Entre Fans

Cuarenta y dos. Han pasado cuarenta y dos años desde que se estrenase el primer —o el cuarto, según cómo se mire— episodio de 'Star Wars' y, vayan ustedes a saber por qué, 'Una nueva esperanza' continúa recibiendo modificaciones, estando la última de ellas relacionada de nuevo con la infame escena de la muerte de Greedo a manos de Han Solo en la cantina de Mos Eisley. El nuevo cambio en este momento ya no tiene que ver con quién disparó primero —parece que se ha optado por dejar más que claro que fue el alienígena—; en esta ocasión han decidido que la criatura suelte un exabrupto justo antes de ser alcanzado por el disparo del blaster del personaje de Harrison Ford. En Espinof Star Wars: todas las películas de la saga ordenadas de peor a mejor Nadie sabe nada Pero, ¿qué diantres significa "Maclunkey"? ¿Estaba planeado que Greedo dijese esto en el momento del rodaje? Para intentar aclarar esta incógnita, la gente de Empire ha entrevistado a Paul Blake, el actor que prestó su cuerpo al asesino intergaláctico —la voz corrió cargo de Larry Ward— y, parece ser que el hombre está tan perdido como nosotros... "No, definitivamente no estaba en el diálogo. Quiero decir, Larry hizo los fragmentos de voz más tarde, nada de lo relacionado con las voces se hizo en Elstree. Creo que se usaron algunas de mis palabras, que mezclaron electrónicamente. Greedo ni siquiera era un rodiano cuando filmamos, tan sólo le llamaban 'el alien'. Lo poco que hablo en inglés fue una simple y directa escena de cowboy. '¿Vas a algún sitio? Dame el dinero. Si no me das el diner, te pego un tiro. Llevo esperando esto mucho tiempo'. Hasta donde recuerdo, eso fue todo, pero, desde luego, no recuerdo la palabra 'Maclunkey'". Perdiendo toda esperanza en dar sentido al susodicho "Maclunkey", Blake también fue preguntado sobre la postura de Lucasfilm cuando se realizan estos cambios. ¿Cómo se enteró del último? ¿Reciben los involucrados algún tipo de notificación por parte de Lucasfilm o Disney cuando se modifican sus escenas? La respuesta NO os sorprenderá. "Mike Carter, que interpreta a Bib Fortuna, el tío con las orejas extrañas y largas del palacio de Jabba, me escribió diciendo '¡MACLUNKEY!'. Yo le contesté, '¿De qué cojones estás hablando?'. Él dijo, '¡Es un nuevo descubrimiento! Podría ser tan importante como Howard Carter y la tumba de Tutankhamon!'. No supe de lo que estaba hablando durante diez minutos, hasta que eché un vistazo a la escena y pensé, 'Claro'. Disney o Lucasfilm son los últimos que nos informan de algo... a no ser que sean sus abogados, de ellos tenemos noticias muy rápido". Después de semejante dardo envenenado, Blake concluyó con una dosis de buen humor, especulando sobre el significado del "palabro" y riéndose de la patanería del pobre Greedo —y de la simpatía de los fans hacia él—. "Diría que es el último aliento de Greedo. Es algo rodiano. Antes de morir, cada rodiano dice 'Maclunkey'. Es algún tipo de tradición ancestral... Nunca he conocido a ningún fan agresivo con Greedo. Parece que les gusta por alguna razón, y no sé por qué; es el asesino más inepto desde los orígenes de los asesinos. Si hablamos sobre el Ronin 43, él hubiese sido el número 297 y jamás hubiese salido de la escuela". También te recomendamos 'The Mandalorian: Jon Favreau ya está escribiendo la segunda temporada de la primera serie de 'Star Wars' en acción real George Lucas se sintió traicionado por Disney con la tercera trilogía de Star Wars ¿Quién disparó primero? Disney+ vuelve a cambiar la escena de Han Solo y Greedo en el Episodio IV de Star Wars - La noticia 'Star Wars': el actor que interpretó a Greedo tampoco tiene ni idea de lo que significa "Maclunkey" fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Los ritmos de emisión de 'La que se avecina' son bastante curiosos, ya que Telecinco suele aprovechar su popularidad para guardarse los nuevos episodios como un as de la manga. Por ello, la undécima temporada aún no se ha emitido completa pese a haberse estrenado, pero la noticia ahora es que al fin tenemos fecha para el regreso de la los vecinos de Montepinar. Vuelve esta misma semana Será este miércoles 20 de noviembre cuando 'La que se avecina' regrese a Telecinco a partir de las 22:40. Recordemos que el anterior episodio se emitió el pasado 12 de junio, por lo que los fans han tenido que ser muy pacientes para poder ver los cinco episodios restantes de esta undécima temporada. En Espinof 'La que se avecina', diez años de terapia nacional De esta forma, la temporada 11 de 'La que se avecina' debería llegar a su fin el 18 de diciembre. Telecinco ya ha adelantado que en ellos veremos tramas como una inesperada sorpresa recibida por Lola, Amador encontrando un trabajo tan improbable para él como masajista tántrico o Antonio Recio despertando al fin del coma en el que estaba tras un accidente. Buenas noticias para los montepinarianos. ¡Los nuevos capítulos de #LQSA llegan el miércoles, a las 22:40 horas, en @telecincoes! 🙌😍👏 https://t.co/vR23eRVu9E pic.twitter.com/dt2uNFgwlp — La que se avecina (@la_queseavecina) November 17, 2019 Por ahora ya está confirmada una duodécima que ya ha finalizado el rodaje de su primera parte -está previsto que se emite en dos tandas de ocho episodios cada una-, siendo entonces cuando se tomará una decisión definitiva sobre el futuro de 'La que se avecina': continuar lejos de Mirador de Montepinar o centrarse en un spin-off de la serie. Lo que sí es seguro que será la última tal y como la hemos conocido hasta ahora. También te recomendamos 'La que se avecina', saturación y agotamiento, ¿ha llegado el momento de dejar de verla? El tráiler de la temporada 10 de 'La que se avecina' adelanta el regreso de "la mejor serie de televisión" 'La que se avecina': Montepinar acusa cierto cansancio en un arranque de temporada 11 con momentos brillantes - La noticia 'La que se avecina': ya hay fecha de estreno para el regreso de la temporada 11 fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Apple es una de las muchas compañías que quiere su porción de la tarta del streaming. Con Netflix como enemigo a batir y Disney+ como el servicio de moda sin haber llegado a muchos países, Apple TV+ ha intentado diferenciarse con un gran precio -apenas 4,99 al mes- y un catálogo por ahora poco abundante pero en el que se ha apostado por los grandes nombres para atraer el mayor número posible de clientes. Una de las series que mejor recoge esa tendencia es ‘The Morning Show’, en la cual se cuenta con Jennifer Aniston, Reese Witherspoon, Steve Carell y un montón de rostros que al menos sonarán al público. Una jugada maestra sobre el papel que a la hora de la verdad es una propuesta muy directa que deja de lado cualquier tipo de sutileza para hacernos llegar lo que quiere contar. A la yugular ‘The Morning Show’ tiene un punto de partida muy potente: uno de los dos presentadores de un longevo espacio matinal es acusado de acoso sexual, siendo inmediatamente despedido. Esto genera una crisis sin precedentes en un programa cuyo seguimiento ya empezaba a mostrar ciertos síntomas de decadencia. A partir de esto, la serie creada por Jay Carson -aunque Apple le sustituyó por Kerry Ehrin mucho antes de que la serie fuese la que ha llegado a ser- va siempre a la yugular, exteriorizando de la forma más explícita posible lo que pasa por la cabeza de sus personajes. En Espinof Las 31 mejores series de 2019... hasta ahora Habrá quien no vea nada negativo en este punto, pero resta credibilidad a la serie. En la intimidad uno puede entender que actúen de esa forma, pero cuando lo hacen en todo momento, incluso estando acompañado por otros personajes que podrían afectar de forma negativa a sus acciones, la serie sigue igual. En este caso no estamos ante un ejemplo de consistencia en la forma de ser de sus personajes, ya que más bien parece una forma de dar a los protagonistas el mayor arsenal posible para lucirse sin importar las consecuencias. A su manera, ‘The Morning Show’ parece haber dado por buenas muchas de las lecciones estilísticas de ‘The Newsroom’, la serie creada por Aaron Sorkin cuyo tibio recibimiento le llevó a anunciar su retirada de la pequeña pantalla. No obstante, donde allí se potenciaba lo aleccionador, ofreciendo una visión un tanto ingenua de este mundo, aquí se opta por el conflicto, los puñales por la espalda y la confrontación. En Espinof Las 23 mejores series para hacer un maratón en Netflix, HBO, Amazon y Movistar+ Esto lleva a que la forma de actuar de algunos personajes llegue a resultar un tanto errática -actuando a arreones en lugar de siguiendo una lógica interna que los haya definido hasta ese momento-, algo que tiene su sentido en el caso de Carell, ya que no termina de saber cómo hacer frente a unas acusaciones que considera injustas -una de las mejores escenas de estos cinco primeros episodios es la que comparte con Martin Short, un depredador sexual reconocido mientras él se resiste a asumir esa etiqueta-, pero no con los demás. La importancia de las estrellas Lo normal hubiese sido que todo esto destrozase la serie hasta tal punto que sería no ya imposible tomárselo en serio -presentada de otra forma podría haber sido un drama televisivo apasionante que entrase de lleno en un tema de candente actualidad-, sino simplemente disfrutar con ella, pero es ahí donde contar con un reparto de tal nivel resulta decisivo para evitarlo. No voy a decir que se trata de las mejores actuaciones de ninguno de los actores, pero sí que todos ellos abrazan las peculiaridades de sus personajes y les imprimen un saber estar que lleva a que simplemente queramos saber cómo va a continuar ‘The Morning Show’. Y es que puede que el cine cada vez valore menos la importancia de contar con verdaderas estrellas al frente del reparto -ahora pesa más la franquicia, sobre todo si se trata de cine de superhéroes-, pero ‘The Morning Show’ demuestra que puedes confiar en ellas para sacar a flote un material cuestionable. Tampoco es que hagan milagros -la relación entre los personajes de Aniston y Carell está siguiendo unos caminos difíciles de asumir incluso dentro de un ecosistema tan peculiar como el de esta serie-, pero su sabe restar y la convicción que aportan ayuda a que uno se deje llevar hasta cierto punto. Lo curioso es que visualmente sí está más cerca de conseguir ese componente de entretenimiento de lujo pero con algo de mensaje que ‘The Morning Show’ busca en los guiones sin saber muy bien cómo conseguirlo. No es que sea memorable en ese punto, pero Mimi Leder logra unir con acierto unas inquietudes que parecen mas propias de una serie ambiciosa de netowrk de hace unos años con la realidad actual, en la que las producciones de streaming van camino de dejar obsoleto el sistema tradicional televisivo. En resumidas cuentas ‘The Morning Show’ podría haber sido un desastre de no contar con el reparto que tiene, pero ellos evitan que se convierta en un accidente a punto de ocurrir del que no puedes apartar la vista. También Aniston, Witherspoon y Carell son los que consiguen engancharte y que pases por alto sus obvias limitaciones. Al menos por ahora, ya que tengo mis dudas de que su salta de sutileza no acabe siendo una pega que también afecte al atractivo de sus estrellas. También te recomendamos 'Murder Mystery 2': los criminales en el mar de Adam Sandler y Netflix ponen en marcha la secuela de su éxito Tráiler de 'See': la apuesta post-apocalíptica de Apple TV+ con Jason Momoa llega junto a nuevos detalles sobre el servicio de streaming 'Friends' regresa: HBO Max prepara un reencuentro especial con los seis protagonistas de la serie - La noticia 'The Morning Show': la serie de Apple TV+ lo confía todo a sus estrellas fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Netflix sigue con su producción de series españolas y esta vez cuenta con Oriol Paulo, director de 'Durante la tormenta' y 'Contratiempo' para crear su nueva ficción: 'El inocente', adaptación de la novela homónima de Harlan Coben. La serie, que constará de ocho episodios, comenzará a rodarse el próximo viernes 22 de noviembre con un reparto bastante llamativo: Mario Casas ('Instinto'), Aura Garrido ('El ministerio del tiempo') y Alexandra Jiménez ('Atrapa a un ladrón') protagonizarán el thriller con un guion de Paulo, Jordi Vallejo y Guillem Clua. En Espinof “España tiene que dejar de dar por culo a la cultura”: Oriol Pla, Aura Garrido y Jesús Carroza, protagonistas de 'El día de mañana' Casas se mete en la piel de Mateo, un exconvicto que sufrió condena por asesinato. Garrido interpreta a Olivia, su esposa, que está embarazada. Una llamada desde su móvil vuelve a destrozar la vida de Mateo por segunda vez. La verdad es que aun es pronto para hablar de la serie, pero últimamente las series españolas de Netflix me parecen cortadas por el mismo patrón, y la breve sinopsis no me invita a pensar en algo distino. Pero bueno, habrá que ver si Oriol Paulo logra darle más personalidad a esta propuesta. También te recomendamos El thriller español 'El cuerpo' tendrá remake en Hollywood: Isaac Ezban dirige la nueva versión de la película de Oriol Paulo 'Contratiempo', indignante disparate Netflix presenta su sede en España anunciando dos series: el regreso a televisión de Luis Tosar y una adaptación de Harlan Coben - La noticia Netflix ficha a Mario Casas, Aura Garrido y Alexandra Jiménez para 'El inocente' su nueva serie española fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El viernes 15 de noviembre llegaba a los cines españoles 'Madre', la película dirigida por Rodrigo Sorogoyen a partir del cortometraje de mismo título que llegó a estar nominado al Óscar. Sorogoyen ha vuelto a contar en la cinta con Marta Nieto para dar vida a la gran protagonista de la función y en Espinof hemos tenido la oportunidad de hablar con ella: ¿En qué momento comparte contigo Rodrigo Sorogoyen que quiere convertir ‘Madre’ en una película? Siempre lo había dicho, es verdad que él había verbalizado esta situación, pero nunca me había quedado realmente mucho claro ni que realmente quisiera, ni por dónde querría llevarla en ese caso, ni que se iba a hacer tan pronto. Me sorprendo con un regalo en forma de guion el día que ganamos el Goya por el corto me lo dio. De hecho, yo subí allí y dije que íbamos a hacer el largometraje, porque me acababa de leer el guion y estaba entusiasmada. Me parecía una joya, porque él tenía una exploración como director en la que yo confiaba mucho y porque a mí me regalaba un espacio creativo que no me habían dado antes. En Espinof Las 16 mejores películas de 2019... hasta ahora ¿Cuál tu aportación al personaje y qué vino dado por parte de Rodrigo Sorogoyen? Además, siendo madre en la vida real, ¿en algún momento pensaste en que te podría pasar algo así a modo de inspiración? Bueno, los procesos creativos son muy farragosos de explicar y como muy complejos porque son poco organizados. Los míos, los de cada uno yo no sé. Yo necesito tener muy claras ciertas cosas, experiencias por las que pasa, cierto arco de años. Mis cosas, y esto pasa por entenderlo, por hablar con gente que te cuenta su experiencia de verdad, por leer mucho, por ver, por inspirarte. Así voy decidiendo un mapa de esos 10 años. Luego le cuento todos mis hallazgos a Rodrigo, porque me parece importantísimo que haya la unión entre los dos a la hora de contar la película. Al igual que el me contaba a mí como quería rodar ciertas escenas, y a mí me sirve como actriz. No es lo mismo que la cámara esté aquí que allí. Ahí sí que hemos tenido un proceso que me ha parecido muy rico, divertido y maravilloso. Y a la hora de poner de mí misma en el personaje yo no me puedo separar de mí misma, no puedo de que soy madre y mi hijo se llama León. Igual que no me puedo separar de que tengo este cuerpo, es parte de mi herramienta de trabajo. Eso significa que cualquier otra persona lo puede interpretar con sus características, siendo madre o no. Por ello, el universo al que me ha llevado tiene que ver conmigo, sí, mi forma de ser y mi forma de no ser. Uno elige Elena es en esto como yo y en esto no tiene nada que ver conmigo. En la película el paisaje en el que transcurre la película tiene mucha belleza visual pero también cierto elemento oscuro, ¿eso es algo que percibiste durante el rodaje o se debe mas a la puesta en escena de Rodrigo Sorogoyen? Yo creo que está retratado muy apropiado. Yo me fui varias semanas antes varias veces a esa playa a investigar, a ver, y ese espacio es para mí parte de Elena, habita dentro de ella, porque es el último lugar donde ha estado su hijo y porque ella se ha anclado a ese lugar como si fuera su hijo. Además, al ser tan salvaje, la naturaleza en estado puro. Ese mar impresionante. Te diré que yo trabajando en ese bar para practicar… cada día moría alguien. Había ambulancias salvando a surferos y a gente en esa playa salvaje., ese frío Lo terrorífico, lo dramático, fantasmagórico, lo tremendo es esa playa nublada. Es ese frío, ese olor, ese ruido, ese mar que te ensordece y no oyes nada. Y lo maravilloso, lo suave, lo sutil, lo bonito es esa playa soleada con Jean caminando. Ese espacio tiene todo, el Iván que estuvo y el que no está, la Elena que estuvo y la que está. Tiene a Joseba y tiene a Jean. Sí que me parece simbólico, y al estar rodado con grandes angulares tiene una presencia y un espacio mucho más que cualquier otro tipo de óptica. Y de cine yo creo que también, se le da mucho espacio al ambiente porque lo tiene, porque pesa. En Espinof Las 11 mejores películas españolas de 2019 (hasta ahora) La relación de Elena con Joseba es un poco como el apoyo que la saca del agujero pero sin conseguirlo del todo, ¿cómo trabajaste esa relación con Álex Brendemühl? Ella está muy aislada, es una mujer que arrastra su pena inevitablemente. Ella lo intenta, intenta sobrevivir a la vida y disfrutarla en la medida de lo posible, pero hay un lugar de incomunicación y aislamiento siempre, pero porque nadie además de ella puede entender lo que el pasa, por mucho que te lo explique. Este drama es tan radical que la propia experiencia marca la estructura de tu personalidad. Se quieren, se apoyan y ella valora muchísimo todo. Es una relación calmada, sosegada, calurosa, pero ella está muerta. Quien sí podría entenderla mejor es el personaje del ex, que aparece en una de las escenas más intensas de la película, ¿cómo fue rodarla? Fue muy guay, por esa cosa de magia que pasa en el cine. Esa escena era un plano secuencia diferente. La ensayamos todo un día, era aquí en la sierra de Madrid, y era un plano secuencia de lo de Sorogoyen. Los dos caminando, la montaña, bajábamos, giras, te pones, no sé qué, la raíz del árbol, aquí te paras. Estaba todo fetén, finiquitado, pero llegamos al día siguiente a rodarlo, que él hace eso, un día de ensayo técnico y otro día de rodaje, y empezó a llover. Tres de la tarde y no habíamos rodado nada, y los tiempos eran muy justos. Y como es un tío muy genial, dijo que íbamos a hacerlo así, en el bar del sitio donde estábamos. Y ahora pensamos, y él también, que menos mal que llovió, porque no tenía ningún sentido haberlo rodado de otra manera que no fuera la quietud focalizada en ellos, en la mirada de ellos que se acaban de ver tantos años después. Y sostén eso, con una cámara flotando que no tiene presencia, con una silla en medio vacía. Lo ensayamos de una manera y luego salió como tenía que salir. Esto es cine. Hay dos o tres momentos en la película que son cine y este es uno de ellos para mí. ¿Hubo que hacer algún ajuste en los diálogos por ello? Sí, ajustamos dos o tres cosas, pero la conversación era prácticamente la misma. Era una escena de diez páginas, un momento muy importante con el personaje del padre que sale por primera vez en la película, que se le pone cara. Había un riesgo y una responsabilidad con contar esta cosa, pero fue mínimo el ajuste. ¿Con Jules Poirier ensayasteis antes antes para encontrar ese nivel de intimidad entre Elena y Jean? Hicimos pruebas de cámara, pero por separado. Es que lo encontramos en París muy pronto. Teníamos miedo de no encontrar al actor porque era un personaje muy delicado. Tiene que ser joven pero no mucho, natural además, muchas cosas. Apareció enseguida y todo fue claramente hacia él, había que rodar la película antes de que creciese. Después ha sido todo muy orgánico, yo como actriz no tenía la necesidad de trabajar con el nada, más allá de que nos entendíamos y de que había química. Elena no entiende nada y yo no quiero entender nada, yo quiero sentir qué le pasa a ella cuando está con el. Jules además es muy generoso y tiene esta naturalidad innata… es buenísimo actor así porque sí. Él se dejaba llevar, estaba siempre positivo. Yo te diría que casi todas las escenas de la película han salido a la primera o a la segunda de una manera muy orgánica. La relación que surge entre ellos es muy especial ¿hay alguna idea de recuperar a los personajes dentro de varios años? Ojalá. Se lo voy a decir a Rodrigo, que lo piense, que empiece a darle vueltas, que lo haga. No lo hemos hablado, es verdad que como él siempre tiene finales abiertos, siempre da para pensar, estimula el imaginario. Por ultimo, ¿cómo fue la experiencia de ganar un premio en Venecia? Suena a tópico y todo lo que voy a decir es cursi, pero la bomba, un sueño. Imaginate inaugurar la película en un Festival como Venecia y llevarse premio… te reconforta el alma. Yo llevo muchos años currando y es la primera vez que tengo un personaje tan jugoso. Que te reconozcan el trabajo te da una palmadita en plan vas bien. Los momentos en los que uno puede pararse y decir “Ah, estoy aquí” son ciencia-ficción. Es un lugar de reconfortar para seguir, porque uno no se puede quedar quiero. También te recomendamos 'Madre': Marta Nieto se adueña de la notable secuela del cortometraje de Rodrigo Sorogoyen Tráiler de 'Madre', la película de Rodrigo Sorogoyen que continúa su cortometraje nominado al Oscar Venecia 2019: 'Madre'. Rodrigo Sorogoyen nos sorprende con la expansión de su aclamado cortometraje - La noticia "Casi todas las escenas de 'Madre' han salido a la primera o a la segunda de una manera muy orgánica". Marta Nieto fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Tras la polémica de la semana pasada sobre el formato de emisión de la serie de Fox, Disney ha emitido un comunicado donde promete corregir la relación de aspecto de su emisión de 'Los Simpson'. Cuadrando el rectángulo Por fin ha llegado (para algunos) el esperado servicio de streaming Disney+, estrenado el pasado martes con algunos estrenos tan ansiados como 'The Mandalorian' o algunas de las películas clásicas de la compañía. Sin embargo, uno de los más grandes (por tamaño) es 'Los Simpson', que han plantado sus treinta temporadas en la plataforma. Sin embargo, los aficionados más fieles descubrieron rápidamente un problema: las primeras 19 temporadas del espectáculo se presentaron en una relación de pantalla ancha de 16: 9 en lugar de la relación de pantalla completa de 4: 3 con la que se creó la serie. En Espinof De 'Los Simpson' a 'Alien': series, personajes y franquicias de Fox que ahora son Disney Esto significa que todos los episodios han visto cortadas las partes superior e inferior de la imagen para ajustarse a la proporción de 16: 9, perdiendo así en el proceso un montón de gags visuales, además de arruinar las composiciones y deformar alguna que otra cara. Ahora, desde Disney han emitido una declaración anunciando planes para solucionar el problema de la relación de aspecto: "Presentamos 'Los Simpson' con una relación de aspecto de 16: 9 en el estreno para garantizar la calidad visual y la coherencia en las 30 temporadas. Con el tiempo, Disney+ lanzará nuevas funciones y opciones de visualización adicionales. Como parte de esto, a principios de 2020, Disney + hará que las primeras 19 temporadas (y algunos episodios de la Temporada 20) de la serie estén disponibles en su relación de aspecto original 4: 3, dando a los suscriptores una opción de cómo prefieren ver el series". Desde mediada la vigésima temporada, la serie comenzó a producirse con una relación de aspecto de 16: 9, por lo tanto, no se ven afectados". También te recomendamos Disney+ incluye avisos sobre posibles representaciones culturales inapropiadas en algunas de sus producciones más antiguas 'Los Simpson' llega mutilada a Disney+: el cambio de formato perjudica a la serie de Matt Groening 'What If...?': espectaculares clips de la serie animada de Disney+ con realidades alternativas del cine Marvel - La noticia 'Los Simpson': Disney+ promete solucionar el polémico formato de la serie fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Con el episodio 2 de la serie original de Disney + ya emitiéndose ya se ven mejor las intenciones del alucinante final del piloto. Pero los aficionados de 'Star Wars' no pueden parar de hablar de la revelación y el descubrimiento. 'The Mandalorian' ha convencido más a sus espectadores y han comenzado las teorías sobre las revelaciones y alguna apunta a 'Star Wars Episiodio I: La amenaza fantasma' (The Phantom Menace, 1999). OJO. SPOILERS DE LA SERIE EN EL TEXTO Un lobo solitario y un cachorro con midiclorianos Sin duda, las conversaciones en torno a la serie se están centrándo en el nuevo mejor amigo del Mandaloriano, que no es otra cosa que un bebé de lo que parece ser la misma especie que el maestro Yoda. Una cría alienígena de 50 años, que plantea muchas preguntas. Todos asumimos que Yoda era el último de su especie, y falleció en 'El retorno del Jedi' (Return of the Jedi, 1983) en la flor de la vida: 900 años. entonces, ¿de dónde viene esta cría y quiénes son sus padres? Gamespot tiene una teoría. En Espinof Es hora de reivindicar la trilogía de precuelas de 'Star Wars': todo lo que George Lucas hizo bien En 1999, 'La amenaza fantasma' dejó ver al Alto Consejo Jedi, y uno de sus miembros era Yaddle, una hembra de la especie alienígena de Yoda. Los dos sirvieron juntos en el consejo durante este tiempo. Yaddle solo apareció en la primera, pero después de la Batalla de Naboo, Yaddle dejó el Alto Consejo Jedi, donde fue reemplazada por Shaak Ti. Un dato que fue revelado en la serie de cómics 'Ultimate Star Wars'. Años más tarde, aproximadamente una década antes de la Batalla de Yavin, Yaddle fue asesinada en la Batalla de la Fortaleza Vader por el propio Lord Vader, en una serie de cómics de Marvel Comics. Aunque, en la época de las precuelas, el destino de Yaddle se detalla en el libro Jedi Quest: Shadow Trap. En el año 25 ABY (7 años después de 'La amenaza fantasma', 3 años antes de 'El Ataque de los clones'), Yaddle fue en misión diplomática con Obi-Wan y Anakin al mundo devastado por la guerra de Mawan. Resutando que en esta línea de canon (¿Qué es canon? ¿Qué no lo es?) sacrificó su vida para salvar a millones de personas de ser asesinadas por una arma biológica. Un verdadero descendiente de Yoda Si atendemos al canon ultimate, 'The Mandalorian' tiene lugar el 10 DBY (después de la batalla de Yavin), y 20 años después de la muerte de Yaddle. Teniendo en cuenta que es la única hembra de esta especie que hemos visto en el canon actual, y que trabajó con Yoda en el Consejo Superior Jedi, podríamos suponer que quizá Yoda y Yaddle son los padres del bebé en la nueva serie de Disney +.Dado que tiene 50 años, su nacimiento sería alrededor del 40 ABY, ocho años antes de 'La amenaza fantasma'. En Espinof Cómo están funcionando los cómics de Star Wars en Marvel Yoda y Yaddle presumiblemente estuvieron juntos en el Alto Consejo Jedi, tal vez parte de la decisión de Yaddle de dejarlo fue para poder criar a su hijo de ocho años. Y cuando Anakin mató a todos los apredices, podría haberle escondido antes de unirse a otros Jedi para tratar de derrotar a Darth Vader en la batalla en Mustafar. Dónde acabó la cría sigue siendo un misterio y cualquier otra teoría es una conjetura. Todo lo que se sabe es su edad y que había otros dos de esta especie en el canon actual de Star Wars, pero teniendo en cuenta cómo los personajes de las películas y series de televisión de Star Wars se van conectando, no es mala teoría este árbol genealógico descendiente de Yoda, más si atendemos a la capacidad de usar la fuerza del bebé, que no sabemos si ha sido "enseñado" o le surge por ser una especie con más afinidad a... los midiclorianos. Probablemente, eso es el punto más flojo de esta nueva aparición, que ha jugado sus cartas de lo mono que es el miniyoda (un poco gastando la carta de Gizmo de 'Gremlins' o los Porgs de 'Los últimos Jedi' (The Last Jedi, 2017) si me preguntas), pero arrastrando consigo mucha de la credibilidad de lore establecido. ¿Hay Jedis tan poderosos sin un entrenamiento? ¿solo es posible en una especie como Yoda? Independientemente de que esto tenga respuesta en más spin offs, series animadas, merchandising o explicaciones del mismísimo George Lucas, mi humilde opinión es que esto le quita parte, bastante o mucho del encanto del personaje de la trilogía original y de la propia fuerza, al saber que hasta un pequeño hombrecillo verde puede aprender y convertirse, con el paso de siglos de sabiduría, en uno de los seres más poderosos de la galaxia, independientemente de su raza, tamaño, color o midiclorianos. O lo que es lo mismo, más banalización torpe de la magia para crear gifs y memes en twitter e instagram. También te recomendamos 'The Mandalorian': tráiler final de la esperadísima serie de 'Star Wars' que se estrena con Disney+ Todas las series y películas de Disney+: ya sabemos el catálogo completo con el que se lanzará la nueva rival de Netflix 'The Mandalorian': más nostalgia Star Wars en un sencillo y espectacular western espacial de aventuras - La noticia 'The Mandalorian': así encaja Yoda en la serie de Star Wars en Disney+ fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

'Liberté' transita por la extrañeza de la noche, en busca del misterio y la fascinación que la oscuridad encierra. Sus largos, estáticos y esteticistas planos desnudan, literalmente, a los libertinos que vagan en un bosque en busca de encuentros sexuales donde la perversión es la única ley y donde los individuos, lejos de toda humanidad, quedan relegados a ser voyeurs deseantes de la lujuria que observan con una mezcla de atención y deseo. La nueva película de Albert Serra, con la que el director ganó el Premio especial del Jurado en Un Certain Régard en Cannes, se aleja de manera radical a su anterior obra cinematográfica, 'La muerte de Luis XIV'. De hecho, según explica el propio director, 'Liberté' es un acto de redención tras su última película: "Le gustó demasiado a la gente, así que prometí que con la próxima les daría más por el culo [literalmente]. Y cumplí". En Espinof Cannes 2019: las 16 mejores películas y lo peor del festival más importante del mundo Esta propuesta, ambientada en la Europa del siglo XVIII, está protagonizada por libertinos que harían sentir verdadero orgullo al Marqués de Sade. El grupo huye de la corte puritana de Luis XVI para poder seguir alimentando su perversión, y, de camino a Alemania, vagan en la noche de un bosque en el que dan rienda suelta a sus fantasías más oscuras. Una obra que, si bien radical por su nula construcción narrativa, encuentra en sus fragmentos más audaces potentes reflexiones en torno a la mirada y a la pulsión del deseo. De hecho, el gran interés de la nueva película de Albert Serra nace de la fricción entre la expresión intelectual del deseo y la consumación del mismo, del choque entre la razón y el instinto: en definitiva, de un enfrentamiento que pretende despojar al impulso sexual de todo raciocinio en busca de la aceptación de los lugares más oscuros del ser humano. De 'Personalien' a 'Liberté', del disfrute a la opresión Por su propia concepción y naturaleza, 'Liberté' es inseparable de 'Personalien', una instalación realizada por el director para el Museo Reina Sofía que consistía en dos pantallas enfrentadas en una sala oscura en la que se sucedían escenas sexuales de la misma línea que las que pueblan la película. Y, en la instalación cabe un disfrute posible, mientras que en la película sólo queda opresión y vacío. La multiplicidad de pantallas es la que marca la distancia de lo lúdico a la imposición: "En 'Personalien' había un lado más inmersivo al permitir el movimiento del observador, incluso un placer perverso de formar parte de aquello. Pero en 'Liberté', que interpela al espectador de forma muy directa, el placer desaparece, porque se impone una realidad de forma tan abrupta que es imposible escapar". En Espinof Las 17 mejores películas con escenas de sexo real que no son películas porno De hecho, eso convierte a 'Liberté' en el perfecto opuesto de 'Personalien', porque al pasar de imágenes proyectadas en una sala oscura por la que es posible moverse a las que hay en una sala cinematográfica con un asiento fijado, la "revelación espiritual de las imágenes es completamente diferente". "En 'Personalien' podías compartir, mientras que en 'Liberté' hay una interpelación directa, la película efectúa sobre el espectador algo similar a un crimen", sentencia el director. Eso sí, el germen de la película no está en una instalación sino en una obra de teatro homónima del propio director, que fue recibida en Berlín con poco entusiasmo. De hecho, fue una de las críticas negativas la que engendró las obsesiones de Serra: "Hubo una frase que me marcó: «Dos horas y media de actores abandonados sobre el escenario». Exactamente lo que estaba buscando. Y toda la película nace como una obsesión para ir al fondo de esta idea". 'Liberté': un oscuro tratado sobre la mirada y la perversión El abandono es una práctica habitual en la obra de Serra, que está en el ADN de su cine y que está llevado al límite en 'Liberté': "Los actores están abandonados delante de la cámara, y la desnudez les hace aún más vulnerables. No han leído el guión, y están incomunicados casi al completo conmigo. De ahí, las cámaras escrutan algo que está allí, algo sobre lo que yo no tengo ninguna idea, ni los propios actores pueden controlar". Algo que contrasta con el atractivo visual de la película, con imágenes que apelan a la mirada del espectador para entrar en un juego que hastía y fatiga. No en vano, durante las dos horas que se extiende la cinta, se suceden las distintas perversiones sexuales de los protagonistas -desde lluvias doradas hasta la banalización con la propia vida humana-, siempre con las miradas de anhelo de los que tienen que conformarse con ser voyeurs de ese espectáculo primitivo. En Espinof Las 11 mejores películas españolas de 2019 (hasta ahora) Precisamente, de esta tensión nace el misterio al que aspira Serra, que explica: "Hay un envoltorio aparente, rococó, casi barroco, muy estetizante, decorativo… Pero ese envoltorio se desarma, se destruye poco a poco hasta que se impone la crudeza". Y una vez llega lo crudo, sólo quedan cuerpos deseantes, que miran con lujuria y que sólo tienen expresión física, no intelectual. Es entonces cuando 'Liberté' se desvela como un tratado sobre la propia mirada y el sometimiento de la misma. Y ahí el fuera de campo juega un papel fundamental, pues es elemento que permite, a través de la observación indirecta de la perversión -esto es, observar a los sujetos deseantes que miran con atención y deseo a los que llevan a cabo los actos de lujuria-, introducir de forma directa al espectador como un observador más dentro de algo que parece un crimen. De este delito sólo es posible escapar "yéndote de la sala", como señala Serra: "Es hacer trampas en el juego, engañarse a uno mismo. Tienes que soportar la película". Una cinta que, aunque parezca provocadora en vista de su propuesta, no lo es tanto, como apuntilla el director: "La única provocación que hay en la película es el título, porque te dice: si no haces esto, no eres libre". También te recomendamos 'The Forest of Love': Sion Sono vuela libre en Netflix con otra película diabólica 'Stuber Express', un divertido retorno a la vieja fórmula de las películas de colegas 'Noche de bodas' es una de las películas más entretenidas de 2019 - La noticia "La única provocación que hay en 'Liberté' es el título, porque te dice: si no haces esto, no eres libre". Albert Serra fue publicada originalmente en Espinof por Antonio Ramón Jiménez Peña .

Tras una pausa la semana que viene con motivo del Día del Soltero que se celebraba apenas unas horas después, regresa Cazando Gangas a Espinof, la sección en la que repasamos las mejores ofertas del mundo del cine y la televisión de estos días. Hoy encontraréis, entre otros artículos, la colección de 'Gremlins' en dvd, la serie completa de 'Los Soprano' en blu-ray un Funko Pop de Berlín, el popular personaje de 'La casa de papel'. ¡Vamos allá! Películas Blu-ray Se acercan las Navidades y la franquicia 'Solo en casa' es todo un clásico de esas fechas. Si queréis celebrarlas volviendo a ver 'Solo en casa 2: Perdido en Nueva York' en alta definición toca recurrir a esta edición italiana. Puede ser vuestra por 8,25 euros Mamma ho riperso l'aereo - Mi sono smarrito a New York [Italia] [Blu-ray] PVP en Amazon 8,25€ Otro título que para conseguir en alta definición hay que recurrir a una edición extranjera que incluye audio y subtítulos en español. Me refiero a 'Estado de sitio', que podéis sumar a vuestra colección por 7,07 euros No creo que tenga muchos fans, pero cuesta creer que haya que recurrir a una edición extranjera para conseguir 'Capitán Trueno y el Santo Grial' en alta definición. Al menos solamente tendréis que pagar 9,36 euros DVD Mientras seguimos esperando a ver si realmente algún día se hace la tercera entrega, podemos recuperar este pack con las dos partes de 'Gremlins'. Por 6,99 euros en lugar de 9,18 puede ser vuestro. Pack Gremlins 1+2 [DVD] PVP en Amazon 6,99€ PVP en El Corte Inglés 9,99€ La edición especial por el 45 aniversario de 'Mary Poppins' -aunque ya han pasado 55 de su estreno- se puede conseguir por 9,19 euros 'Campeones' tuvo un éxito de tales proporciones que seguramente nadie esperaba, por lo que es probable que la hayas visto. ¿La quieres en tu colección? Por 11,99 euros puede ser tuya. Steelbooks Matt Reeves se ha llevado gran parte del crédito del reboot de 'El planeta de los simios', pero la primera entrega, la que realmente relanzó la saga estaba dirigida por Rupert Wyatt. Si todavía falta en tu colección, ojo a esta edición de 'El origen del planeta de los simios' por 8,51 euros La Planète des Singes : Les origines [Francia] [Blu-ray] PVP en Amazon 8,51€ Destrozada sin piedad en su momento, sigo creyendo que 'Battleship' era un pasatiempo bastante decente. Si eres de la misma opinión o incluso más positiva, ojo a esta edición por 8,09 euros No dejéis de echar un ojo a esta gran selección de ediciones en caja metálica con un precio ya de por sí jugoso, pero es que Zavvi las ha puesto en oferta con un 10% de descuento adicional utilizando el código STEEL10. Ojo, que son ediciones inglesas y muchas pueden que no incluyan audio o subtítulos en español. UHD Poco arriesgada pero muy efectiva y con varios Óscar en su haber, incluyendo el premio gordo. Sí, hay más de una cinta que responde a esa descripción, pero en esta ocasión me refiero a 'Green Book', que baja de 24,75 a 18,99 euros Green Book Blu-Ray Uhd 4k [Blu-ray] PVP en Amazon 18,99€ PVP en El Corte Inglés 25,99€ 'Prometheus' no consiguió la unanimidad deseada de los fans, pero seguro que no soy el único que siente más respeto hacia ella después de 'Alien: Covenant'. Ahora si queréis haceros con ella en UHD, os toca ir preparando 8,76 euros Un buen 2x1 siempre viene bien para ampliar tu colección y en esta ocasión podéis elegir entre más de 60 ediciones de Sony. Series de televisión Blu-ray De 105 a 67,89 euros baja la serie completa de 'Los Soprano'. Unánimemente aplaudida como una de las mejores de todos los tiempos, no puede faltar en la colección de cualquier amante de la ficción televisiva. Pack Los Soprano Temporada 1-6 Blu-Ray [Blu-ray] PVP en Amazon 67,89€ PVP en Fnac 72,74€ PVP en El Corte Inglés 73,50€ En Fnac tienen activa una oferta de lo más estimulante si no puedes esperar hasta el Black Friday: un montón de series completas con un 30% de descuento. Una opción ideal para los amantes del anime. En El Corte Inglés tienen en marcha una promoción en la que se puede conseguir gran parte del catálogo de Selecta 2x1. DVD 'Cosmos' es una de las series documentales más importantes de la historia y en Amazon le han metido una buena rebaja al pack con la serie al completo remasterizada y en versión extendida. Podéis haceros con ella por 17 euros. Cosmos (Versión Extendida) [DVD] PVP en Amazon 17,00€ PVP en El Corte Inglés 30,99€ Muy buena la rebaja que tiene la serie completa de 'V' -la original, no el remake-. Su precio pasa de 35 a 25,89 euros. Que echen un ojo los nostálgicos a esta oferta: la serie animada al completo de 'Inspector Gadget' puede ser vuestra por 40,18 euros. Merchandising Figuras Berlin es uno de los personajes más queridos de 'La casa de papel' y no podía faltar el Funko Pop dedicado a su figura, el cual además incluye versión Chase. En Amazon podéis haceros con él por 8,75 euros. Funko 34498 POP Vinyl: Televisión: La casa de papel, Modelos Surtidos PVP en Amazon 8,75€ PVP en La Casa del Friki 12,95€ De 178,49 a 56,99 euros baja esta impresionante figura de Star-Lord, el personaje interpretado por Chris Pratt en el universo cinematográfico de Marvel. Hay películas de las que es prácticamente imposible encontrar productos de merchandising y 'Están vivos' es una de ellas. Por ello, sospecho que esta figura tendrá un lugar privilegiado en la colección de muchos cinéfilos. Su precio ha bajado de 21,99 a 16,99 euros. Ropa El frío ya está con nosotros y una buena bufanda siempre viene bien para ponerse enfermo. Y me da que seguro que hay más de un fan de Harry Potter por aquí. Elige de qué cada de este universo la quieres y paga apenas 3,76 euros Bufandas de Harry Potter PVP en Aliexpress 3,76€ Además de camisetas, también necesitamos sudaderas, y mucho mejor si llevan capucha. En Zavvi encontraréis una gran selección con motivos de 'Friends', 'Samurai Jack', 'Joker' o 'El rey león' por 19,99 euros cada una. Sal de la ducha con estilo con este albornoz de 'Los Vengadores' que además lleva de regalo un Funko Pop a elegir entre varios modelos. Puede ser vuestro por 41,99 euros Otros Ojo a este pack de 'Vengadores' que incluye una camiseta y cinco coches de juguete con motivos de personajes del universo Marvel por apenas 16,99 euros. Pack con camiseta y cinco coches de Los Vengadores PVP en Zavvi 16,99€ Más de un amante de 'Friends' seguro que no se puede resistir a este pack de productos de la serie. Una camiseta, una taza, un posavasos y una caja metálica con motivos de una de las mejores series de todos los tiempos por 16,99 euros ¿Toca renovar la colección de tazas de tu casa? Pues no dejéis pasar esta oferta que te permite hacerte con dos tazas frikis de una amplia selección por 20 euros Audio y vídeo Televisores Pedazo rebaja del 38% para el smart TV Philips 55OLED903/12 en El Corte Inglés. Pasa de 2.199 a 1.349 euros. No es habitual encontrar un OLED a estos precios, y ojo, que además de una pantalla de 55'' también incluye resolución UHD 4K, Android TV como sistema operativo, sonido Bowers&Wilkins y tecnología Ambilight en 3 lados. TV OLED 139 cm (55") Philips 55OLED903/12 UHD 4K con Android TV y Ambilight en 3 lados PVP en El Corte Inglés 1349€ PVP en Electronic World 1385€ En El Corte Inglés encontraréis una muy buena rebaja si estáis buscando un LED de 50'': el modelo Philips 50PUS7304/12 se queda en 479 euros. 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Funko 34498 POP Vinyl: Televisión: La casa de papel, Modelos Surtidos PVP en Amazon 8,75€ Pack Los Soprano Temporada 1-6 Blu-Ray [Blu-ray] PVP en Amazon 67,89€ Pack Gremlins 1+2 [DVD] PVP en Amazon 6,99€ Mary Poppins - Edición 45 Aniversario [DVD] PVP en Amazon 9,19€ Campeones [DVD] PVP en Amazon 11,99€ La Planète des Singes : Les origines [Francia] [Blu-ray] PVP en Amazon 8,51€ Battleship [Francia] [Blu-ray] PVP en Amazon 8,09€ Prometheus (4K Ultra Hd+Blu Ray) [Italia] [Blu-ray] PVP en Amazon 8,76€ Green Book Blu-Ray Uhd 4k [Blu-ray] PVP en Amazon 18,99€ Ritter des heiligen Grals [Blu-ray] [Alemania] PVP en Amazon 9,36€ Mamma ho riperso l'aereo - Mi sono smarrito a New York [Italia] [Blu-ray] PVP en Amazon 8,25€ Siege [Edizione: Regno Unito] [Reino Unido] [Blu-ray] PVP en Amazon 7,07€ También te recomendamos Primeros detalles de 'Gremlins: Secrets of the Mogwai', la precuela animada del clásico de Joe Dante Colección Harry Potter, serie completa de 'Downton Abbey' y disfraz de 'La casa de papel' en nuestro Cazando Gangas Colección 'Venganza', serie completa de 'Los Soprano' y espada de 'Juego de Tronos' en nuestro Cazando Gangas - La noticia Colección 'Gremlins', serie completa de 'Los Soprano' y Funko Pop de 'La casa de papel' en nuestro Cazando Gangas fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Clásicos animados por un tubo, 'The Mandalorian', producciones Marvel como 'What If...?'... El catálogo actual y venidero de Disney+ tiene los suficientes alicientes como para merecer una suscripción en cuanto llegue a tierras españolas el próximo mes de marzo, pero de entre toda su oferta, si hay una serie a la que estoy deseando echar el guante, esa es 'Gárgolas'. Pero la creación de Greg Wiseman vuelve a ser noticia en pleno 2019 gracias a una atípica decisión por parte de la compañía del ratón Mickey, que la emitirá sin censura en su plataforma de streaming por primera vez desde su estreno original en 1994. Así lo ha confirmado el fan Greg Bishansky en su cuenta de Twitter. Can confirm! Disney+ contains the uncut and uncensored Gargoyles! Not the Toon Disney/Disney XD edits. The show hasn't aired in this format since the mid nineties, and was only available this way on DVD.#KeepBingingGargoyles — Greg Bishansky (@GregXB) November 12, 2019 ¿Y qué podría censurarse en una serie de animación destinada a un público infantil? Esta pregunta nos lleva a 'Deadly Force', el octavo episodio de la primera temporada de 'Gárgolas', en el que Broadway dispara accidentalmente a Elisa con un arma de fuego y que, además, muestra las manos de la criatura manchadas de sangre. Un capítulo que fue eliminado de las reposiciones del show en Toon Disney y Disney XD tras las quejas de un buen número de padres. El propio Wiseman, consciente del repunte de popularidad de 'Gárgolas' gracias a su desembarco en Disney+, no sólo está instando a los fans a través de su cuenta de Twitter a meterse un buen atracón con las aventuras de estos "héroes mitológicos"; también se muestra optimista con la posibilidad de un reboot de las mismas. Aunque lo que sería la bomba es que llegase a buen puerto la adaptación live action que Jordan Peele afirmó estar preparando hace una temporada. Por soñar, que no quede. También te recomendamos 'What If...?': espectaculares clips de la serie animada de Disney+ con realidades alternativas del cine Marvel Disney+ incluye avisos sobre posibles representaciones culturales inapropiadas en algunas de sus producciones más antiguas 'Los Simpson' llega mutilada a Disney+: el cambio de formato perjudica a la serie de Matt Groening - La noticia Disney+ emite 'Gárgolas' sin censura por primera vez desde su estreno en 1994 fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

La despedida que se dio a Iron Man en 'Vengadores: Endgame' es difícil de superar. En Disney están tan convencidos de ello que incluso están promocionando la idea de que Robert Downey Jr. merece un Óscar por la que parecía que iba a ser la última vez que diese vida a Tony Stark. Hoy sabemos que no va a ser el caso, ya que volverá a interpretarlo en 'What if...?'. Un regreso con truco Hace apenas unos días vimos los espectaculares primeros clips de esta serie animada que veremos en Disney+ y ahora ha sido Jeff Goldblum el que hadado más detalles en una charla con BuzzFeed -tenéis el vídeo un poco más abajo-. En concreto, Goldblum ha desvelado que va a volver a prestar su voz al Grandmaster en al menos un episodio en el que también aparecen Korg (Taika Waititi) y Iron Man, interpretado una vez más por Downey Jr. En Espinof Todas las películas del Universo Marvel ordenadas de peor a mejor La verdad es que el regreso de Downey Jr. tiene todo el sentido del mundo, ya que los 23 episodios que darán forma a 'What if...?' explorarán escenarios alternativos de todas las películas del MCU hasta ahora. Por lo tanto, tampoco sería de extrañar que Chris Evans vuelva a ser el Capitán América una vez más. La única mala noticia es que todavía tendremos que esperar bastante para ver 'What if...?', ya que no llegará al catálogo de Disney+ hasta verano de 2021. De hecho, parece que será la cuarta serie de Marvel en llegar a la nueva plataforma de streaming, pues antes se lanzarán 'The Falcon and the Winter Soldier', 'WandaVision' y 'Loki'. También te recomendamos La serie animada de Marvel 'What if...?' explorará las 23 películas de la saga del infinito 'What If...?': espectaculares clips de la serie animada de Disney+ con realidades alternativas del cine Marvel Marvel enseña el épico tráiler para 'La saga del infinito' mostrado en la Comic-Con para ponernos los pelos de punta - La noticia Robert Downey Jr. volverá a ser Iron Man en 'What if...?', la serie animada para Disney+ fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Mucho ojo a lo que os traigo a continuación, porque puede ser una de esas noticias únicas e irrepetibles, capaces de obrar el milagro de unificar a la dividida y convulsa comunidad cinéfila bajo un manto de amor y hermandad: Nicolas Cage está negociando para interpretar a Nicolas Cage en una película sobre... ¡Nicolas Cage! La cinta en cuestión no se titula 'Nicception' —chistaco—, sino 'The Unbearable Weight of Massive Talent' —algo así como 'El insoportable peso de un gran talento'— y, en ella, Cage interpretaría a una versión ficticia de si mismo, que deberá lidiar con su carrera profesional mientras se ve involucrado en un conflicto relacionado con a CIA y el capo de un cartel de la droga. En Espinof Nicolas Cage revela sus 13 películas favoritas 'Nicception' Según profundiza la exclusiva de The Hollywood Reporter, el Cage del filme, además, "habla ocasionalmente con una versión egocéntrica si mismo salida de los años 90 que le machaca por hacer demasiadas películas malas y haber dejado de ser una estrella". Música para mis oídos. Pero esto no es todo, porque este pobre Nic también estará hasta el cuello de deudas económicas, "viéndose obligado a acudir por dinero a la fiesta de cumpleaños de un multimillonario mexicano que resulta ser un gran fan del actor y que está deseando enseñarle un guión en el que ha estado trabajando". Y aquí es cuando la cosa se desmadra. "Mientras estrecha lazos con él, la CIA informa a Cage de que el multimillonario es el capo de un cártel de la droga que ha secuestrado a la hija de un candidato a la presidencia de Mexico, y es reclutado por el gobierno de Estados Unidos como informante. La situación se descontrola aún más cuando el Mexicano invita a la hija y a la ex mujer de Cage para que se reconcilien, y con sus vidas en riesgo, Cage interpreta el papel de su vida." Por si este delirio de sinopsis os parece poco, 'The Unbearable Weight of Massive Talent' tendrá una gran carga metaficcional, y hará referencia a películas reales como 'Leaving Las Vegas', 'Cara a cara' o '60 segundos'. Yo, personalmente, no puedo pedir más. 'The Unbearable Weight of Massive Talent' está escrita por Kevin Etten y Tom Gormican, ocupando también este último el asiento del director. Según ha trascendido, Gormican escribió a Cage comentándole que el guión "es una carta de amor, y no algo que pretenda reírse de él". El bueno de Nic aceptó, y el proyecto está tirando hacia adelante. Pura magia. También te recomendamos Nicolas Cage anticipa su retirada como actor para centrarse en la dirección Tráiler de 'Teen Titans GO! To The Movies': los jóvenes titanes se ríen de las películas de superhéroes (y de sí mismos) Nicolas Cage protagonizará 'Jiu Jitsu': una locura de ciencia ficción y artes marciales con alienígenas de por medio - La noticia Nicolas Cage interpretará a Nicolas Cage en una película sobre... ¡Nicolas Cage! fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Durante los cinco años que pasaron entre su cortometraje 'Quand on est amoureux c'est merveilleux' y su primer largo, Fabrice Du Welz tuvo tiempo para saber adaptar su bestialismo romántico al nuevo horror francófono que derribó fronteras a principios de la década pasada. Además, con aquel debut titulado 'Calvaire', el cineasta belga inició una trilogía sobre el amor loco que culmina ahora con su último trabajo, 'Adoration', un desgarrador relato adolescente sobre el final de la inocencia, el amor y la locura. Entre ambas reina la que sigue siendo su obra maestra, 'Alléluia'. Les petits sauvages Cuatro premios se llevó la película en la última edición del festival de Sitges, incluyendo un Méliès d'Argent, un premio especial del jurado, una mención a sus protagonistas y el más que merecido reconocimiento a la labor fotográfica de Manuel Dacosse, uno de los directores de fotografía más alucinantes del momento. En Espinof 19 grandes películas y series que desmontan el mito del amor romántico de Hollywood 'Adoration' es un viaje hacia lo desconocido. Una historia cruel narrada como un cuento de horror. Un viaje al corazón de la oscuridad donde fantasía y realidad conviven en una extraña harmonía y donde hay dolor en ambas orillas. La película cuenta la historia de Paul, un niño que se volverá loco de amor por Gloria, una adolescente con problemas a la que conocerá en los jardines del hospital mental donde vive con su madre, trabajadora del centro. Paul es un niño dulce y sensible que ama la naturaleza y que vivirá en sus carnes el despertar del amor y el final de la inocencia de la manera más brusca posible a través de la volatilidad de Gloria. Como el grueso de la obra del cineasta belga, la historia escuece y toma los riesgos habituales en el director (esa banda sonora de su habitual Vincent Cahay), pero es tal la naturalidad de sus dos protagonistas, Thomas Gioria y Fantine Harduin, que cargan todo el peso de la película en su mochila con una facilidad pasmosa. Dos interpretaciones de altísimo nivel que hacen grande una película que, al contrario de lo que suele pasar con el cine del director belga, va de más a menos. Gioria, visto en la aterradora 'Custodia compartida', brilla aguantando las embestidas físicas y emocionales de Harduin, cuya mirada resulta lo más inquietante que ha dado el cine este año. La entrañable aportación de un Benoît Poelvoorde que estaba condenado a aparecer en una película de su vecino, pone la guinda interpretativa (y reflexiva) a la historia. Malas tierras ardenesas El amor como monstruo es el punto de partida del cine de Fabrice Du Welz. Como una suerte de precuela de 'Alléluia', sus personajes están condenados a un futuro consistente en devorar o ser devorado. En mantenerse unidos a cualquier precio. En la adoración. Por eso en esta ocasión el punto de partida de la historia se antoja mucho más atractiva que la línea de llegada. El caserón de las sombras donde nunca se ve a nadie, un caserón que podría estar únicamente habitado por fantasmas (y búhos en el ático) que pululan (y ululan) alrededor de un joven con toda la vida por delante. Una vida que podría ser más corta de lo que él mismo pueda imaginar. Pero más allá de sus localizaciones increíbles, 'Adoration' es una película de personajes. Sus jóvenes protagonistas están constantemente en el punto de mira de una cámara que nunca los dejará partir. Una cámara orgánica que asfixia a los personajes y los embellece con una áspera fotografía de las que no solemos ver muy a menudo en las salas de cine. Su rodaje en 16mm y su director de fotografía, responsable de algunas de las más hermosas propuestas de los últimos años ('Dejad que los cadáveres se bronceen', 'Évolution' o la misma 'Alléluia'), la elevan muy por encima de la media. Probable punto y final a sus romances dolorosos, la película de Du Welz es un hermoso y desgarrador epitafio a la locura que empezó hace ya veinte años. Una película sensual y menos violenta de lo habitual que presenta el amor como acto de fe. Por si alguien tenía alguna duda. También te recomendamos Jonathan Glazer regresa a la dirección siete años después de 'Under the Skin' con un drama sobre el Holocausto 'Cómo vivir contigo mismo': Netflix nos hace reflexionar con una agridulce dramedia de ciencia ficción 'Joker' es excepcional: una película poderosa y libre, impropia de Hollywood en los tiempos que corren - La noticia 'Adoration', Fabrice Du Welz cierra su extraordinaria trilogía del amour fou con un desgarrador relato adolescente fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

El gran síntoma que aquejaba 'La peste' parece haberse resuelto con los cambios que acomete su segunda temporada, ya disponible en Movistar+. Después de una arriesgada primera entrega que optó por relatar una historia oscura y esotérica, 'La peste: La mano de la Garduña' continúa en el mismo universo pero deja de lado su apuesta estética tenebrista para adentrarse en el terreno de la acción y la mafia de época. "La enfermedad se ha acabado, la ciudad ya no está apestada y atraviesa una época de bonanza económica que la sitúa en su pico de riqueza, de ahí que fuéramos en una dirección totalmente distinta", señala Alberto Rodríguez, director de los dos primeros capítulos de la segunda temporada de 'La peste', al que Espinof ha entrevistado durante la presentación de esta nueva entrega en Madrid. "Nos escoramos más hacia la acción, no tanto hacia el thriller metafísico y reflexivo", apunta, por su parte, Rafael Cobos, guionista de la ficción. En Espinof 'La peste: La mano de la Garduña' apuesta por la acción en la solvente temporada 2 de la serie de Movistar "A ese cambio de ritmo también ayudó la forma de escribir de Rafael Cobos, que, al no ser verborreico, provocaba tempos internos y silencios en las diferentes secuencias", indica David Ulloa, director de cuatro de los capítulos de esta segunda temporada. Por su parte, Cobos realiza una comparación para señalar hacia dónde van los tiros de esta nueva entrega: "Mientras que la primera temporada era como 'El nombre de la rosa', 'La mano de la Garduña' está más cerca de 'Los intocables de Eliot Ness'". Estas modificaciones afectan ya no sólo a la construcción argumental, sino también a su ritmo narrativo y a su concepción estética. Algo que explicaría la disminución de la que fue la gran apuesta de la serie en su primera temporada: el uso de una iluminación oscura que se ajustaba al tono esotérico y misterioso de la historia, desechado en 'La mano de la Garduña' para acercarse más al gran público y a las condiciones de visionado que ofrecen las nuevas pantallas. "Ha habido una elección, no tanto por contrarrestar las críticas, sino por ser conscientes de que no todo el mundo iba a ver la serie en un monitor perfectamente ajustado a las condiciones necesarias", reconoce Rodríguez. "No hay que engañarse: hacemos 'La peste' para llegar al mayor público posible, respetando una calidad concreta pero teniendo en cuenta que hay consumidores que van a ver la serie en un smartphone en el metro", señala. La maquinaria conquistadora de España en el Nuevo Mundo En su primer capítulo, 'La peste' sitúa a Mateo, su protagonista, en el Nuevo Mundo. Una decisión a la que los guionistas no recurrieron "para hablar de una España Gloriosa", sino porque es donde el protagonista "renace", como destaca Cobos. Pero la imagen de la tierra conquistada presentada en la serie no es la habitual. Algo llamativo, pues, para más inri, está basada en la ocupación española de Puerto del Hambre. "Se realizó una expedición de soldados españoles para levantar una ciudad que evitara el paso a piratas ingleses hacia Perú, y más de trescientos soldados murieron a la espera de víveres", explica Cobos. "Era un acontecimiento que nos pareció significativo, porque habla del sinsentido de las conquistas", sentencia. En Espinof Las 27 mejores series españolas que puedes ver en Netflix, HBO, Amazon, Movistar+ y otras plataformas de VOD Pero esta "desmitificación" del Nuevo Mundo también tuvo impacto en el cambio de Mateo, como indica Ulloa: "Nuestro protagonista se vincula con los valores humanos, ve la luz y se convierte en un ser social gracias a ese nuevo mundo y a las personas que lo habitan, que no están contagiadas por la perversidad de la ciudad". "El mito del buen salvaje", apuntilla Rodríguez. Mateo tiene ahora "más chispa", como señala Pablo Molinero, que encarna al protagonista de la serie y que también destaca, respecto a la desmitificación del Nuevo Mundo, que es un "ejercicio de autocrítica, de limpieza en la mirada": "No es peor reconocer que España no iba tan bien, como lo hacemos en la historia gloriosa. Era igual de duro de lo que puede ser hoy en día". Sevilla y La Garduña 'La mano de la Garduña' ya no sigue la afección de la peste en la Sevilla del siglo XVIII, sino "el pulso por el poder". "El equilibrio de ambos es lo que mueve la ciudad, y lo que nos interesaba era hablar de cómo se balancea este poder", apunta. Algo que secunda Federico Aguado, que encarna a Pontecorvo, militar de Flandes que se convierte en alcalde de Sevilla: "Mientras que la primera temporada habla sobre una enfermedad física, donde la plaga es la peste, la segunda habla de una enfermedad mental, donde la peste es el ser humano". Su personaje está inspirado en Francisco Arias de Bobadilla, cuarto conde de Puñonrostro, que fue alcalde de la Sevilla de entonces y paseaba disfrazado de mendigo para observar el estado de la ciudad desde dentro. Una ciudad que, entonces, estaba infectada por la Garduña, una mafia que controlaba a las prostitutas ilegales y se enriquecía a costa de ellas mientras el Cabildo hacía la vista gorda, y que son los elementos con los que se hacen visibles el delgado equilibrio del poder en la época. En Espinof Ocho personajes históricos que merecerían una serie En este sentido, hay una relación muy sintomática en la que la juventud toma los caminos del poder, tanto oficiales como subterráneos, que es la protagonizada por Valerio y Baeza. Y aunque ambos "vienen de la ******", el primero "consigue un estatus" durante esta segunda temporada, tal y como explica Sergio Castellanos, que encarna al hijo ilegítimo del difunto marido de Teresa. No es el caso del segundo personaje, criado en la Mancebía, que se ve obligado a tomar esta senda "por el escalafón social que ocupa", como señala Jesús Carroza, que da vida a Baeza. Eso sí, "es un personaje de alma incorruptible", sentencia el actor, que destaca la pasión que éste demuestra: "Ha nacido y crecido en la Mancebía y conoce a las prostitutas, y lo que quiere es mejorar sus condiciones". La mujer, bajo el yugo de la mafia Estas mujeres, tal y como recuerda Cobos, estaban "desprotegidas, porque los derechos de las que ejercían la prostitución, fuera en la Mancebía o bajo el yugo de la mafia, eran inexistentes". Preguntado si cree que hay una brecha socioeconómica que impedía a las prostitutas defenderse, afirma rotundo: "No es una cuestión económica, sino constitutiva". Algo en lo que está de acuerdo Rodríguez, que señala que, incluso para las mujeres de bien, "estaban relegadas a ser la-mujer-de, la-hija-de, la-madre-de…". Ahí destaca Teresa, que "levantaba muchas ampollas por intentar liderar un telar" durante la primera temporada. "En esta segunda, entra en el cabildo y es una molestia, un marrón", destaca Ulloa sobre el personaje al que interpreta Patricia López Arnaiz, que ha vivido una transformación desde la primera entrega que responde, según la actriz, a "una cuestión feminista": "Por mucho dinero y cultura que tenga, hay barreras que la sociedad le impide pasar". En ese aspecto, Claudia Salas agradece la oportunidad de interpretar a Escalante, una prostituta ilegal con especial relación con Baeza que sufre, de manera directa, la falta de derechos en un mundo en el que apenas puede tener aspiraciones: "A pesar de su contexto, es capaz de ser astuta e inteligente e intentar llevar su lucha, que es mejorar las condiciones de sus compañeras y las que van detrás". También te recomendamos 'La peste': el primer avance de la temporada 2 nos deja echar un vistazo al rodaje de la ambiciosa serie de Movistar+ Tráiler de 'La peste (La mano de la Garduña)': la temporada 2 de la serie de Movistar ya tiene fecha de estreno 'La peste: La mano de la Garduña' apuesta por la acción en la solvente temporada 2 de la serie de Movistar - La noticia La primera temporada de 'La peste' era como 'El nombre de la rosa', la segunda es más 'Los intocables de Eliot Ness'". Rafael Cobos fue publicada originalmente en Espinof por Antonio Ramón Jiménez Peña .

La idea de una serie de televisión de 'Sin City' ha estado dando vueltas por Hollywood desde 2013, pero todo indica a que que finalmente va a suceder. Frank Miller, creador de las novelas gráficas en las que se basaron las dos películas noir hiperestilizadas, ha firmado un acuerdo con Legendary Television para adaptar la franquicia a un programa de televisión, y Robert Rodriguez, quien codirigió las dos películas junto con Miller está en negociaciones para volver a la silla. Serie y ¿Precuela animada? Deadline informa del acuerdo entre Miller y Legendary, diciendo que "el acuerdo sobre la mesa es que Legendary garantice una primera temporada del espectáculo, dependiendo de que lo establezcan con una red o plataforma de transmisión". El acuerdo con Miller también incluiría una serie animada calificada R para una precuela de 'Sin City' basada en las novelas gráficas de Miller ”. Aunque las declaraciones no lo dejan claro, parece que hay dos proyectos separados: una 'Sin City' de acción real, que probablemente repetirá la estética visual establecida en las dos películas, y luego una miniserie animada para adultos adicional. En Espinof Las 37 mejores películas basadas en cómics y novelas gráficas Si el acuerdo continúa con Rodríguez, él y Miller serán productores ejecutivos en las series junto a Legendary Television, mientras que Stephen L'Heureux, productor de 'Sin City: A Dame To Kill For' y Silenn Thomas, director de la compañía de Miller, también producirán. En 2013, The Weinstein Company ya intentó reunir a Miller y Rodríguez, pero con la lluvia MeeToo no estaba el horno para pecados. Cuatro años después, Glen Mazzara de 'The Walking Dead' y el director Len Wiseman buscaron una nueva versión que nunca se materializó. Pero el formato de antología es más adecuado para 'Sin City' en la televisión que la pantalla grande por lo que este nuevo intento parece que toma mejores colores en una época de explosión de series y contenidos. También te recomendamos Robert Rodríguez dirigirá a Ben Affleck en 'Hypnotic': un thriller con atracos imposibles y programas gubernamentales secretos 'My Hero Academia': Legendary prepara una película de acción real basada en el manga de superhéroes Sylvester Stallone y Robert Rodríguez barajan resucitar 'Cobra' en forma de serie - La noticia 'Sin City': Fran Miller y Legendary desarrollan una serie que podría dirigir Robert Rodríguez fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

El cine español ha empezado a apostar con fuerza por los remakes de éxitos de otras cinematografías, aunque incidiendo lo mínimo en el hecho de que se trata de adaptaciones de películas preexistentes. Me vienen a la mente ejemplos como ‘Perfectos desconocidos’ o ‘Padre no hay más que uno’, títulos que gozaron de una gran acogida por parte del público a la que ahora aspira ‘Si yo fuera rico’. Nueva versión de la cinta francesa ‘Ah! Si yo fuera rico” estrenada en 2002, el nuevo largometraje de Álvaro Fernández Armero está siendo respaldado por una abrumadora campaña promocional por parte de Mediaset para animar así más al público a ir a verla. Por mi parte me temo que no estoy en condiciones de hacerlo, ya que se trata de una comedia con un sentido de humor con el que no comulgo demasiado y tampoco creo que brille demasiado en ello. Humor de brocha gorda La vida de Santi es una ******, así de claro te lo deja el propio tráiler, pero un día tiene un golpe de suerte y gana 25 millones de euros en la lotería, pero lo que debería ser una gran alegría se convierte en un problema cuando decide ocultárselo a todo el mundo. Como premisa es atractiva y Álex García funciona bien en el rol de tipo más o menos normal sin resultar un mediocre anodino, pero a partir de ahí se construye un relato basado en las confusiones, los malentendidos y las mentiras que nunca termina de arrancar más allá de la efectividad de las bromas ocasionales. En Espinof Las 11 mejores películas españolas de 2019 (hasta ahora) Y ahí conviene mencionar que hay momentos simpáticos como cuando el protagonista se venga a su manera de su nuevo jefe integrando así muy bien el cameo de Aritz Aranburu, en parte por lo bien que encaja Diego Martín en un papel de por sí un tanto desagradecido, pero también porque al menos hay cierta fluidez a la hora de construir el relato y no se sienten como pausas porque saben que lo realmente principal no va a ninguna parte. Eso no quita para que haya una tendencia clara al humor de brocha gorda, llegando incluso a optar por cierto ensañamiento con los personajes a costa de su aspecto físico o simplemente por el hecho de haber salido perdiendo en lo que se haya planteado, sin olvidarnos de unos detalles escatológicos muy poco conseguidos. Ahí es cuando ‘Si yo fuera rico’ resulta más cansina, una especie de cruce entre un tipo de comedia televisiva que ya deberíamos haber dejado atrás y el humor de algunas cintas americanas que funcionaban muy bien allí y pasaban un tanto desapercibidas en el resto del mundo. Escasa efectividad Esto último resulta curioso cuando uno de los detalles más llamativos de ‘Si yo fuera rico’ es que transcurre en Asturias, algo que se nos recuerda de tanto en tanto, ya sea a través de los diálogos o de los escenarios utilizados. Ojala Fernández Armero hubiera incidido más en este punto, ya que hubiese dotado de una mayor personalidad a la película y a buen seguro le hubiese permitido dar una mayor variedad cómica al relato. En Espinof Las 27 mejores comedias de la historia del cine Esta algo llega gracias a un poblado reparto de actores secundarios, que es donde encontramos lo más divertido de la función. Pienso por ejemplo en Antonio Resines y Jordi Sánchez, que demuestran buena soltura para amoldarse a unos personajes que sobre el papel deberían funciona peor de lo que lo hacen, en especial el segundo. No todo son aciertos en este punto -por ejemplo, los amigos del protagonista tienen bastante poca gracia-, pero al menos ayuda a dar algo de energía a la película cuando corría el riesgo de repetirse en demasiado y acabar cansando al espectador. Lo que funciona peor es la sucesión de embrollos en los que se ve envuelto el protagonista, tanto lo relacionado con su ex, una Alexandra Jiménez menos inspirada que en otras ocasiones -sobre todo porque no existe la química necesaria entre ella y Garcia-, como la forma en la que se ve afectada la relación con sus dos mejores amigos. Falta chispa e ingenio a la hora de plantear las situaciones -si hasta la forma de manejar narrativamente el dinero del premio resulta de lo más pereozos-, confiando en que lo que sucede sea ya suficiente para que el espectador se parta de risa. En resumidas cuentas ‘Si yo fuera rico’ dista muchísimo de ser una gran comedia y su sentido del humor tampoco será del gusto de una parte del público. Es verdad también que parece buscar un mínimo común para intentar conseguir que nos lo pasemos bien viéndola, pero en mi caso no fue posible. Lo que propone no encaja conmigo, pero en estos casos lo que importa al final es que te rías o no viéndola. También te recomendamos Sitges 2019: '3 from Hell'. Los Renegados del Diablo siguen funcionando como icono del mal en una obra menor de Rob Zombie ‘Atrapa a un ladrón’: Javier Olivares lleva el clásico de Hitchcock a Argentina en una serie sencilla y ligera Jason Statham y Guy Ritchie volverán a trabajar juntos en el remake del thriller francés 'Le Convoyeur' - La noticia 'Si yo fuera rico': una discreta comedia que sigue la misma fórmula de algunos de los últimos grandes éxitos del cine español fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Se han escrito ríos de tinta sobre la descomunal 'Joker' de Todd Phillips y Joaquin Phoenix. Que si era un peligro para el orden público y podía generar caos, violencia y destrucción, que si la narrativa del filme podría no ser lo que parece en primera instancia, que si está siendo terriblemente sobrevalorada... Batiendo récords Pero a Warner Bros. y DC, dejando a un lado el hecho de que todas estas polémicas les han servido como un altavoz promocional gratuito de lo más oportuno, lo que les importa en última instancia es hacer caja y arrasar en las taquillas de medio mundo. ¡Y vaya si lo han conseguido! En Espinof 'Joker' divide a psicólogos y criminólogos: una visión peligrosa de la enfermedad mental o el brillante estudio de un asesino Y es que ya podemos anunciar a bombo y platillo, y de forma oficial, que 'Joker' ha conseguido superar la barrera de los 1.000 millones de dólares de recaudación a nivel mundial. Algo aún más espectacular si cabe si tenemos en cuenta que el largometraje no se ha estrenado en China, uno de los principales objetivos de mercado para las grandes productoras a día de hoy. Este dato sitúa a esta suerte de 'Elseworld' de la editorial Detective Comics como la primera película calificada "R" de la historia en superar la barrera de los mil millones; todo ello partiendo de un presupuesto "irrisorio" —tratándose de una producción de un gran estudio basada en una licencia de cómic—, próximo a los 62 millones de dólares. El récord hace aún más posible que el Joker de Phoenix vuelva a la carga en una segunda parte más pronto que tarde. Tanto el intérprete como Todd Phillips ya han manifestado que estarían dispuestos a un segundo asalto bajo las circunstancias correctas, así que sólo queda esperar al retorno del Príncipe Payaso del crimen más oscuro de la gran pantalla. También te recomendamos 'Joker' es excepcional: una película poderosa y libre, impropia de Hollywood en los tiempos que corren 'Joker' arrasa en taquilla: arrebata un récord a 'Venom' y logra el mejor estreno de Warner en dos años ‘Joker’: qué ocurre realmente al final y las conexiones con Batman de la película más comentada del año - La noticia ‘Joker’ supera los 1.000 millones de recaudación y se convierte en la primera película calificada “R” en conseguirlo fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Netlix ha presentado el primer tráiler de 'El vecino', una nueva comedia protagonizada por Quim Gutiérrez y Clara Lago. Nacho Vigalondo es el encargado de dirigir la ficción, basada en las novelas gráficas de Santiago García y Pepo Pérez protagonizadas por el héroe de nombre Titán. En el vídeo deja claro el tono de humor con el que este torpe e inexperto superhéroe se enfrenta a sus poderes, que le concede el personaje interpretado por Jorge Sanz. 'El Gran héroe Americano', a la española Creada por Miguel Esteban y Raúl Navarro, 'El vecino' cuenta la historia de Javier ( Quim Gutiérrez), a quien las cosas no le van muy bien en el trabajo ni en su relación con Lola (Clara Lago). Lo que menos necesitaba era que un extraterrestre le cayera encima y le pasara sus superpoderes antes de morir."Anoche vino un tío del espacio y me cedió sus poderes para que sea un guardián cósmico o algo así", comenta. Estos superpoderes, que podrían cambiarle la vida, sin embargo, le alejan de la imagen del típico personaje de Marvel o DC. En Espinof Las 18 mejores películas de superhéroes que no son de Marvel ni DC Atosigado por sus cuestiones laborales y sentimentales, Javier debe decidir que hace esta nueva responsabilidad, y para ello cuenta con los consejos de su vecino, José Ramón (Adrián Pino), que le enseña a desenvolverse como un auténtico superhéroe. Una trama que parece una versión ibérica en toda regla de la mítica serie 'El gran héroe americano'. Carlos de Pando, Sara Antuña, Nahikari Ipiña y Eneko Gutiérrez son los responsables de la producción ejecutiva de esta serie original producida por Zeta Audiovisual (Élite)para Netflix. Catalina Sopelana ('Quién te cantará') y Adrián Pino ('Allí abajo'), completan el reparto. También te recomendamos 'The End of the F***ing World': Netflix lanza el tráiler de la temporada 2 de una de sus series revelación 'The Witcher': Netflix renueva la ambiciosa serie por una segunda temporada 'La costa de los mosquitos': Justin Theroux protagonizará para Apple Tv una nueva serie basada en la novela - La noticia Tráiler de ‘El vecino’, la nueva serie de superhéroes de Nacho Vigalondo para Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Si 'Vengadores: Endgame' ha sido uno de los eventos cinematográficos del año, no deberíamos ignorar la dimensión de 'One Piece: Estampida', la última película de la longeva y popular saga cercana en su concepción a la cinta de Marvel -y que, para más inri, tiene escena postcréditos-. La que es la decimocuarta cinta protagonizada por Luffy y sus nakamas celebra el 20 aniversario del inicio de la adaptación al anime es un frenético espectáculo de batallas que harán las delicias de los fans de la obra de Eiichiro Oda. Eso sí: frente a la construcción narrativa de 'Endgame', que se ceñía a la referencialidad de su universo durante su segundo tercio y se entregaba, ya hacia su desenlace, al fan service, 'Estampida' nace por y para los incondicionales de la saga. Algo que no limita el visionado de la nueva película de 'One Piece' a neófitos de la franquicia, pero que sí dificulta esta orgía de disfrute tan centrado en sus incondicionales. En Espinof Las 29 mejores películas de animación de la historia Todo comienza con la invitación de Buena Festa, un pirata que quiere reunir a tantos compañeros como les sea posible en un festival que tiene un jugoso premio: un tesoro del mismísimo Gold D. Roger, el último Rey de los Piratas. Luffy y los Sombrero de Paja no podían ser menos, y aceptan la invitación para el misterioso evento que oculta la presencia de Douglas Bullet, antiguo miembro de la tripulación de Roger. Junto a los continuos enfrentamientos entre algunos de los numerosos personajes que hacen acto de presencia en la película, Estampida destaca en su resuelta y dinámica animación. Este sakuga más que agradecido revienta el estatismo habitual del anime -en la misma línea que los rediseños realizados en la serie a partir del arco de Wano- para ofrecer un auténtico festival de movimiento y elasticidad, reforzando no sólo la espectacularidad de sus batallas, sino al propio Luffy que, no olvidemos, tiene como particular poder ser de goma. Hay un poco de película en mi fanservice Es evidente que la excusa argumental viene precedida por la decisión de incluir a tantos personajes como sean posibles, algo que hace que 'Estampida' destaque sobre las anteriores películas de One Piece como la que contiene más secundarios diferentes. Con personajes como Buggy o Dracule Mihawk, que aparecieron casi al inicio de la franquicia, u otros más recientes, como el Almirante Fujitora, la nueva película tiene su razón de ser en su verdadero motor: la pasión de sus seguidores. Por ello, no es de extrañar que 'One Piece: Estampida' apueste con los ojos cerrados por continuar con la senda habitual de la obra creada por Eiichiro Oda, que siempre se mantiene en la fina línea entre épica y socarrona exageración, y se doblegue, bajo estos términos, ante inesperados enfrentamientos y llamativas alianzas entre personajes particularmente alejados que los fans ansían. En Espinof Los 21 mejores animes que puedes ver en Netflix, Filmin y Amazon Todo ello no evita que la película, en su continuo rizo y su marcado tono desenfadado pero frenético, avance durante su primera mitad hacia espectaculares escenas de acción que quedan descompensadas, en algunos casos, al solaparse entre ellas. Sin embargo, hacia el final de la película, la alocada Battle Royale de piratas finaliza y da comienzo una batalla encarnizada contra un enemigo de aires kaiju con el que no es difícil identificar, por los nombres de sus golpes, guiños al protagonista de 'One-Punch Man'. 'One Piece: Estampida', un jugoso pero conservador espectáculo fan 'One Piece: Estampida' es conservadora con los presupuestos de la obra de Oda, y peca por su ramplona construcción argumental, aunque comparte con su historia vertebradora ingredientes como la importancia del compañerismo -mantra central de Luffy- y la puesta en cuestión del statu-quo. Sin embargo, la película ignora flagrantemente las pinceladas de este atisbo cuestionador para plegarse a la acción frenética y al temido exceso de verbalización. De hecho, estos excesos no vienen tanto por el particular gusto del anime en la insistencia de la expresión oral, sino, más bien, por las continuas aclaraciones de los elementos de su historia. Algo que tendría su razón de ser en la contextualización de los numerosos personajes que hacen acto de presencia en la cinta y que parece intentar ayudar, también, a que espectadores no iniciados en 'One Piece' puedan entender cómo funciona este universo. Al situarse a medio camino entre el disfrute fan y el continuo recordatorio, 'One Piece: Estampida' se queda a medio gas y muestra su peor cara. Algo que no enturbia su encomiable animación y su particular ejercicio de malabarismo que conceptualiza el espectáculo como el perfecto equilibrio entre exceso épico y humor burdo. También te recomendamos 'The Mandalorian': más nostalgia Star Wars en un sencillo y espectacular western espacial de aventuras Los piratas de 'One Piece' darán el salto a Hollywood en una serie de acción real 'Le Mans ‘66': Christian Bale y Matt Damon pilotan una de las mejores películas del año - La noticia 'One Piece: Estampida': una frenética Battle Royale sólo para incondicionales fue publicada originalmente en Espinof por Antonio Ramón Jiménez Peña .

Tras la película ‘The Silence’ (2019) o series como ‘The Society’ (2019-) Netflix vuelve a apostar por el fantástico post-apocalíptico en el que, al igual que la mencionada, hay un mundo sin adultos. ‘Daybreak’ a diferencia de esta última, tiene muchos menos prejuicios y se apoya en gran medida en la cultura pop para su formato de comedia adolescente que tan solo reubica los conflictos clásicos de ese tipo de programas en un escenario de ciencia ficción y terror. La propuesta es sencilla: tras un ataque bioquímico mundial, aparentemente toda la población adulta ha sido asesinada o convertida en una horda de zombis-mutantes. Solo los adolescentes han sobrevivido a este apocalipsis, lo que le da a Netflix otra oportunidad para explorar un mundo sin adultos cambiando radicalmente el tono de ‘The Society’. Para acompañarnos por esas tierras baldías seguimos al trío principal compuesto por Josh (Colin Ford), Angélica (Alyvia Alyn Lind) y Wesley (Austin Crute) que van entrelazando lazos para formar una especie de familia disfuncional en un mundo post-apocalíptico. El Club de los cinco Basado en el prestigioso cómic independiente de Brian Ralph, ‘Daybreak’ se asemeja más a la serie neozelandesa ‘La tribu’ (The Tribe, 1999-2003) en la que la propuesta de mezclar ‘El señor de las moscas’ (Lord of the Flies, 1963) con el universo ‘Mad Max’ (1979) se llevaba al culebrón de instituto clásico, con un montón de tribus y facciones y detalles argumentales (y visuales) clavados, como el asentamiento en un centro comercial, reciclado de George Romero. Aquí hay pandillas con estereotipos exagerados e hilarantes como los frikis de Steve Jobs. Hay punks, fans de las Kardashian, deportistas, y otros grupos itinerantes basados en los moteros de ‘Mad Max 2: El guerrero de la carretera’ (The Road Warrior, 1982) a la que la serie está llena de homenajes. Además hay innumerables guiños conscientes, referencias gritadas al espectador —o apuntadas gráficamente sobre la pantalla—, ya que con frecuencia los personajes rompen la cuarta pared y se dirigen al público como el protagonista de ‘Todo en un día’ (Ferris Bueller's Day Off, 1986) sobre la que basa su estilo vacilón y todo el personaje de Josh. En Espinof De 'Mad Max' a 'Maquinas Mortales': 21 planes de cine para sobrevivir al post-apocalipsis No intenta esconder en ningún momento esto, claro, y por ello incluye en su reparto a un Matthew Broderick haciendo de director del instituto, es decir, el mayor enemigo de Ferris en su propia película. Hay muchas otras referencias al cine de John Hughes, principalmente a 'El club de los cinco' (The Breakfast Club, 1985) en la que es imposible no pensar cuando los tres protagonistas quedan encerrados en el centro comercial con un nerd y una semi-zombie que hace las veces de la gótica extraña. El efecto 'Deadpool' Ese estilo, bastante noventero y poco utilizado hoy en día, es de tomar o dejar. Es una forma de hacer la serie dinámica, de crear una distancia con sus temas dramáticos y hacer cómplice al público de que es una serie que se ríe de los propios tropos que utiliza y reutiliza, haciendo partícipe a los que, por ejemplo, ya se saben los trucos de cliffhanger más roñosos de series como ‘The Walking Dead’ (2010-) sirviendo de parodia de todas ellas sin descuidar su lógica interna y sus temas emocionales, de los que no rehúye pese a su superficie gamberra. A pesar de su entorno de zombis y post-apocalíptico, ninguna de las amenazas del mundo son peligrosas para crear una tensión de obras similares. Los peligros se asumen y los monstruos son recursos a utilizar cuando un buen gag o algo de la trama sea conveniente. Se plantea un mundo en el que la violencia extrema se ha asimilado muy rápidamente. Hay escenas de acción y de monstruos con sangre y muy eficientes a nivel visual —con algunos efectos prácticos, como “la boca” del segundo episodio, grotescos y bien integrados—. En Espinof Las 17 mejores películas de zombies de todos los tiempos Pero la mayoría de los momentos memorables provienen de la interacción de los personajes. Hay episodios basados enteramente en un personaje y otros más experimentales que sirven como un cambio de ritmo, y aunque la historia del arco general se ralentiza una pizca en el medio, siempre hay algo divertido en cada episodio. ‘Daybreak’ no reinventa la rueda, ni necesita hacerlo. Es una serie que disfruta creando un lenguaje en su propia intención de romper el esquema y es inteligente para saber ir guardando y revelando sus sorpresas bajo la manga. El secreto está en los personajes Por supuesto, sus mezclas tonales no son sencillas, no es perfecta, y para muchos se puede hacer bola por su intención epatante. Si lo que te molesta es el estilo socarrón de no tomarse nada en serio no es sencillo que guste. Para muchos los problemas con ‘Daybreak’ radican en su insistencia en buscar que te sorprenda su humor, su sátira, y no lo esconde. Sea o no del gusto de cada uno, lo que no se les puede negar es hacer algo diferente a lo que hay ahora en la televisión, aunque sus rupturas de tebeo estén más vistas que el ídem. De hecho, uno de sus recursos narrativos son los flashbacks, que dan una idea de quiénes eran todos los personajes antes de que estallara la bomba. Vemos relaciones que se han fracturado desde que todo ocurrió y podemos entender un poco mejor cómo llegaron al lugar donde están una vez que los conocemos. Estas escenas brindan algunos momentos emocionales geniales, así como algunos otros divertidos y dejan claro que si algo funciona en la serie son sus personajes, especialmente Angélica, con los que hay muchas ganas de pasar otra temporada. También te recomendamos Por qué ‘The Walking Dead’ debe terminar antes de convertirse definitivamente en un cadáver andante ‘The Walking Dead’ 8x09: un regreso triste que da sentido al enigma del primer capítulo de la temporada 'The Walking Dead' 8x10 no soluciona el gran cliffhanger pero da un giro demoledor para Jadis - La noticia 'Daybreak': John Hughes, Mad Max y George Romero conviven en la vibrante gamberrada juvenil de Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Al igual que ‘El irlandés’ para Martin Scorsese, ‘Klaus’ era un proyecto muy querido para Sergio Pablos, animador español que a lo largo de su carrera ha participado en cintas como la nunca suficientemente reivindicada ‘Goofy e hijo’ o la notable ‘Hércules’. También es una cinta que tuvo bastantes problemas para sacar adelante porque los estudios de Hollywood veían en él un proyecto complicado y que no terminó de concretarse hasta que Netflix se metió por en medio. Sobre el papel parece una cinta que no tiene mucha razón de ser en la actualidad: una película de animación en 2D sobre los orígenes de Santa Claus protagonizada por un cartero, ¿de verdad hacía falta algo así? La propia ‘Klaus’ nos da la respuesta con una obra entrañable y divertida con ciertos ecos de la estupenda ‘El emperador y sus locuras’. Con la sencillez por bandera La apuesta por las 2D pronto demuestra ser algo más que un mero capricho por parte de Pablos, ya que la historia también se construye introduciendo cierta lógica en las reacciones de los personajes que se han ido dejando de lado en beneficio del hiperrealismo. Es cierto que aquí es algo que se aplica más a algunos personajes secundarios, pero se ven actitudes más propias de los cartoons de antaño, pero siempre bien integrados en una historia tan sencilla como estupendamente contada. En Espinof Las 29 mejores películas de animación de la historia Uno de los créditos más destacados de la filmografia de Pablos es que fue uno de los creadores de la historia de ‘Gru, mi villano favorito’, pero su propuesta inicial cambió mucho tras venderle la idea a Illumination. En cambio, en ‘Klaus’ da la sensación de haber sido especialmente proteccionista con lo que quería contar -aunque a la hora de escribir el guion haya contado con la ayuda de Zach Lewis y Jim Mahoney- y puede que por ahí también vinieran los problemas hasta la llegada de Netflix, pero eso se ha traducido en una propuesta que siempre parece tener las ideas muy claras. Este punto resulta especialmente patente en el personaje de Jesper, un cartero malcriado que recibe un encargo imposible. La transición en su actitud resulta fluida y creíble, pasando de ser alguien que solamente quiere irse de allí para volver a dormir en su cama con sábanas de seda a un defensor de esa forma de vida más ingenua y vitalista. No es algo que suceda de golpe y vamos viendo cómo surgen las dudas en lo que estaba determinado a conseguir, siendo ahí donde entra Klaus. En Espinof Las 23 mejores películas de Disney de todos los tiempos Si Jesper recuerda inicialmente bastante al Kuzco de ‘El emperador y sus locuras’, con Klaus parece hasta cierto que encontremos a una versión más madura de Pacha, sobre todo porque su situación vital es bien diferente. La amistad que surge entre ambos no tarda en convertirse en el verdadero motor narrativo de la historia, notándose el mimo que busca darle Pablos a este aspecto, porque de lo contrario podría haberse quedado todo en una película más o menos simpática pero ya. Un equilibrio difícil de conseguir Por ello, los apuntes más divertidos están asociados a los personajes secundarios -como podría ser el barquero, pero también otros habitantes del lugar-, pero buscando siempre el equilibrio adecuado para que ese toque entrañable que quiere dar a su visión de los orígenes de Santa Claus no quede reducido a algo que hacía falta tener pero que interesa muchísimo menos. Para conseguirlo se echa mano de unos villanos muy arquetipos, pero donde se recupera ese sentido tanto visual como narrativo propio del cine animado de hace varias décadas y que Pablos consigue integrar de maravilla en la película. Además, es cierto que lo emocional va ganando presencia en el tramo final, pero lo hace con soltura y sin renunciar nunca a una aventura bien planteada e incluyendo divertidos apuntes cómicos en la línea de lo visto hasta entonces. Así se consigue que lo que podría ser una moraleja obvia y sobada alcance esa magia que tantos desean y no todos consiguen. Dicho de manera, consigue atraparte y que pases por algo que sea un tipo de historia que ya has visto en muchas ocasiones porque no hay nada que desentone y sí multitud de virtudes. Por otro lado, la animación en 2D puede que limite algo a la hora de alcanzar la espectacularidad de algunas cintas de los últimos años, pero es que ‘Klaus’ tampoco juega a eso. Aquí se busca más una calidez interior propia de esos momentos de invierno en los que te refugias en la seguridad de tu casa, bien protegido por una manta y con un buen chocolate caliente mientras desconectas un rato viendo algo en el televisor, quizá incluso algo que ya hayas visto en infinidad de ocasiones pero que sabes que te va a dejar con buen sabor de boca. No sé si soy demasiado concreto con ese apunte, pero ‘Klaus’ me recuerda en esto -y casi todo lo demás- a esos momentos de mis años mozos. En resumidas cuentas La primera película de animación española para Netflix es una delicia que abraza en todo momento su naturaleza de ser una propuesta visual a la antigua usanza -aunque no por ello de conforma con cualquier cosa en términos animados-, con un guion que sabe muy bien lo que busca y va a por ello, consiguiendo así que nos encariñemos con sus personajes, disfrutemos con su viaje e incluso nos emocionemos cuando es lo que toca. También te recomendamos 'El lago del ganso salvaje', un intenso thriller al servicio de una puesta en escena espectacular 'Zombieland: Mata y remata', una secuela ejemplar que triunfa al apoyarse en los aciertos de la primera entrega 'Eli': una desconcertante propuesta de terror en Netflix, salvada por su disparatado giro - La noticia 'Klaus': Netflix da en la diana con su primera película española de animación, una entrañable y divertida propuesta navideña fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Rodrigo Sorogoyen ya había firmado titulos como ‘Stockholm’ o ‘Que Dios nos perdone’ cuando decidió apostar por un proyecto más pequeño como fue el cortometraje ‘Madre’. Una obra intensa y vibrante que enganchaba al espectador durante su breve metraje por la que llegó a ser nominado al Óscar. El premio se lo acabó llevando ‘Skin’, pero antes de que eso sucediera ya había acabado de rodar la película en la que expandía la historia de ‘Madre’. Lo más probable es que todos aquellos que hayan visto el corto pensarían que el largometraje iba a apostar por ser una continuación directa con la madre interpretada por Marta Nieto desesperada por encontrar a su hijo, pero esa parte de la historia no parece que le interese especialmente a Sorogoyen. En lugar de ello se da un salto temporal de varios años para indagar de forma notable en un personaje hundido emocionalmente que un día ve a un adolescente que le recuerda a su hijo y decide seguirle. El dolor interior ‘Madre’ es más la película de Marta Nieto que de Rodrigo Sorogoyen. Es cierto que este último escribe el guion junto a su colaboradora habitual Isabel Peña -algo que no sucedía en el corto, incluido de forma íntegra al inicio de la película- y también que ilustra toda con una precisión envidiable desde el trabajo de puesta en escena, pero el verdadero sostén de la cinta es la actriz. En Espinof Las 11 mejores películas españolas de 2019 (hasta ahora) Elena es un personaje que podría haber resultado frustrante con gran facilidad. En todo momento sobrevuela sobre ella las tensiones entre la posibilidad de abrazar un futuro con el hombre que la ha ayudado a salir en parte del hoyo emocional en el que llevaba metida años, pero a cambio totalmente alejada de cualquier ilusión de volver a ver a su hijo. Es ahí donde el encuentro fortuito con Jean en la playa en la que desapareció su hijo diez años atrás lo complica todo hasta límites insospechados. Lo curioso es que Sorogoyen plantea este hecho no como un último rayo de esperanza al que agarrarse, sino como el hecho que a su manera devuelve la luz a la vida a Elena. Eso la lleva a hacer lo que haga falta por volver a ver a Jean e ir estrechando los lazos que les unen. Las propias bases de su relación son un tanto peculiares, porque ya no es que a él no le moleste que le haya seguido a casa, sino que incluso piensa que es una de las mejores cosas que le han pasado en su vida. De esa premisa surge un relato que apuesta siempre por un enfoque intimista, con una gran atención por parte de su director para conseguir instantes de gran belleza visual sin dar la sensación de estar estirando situaciones de forma innecesaria, pues incluso sirven para incidir en la soledad de la protagonista en un paraje bellísimo pero que también tiene su lado oscuro. Todo está al servicio del viaje de Elena, pero Sorogoyen no quiere subrayar nunca en demasía sus acciones, lo que deriva en una interpretación muy sutil por parte de Nieto. Un equilibrio complicado No esperéis ver en ‘Madre’ grandes explosiones por parte de la protagonistas, ese tipo de escenas que tanto suelen aparecer en los clips cuando llega la hora de dar los premios. Para ella Jean es esa luz al final de un túnel que parecía no tener fin, ya que su relación con el personaje interpretado por Alex casi parece más un placebo que algo que realmente la llene. Es sin embargo el camino lógico a seguir, pero lo que interesa a Sorogoyen es eso -ponerle una etiqueta resulta complicado- que surge entre Elena y Jean. En Espinof Las 16 mejores películas de 2019... hasta ahora Eso lleva a la película a estar en muchos momentos a punto de superar la línea en la que resultaría imposible la conexión que surge entre ellos. Está claro que surge el amor, pero no se trata de una relación romántica al uso, ya que eso hubiese sido muy turbio -a fin de cuentas, Jean hace que Elena piense en su hijo perdido-. Lo que hay es una intimidad que desconcierta al resto porque no terminan de entender qué es lo que les une y tienden a pensar que simplemente son amantes y rechazan la idea. Eso redunda en el hecho de que Sorogoyen plantea una película puramente emocional pero al mismo tiempo sin querer dejar demasiado claras cuáles son las emociones de Elena y Jean. Sí que hay situaciones en las que Sorogoyen es más explícito, pero siempre son cuando Elena tiene que reaccionar ante otras situaciones. Un buen ejemplo de ello sería el encuentro con su antigua pareja, una escena magnífica y planteada de una forma sencilla y directa. En resumidas cuentas Sin embargo, el verdadero motor de ‘Madre’ es lo que surge entre Elena y Jean, pero Sorogoyen quiere dejar un poco en el aire qué es lo que sucede entre ellos. Ahí el espectador tendrá que llenar vacíos y puede que en algunas situaciones simplemente no le encajen las ideas que surgen en su mente a tenor de lo visto. Por mi parte, sucede algo durante el tramo final que está a punto de sacarme de la película, pero la constancia en el tono y el hecho de no dejarlo totalmente claro sirven para que ‘Madre’ siga siendo una propuesta estimulante y, sin duda, muy diferente a lo que podríamos haber esperado tras ver el cortometraje. También te recomendamos Estrenos de cine: mafiosos legendarios, dramas automovilísticos y duelos maternos 'Paradise Hills': un debut hiperestilizado que encierra una carta de amor al fantástico Sitges 2019: 'Color Out of Space'. Un delirio de terror ochentero que sale airoso de su reimaginación de Lovecraft - La noticia 'Madre': Marta Nieto se adueña de la notable secuela del cortometraje de Rodrigo Sorogoyen fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Podríamos afirmar sin temor a equivocarnos que 'El hombre en el castillo', la adaptación de la novela homónima de Phillip K. ****, ha sido durante un tiempo la serie más ambiciosa de todas las que Amazon Prime Video ha "emitido" hasta el momento. Y llega a su fin. Desde este viernes 15 podemos ver en la plataforma completa la cuarta y última temporada de 'El hombre en el castillo' ('The man in the High Castle'), la ucronía nazi desarrollada por Frank Spotnitz y que llega con diez nuevos episodios de los cuales hemos podido ver cinco. En Espinof Nazis, odio e insectos gigantes: las 41 mejores películas para comprender el fascismo Una historia de dos mundos Tras el final de la temporada 3, vemos a Juliana (Alexa Davalos) llegar al mundo alternativo (al "nuestro", para entendernos) y se encuentra conviviendo con los otros John Smith (Rufus Sewell), que aquí es viajante de seguros, su mujer (Chelah Horsdal) y su unigénito Thomas (Quinn Lord). Mientras, al otro lado, los nazis han logrado hacer operativo el portal entre mundos. Ha pasado un año y hay unos cuantos cambios en el panorama: los nazis han incursionado en la Zona Neutral y se han hecho con centenares de las cintas del Hombre en el Castillo y con él también; en San Francisco los japoneses lloran la pérdida de Tagomi y Takeshi Kido (Joel de la Fuente) se encuentra ante la amenaza de un grupo insurgente de comunistas negros dispuesto a acabar con el nazismo y el imperialismo. En cierto sentido, esta temporada final de 'El hombre en el castillo' pone las cosas a un nivel todavía más personal para personajes como John Smith, que se ve en una encrucijada entre su deber hacia el Reich (con su "Año Cero" en marcha) y su deber con la familia, cada vez más dudosa y desencantada con la vida que llevan... sobre todo la hija mayor, que empieza a plantearse cosas tras haber pasado un tiempo en la zona neutral. Creo que es, junto con la trama de la resistencia negra, la parte más interesante de una temporada final que sigue cociendo las cosas a fuego lento pero proporcionándonos momentos de buena tensión y adrenalina. Y que funciona mejor cuando Juliana no está rondando por ahí. Que sí, que Juliana parece estar en el centro de todo, pero la reciente visión de lo que me quedaba de temporada 3 (y lo que he visto de la temporada 4) me ha confirmado que la clave de ese personaje es rodearse de gente con mucho más carisma que ella para que los planes y las tramas funcionen mejor. Potenciando virtudes pero sin eliminar sus defectos Una de las cosas que siempre me rechina algo de esta serie es la sensación de que, por lo menos en lo que el lado japonés se refiere, las cosas no evolucionan prácticamente nada. Por ejemplo, puede que tengamos mandatarios nuevos, pero la situación y los temas son los de siempre. Algo que se puede personificar en el personaje de Childan (Brennan Brown), que tras tanto meneo y desgracia durante la temporada 3, al comienzo de estos nuevos episodios parece el mismo que el de hace cuatro años. Una repetición constante de tejemanejes en toda esta parte de la serie que solo parecen ser dinamizados de forma distinta por este nuevo grupo insurgente. En Espinof Las 11 mejores series de 2019 que puedes ver en Amazon Prime Es como si nunca hubieran sabido exactamente qué hacer con ciertos personajes importantes, estancándose durante tramos largos y causando cierta irregularidad que hace que 'El hombre en el castillo' no haya logrado en todos estos años jugar con las grandes series de esta época. Estos "clásicos defectos" bajan el nivel de una temporada que, por otro lado, ha comenzado potenciando muy bien sus virtudes. Estos primeros cinco episodios apuntan a que nos vamos a encontrar con una temporada de altura y un digno final para una serie que, aun con sus altibajos, es una de las propuestas más sensacionales del catálogo de la plataforma. También te recomendamos 'Jack Ryan': la serie de Amazon vuelve a primar la acción sobre los personajes en una vibrante temporada 2 ambientada en Venezuela 'El hombre en el castillo' tiene nuevo tráiler: la serie de Amazon promete una temporada final épica 'La maravillosa Sra. Maisel': el nuevo tráiler de la temporada 3 de la comedia de Amazon presenta la gran gira de Midge - La noticia 'El hombre en el castillo': la ucronía de Amazon potencia sus virtudes para ofrecer una sensacional temporada final fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Lawrence G. Paull, el diseñador de producción nominado al Oscar que ayudó a hacer inolvidables algunas de las películas más queridas de la década de los ochenta ha fallecido como consecuencia de una enfermedad cardíaca a los 81 años. Un genio en la sombra Paull recibió una nominación al Oscar por la dirección de arte (junto a David L. Snyder) por la obra maestra de Ridley Scott, 'Blade Runner'. Además, ganó un BAFTA por el diseño de producción de la película, que representaba una alucinante ciudad de Los Ángeles en un lluvioso 2019. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia-ficción de la historia También ayudó a impulsar la aventura de 'Regreso al futuro' y 'Tras el corazón verde', además de servir como diseñador de producción o director de arte en 'Cowboys de ciudad', 'Depredador 2', y algún Carpenter tan interesante como '2013: Rescate en L.A.' o tan poco respetado como 'Memorias de un hombre invisible'. Nacido en Chicago, Paull se licenció en Arquitectura en la Universidad de Arizona y trabajó como diseñador y director de arte antes de pasar a ser diseñador de producción. Los créditos televisivos de su carrera inicial como director de arte incluyen más de veinte películas para televisión y largometrajes de directores tan famosos como Robert Mulligan o Delbert Mann, y algunos de sus títulos incluyen 'Por fuego propio', ganadora del Emmy en 1979, o 'Sólo matan a su dueño', un clásico de los primeros tiempos del videoclub. También te recomendamos Muere Jorge Grau, figura indispensable en el fantaterror español de los setenta Ha muerto Michael Anderson, director de 'La vuelta al mundo en 80 días' y 'La fuga de Logan' Muere John Carl Buechler, leyenda de los efectos especiales y padre de los 'Ghoulies' o 'Re-Animator' - La noticia Muere Lawrence G. Paull, diseñador de producción de 'Blade Runner' o 'Regreso al futuro' fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Las temperaturas están cayendo en picado, pero tener que sacar los abrigos del armario y encender la calefacción va a hacerse más llevadero gracias a los estrenos que llegan a nuestros cines este viernes 15 de noviembre, entre los que brilla la descomunal nueva película del maestro Martin Scorsese, que pasa por salas antes de llegar a Netflix. Pero no sólo de mafiosos vive el cinéfilo; además, la nueva película de James Mangold se estrena para ganarse a pulso un hueco entre lo mejor del año, Rodrigo Sorogoyen estrena la continuación de su descomunal cortometraje 'Madre' y los amantes del terror reciben un pequeño diamante en bruto de espíritu setentero para completar la oferta. 'El irlandés' ('The Irishman', 2019) A favor: Con 'El irlandés', Scorsese se ha sacado de la manga la película de mafiosos definitiva, y eso, viniendo de la madre de un maestro como el bueno de Marty, son palabras mayores. Pacino, De Niro, Pesci, Keitel, Cannavale... todos están inmensos y en su salsa. En contra: ¿Cómo vamos a tener algo en contra de LA PELÍCULA de mafiosos de Scorsese? ¿Tal vez que sus tres horas y media no son compatibles con un refresco tamaño XXL? Crítica en Espinof: 'El irlandés': Martin Scorsese ha firmado su película de mafiosos definitiva para Netflix 'Le Mans '66' ('Ford v Ferrari', 2019) A favor: Sin casi esperarlo, James Mangold ha parido una de las grandes películas de este 2019, apoyada en una dirección vibrante y espectacular y en las interpretaciones de Matt Damon y Christian Bale, que están dignos de Óscar. Llegarás por la velocidad y te quedarás por los personajes. En contra: Sus dos horas y media de metraje pueden hacerse algo excesivas, sobre todo cuando 'Le Mans '66' no logra desprenderse por completo de su naturaleza de drama deportivo al uso. Crítica en Espinof: 'Le Mans ‘66': Christian Bale y Matt Damon pilotan una de las mejores películas del año 'Madre' (2019) A favor: Marta Nieto, que se come por completo cualquier valor formal o narrativo que pueda tener lo nuevo de Rodrigo Sorogoyen. La puesta en escena, como cabría esperar a juzgar por los trabajos previos del autor, está a un nivel envidiable. En contra: Su metraje es lo suficientemente dilatado como para que la historia reincida varias veces en los mismos temas y situaciones, restando algo de interés al conjunto. 'La casa del terror' ('Haunt', 2019) A favor: Aunque no ponga el género patas arriba —ni falta que hace—, 'La casa del terror' se las apaña para salirse de la fórmula con una buena dosis de mala leche, un estimable nivel de inteligencia para jugar con los códigos del terror y una atmósfera que muchas producciones mucho más grandes soñarían con conseguir. Ideal para fans y neófitos. En contra: Su espíritu de serie B setentera echará para atrás a muchos de los que busquen un filme de terror más convencional. Crítica en Espinof: 'La casa del terror': un tributo al cine de género de los 70 que se beneficia de sus limitaciones Y además... 'Si yo fuera rico' (2019) La nueva comedia española de la cartelera nos llega de la mano de Álvaro Fernández Armero, director de la notable serie 'Vergüenza'. 'Buenos principios' ('Mon chien stupide', 2019) Desde Francia, Yvan Attal nos trae esta agradable comedia dramática en clave canina protagonizada por Charlotte Gainsbourg. 'One Piece: Estampida' ('One Piece: Stampede', 2019) El Festival de los Piratas nos trae bajo el brazo una batalla campal que los fans del anime podrán disfrutar en esta 'One Piece: Estampida'. 'La audición' ('Das Vorspiel', 2019) Ina Weisse dirige la cinta alemana 'The Audition', que ha hecho merecedora a la actriz Nina Hoss de la Concha de Plata a la mejor actriz en San Sebastián. Las recomendaciones del equipo de Espinof Jorge Loser: 'Estafadoras de Wall Street'. Una crónica de un golpe chic que tiene tanto de retrato de la crisis como de cine de picaresca. Como si Showgirls fuera un retrato social, nos posicionamos junto a las strippers protagonistas en un divertido paseo por la línea más gris del cine criminal, en la que se mezcla problemas de género, machismo institucional, frivolidad y comedia. Jennifer López demuestra que no solo es puro carisma, sino que es actriz a pesar de su halo de divinidad. El hecho de que todo lo que ocurre se base en hechos reales no hace más que elevar la propuesta. Juan Luis Caviaro: 'Ventajas de viajar en tren'. Por lo sorprendente y peculiar de la propuesta, un estupendo debut de Aritz Moreno. Adaptación de la novela de Antonio Orejudo, esta comedia negra engancha y divierte con sus giros inesperados y retorcidos, y los pintorescos personajes que permiten brillar a un reparto liderado por Luis Tosar, Pilar Castro, Ernesto Alterio, Quim Gutiérrez y Macarena García y Javier Botet. Kiko Vega: 'El Hoyo'. Tal vez no sea la película más original que se pueda ver sobre la repugnante realidad piramidal vertical que nos ha tocado vivir. Imponente y minimalista, pero con un arrojo y una valentía muy poco habitual en nuestro género. Mikel Zorrilla: 'El irlandés'. Una excepcional película de mafiosos que recupera al Martin Scorsese de 'Uno de los nuestros' o 'Casino', pero ofreciendo una visión más completa de este universo con un excelente trabajo de su reparto, en especial de un Joe Pesci que muestra una cara muy diferente a la de anteriores colaboraciones suyas con el director. Si los estrenos de esta semana no te llaman la atención o quieres recuperar títulos que llevan más tiempo en cartelera, recuerda que puedes echar un vistazo a las películas que recomendamos la semana pasada y la anterior. Buen cine a todos. También te recomendamos Venecia 2019: 'Madre'. Rodrigo Sorogoyen nos sorprende con la expansión de su aclamado cortometraje El reparto de ‘El irlandés’ defiende sus tres horas y media de duración: “Cualquier cosa que haga Martin Scorsese tiene un motivo para ser larga” Las primeras opiniones de 'El irlandés' hablan de una obra maestra: "Es la culminación de la obsesión de Scorsese por el género" - La noticia Estrenos de cine: mafiosos legendarios, dramas automovilísticos y duelos maternos fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .