única aproximación de Wadja al asunto polaco. Tan sólo una década más tarde del fin de la guerra, el realizador filmaría una trilogía sobre la ocupación del país durante la II Guerra Mundial: 'Generación' (1955), 'Kanal' (1957) y 'Cenizas y diamantes' (1958). Un tríptico dentro del conjunto de la filmografía militante del polaco -interesado especialmente en las consecuencias del comunismo y el capitalismo salvaje-, compuesta por más de medio centenar de largometrajes. Cuando parecía que otra manera de filmar el horror del Holocausto no era posible, apareció el director revelación de Hungría, László Nemes, y nos arrastró en primerísimo primer plano, tembloroso y vibrante, a los bosques donde algunos prisioneros de Auschwitz son moralmente torturados haciendo desaparecer los cuerpos de sus propios compañeros. En 'El hijo de Saúl' (2015), uno de los condenados a trabajos forzados en esos hornos crematorios, se afana por buscar una digna sepultura para el cuerpo del que toma por su hijo desaparecido, y conseguir así un merecido descanso eterno. Una impresionante narración que conduce al espectador a empujones, siempre pegado a la piel de Saul, entre los restos inertes de cuerpos humanos que, apelotonados, esperan su turno. Con un preciso trabajo de fondo, la nueva promesa húngara nos arrastra en una puesta en escena a dos niveles: el narrado con un rostro en primer plano y todo lo demás que acontece, sin tregua, fuera del foco, dejando una extenuante sensación de plano secuencia sin fin. El cine de Europa central y los colaboracionistas El papel de los países adyacentes a la Alemania nazi durante su época expansionista es, como poco, polémico. Empezando por la inmediatamente anexionada Austria, los en gran medida colaboracionistas Países Bajos o una internamente dividida Bélgica, muchos de estos países han pasado de puntillas sobre este periodo, también cinematográficamente hablando. Aunque es cierto que la mayoría de los cineastas austriacos se vieron obligados a dejar el país —desde los años anteriores al nazismo, algunos desarrollando su carrera profesional desde Alemania como Fritz Lang, o por suerte empezando su aventura hollywoodiense, como el austriaco de origen judío Otto Preminger—, la cinematografía nacional, más bien centrada en el mercado local, ha obviado históricamente el tema en sus películas. La comedia y los grandes dramas épicos centrados en un glorioso pasado —para muestra, las películas de Sissi Emperatriz—, fueron los géneros preferidos al acabar la tragedia, en un intento de escapar en la ficción de lo vivido en la realidad. Fue en 2007 cuando la cinematografía austriaca obtuvo el reconocimiento internacional, en forma de Oscar, por 'Los falsificadores' de Stefan Ruzowitzky, estrenada además en la Berlinale. Protagonizada por Karl Markovics –ganador de la Espiga de plata en la Seminci de Valladolid ese año-, cuenta la historia de un falsificador de moneda judío que con el estallido de la Segunda Guerra Mundial es arrastrado a los campos de concentración. Allí se verá expuesto a un complejo dilema moral: sobrevivir falsificando dinero aliado y colaborar con la victoria nazi o morir sometido a su violencia. La película representa, efectivamente, el dilema moral de todo un país obligado necesariamente a posicionarse. Algo así ocurre con los Países Bajos y Bélgica, donde la Primera Guerra Mundial es ampliamente recordada pero no así la Segunda, cuyo ambiguo papel aún hoy es tabú en cualquier conversación de sobremesa. Bélgica, desde su fundación como tal a principios del XIX dividida mayoritariamente entre francófonos y flamencos, y hasta la fecha de la ocupación nazi dominada por la parte francófona, tomó un papel ambiguo en su relación con Alemania. Quizá por mayor semejanza cultural, quizá por absoluta obligación, parte del país consideró que bajo mandato germano podría vivir mejor que durante su experiencia francesa. Esta ambigüedad, aún hoy cuestionada, ha borrado del mapa casi cualquier referencia cinematográfica a la II Guerra Mundial. Posiblemente, parecido es el sentir en los Países Bajos donde, sin embargo, un agitador Paul Verhoeven firmaba la obra más costosa de la cinematografía del país retratando el colaboracionismo holandés en 'El libro *****' (2006). El más famoso director holandés ya había dejado caer su inquietud por el nazismo a su paso por Hollywood en la que más bien fue su testamento en los grandes estudios, 'Starship Troopers' (1997). La famosa ciencia-ficción con tintes autoritarios y grandes semejanzas simbólicas con el nacionalsocialismo de Hitler, no cayó demasiado bien entre los americanos y especialmente dentro de la industria que más expatriados acogió. A medio camino entre un taquillazo de instituto, una superproducción de ciencia-ficción de los noventa, una película bélica y la mano de Verhoeven, el famoso blockbuster se adentraba en la moral nazi a golpe de eslogan para combatir al enemigo insecto: "To kill the bug you need to understand the bug". Dándole nueva forma y sentido a ciertas referencias fascistas ampliamente reconocidas, el holandés pone de manifiesto los efectos de la manipulación y el adoctrinamiento derivados de la propaganda y una cierta euforia social. En Espinof Paul Verhoeven: todo lo que necesitas saber en 5 puntos esenciales Al abandonar Hollywood, Verhoeven regresaba a Europa y a sus orígenes de la mano de su cinematografía natal, desde donde revisaba no sólo su pasado sino el de sus conciudadanos a través de la provocadora 'El libro *****'. Un relato localista con su sello y firma sobre una cantante judía infiltrada entre las filas nazis holandesas para la resistencia. A pesar de que la cinta no se encuentra entre lo mejor del peculiar cineasta, su epílogo destaca especialmente, en su retrato de las reacciones al triunfo de la resistencia. Francia, por su lado, en cuanto a que aliada y al mismo tiempo parcialmente sometida al régimen, ha añadido en numerosas ocasiones su aportación sobre la Segunda Guerra Mundial, el Holocausto y el ascenso de los totalitarismos de corte fascista en el continente. De entre las producciones y coproducciones de la más grande de las cinematografías europeas, destaca el cortometraje documental de Alain Resnais, padre de la Nouvelle Vague francesa: 'Noche y niebla' (1955). Resnais da la vuelta al contexto de los campos de concentración, como punto de partida para adentrarnos de forma ácida y muy oscura en los horrores reales del exterminio. Con un toque de ironía inteligentemente mordaz, el cineasta sitúa la barbarie del Holocausto en lo que en otras circunstancias podría ser un idílico complejo turístico, y con esa premisa deforma la narración de la misma manera que hiciera la ilusión de la promesa aria una década atrás. En su transformación de la obra histórica existente —recoge parte del material cinematográfico de la retratista del régimen, Leni Riefenstahl—, 'Noche y niebla' se convierte en un relato documental con una potente visión personal —que cuenta con Chris Marker en la asistencia de dirección— y de incalculable valor histórico que, con enorme respeto, pero descarnado y sin rodeos, dispara directo al blanco y nos golpea hasta el K.O. Y mientras, en España... El madrileño Fernando Trueba sitúa la acción de 'La niña de tus ojos' a caballo entre los regímenes hermanados de Franco y Hitler. Penélope Cruz, respaldada por el mayor elenco de actores españoles de la época, daba en 1998 vida a Macarena Granada, la protagonista de una película española que se rodaría en la Alemania nazi, en coproducción con el régimen de Hitler. En clave de comedia, Trueba aborda los peligros de jugar al límite de las reglas de dos regímenes autoritarios sin términos medios entre la colaboración y la oposición. Una película que, si bien bordea la cuestión española, se centra más en la caricatura del régimen nazi. En Espinof 'La cabina': un escalofriante reflejo de la España franquista sorprendentemente extrapolable a nuestros días De hecho, un gran número de producciones españolas han abordado el drama de la Guerra Civil y el levantamiento de los nacionales desde diversos puntos de vista, avivando más o menos la polémica de un tema aún sangrante y todavía por cerrar. Desde producciones recientes, como la dirigida por David Trueba en 2003 'Soldados de Salamina', basada en la novela homónima de Javier Cercas; 'Los girasoles ciegos' (2008) de José Luis Cuerda, con una enorme Maribel Verdú junto al siempre magnífico Javier Cámara; o la más reciente 'Pa negre' (2010) de Agustí Villaronga, centrada en la dureza de la posguerra franquista en la campiña catalana y rodada íntegramente en catalán. Desde el punto de vista gallego, y basada en una historia dentro del libro de Manuel Rivas '¿Qué me quieres, amor?', José Luis Cuerda de nuevo ahonda en la sublevación del ejército contra la Segunda República española que provocaría la Guerra Civil en 'La lengua de las mariposas' (1999). En ese momento prebélico, Moncho (un carismático recién descubierto Manuel Lozano de 9 años) empieza el colegio, donde comenzará a descubrir el mundo de la mano de su sabio maestro (Fernando Fernán Gómez) que, como muchos de esos educadores de la República, sufrirá un duro destino. Ejerciendo de altavoz de la memoria histórica del país, la Guerra Civil española y el alzamiento franquista son, sin duda, temas muy recurrentes en la cinematografía nacional. Y quizá lo más representado dentro de nuestras fronteras, ya iniciado años atrás por quienes trataron de sobrevivir al régimen combinando películas comerciales capaces de traspasar la censura con una crítica soterrada que los censores pasaron por alto. Así, Luis García Berlanga se erige en uno de los máximos exponentes de su tiempo, firmando algunas de las obras más importantes de la cinematografía española. 'La vaquilla' (1985) representa la división de esas Españas que, durante la Guerra Civil, tratan de sobrevivir con humor a la crueldad de la guerra entre conciudadanos. Alfredo Landa, sin duda una de las caras más reconocidas del cine de la dictadura franquista, lidera el grupo de "golpistas" republicanos que se propone sabotear la fiesta nacional robando su tesoro más preciado: una vaquilla. Aunque ya mucho antes del fin de la dictadura, en 1963, el cineasta valenciano se atrevía con dobles lecturas como la de 'El verdugo', donde Nino Manfredi, un enterrador de profesión, se ve obligado a reemplazar a su suegro (José Isbert) en el oficio de verdugo nacional, por amor a su hija (Emma Penella), quien se lamenta de no encontrar un novio por temor a la profesión del padre. También en clave internacional, una de las obras más célebres del cine contemporáneo español reflexiona sobre la crueldad de la guerra entre vecinos en la ampliamente alabada 'El laberinto del fauno' (2006). El mexicano Guillermo del Toro dirige este excelente cuento fantástico en el que una niña (maravillosa Ivana Baquero) escapa de su nueva cruel realidad a través de la imaginación, para adentrarse poco a poco en el oscuro refugio de un ser sombrío y monstruoso. En plena posguerra, Ofelia se ve obligada a trasladarse al campo, siguiendo el cometido de su nuevo padrastro, un despótico general franquista en persecución de los últimos republicanos refugiados en el monte. En su escapada emocional, Ofelia llegará hasta el fauno, que le descubrirá su verdadero origen. Una magnífica historia de hadas en perfecto equilibrio con la realidad del contexto y sin duda un punto de vista nunca antes expuesto en la cinematografía española. El cine como cronista de la Historia El cine, en su mayoría europeo, se ha erigido pues durante décadas en escritor de la crónica negra de nuestra historia reciente. Muchos puntos de vista que coinciden en un punto en común: destacar la humanidad en momentos de agonizante dureza. Sobresale ante la maldad y acaba difuminando la fina barrera entre bandos, como destaca Solomon Perel en un brillante momento de confusión en 'Europa, Europa' donde afirma no saber distinguir a sus enemigos de sus amigos. La figura de la infancia se convierte también en el centro de atención de la mayoría de cineastas, como símbolo del futuro; futuro inexorablemente arruinado que nunca volverá a ser igual, o por el contrario un futuro de esperanza y cambio, superado el horror y con vocación de regeneración. En ambos casos implicando directamente al espectador, que se ve obligado a tomar conciencia ante la perspectiva del mayor desastre que, hace no tanto tiempo, destruyó la moral europea. - La noticia Nazis, odio e insectos gigantes: las 41 mejores películas para comprender el fascismo fue publicada originalmente en Espinof por Sara Martínez Ruiz .

Siendo un género tan menor en España, es siempre encomiable que la televisión española se lance a hacer propuestas de ciencia ficción. Por eso me parece una noticia bienvenida el estreno de 'La valla', la serie de corte distópico que aterriza este domingo en AtresPlayer Premium. Daniel Écija, creador de la notable 'Estoy vivo', firma esta ficción que nos sitúa 25 años después de que el gobierno de España decrete un estado de excepción tras la irrupción de la 3ª Guerra Mundial, que ha tenido cataclísmicas consecuencias. Nueva España es un estado totalitario y Madrid está dividida por una valla en dos sectores: uno para la élite y otro para el resto. En Espinof "La tercera temporada de 'Estoy vivo' es la más arriesgada, un órdago a la grande". Javier Gutiérrez Tras un prólogo en el que, antes de ser detenido, un padre inserta algo en la nuca de sus hijas pequeñas, pasamos a décadas despúes. Una de esas niñas (ya crecidas), Julia (Olivia Molina) mata a un cargo importante de Nueva España de manera accidental al intentar proteger a una joven que estaba siendo agredida. En lo que las autoridades investigan, llega a Madrid Hugo (Unax Ugalde) cuñado de Julia, que acaba de perder a su mujer Sara a causa del virus. Algo que llevan en secreto para poder llegar a la ciudad con su hija Marta (Laura Quirós). Sin embargo, nada más llegar la pequeña es apartada de ellos sin más explicación, por lo que Hugo hará lo que sea para recuperarla. La distopía en familia Quien busque una serie de fuertes tintes políticos, pues no lo va a encontrar. El guion busca más la "saga familiar" y el misterio en torno al virus que el derribar el totalitarismo. Esto se nota desde el principio, ya que Daniel Écija nos cuenta cómo es este mundo de 'La valla' en poco más de cuatro frases que nos dejan la conclusión de que es un mezclao de un "poco de todo". Como si no hubieran querido elegir qué potenciar exactamente: un futuro post 3ª Guerra mundial con radiación, escasez de agua, totalitarismos y enfermedades y un virus letal conforman un panorama al que la humanidad ya se ha acostumbrado. En Espinof Ampliando la distopía: por qué leer el libro de 'El cuento de la criada' habiendo visto la serie Hay muy poco interés a la hora de explorar los engranajes de esta sociedad incluso a la hora de hablar de la valla que da título a la serie. Estos detalles se mantienen algo vagos e imprecisos, lo cual puede jugar en contra a la hora de venderse a un espectador curtido en el género. O, por lo menos, al que le interese algo más épico. Los dos episodios que he podido ver juegan en una liga menor respecto a algunas de las novedades de los últimos años de Atresmedia. Sí que se nota que el salto a los 50 minutos de duración que lleva realizando en sus últimas producciones es una decisión acertada, logrando que cada episodio sea más compacto e incluso coherente con la historia que quiere contar sin tener que irse por las ramas. Al ser del mismo creador, sí que hay ciertos parecidos con 'Estoy vivo', sobre todo a la hora de planificar escenas, situaciones... e incluso esa iluminación de interiores con tonos fuertes. Pero, por otro lado, la serie es algo más costumbrista que la propuesta de La 1. Eso y el hecho de que el reparto en líneas generales sea inferior. Una buena ficción que se tambalea a la hora de establecer su mundo 'La valla' comienza bien. Es una serie bastante fluida y la creo con potencial para ofrecer buenas dosis de acción y tensión. Sin embargo, falla al establecer ciertos asuntos de la trama que no han sido introducidos apropiadamente como, por ejemplo, el tema de los amuletos y lo que tienen en la nuca las niñas. Es algo de lo que uno se entera más por el dosier de prensa que porque te lo narren, y no debería ser así. En definitiva, creo que es encomiable el que nos podamos encontrar una serie como 'La valla' en televisión y creo que funcionará cuando en unos meses llegue a Antena 3 tras su pase por su plataforma de pago. Sin ser impecable, es una ficción entretenida, que capta la atención y el interés con su historia pero que tiene que tener cuidado con cómo está presentando las cosas y cómo ha construido este mundo. - La noticia 'La valla': el creador de 'Estoy vivo' propone una apreciable distopía en Atresplayer fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Ya lo ha conseguido. 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' ('Star Wars: The Rise of Skywalker') ha superado los 1.000 millones de dólares en taquilla, convirtiéndose en la 46ª película en toda la historia que alcanza esa espectacular meta. En ese grupo de taquillazos hay ya cinco entregas de la franquicia, incluyendo las tres de la nueva trilogía. Al comparar los datos descubrimos que 'El ascenso de Skywalker' ha sido la más lenta de las tres películas en recaudar 1.000M$; ha tardado 28 días, mientras que 'Los últimos jedi' ('Star Wars: The Last Jedi') lo hizo en 19 y 'El despertar de la fuerza' ('Star Wars: The Force Awakens') solo en 12. En Espinof Star Wars: todas las películas de la saga ordenadas de peor a mejor No es una sorpresa que el Episodio IX haya necesitado más tiempo para alcanzar el objetivo ya que también arrancó más lento: hizo el peor estreno de la tercera trilogía. Si bien puede sonar decepcionante para el final de la saga Skywalker (ya destronado del ranking de taquilla), lo cierto es que la aventura dirigida por J.J. Abrams es un éxito que, tras un mes en cartelera, lleva 485,6 millones de dólares en Estados Unidos y 519,7 en el resto del mundo (1.005 en total, a día de hoy). Siete de los nueve estrenos de 2019 que recaudaron 1.000 millones son de Disney Y desde luego es un triunfo para Disney. La compañía del ratón, que el año pasado rompió su propio récord de recaudación, estrenó siete películas en 2019 que cosecharon más de 1.000 millones en taquilla, algo que no había logrado ningún estudio antes. La misma Disney tiene la segunda mejor marca: cuatro estrenos en 2016 por encima de los 1.000M$. En total, nueve largometrajes de 2019 superaron esa barrera: Vengadores: Endgame (Disney) - 2.798M$ El rey león (Disney) - 1.657M$ Frozen 2 (Disney) - 1.373M$ Spider-Man: Lejos de casa (Sony) - 1.132M$ Capitana Marvel (Disney) - 1.128M$ Toy Story 4 (Disney) - 1.073M$ Joker (Warner) - 1.069M$ Aladdin (Disney) - 1.051M$ Star Wars: El ascenso de Skywalker (Disney) - 1.005M$ Más allá de su resultado económico, 'El ascenso de Skywalker' ha sido una de las entregas que mayor división de opiniones ha provocado, siendo criticada por el exceso de "fan service", por tomar decisiones pensando en los supuestos deseos de los seguidores. Rian Johnson, contrario a buscar la satisfacción de los fans, ha sido motivo de otro acalorado debate: hay quienes consideran que Abrams desprecia el Episodio VIII, de Johnson, y quienes opinan que lo respeta. Por último, cabe destacar que 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' ha sido nominada al Óscar en tres apartados: montaje de sonido, efectos visuales y música (récord para John Williams). - La noticia 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' supera los 1.000 millones de dólares en taquilla: la más lenta de la nueva trilogía en lograr el objetivo fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Pocas series pueden causar conmoción más de veinte años después de su estreno. Llegar a trending topic, copar titulares y estar en la boca de todo el mundo se suele reservar a los eventos culturales del momento, lo nuevo entre lo nuevo, relegando lo ya pasado al culto y al juicio de la historia. Pero ese no es el caso de 'Neon Genesis Evangelion'. A su anuncio de que podrá ser vista por streaming por primera vez en Netflix, la serie de anime consiguió que se volviese a hablar de ella como si hubiera sido recién estrenada. ¿Pero a qué se debe tremenda conmoción? Lo fácil sería decir que la principal razón es que, siendo una serie que no tiene una edición en formato doméstico decente ni ha sido jamás emitida por streaming, la posibilidad de que llegue a una nueva generación de espectadores ha hecho que la gente se venga arriba. Pero entonces estaríamos saltando directamente a la conclusión. En Espinof 'Neon Genesis Evangelion': en qué orden ver el mítico anime que ha llegado a Netflix (sin enloquecer en el intento) La verdadera razón de la conmoción, la base que subyace a tanto ánimo encendido, es que Evangelion es una serie de culto que ha logrado a lo que todo producto cultural aspira: ser una referencia intergeneracional que trascienda su nicho de mercado. Los orígenes de Evangelion 'Neon Genesis Evangelion' se emitió entre octubre de 1995 y marzo de 1996 con, en principio, un público objetivo en mente no del todo clásico: otakus adultos con un interés genuino por las historias de robots gigantes. Esto era excepcional porque, históricamente, las series de mechas han ido dirigidos a los niños. Y si bien es posible afirmar que sagas como 'Mobile Suit Gundam' o 'Armored Trooper VOTOMS' difícilmente puedan considerarse como infantiles, la idea de hacer una serie de mechas dirigida explícitamente hacia adolescentes y adultos no era algo corriente para la época. Ahora bien, 'Neon Genesis Evangelion' no engañaba a nadie. Ya desde su primer capítulo, era evidente que la violencia, la psicología de los personajes y la estética contaba más que la acción o la pura exhibición masturbatoria de brutos mecánicos. Algo que hizo que tuviera, desde el principio, un público fiel que la seguiría con verdadero entusiasmo. ¿Y de qué trata? Básicamente, de un presente alternativo donde unas misteriosas criaturas gigantes, llamadas ángeles, han llevado a la humanidad al borde de la extinción, siendo la última línea de defensa de esta una serie de robots humanoides, llamados EVA, que sólo pueden ser pilotados por una serie de personas muy específicas que logren sincronizarse emocionalmente con los robots. En Espinof Los 21 mejores animes que puedes ver en Netflix, Filmin y Amazon Y como por todos es bien sabido, cuando el ser humano es más emocionalmente sensible (e inestable) es durante la adolescencia. De ahí que todos sus pilotos sean jóvenes adolescentes peleando a muerte contra criaturas que nadie sabe de dónde proceden en máquinas monstruosas que, necesariamente, habrán de traumatizarles de por vida. Al final, toda la serie gira alrededor de esa idea. El impacto psicológico que tienen las batallas y la responsabilidad que se pone sobre ellos. A fin de cuentas, no hablamos de soldados. Ni siquiera de adultos. Hablamos de gente en la etapa más emocionalmente vulnerable de su vida, teniendo que sincronizarse con monstruos biomecánicos para acabar con criaturas que quieren destruir a la humanidad. Todo mientras van al instituto, descubren la extensión de sus deseos y lo que significa vivir en sociedad. Esa es la razón de su popularidad. Por qué fue revolucionara en muchos aspectos. En Evangelion era posible sentirse identificado con los personajes. Cualquier adolescente podía verse reflejado en las inseguridades de sus protagonistas. Cualquier adulto podía reconocerse en esos personajes secundarios siempre entre la angustia y el joie de vivre, intentando fingir que, en el fondo, no siguen teniendo la misma ansiedad e inseguridades que los adolescentes, pero con más mecanismos para gestionarlos. En otras palabras, 'Neon Genesis Evangelion' no es una historia de heroísmo. Es un reflejo lo más fidedigno posible de la angustia humana. De dibujo y fotografía Todo lo anterior no implica que Evangelion no se preocupe por los aspectos más técnicos. Pues se preocupa. Y mucho. Algo que le viene prácticamente de serie a su autor, Hideaki Anno. Trabajando de animador en 'The Super Dimension Fortress Macross' y en 'Nausicaä del Valle del Viento', lo cual le granjearía una amistad con Hayao Miyazaki que duraría hasta hoy en día, y siendo sus primeras obras como director las excelentes 'Gunbuster' y 'Nadia: el secreto de la piedra azul', Anno puede jactarse de que sus méritos antes de crear la que es considerada hoy su ópera magna alcanzan incluso tener un planeta menor con su nombre, el 9081 Hideakianno. Como director de Evangelion, no hizo sino demostrar que lo suyo estaba lejos de ser flor de un día. En términos de dirección la serie es una delicia de largos planos contextuales, un montaje dinámico que aporta velocidad al conjunto y gran atención a los detalles simbólicos, tanto en las acciones como en la psique de los personajes. En Espinof La cotidianidad de los anime japoneses me hace sentir como en casa Pero tampoco hace corto cuando hablamos de todo lo que tiene que ver con el dibujo. Con algunos de los mejores profesionales de hoy en día haciendo sus primeros pinitos en la serie, nombres propios tan relevantes como Hiroyuki Imaishi o Yō Yoshinari, y dos diseñadores excepcionales como base de todo el dibujo, Yoshiyuki Sadamoto encargándose del diseño de personajes e Ikuto Yamashita junto con el propio Anno del de los robots, no hay ningún aspecto de la serie donde no hubiera involucrada al menos una persona de un talento arrollador. De hecho, cabe destacar especialmente el trabajo de Sadamoto a este respecto. No sólo porque se encargara de dibujar también el manga de Evangelion, sino porque su diseño de personajes fue una parte fundamental de la popularidad de la serie. La influencia de la serie No es un precisamente un secreto que Evangelion tuvo un papel fundacional en el desarrollo del moe, es decir, la estética de chicas monas que despiertan en quien las ve el instinto de protegerlas. Uno de sus personajes protagonistas, Rei Anamiya, tenía todos los rasgos que, a partir de entonces, se repetirían a lo largo de decenas de personajes, incluso hoy en día: pelo azul, gesto indiferente, cierta torpeza congénita y una forma exagerada de reaccionar ante las cosas, aunque sólo sea por contraste con su típica frialdad. Algo a lo que otro personaje, Asuka Langley, contribuiría al ser su opuesto: pelirroja, siempre certera y extremadamente apasionada y ruidosa para ocultar su propia fragilidad emocional. De ese modo, entre esos dos personajes concebidos como completos opuestos, se crearía todo el imaginario de lo que hoy conocemos como el moe. Esos rasgos que hacen atractivos a los personajes femeninos al despertar un instinto proteccionista en quien los ve. Pero ese no sería todo el mérito de Sadamoto. Suya fue la idea de convertir a Misato, jefa de seguridad de la organización NERv y tutora legal del protagonista, Shinji, en una ambivalente girl next door tan incapaz de tomar las riendas de su vida como perfectamente profesional cuando se trata de encargarse de los ángeles y la seguridad de los pilotos. Algo que fue un gran acierto que fue recibido con ruidoso interés, a pesar de su ausencia de rasgos moe. Al final todo esto es importante porque el público adora a Rei, Asuka y Misato. Y si bien todos los personajes de la serie generan adhesiones y repulsas encarnizadas, el punto al que llegan ellas es inconcebible en prácticamente cualquier otra serie o medio. La cantidad de fanart, cosplay y, en general, influencia posterior que han tenido en las creaciones de otras personas, es tan descomunal que requeriría un único artículo sólo empezar a explorarlo. Porque, y esto es innegable, parte del fulgurante éxito de la serie fue, precisamente, la complejidad e interés de sus personajes femeninos. El inesperado papel de las mujeres en su éxito... Esto ha sido siempre la virtud de Evangelion, pero también lo que casi consiguió matarla. Caminar siempre entre el filo de lo que interesa al público de un nicho muy peculiar, otakus (hipotéticamente) adultos, y lo que interesa al público general. Dos cosas que no siempre se solapan y no siempre se hace bien. Pero en realidad nunca descuidaron ninguna de las dos facetas. En Espinof Las 27 mejores películas y series de anime de la década (2010-2019) En la superficie, la serie era del perfecto gusto de los otakus. Con robots de un diseño único y vistoso, decenas, si es que no cientos, de referencias eruditas a series de mechas de los 70 y los 80 (que ha llevado a que la esposa de Anno, la mangaka Moyoco Anno, lo denomine cariñosamente 'El Rey de los Otakus'), un humor bien encajado y ligerísimas dosis de fanservice, tiene todo lo que piden los otakus y más. Pero la serie no se limita a ser todo lo que su público espera que sea y nada más. Para quienes no se consideraban otakus, 'Neon Genesis Evangelion' aportaba personajes de una delicadeza psicológica increíble. Personajes con dudas, aspiraciones y cargas de las que no podían deshacerse. Y, además, todo eso se trataba también de forma activa, no dejándolo como un telón de fondo de falsa profundidad. Tratando temas como la depresión, el entendimiento entre las personas, el sexo y los cuidados, fue una serie, en muchos sentidos, revolucionaria, al tratar con naturalidad temas que, generalmente, se han visto minimizados, cuando no directamente invisibilizados, en la ficción. Eso causó una obvia conmoción. Evangelion no sólo era una buena serie, era una serie diferente. Y eso atrajo a un público que, en principio, le era ajeno: las mujeres jóvenes y de mediana edad que no se consideraban otakus. Si bien la serie no fue desarrollada con ellas en mente, fueron las que demostraron un mayor interés. Eran quienes más parecían simpatizar con Shinji y no les costaba verse reflejadas en Asuka, Rei o Misato. Mujeres que, lejos de ser perfectas, tienen virtudes y defectos, momentos de debilidad y fortaleza, haciendo que sea fácil empatizar con ellas y sus vicisitudes. También odiarlas, dada la humanidad que desprenden. Por eso un público generalmente desatendido como son las mujeres, que se ven siempre representadas como estereotipos de género, encontraron en Evangelion algo diferente. Una serie donde las mujeres tienen voz y agencia. Donde no son seres perfectos sino personas, con todas las ambivalencias y contradicciones que ello conlleva. ...y el (esperable) desprecio de algunos Irónicamente, que no fuera de manera exclusiva lo que ellos esperaban, también causo el repudio de los otakus. No pudiendo aceptar que se hiciera algo fuera de sus estrictos parámetros, se levantaron en armas. Y la respuesta de Hideaki Anno fue contundente. Que el final ocurriera exclusivamente dentro de la mente de Shinji (ahorrándonos varios combates a costa de que se extendiera el bulo, completamente falso, de que el final es como es por falta de presupuesto, cuando en realidad fue planificado así desde el principio), las mujeres tuvieran un papel importante en la trama y el propio Shinji no fuera un arquetipo heroico al final, sino un niño asustado que debía aprender a confiar en los otros, enfureció tremendamente a un público que sólo quiere ver fantasías de poder en pantalla. En Espinof Las 16 mejores películas y series con robots gigantes Algo que se hizo notar en la cantidad de amenazas de muerte que recibió Anno a causa de ese final visto como ignominioso por gente incapaz de comprender las emociones humanas. Porque, además, la intención de Anno era precisamente la contraria. Él quería enviar un mensaje de esperanza. Quería hacer ver a sus compañeros otakus que hay mundo más allá del 2D, que hay otros seres humanos ahí fuera y que ellos también pueden ser queridos, independientemente de sus gustos o aficiones. Que no se merecen ser excluidos por lo que son y que, con un poco de esfuerzo, pueden ser adultos funcionales sin dejar de disfrutar de las cosas que les gustan. Pero en vez de aceptar la mano que Anno les tendía con cariño desde el otro lado, los otakus decidieron escupirle en la cara. Y él actuó en consecuencia 'The End of Evangelion' es una película que amplía lo ocurrido en los dos últimos capítulos de 'Neon Genesis Evangelion'. Rellenando los huecos que dejaba el final de la serie, explica el destino de todos los personajes, que es, como no podría ser de otro modo, infinitamente más trágico del que se daba a entender originalmente. Eso sumado a que una de las escenas de la película son los escaneos de las amenazas de muerte que recibió Anno y que la película empieza, literalmente, con el protagonista masturbándose a la vista del cuerpo desnudo de una chica comatosa, el mensaje no podría estar más claro. En Espinof Las 11 mejores series y películas de anime de 2019 Hideaki Anno puede ser el rey de los otakus pero desprecia la tendencia de éstos a creerse incomprendidos seres superiores que se merecen tener chicas a sus pies por el hecho de ser buenos tíos. Porque 'Neon Genesis Evangelion' trata de lo contrario. Trata de aprender a lidiar con nuestros sentimientos y darnos cuenta que vivimos rodeados de otras personas que nos necesitan y a las que necesitamos. Que nadie vive en una burbuja y que todos sufrimos, pero es necesario aprender a gestionar nuestras mierdas sin pretender que otros carguen con ellas por nosotros. 'Neon Genesis Evangelion' como referente del presente perpetuo Al final, el éxito de Evangelion radica en cómo interpela a las personas. No es sólo que tenga una estética muy definida, una dirección y un guion excelente, una animación envidiable y una influencia sobre obras posteriores que tiende al infinito. Es que habla de temas que hoy son tanto o más relevantes que en su época. La naturaleza humana sigue siendo un precario equilibrio emocional. Las mujeres siguen teniendo pocas referencias en la ficción en las que verse reflejadas. Sigue habiendo hombres que sólo quieren masturbarse con mujeres idealizadas mientras se ven representados por reflejos de sí mismo salvando al mundo. Y, claro está, todos podemos seguir amando u odiando a Shinji por su patológica incapacidad de subirse al robot. Incluso convirtiéndolo en un popular meme que parece no agotarse por más tiempo que pase. Resulta lógico que se genere todo ese buzz a su alrededor. Que lo siga haciendo en el futuro. Porque la pregunta no es cómo Evangelion ha creado tanta conmoción en las redes, sino cómo podría no haberlo hecho. No cuando, si se trata de los intereses del presente, pocas obras de ficción parecen tan actuales, si es que no inmortales, como 'Neon Genesis Evangelion'. - La noticia Por qué 'Neon Genesis Evangelion' sigue siendo un anime fascinante y revolucionario fue publicada originalmente en Espinof por Álvaro Arbonés .

En 2016, 'No respires' (Don't Breathe,2016) se convirtió en un sorprendente éxito de terror, y ahora se ha confirmado que su coguionista Rodo Sayagues estará a cargo de la secuela, que llevará por título 'Don't Breathe Again' (no respires de nuevo', que también ha coescrito con el director de la original Fede Álvarez, y según Collider estaría listo para entrar en producción en abril. Atrapado por su pasado 'Don't Breathe Again' también verá el regreso del actor Stephen Lang, que tendrá que lidiar con sus acciones mortales de la película original, que ganó 157 millones de dólares en todo el mundo con un presupuesto de solo 10. El film también obtuvo una buena respuesta crítica, actualmente con un 88% de críticas positivas en Rotten Tomatoes. La única línea de sinopsis actual comenta que: "En los años posteriores a la invasión mortal de la casa, el Hombre Ciego vive en una tranquila soledad hasta que sus pecados del pasado le alcanzan". En Espinof Las 11 películas más aterradoras de 2016 En la película original, tres adolescentes tienen como objetivo asaltar la casa de un hombre ciego que vive en el vecindario para robar una caja fuerte. Una vez dentro, los ladrones descubren que el hombre (Lang) está acostumbrado a moverse en su propia casa en la oscuridad, convirtiendo a los ladrones en presas. El guionista y director Fede Álvarez ha estado dando pistas de una secuela desde que la película original se convirtió en un éxito. Álvarez, el autor del remake de 'Evil Dead' en 2013, asociado a títulos de estudios más grandes como 'Millenium: Lo que no te mata te hace más fuerte' (The Girl in the Spider's Web, 2018) deja la franquicia en manos de un colaborador de confianza como Sayagues habiendo hablado ya de las vías que la película exploraría a IGN en 2016: "En este momento tenemos 'No respires 2' como algo que realmente queremos hacer. El desafío, obviamente, es que simplemente no queremos volver a hacer la misma película y ponerle un '2'. Nos sentiríamos avergonzados de hacer eso. Al principio, nuestra reacción cuando nos lo pidieron fue de 'no, no, no, no, no, eso es Hollywood, ese es el demonio que nos empuja a hacer algo solo porque podemos', Pero tuvimos una idea que nos entusiasmó mucho, no diremos qué es, o lo arruinaríamos todo ". - La noticia La secuela de 'No respires' ya tiene director: el regreso del "Hombre Ciego" empieza a rodarse en abril fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Sony ni siquiera ha querido esperar a saber los números en taquilla de 'Bad Boys for Life' durante su primer fin de semana -se calcula que solamente que en Estados Unidos amasará entre 60 y 70 millones de dólares- para poner en marcha la cuarta entrega de la franquicia 'Dos policías rebeldes'. Pisando sobre seguro Además, la productora ha optado por ir sobre seguro contando de nuevo con el guionista Chris Bremner para ocuparse del libreto. Teniendo en cuenta todo el tiempo que pasó desde que se empezó a trabajar en la tercera parte hasta que se materializó -en ella también aparecen acreditados como guionistas Joe Carnahan y Peter Craig, pero el proyecto cambió bastante desde su salida-, es normal que en Sony no quieran andar con experimentos. En Espinof Las 13 mejores películas de acción de 2019 Por el momento se desconoce si los realizadores belgas Bilall Fallah y Adil El Arbi repetirán tras las cámaras, pero a día de hoy no están asociados a otro proyecto. De Will Smith y Martin Lawrence no se ha dicho nada, pero nadie concibe una cuarta entrega sin ellos en el reparto. Por mi parte creía que 'Bad Boys for Life' iba encaminada a ser un buen cierre para la franquicia, pero el final de la misma dejaba todo abierto para un posible regreso en caso de que la acogida del público fuese positiva y parece que así va a ser. Además, en su momento ya se habló de dos entregas más cuando Carnahan iba a dirigir la tercera... Vía | Cinema Blend - La noticia 'Dos policías rebeldes 4' en marcha con uno de los guionistas de 'Bad Boys for Life' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El ratón ha matado al zorro: Disney ha decidido poner punto y final a la marca Fox, el estudio que compró en julio de 2018 por la friolera de 71.300 millones de dólares. No es una decisión que debería tomarnos por sorpresa, pero sí con una gran fuerza simbólica. Una decisión inevitable Esto no quiere decir que Disney vaya a desmantelar la producción cinematográfica que hasta ahorra corría a cargo de Fox, simplemente que se va a eliminar ese nombre. Por ejemplo, 20th Century Fox pasa a ser 20th Century Studios y Fox Searchlight Pictures se queda en Searchlight Pictures. En Espinof Las 48 películas de estreno más esperadas de 2020 Por ahora esto solamente afecta a la parte cinematográfica de Fox, ya que no se ha tomado una decisión definitiva con la televisiva, pero sí que hay conversaciones para cambiar el nombre a 20th Century Fox Television y Fox 21 Television Studios. Vamos, que es cuestión de tiempo que el nombre también desaparezca ahí. 'Downhill', el remake nortemaericano de 'Fuerza mayor' protagonizado por Will Ferrell y Julia Louis-Dreyfuss, será la primera película afectada por esta medida de Disney y sus títulos de crédito arrancarán con la frase "Searchlight Pictures Presenta". De esta forma, Fox desaparece tras más de ocho décadas siendo uno de los grandes estudios de Hollywood. Fundado en 1935 tras la fusión de Twentieth Century Pictures y Fox Film Corporation, es una pérdida irreparable para la industria del cine y poco a poco iremos viendo sus consecuencias. Vía | Variety - La noticia Disney mata la marca Fox: la división de cine se conocerá como 20th Century Studios fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La nueva versión en imagen real de 'Mulan' la leyenda china que relata la historia de una joven que, para salvar a su padre, se hace pasar por un hombre para acudir a la guerra se estrena el 27 de marzo y Disney ha empezado a dejar ver más material sobre el film. En un evento con la directora Niki Caro al que hemos tenido la oportunidad de asistir en Madrid, pudimos ver algunas escenas sueltas de la película. La directora explicó su visión, sus influencias, opinando sobre el cine de acción dirigido por mujeres, el papel del MeToo y el nuevo estatus de Hollywood y muchas cosas más, junto a la directora de vestuario Bina Daigeler con la que descubrieron algunos de los secretos de la producción. Esto es todo lo que hemos aprendido de la nueva versión del clásico. Lo que hemos visto (Puede incluir algún spoiler menor de la trama) Tres escenas de diferente calado. La primera es una escena intimista en la que el padre de Mulan le afila la espada y se la entrega. LLena de solemnidad y dramatismo contenido, como cualquier película oriental, es una escena de interiores que muestra parte de los problemas de algunos blockbusters actuales. La definición digital es tan extrema que se deja ver una sensación de rodaje en set, con poca textura de cine y más similar al de un producto de Netflix, pee a que la iluminación y color está cuidado. Sin embargo en las otras dos escenas, al ser en exteriores, ese efecto se disipa y se puede observar que 'Mulan' gana en los espacios amplios, en grandes angulares y composiciones de escala suntuosa. En la escena de entrenamiento hay un par de momentos de acción estupendos, y la escena de la batalla, en sus primeros minutos nos hace recordar a blockbusters clásicos, con menos obsesión por el CGI, especialistas cayendo y una estupenda persecución a caballo que cuida la estética sin dejar de ser trepidante. En Espinof Más allá del Genio de Will Smith: cómo los remakes Disney han perdido la magia de la animación clásica 1 - Se parece más a un Wuxia Chino que a un film de Hollywood Ya lo parecía en el tráiler y lo hemos comprobado. Pese a que la violencia se ve muy reducida (no se ve una gota de sangre en los heridos o muertos), se deja notar mucho que visualmente le debe mucho a películas como 'A Touch of Zen' (1971) 'Hero' (2002) o, salvando las distancias, 'Acantilado rojo' (Chi bi, 2009), y esto, sumado a que a nadie se le ha ocurrido meter a actores blancos americanos en medio del campo de batalla, la hace muy similar en espíritu a muchas películas Wuxia de dimensión visual y estética centrada en el color y los espacios abiertos. "Buscamos entre los grandes directores chinos como Zhang Yimou es una gran inspiración y compartimos productores, y me apoyé en muchas escenas de batalla ubicadas en la historia de China, también Kurosawa y, por supuesto una de las películas más fundamentales es 'Tigre y dragón' (Wo hu cang long, 2000), un film icónico con una estética fascinante. Pero al mismo tiempo, algo importante para mí era no ceñirme al mismo estilo y mover a actores con cables". 2- Será bastante diferente a la original y a otros Live Action A veces, las versiones live-action Disney se parecen tanto al film animado que pierden el sentido de su existencia. Salvo ocasiones excepcionales como la injustamente maltratada 'El cascanueces y los cuatro reinos' (The Nutcracker and the Four Realms, 2018), basada levemente en un fragmento de fantasía, suelen ser fotocopias con intenciones más tangibles. En este proyecto se intuye un tono más adulto y basada directamente en la leyenda original. Niki Caro expresa que lamenta que no estén algunos personajes de la original pero que: "Es una visión diferente del clásico, amo la versión animada, pero teníamos la oportunidad de darle un nuevo enfoque en una versión de acción real, no solo por el medio sino porque la leyenda necesitaba actualizar ciertas cosas. Quisimos darle un enfoque de viaje de lo íntimo a lo épico. Rodarla con los medios de hoy puede llevarla, además a otro nivel, con un aspecto más contemporáneo" En Espinof Disney: 'Mulan', de Tony Bancroft y Barry Cook 3- No tendrá canciones, salvo... Caro reveló que su 'Mulan' no tendrá canciones. Dejó entrever que sí habrá una en un momento emocional clave que pudiera ser 'Mi reflejo', pero dejó bastante claro que no había sitio para canciones como 'Mi chica es la razón' u 'Hombres de acción' y se le escapó que entre las habilidades buscadas en Liu Yifei, se encuentra el canto, por lo que podría significar que sí cantará al menos una canción. "Al relatar esta historia en imagen real queríamos mostrar cómo es para una joven embarcarse en una aventura bélica como esta. Y por mucho que nos gusten las canciones no encajaban en esta forma de contar la historia. No solemos ponernos a cantar cuando vamos a la guerra. No estoy diciendo nada malo contra la versión de animación. Las canciones son brillantes y si hubiera podido meterlas por ahí, lo hubiera hecho”. 4- Es una versión más realista de la leyenda Caro contó que la desaparición de Mushu y otros personajes se debe a buscar un estilo más realista. No necesariamente histórico ni ajustado a las reglas físicas conocidas, porque al fin y al cabo hay una bruja y un pájaro fénix que representa a los ancestros, y la relación con su padre, es una protección. Sobre el realismo, Caro explicó: “Habrá humor, épica, batallas y escenarios espectaculares, pero una de las cosas que buscaba era no convertir a Mulan en una superheroína, ella es una chica, una chica con un cuerpo joven y es verdaderamente fuerte, por lo que no está volando por los aires, quise que ese tipo de acción viniera de su propia fuerza y habilidades. Nos hemos basado en los conceptos espirituales del Chi y de cómo la fuerza surge de uno mismo, que no es tanto sobrenatural como místico". Por otra parte, Bina Daigeler, la diseñadora de vestuario, contó que: "Con mis vestuarios he intentado darle un toque más realista y verdadero, lo que acaba siendo más rico que lo que puedes hacer en animación. Para ello he hecho mucho trabajo de investigación a la hora de inspirarme para que la película fuese lo más fiel posible al periodo en que transcurre·”. En Espinof Las 23 mejores películas de Disney de todos los tiempos 5- Tendrá una reinvención feminista más acusada Pese a no ofrecer nada a la vista que pudiera hacernos pensar en una gran diferencia en la historia, el contexto en el que llega esta nueva 'Mulan' es una ocasión de oro para la representación y Niki Caro habló claro sobre sus intenciones: "Es una historia que tiene unos siete siglos, y creo es un viaje desde una chica de aldea a objeto masculino a guerrera y a heroína, no me sorprende que se haya estado contando tantas veces de tantas formas diferentes, pero que no hay un mejor momento para contarlo como ahora, una historia de una mujer joven guerrera. Por ello, el casting necesitamos a una verdadera guerrera, fuerte y capaz de mostrar mucho con su actuación". "No puedo esta más contenta de que hay cada vez más directoras y guionistas en Hollywood y la gente me pregunta que cómo es para mí ser mujer y dirigir acción a lo que contesto que es completamente neutral, gracias. Nunca he había hecho acción pero la comprendo, la manejo bien y la veo como una forma diferente de narrar, sin más. No creo que estemos en un post MeToo sino dentro de él, seguimos hablando de él y debemos seguir usándolo para poder hablar, pero sobre todo para abrir las puertas de trabajo de las mujeres a Hollywood, para dar más diversidad a las voces que salen desde el cine". - La noticia "Las canciones no encajan en esta versión de Mulan". Lo que hemos aprendido en el encuentro con la directora del remake de Disney fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

'Los Simpson' tuvo que lidiar con la polémica a finales de 2017 cuando el documental 'The Problem with Apu' criticaba la representación del dueño del badulaque de Springfield, algo que la propia serie abordó de tal forma que solamente sirvió para avivar más las quejas. Poco después surgió el rumor de que la serie podría prescindir del personaje pero finalmente se ha optado por una solución diferente. Hank Azaria había prestado su voz a Apu desde la primera temporada de la serie, pero ya no volveremos a escucharle cuando el personaje haga acto de presencia en la serie. El propio actor lo ha confirmado a Slash Film con las siguientes palabras: Todo lo que sé es que no volveré a hacer esa voz a menos que sea para hacer un cambio o algo. El futuro de Apu está por decidir En Espinof Guía de supervivencia de 'Los Simpson': el momento definitivo en que la serie comenzó a fallar Azaria también destacó que fue una decisión que tomaron entre todos y de mutuo acuerdo, señalando también que es lo que había que hacer. Sin embargo, esto no significa que el personaje vaya a desaparecer de la serie, tal y como él mismo dejó claro: Lo que hagan con el personaje es decisión suya. Depende de ellos y todavía no lo han solucionado. Todo lo que hemos acordado es que yo no haré más esa voz. Recordemos que la principal queja que se tenía de Azaria era que se trataba "un tipo blanco imitando a otro tipo blanco burlándose de mi padre" (en alusión al personaje de Peter Sellers en 'El guateque'), por lo que solamente hay dos soluciones razonables: eliminar el personaje -o tenerlo de fondo sin que llegue a decir nada- o contratar a algún actor indio como sustituto. 'Los Simpson' están emitiendo actualmente su 31ª temporada y la última vez que Azaria prestó su voz a Apu fue en el decimosexto episodio de la temporada 28. - La noticia 'Los Simpson' pierde a la voz original de Apu: el futuro del personaje está en el aire fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La sátira cinematográfica centrada en el nazismo no es, ni mucho menos, algo nuevo. Para el recuerdo quedan valientes joyas estrenadas en pleno auge del régimen como 'El gran dictador' de Charles Chaplin o 'Ser o no ser' de Ernst Lubitsch, piezas como la divertidísima —y controvertida— 'Los productores' de Mel Brooks o ejercicios más recientes como la peliaguda 'Ha vuelto'. Una selección que demuestra que hay pocos objetos de mofa tan adecuados como los absurdos sobre los que se fundamenta el fascismo. Lo prolífico de este tipo de largometrajes —ya versen sobre el tema que nos ocupa o sobre cualquier otro— no es sinónimo de que el género sea fácil de llevar a buen puerto. De hecho, si la comedia ya es considerado el más complicado de ejecutar, la sátira requiere de un extra de inteligencia para mantener la ironía y la exageración a unos niveles que no eclipsen el discurso hasta hacer perder el sentido a la obra. En Espinof La Segunda Guerra Mundial contada a través de 25 películas y una serie definitiva Con 'Jojo Rabbit', Taika Waititi, que ya ha demostrado tener una mano única para la comedia con cintas como 'Thor Ragnarok' o 'Lo que hacemos en las sombras', opta por desechar cualquier tipo de contención para construir un relato "anti-odio" en una arriesgada jugada de la que sale plenamente airoso. Una filigrana formal, tonal y estilística capaz de conducir al respetable de la carcajada al llanto con honestidad, ingenio y un grandísimo corazón. Ridiculizando el ridículo Los mecanismos que permiten a 'Jojo Rabbit' salir triunfante de una gesta de la que, a priori, tenía complicado salir airosa, difieren mucho de los utilizados en los ejemplos mencionados anteriormente. En este caso, Waititi se esfuerza por desvincularse lo máximo posible de la realidad histórica del momento para transformar y reducir a un ridículo casi guiñolesco la Alemania Nazi, sus doctrinas y sus demenciales creencias. Así, el neozelandés moldea una suerte de universo paralelo que le permite criticar con lucidez aspectos como la propaganda, el lavado de cerebro o la utilización de los menores durante el Tercer Reich, mientras levanta el filme sobre unos cimientos en los que la fábula próxima al realismo mágico convive con una dureza de la que, tristemente, es imposible escapar cuando posamos nuestra mirada sobre un periodo tan oscuro de nuestra historia. Uno de los grandes aciertos que impulsan a 'Jojo Rabbit' de la categoría de encantadora rareza a la de largometraje que reivindicar es la elegancia con la que captura el exceso. Con un deje visual que evoca inevitablemente al Wes Anderson más recargado —con cuya estética, personalmente, no conecto lo más mínimo—, la puesta en escena y la dirección del cineasta kiwi brilla por su delicadeza, por su gusto en el detalle y por la calidez con la que retrata los pasajes más desoladores. Este enorme corazón que se vela entre sus fotogramas está igualmente presente en el gran reclamo de la cinta; un reparto en el que brillan desde el debutante Roman Griffin Davis hasta una selección de secundarios de lujo entre los que figuran pesos pesados como Sam Rockwell, una deslumbrante Scarlett Johansson y el propio Taika Waititi, cuyo Adolf Hitler, proyectado por la mente intoxicada de un crío de diez años, es sencillamente hilarante. Con una comedia que no teme en abrazar el slapstick y en transformar tragedia en divertida sinrazón, un contrapunto dramático de los que anudan la garganta y exprimen las lágrimas y una ternura impropia de las atrocidades que maquilla entre disfraces y caricaturas, 'Jojo Rabbit' se erige como un fantástico —y tristemente necesario— recordatorio para toda la familia de que el fascismo y el racismo nunca han tenido, ni tendrán, cabida en nuestra sociedad —a no ser que sean objeto de mofa—. - La noticia 'JoJo Rabbit': una delicia que ridiculiza el nazismo con lucidez y un gran corazón fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

La VII ceremonia de entrega de los Premios Feroz, galardones organizados por la Asociación de Informadores Cinematográficos de España (AICE), se ha rendido a 'Dolor y gloria', la favorita de la prensa de 2019. Además, las series 'Hierro' y 'Vida perfecta' y la comedia 'Ventajas de viajar en tren' también se llevan su parte de gloria. Un año de gloria La película de Pedro Almodóvar se llevó seis galardones: mejor película dramática, mejor dirección y guión (los dos para Almodóvar), actor protagonista, mejor actriz de reparto y música original. El cineasta subió muy emocionado a recoger sus estatuillas en una gala que también homenajeó a Penélope Cruz, natural de Alcobendas, donde se celebró la gala, y que puso el nombre de su ciudad en órbita cuando recogió el Oscar en 2009. El único galardón conocido antes de la gala era el Feroz de Honor para los legendarios hermanos Julia y Emilio Gutiérrez Caba, iconos de nuestro cine que se mostraron agradecidos con los premios y con sus compañeros de profesión, “los que hacen arte son los que levantan los países”. En Espinof "Ojalá 'The New Pope' sea la sucesora de 'Juego de Tronos'. Tenemos trono, y es uno muy cambiante". Javier Cámara En cuanto a la televisión, 'Hierro' y 'Vida perfecta' triunfaron con dos premios cada una. Javier Cámara, por 'Vota Juan' y Yolanda Ramos por 'Paquita Salas' se llevaron dos merecidos premios en comedia. La ceremonia contó con una importante representación institucional encabezada por el nuevo ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, así como varios de los nuevos ministros, que aprovecharon la ocasión para realizar su primera aparición institucional. Palmarés de los Premios Feroz 2020 Mejor película dramática 'Dolor y gloria' Mejor película de comedia 'Ventajas de viajar en tren' Mejor dirección Pedro Almodóvar Premio Feroz L’Oréal Professionnel a la mejor actriz protagonista de una película Belén Cuesta por 'La trinchera infinita' Mejor actor protagonista de una película Antonio Banderas por 'Dolor y gloria' Mejor actriz de reparto de una película Julieta Serrano por 'Dolor y gloria' Mejor actor de reparto en una película Enric Auquer por 'Quien a hierro mata' Mejor guion Pedro Almodóvar por 'Dolor y gloria' Mejor música original Alberto Iglesias por 'Dolor y gloria' Mejor tráiler Miguel Angel Trudu por el tráiler de 'Adiós' Premio Feroz FlixOlé al mejor cartel Miguel Navia por el cartel de 'El crack cero' Mejor documental 'La ciudad oculta' Premio Especial 'Sordo' Mejor serie dramática 'Hierro' Mejor serie de comedia 'Vida perfecta' Mejor actriz protagonista de una serie Candela Peña por 'Hierro Mejor actor protagonista de una serie Javier Cámara por 'Vota Juan' Mejor actriz de reparto de una serie Yolanda Ramos por 'Paquita Salas' Mejor actor de reparto de una serie Enric Auquer por 'Vida perfecta' Premio Feroz de Honor Julia Gutiérrez Caba y Emilio Gutiérrez Caba - La noticia Premios Feroz 2020: 'Dolor y gloria' arrasa en la noche de los premios de la crítica fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Aunque el gérmen del subgénero se ubique a finales de los años 40 junto a la brillante 'El perro rabioso' de Akira Kurosawa, protagonizada por Toshiro Mifune y Takashi Shimura, no sería hasta 1982 cuando Walter Hill popularizase y sentase las bases de las buddy cop movies con su 'Límite 48: horas'. Desde entonces, el legado del cineasta californiano ha ido proyectándose sobre producciones de todos los tipos, colores y tonos de la mano de cineastas de lo más variopintos. En 1995, un Michael Benjamin Bay de 30 años, curtido en el mundo de la publicidad y el videoclip, tomo el testigo de Hill —y de sus sucesores— y debutó en el largometraje con una buddy movie esencial para comprender el cine de acción noventero; una 'Dos policías rebeldes' que continúa tan fresca como el primer día y que ha terminado derivando en una improbable —y genial— trilogía. En Espinof Las 32 mejores películas de acción de la historia Con 'Bad Boys For Life', la saga de los detectives Mike Lowrey y Marcus Burnett adquiere un ligero tono crepuscular para enfrentar a sus protagonistas a los demonios de su pasado —y presente— y a un inevitable relevo generacional que planea sobre sus cabezas; un tema que trasciende a la ficción para dar forma a una secuela ejemplar y explosiva, capitaneada por dos directores emergentes, que poco tiene que envidiar a sus predecesoras. Ni rastro de Bayhem —ni falta que hace— La aparición de Michael Bay en 'Bad Boys For Life' es tan fugaz como simbólica. En su breve cameo, el de Los Angeles, literalmente, cede un micrófono a otro personaje para, después, desaparecer sin dejar rastro en lo que resta de metraje; algo que puede compararse al modo en que ha entregado los personajes con los que arrancó su carrera al dúo de realizadores compuesto por Adil El Arbi y Bilall Fallah. Fuimos muchos los devotos de la santa iglesia del Bayhem que temimos lo peor con este cambio de manos de la franquicia, pero, haciendo honor a la verdad, hay que reconocer que los belgas han hecho una labor excelente ya no sólo dando un empaque a la producción a la altura de las anteriores 'Dos policías rebeldes', sino haciendo la película suya mientras huyen de cualquier tentación de copiar estilos ajenos. Dicho esto, es necesario remarcar que la ausencia de Bay tras las cámaras es más que evidente, lo cual se traduce en unas set-pieces más contenidas y convencionales en su concepción y tratamiento visual—nada igualará a la persecución en la autopista de la segunda parte—; algo que no está reñido con que 'Bad Boys For Life' ofrezca un show rebosante de pólvora, explosiones, combates cuerpo a cuerpo y adrenalina a espuertas que sabrán disfrutar tanto habituales como neófitos. En contraposición a esto, la comedia y los pasajes volcados en el desarrollo de los personajes han cobrado un mayor peso, elevándose inesperadamente como la mayor virtud del filme. Las carcajadas están aseguradas en el nuevo show de unos Will Smith y Martin Lawrence que tienen sus roles completamente interiorizados, que derrochan química escena tras escena y que, junto a las nuevas incorporaciones, logran convertir en algo terrenal este disparate made in Hollywood. Por supuesto, no es oro todo lo que reluce en 'Bad Boys For Life', comenzando por un estridente y artificioso tratamiento del color que extrae lo peor de la ya aborrecible tendencia del orange & teal, y terminando por un argumento demencial y hasta, cierto punto previsible, en el que los giros absurdos y la necesidad de suspender la incredulidad constantemente están a la orden del día. Pero uno no se enfrenta a la tercera parte de 'Dos policías rebeldes' esperando otra cosa que no sea un espectáculo de alto nivel con el que pasar un rato inmejorable en una sala de cine, y eso, 'Bad Boys For Life', lo da en cantidades industriales, devolviéndonos el nervio y el estilo de las producciones marca de la casa Bruckheimer que hicieron las delicias del respetable hace ya un cuarto de siglo. Y eso es algo que no puede agradecerse lo suficiente. - La noticia 'Bad Boys for Life' no necesitaba a Michael Bay: una explosiva secuela a la altura de la original fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

¿Por qué esperar a disgustarse con los premios cuando podemos empezar a cabrearnos con las nominaciones? En la última entrega de nuestra serie de vídeo a los que todo les molesta, 'Old Man Yells at Cloud', arremetemos contra las nominaciones a los Oscar, que este año han pecado de un pasarse por el arco del triunfo todo eso de la representación, y tenemos cero mujeres nominadas a la dirección y unos candidatos mucho más blancos que de costumbre. Sorpresas ninguna, pero te traemos este vídeo para explicarte por qué eso es un problema y por qué si los Oscars quieren ser relevantes de aquí a unos años, deben cambiar de actitud. Y como aún nos quedan cosas de las que quejarnos, nos acordamos de que Netflix ha sido la productora con más nominaciones, por mucho que le pese a Spielberg, y si el record de 'Joker' es bueno para el mundo de las adaptaciones de comics o más bien todo lo contrario. Oscars regulares Todo ello en un vídeo que ha venido aquí a barrer para casa. ¿Son importantes los Oscars? Si no lo son, ¿por qué seguimos hablando de ellos todo el rato? ¿Envidia entre calvos? ¿Termómetro de la industria o espejo de las cosas que están regular en la sociedad? Nuestro Viejo Gritando a Nube no tiene las respuestas, pero te lo planta en la cara y luego tú ya decides. - La noticia Óscar 2020 y nuestros problemas con las nominaciones: racismo, misoginia, 'Joker'... fue publicada originalmente en Espinof por John Tones .

La última edición de mi adorado Festival de Sitges nos permitió ver en pantalla grande una de esas películas que poseen el atípico don de convertir el patio de butacas en una auténtica fiesta en la que el público, sus aplausos y sus carcajadas a todo volumen llegan a compartir protagonismo con los personajes que deambulan por la pantalla. Esta no fue otra que 'Guns Akimbo', la desquiciada comedia de acción dirigida por Jason Lei Howden —responsable de la divertidísima 'Deathgasm'— y protagonizada por un Daniel Radcliffe que, además de pasarse casi toda la película en gallumbos con dos pistolas atornilladas en las manos, vuelve demostrar que los tiempos de varitas mágicas y gafas redondas ya han quedado muy, muy atrás. Atentos al tráiler, porque no tiene desperdicio. A medio camino entre la oda al mundo del videojuego que nos brindó Edgar Wright en su 'Scott Pilgrim contra el mundo' y los excesos propios de las dos entregas de 'Crank' y, sobre todo, de la 'Gamer' de Mark Neveldine y Brian Taylor, 'Guns Akimbo' ofrece un auténtico jolgorio cargado de violencia y humor cafre que termina de redondear Samara Weaving, actriz que se está ganando a pasos agigantados un hueco enorme en el corazón de los amantes del cine fantástico actual. En Espinof Las 32 mejores películas de acción de la historia 'Guns Akimbo' llegará a Estados Unidos el próximo 28 de febrero. Como en tierras españolas ni tiene fecha de estreno, ni se espera que tenga —al menos de forma inminente—, os dejo con la sinopsis oficial de la película. "El nerd desarrollador de videojuegos —Daniel Radcliffe— disfruta demasiado de liarla en internet con sus comentarios ácidos, molestos y hostiles. Una noche, borracho, comete el error de soltar una pulla incendiaria en una emisión de Skizm, un club de la lucha mortal emitido al público en directo. Como respuesta, Riktor, el genio maníaco tras el canal, decide forzar a Miles y hacer que se una a la "diversión". Miles se despierta para encontrar dos pistolas enormes atornilladas en sus huesos, y descubre que Nix —Samara Weaving—, la estrella de Skizm de gatillo fácil, es su primer oponente". - La noticia Tráiler de 'Guns Akimbo': Daniel Radcliffe se desmadra con dos pistolas atornilladas en las manos fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

La primera temporada de ‘Sex Education’ fue toda una revelación. En ella podíamos disfrutar de una serie fresca sin miedo a tratar temas que en otras series ni siquiera se mencionarían y ademas con buenos personajes de los que realmente querías conocer su historia. La duda estaba en si sus responsables serían capaces de confirmar que no fue una casualidad, ya que no son pocas las series que bajan considerablemente de nivel en sus segundas temporadas. Hoy salimos de dudas con la llegada a Netflix de la temporada 2 de ‘Sex Education’, la cual ya ha he tenido la oportunidad de ver completa. La conclusión general a la que he llegado es que se ha confirmado como una de las mejores series de la plataforma, potenciando sus puntos fuertes y permitiendo una evolución lógica en las tramas en lugar de limitarse a dar vueltas sobre las mismas ideas. Fiel a sí misma La primera temporada concluía con Otis siendo capaz de superar el trauma que le había impedido disfrutar de su sexualidad durante muchos años, pero eso no quiere decir que ahora todo vaya a ser un camino de rosas. Sigue siendo virgen y con un personalidad un tanto peculiar, ya que es capaz de dar buenos consejos a otras personas pero al mismo tiempo no termina de saber cómo actuar él mismo. En Espinof 24 grandes series de 2019: nuestras recomendadas y favoritas del equipo de Espinof Esta segunda temporada está orientada a descubrir quién es realmente él en lugar de quién aparenta ser por creer que es lo más adecuado. Todo el arco de su personaje va en esa dirección y Freddie Highmore vuelve a bordarlo, tanto cuando le toca ser un nerd entrañable como cuando era el tiro y actúa como un gilipollas integral. A fin de cuentas no deja de ser un adolescente y durante esa etapa todos fuimos un poco idiotas en algún momento. Curiosamente es el propio Otis el que menos se ve afectado por la llegada de nuevos personajes con cierto peso en la historia, ya que Rahim (Sami Outalbali) se convierte en el nuevo interés romántico de Eric, Viv (Chinenye Ezeuduson) es la nueva tutora de Jackson, mientras que Isaac (George Robinson) es un joven en silla de ruedas vecino de Maeve. No dejan de ser adiciones para ampliar el universo de la serie en lugar de supeditarlo todo a la historia de Otis. Y es que es verdad que la serie no arriesga demasiado en esta segunda temporada, pero sí es consciente de que ofrecer una visión más coral de la historia ayuda a que la sensación de desgaste nunca haga acto de presencia. De hecho, no se tarda en alterar ciertas dinámicas que seguro que todos contábamos con que diesen más de sí, consiguiendo de esta forma que la frescura de sus inicios no se desvanezca. Más variada Eso no quita que el papel de Otis como consejero siga teniendo un peso notable, tardando bien poco en aparecer una amenaza que podría poner su existencia patas arriba una vez mas. Además, en su propia casa tampoco lo va a tener nada fácil por el hecho de iniciar una relación con Ola cuando su madre inicia al mismo tiempo otra con Jakob. Que puede que Otis haya dejado atrás su trauma sexual, pero su madre va a seguir provocándole múltiples incomodidades. En Espinof Las 29 series de estreno más esperadas de 2020 Más allá de eso, se sigue prefiriendo dotar a la sexualidad de un componente cómico, pero la serie sabe cuándo es necesario ponerse algo más seria, en especial con la subtrama que afecta a Aimee. El personaje interpretado por Aimee Lou Wood ya evolucionaba de forma clara en la primera temporada, pero en la segunda es quien camina por una línea más fina que podría haber desequilibrado la serie pero sale airosa del reto. Otro gran acierto de la segunda temporada es ofrecer una visión mas variada de la sexualidad. Siguen faltando temas a tratar -tampoco era plan de forzar para meterlo todo en apenas ocho episodios-, pero sí que se ofrece un dibujo mucho más amplio que potencia la faceta mas divulgativa de la serie. Y es que en ‘Sex Education’ se dan consejos a otros personajes, pero al mismo tiempo se abordan temas que muchos espectadores seguramente no conozcan. Por último me gustaría destacar que también se añaden ciertos elementos en algunos tramas para darle una pizca de culebrón a algunas relaciones. No es algo exagerado en ningún caso y se siente como una prolongación convincente de lo que hemos visto, pero espero que sea algo que se sepa medir igual de bien en caso de que haya una tercera temporada, porque el final de la segunda exige una continuación. En resumidas cuentas Ha sido un place reencontrarme con ‘Sex Education’, pues la pérdida del factor sorpresa no ha provocado que pierda esa frescura con la que nos conquistó en la primera temporada. Además, ha diversificado aún más su propuesta, sus personajes siguen siendo bien identificables y las tramas siguen enganchando sin la necesidad de hacer nada raro con ellas. - La noticia 'Sex Education' se reafirma como una de las mejores series de Netflix en su estupenda temporada 2 fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .