Entre Fans

Premio del público en la sección Midnight Madness del prestigioso Festival de Toronto y flamante ganadora del mismo galardón y de los premios a la mejor película, el mejor director novel y a los mejores efectos especiales en el Festival de Sitges 2019. Con estos precedentes, es más que lógico que 'El hoyo' se haya ganado a pulso su etiqueta como gran bombazo tapado de la temporada, y como una de las mejores cintas de ciencia ficción de los últimos años. Pero esta modesta producción vasco-catalana y su inteligente metáfora sobre la sociedad actual esconde mucho más entre sus fotogramas de lo que puede aparentar a simple vista. Por eso, nos hemos reunido con su director Galder Gaztelu-Urrutia, su guionista David Desola y su actor protagonista Iván Massagué; para sumergirnos de lleno en el largometraje y explorar las distintas fases de su creación durante una conversación en la que ha reinado el cine y un ambiente inmejorable. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia-ficción de la historia — Os lo he dicho antes de empezar la entrevista, pero vuelvo a repetirlo para que quede constancia: sigo maravillado con 'El hoyo'. Y como es una peli tan peculiar, me gustaría que me contáseis cómo nació el proyecto, porque es muy interesante saber de dónde habéis sacado semejante idea. DAVID: Es una idea que viene de lejos y que tuve aproximadamente hace diez años. El germen de la idea, y esto no lo sabe ni Galder [el director], se me ocurrió durante la siesta después de comerme un asado en el pueblo de mi madre en Burgos. Me imaginé esta historia de una plataforma en una torre dividida en niveles, donde unos comen con opulencia y el resto come las sobras. Era una imagen sin concretar, y con el tiempo la fui dando forma. La primera versión fue para teatro, y la coescribí junto a Pedro Rivero, pero la dejamos aparcada. Teníamos en la cabeza adaptarla al cine, y más o menos por esas fechas aparecieron Galder y Basque Film, y vieron que claramente ahí había un material potente para desarrollar. GALDER: Primero se lo pasaron a Carlos Juarez, que es el productor. A Carlos le fascinó la idea y él me la pasó a mí. Yo la leí y me pareció maravillosa. Toda la simbología, la metáfora, la analogía con la sociedad... Me pareció que eran un texto con un potencial increíble y muy dirigido al teatro sobre el que tendríamos que trabajar muchísimo para adaptarlo a un público más cinematográfico, más acostumbrado a otras formas. DAVID: Hay que decir que esto yo se lo había ofrecido a otra productora [Ríen]. Yo creía en esta historia pero no encontraba quién la produjera. Por eso hay que alabar la valentía de Galder y Carlos de meterse en esta historia que no tenía muchos simpatizantes. La veían muy arriesgada, con un contenido muy crudo... Probablemente estos productores que no la quisieron están ahora dándose cabezazos contra una pared, lo cual me parece muy bien. IVAN: ¡Eso, eso! — Justicia poética, ¿no? DAVID: [Ríen] Más que justicia poética, es que hace falta gente que busque propuestas arriesgadas. En la industria del cine pasa mucho que lo único que se quiere es la fórmula que saben que funciona. Creo que 'El hoyo' fue una apuesta de mucho riesgo. Aunque la idea llame la atención... GALDER: [Continúa] ...luego había que ver cómo desarrollarla. A nosotros nos gustó mucho la idea original, veíamos la dificultad que tenía no sólo darle forma a la película, sino ver de dónde sacamos el dinero para esto. Carlos no sabemos muy bien cómo lo hizo, pero ahí está el resultado... — La magia del productor. DAVID: ¡Pero mucha magia! IVÁN: No entremos ahí... Mejor no entremos ahí... [Ríen] — Después de todo esto, supongo que el siguiente paso fue encontrar al actor protagonista, aquí presente... IVÁN: Yo entré en el proyecto dos años después. DAVID: Lo hizo después de pelear muchísimo con el guión, con muy buena intención, eso sí. Veíamos la película de maneras muy diferentes. IVÁN: Luego llegué yo y la vi de una tercera manera distinta, para rematar. — ¡Las diferencias creativas que arruinan superproducciones en Hollywood! IVÁN: [Ríen] Tal cual. DAVID: Hay que decir que aunque escriba una historia súper trágica, me gusta trabajar con la comedia como herramienta. El guión original era más frívolo y más cómico. Tuve muchas pelas con Galder. El único consejo que le di fue: "No te tomes esta película en serio, Galder". Por supuesto, se la tomó súper en serio. Pero he de reconocer, viendo el resultado, que tenía razón. O al menos que ha conseguido alcanzar el equilibrio en su visión. GALDER: Pedro [el coguionista] sí que quería dramatizarla. Poco a poco, introduciendo ya a Iván en el proyecto, vimos en los ensayos que esas ideas de dramatizar, llevarlo a lo oscuro y contar los chistes con ironía y con un tratamiento actoral más sutil y serio, veíamos que funcionaba muy bien y permitía mantener el humor y el tono tan kafkiano y demente. IVÁN: Tenías la voz de David en el cogote diciéndote todo el rato mientras me dirigías diciéndote que tenías que subir más la comedia. GALDER: Si no llega a estar David por detrás, recordándonos en todo momento "comedia, comedia, comedia", la hubiésemos hecho más dramática de que es ahora. Hemos conseguido un equilibrio que funciona muy bien. — Es precisamente una de las cosas que hace que la película vaya como un tiro. El tono es un ejercicio de malabarismo brutal. IVÁN: Lo bueno es que lo que se vive en la película es la pura realidad. Una realidad paralela. Fue muy orgánico. Como actor, lo viví como "a Iván lo meten en un hoyo y a ver lo que le pasa". Yo no construí un personaje. Recuerdo en la primera semana que dijimos: "creo que nos hemos llevado muy arriba esta peli". La comedia se volatilizó, pero ya aparecerá cuando tenga que aparecer. Como el rodaje fue cronológico, fueron apareciendo los momentos para hacer comedia y las tomas de decisiones de forma espontánea. Hay mucha verdad en la película. — Además, el tono y esta "verdad" ayuda a que lancéis un discurso claro pero no nos rebocéis por la cara ninguna lección moralizante. Dejáis que el espectador piense. GALDER: Eso estaba claro. No queríamos panfletos, ni queríamos adoctrinar, ni queríamos tratar al espectador desde un pedestal ni sermonear a nadie. Exponemos una realidad, que es muy homologable a la realidad de hoy en día y a la injusticia en el reparto de la riqueza que se ve en todos los países del mundo. A partir de aquí abrimos una reflexión, que es enfrentar al espectador con los límites de su propia solidaridad. Es decir, qué harías tú dependiendo en qué nivel está. Es muy fácil repartir cuando te sobra y puedes dar un par de monedas, pero, ¿serías igual de solidario si esa solidaridad pone en riesgo tu integridad física? A partir de ahí, hablamos de los sistemas económicos y de gestión de economía como el capitalismo o el socialismo, pero desde un punto de vista centrado en la responsabilidad individual de cada uno. Por eso, y no sé si estáis de acuerdo, la película tiene tantas lecturas y es tan asumible para tantos. DAVID: Además, la metáfora es muy simple. La puede entender todo el mundo. Es diáfana y muy simple. La idea es que la metáfora fuese como un gran armario en el que empiezas a abrir cajones y te empiezas a encontrar subtextos mucho más profundos que el envoltorio. También tratamos el comunismo, la religión, de clases sociales... Y de la poca solidaridad entre desfavorecidos, que también la hay. Lo bueno de 'El hoyo' es que, en la vida real, si naces en el nivel cinco, te quedas en el nivel cinco, y tus hijos pertenecerán al nivel cinco. Pero dentro del hoyo, el nivel varía aleatoriamente de forma periódica, y hace que los personajes no empaticen con quienes estaban antes en su posición. — Esto hace que sea muy, muy accesible. He hablado con gente que ya la ha visto, de diferentes tendencias políticas y de diferentes "niveles", y les ha funcionado a todos. Y esto es difícil hoy en día, que todo tiende a llevarse al extremo... Habéis capeado el temporal con algo muy arriesgado a nivel conceptual. GALDER: Lo bueno es que no es una película en contra de nadie. En el fondo sí lo es, porque si estás a favor de algo, tienes que estar en contra del opuesto, pero no queremos culpabilizar a nadie directamente, sino que todos participen en una reflexión colectiva sobre cómo debemos compartir la riqueza y cómo de solidarios tenemos que ser con el resto. Lo que decía David es muy importante. Si tú eres solidario, en el hoyo, no quiere decir que el mes que viene te pongan en un nivel mejor. Al quitar la recompensa, te hace mostrarte cómo eres de verdad. Ves cómo la gente es de verdad en función de cómo trata a las personas que no tiene por qué tratar bien. La conclusión que sacamos, y creo que hablo por todos, es que todos somos muy egoístas; y luego hay otros que son mucho más egoístas. Y les usamos como excusa para serlo nosotros. Siempre va a haber un político más corrupto, un millonario que derroche y contamine más, una corporación que respete menos los derechos laborables... con la excusa de "los de arriba", evitamos tomar los caminos que deberíamos tomar y tener responsabilidades. Esto, en la película, se expresa con una frase de Trimagasi. Cuando te tiene atado [al personaje de Iván] y tú le dices que es el único responsable de tu muerte, él te responde que no, que hay 340 antes que él. Siempre va a haber alguien arriba más responsable que tú. DAVID: Tiene toda la razón. Es como cuando te dicen: "es que no reciclas lo suficiente" y tú contestas diciendo que hay unas multinacionales que contaminan mucho más, que qué vas a poder hacer tu para arreglar nada. IVÁN: Siempre habrá algún hijo de **** que te corte el paso. — Es un discurso muy jodido, pero muy real... GALDER: Al final, la película no va de cambiar el mundo. El mensaje que envían, probablemente, no cambie absolutamente nada. Al final, el que cambia es Goren, que por fin ha hecho lo que tenía que hacer; lo que el cree que es justo y lo que tiene que hacer. Esa es la victoria, cambiarse a si mismo y tomar la iniciativa de lo que tiene que hacer. — A fin de cuentas, toda buena película refleja el cambio de un personaje entre el primer y el último acto. IVÁN: Al menos debería ser así. — Por cierto, le estoy dando vueltas al origen del guión, porque los diálogos me parecieron por momentos mucho más teatrales de cinematográficos, y aún así funcionan perfectamente. Cuando pasa esto, generalmente suelen chirriar bastante... IVÁN: Creo que es cuestión de tono. De tono, de dirección, de contenido... Sin una buena historia no haces nada. GALDER: Es que son muy buenos los diálogos... DAVID: Yo con el cine y los directores tengo un problema. [Ríen] Es por venir de tantos años haciendo teatro. En el teatro siempre te puedes explayar con los diálogos, pero en cine está la obsesión de los directores por recortar y repetirte que lo que puedas mostrar en una imagen, no lo hagas mediante diálogos. — El mítico "show, don't tell". IVÁN: Marlon Brando decía que por qué hablábamos tanto, si es un lenguaje cinematográfico. DAVID: Con Galder no he tenido ese problema. Lo tienes con todos, pero él creo que ha respetado bastante la base... IVÁN: Porque no estabas en el rodaje, estabas al teléfono... Le decías tus movidas, luego colgabas y Galdar decía: "Oye, que le parece fantástica mi idea para esta escena, que adelante". [Ríen] GALDER: Lo que ha sido es un híbrido. Estaban los diálogos escritos por un lado, que son fantásticos, pero luego en los ensayos, los adaptábamos para que le quedasen bien a cada actor. IVÁN: Era mucho más cómodo darles veracidad. No todos los diálogos le quedan bien a todos los actores. Tienes que hacértelos tuyos. — Ya que nos estamos metiendo en temas más prácticos y de rodaje, hablemos del diseño de producción de la película, porque es brillante... GALDER: La película se ha hecho de manera muy, muy artesanal y muy mimada. Desde el guión, toda la preparación, todo el trabajo con los actores, el vestuario, el diseño del set, la fotografía, la música... Esto se nota. Hemos funcionado como una gran familia, con discusiones muy serias, como en todas las familias, pero trabajando todos a una. DAVID: Yo no había visto nunca un storyboard tan trabajado como el que hizo Galder. Novecientas páginas en las que estaba todo estudiadísimo. — Lo bueno es que, aunque se note que no es una superproducción millonaria, gracias a esto aparenta ser mucho más grande de lo que es. ¿Cómo está gestionado todo esto a nivel logístico en rodaje? GALDER: La película tiene muy poco presupuesto. En este caso no hice un planteamiento para pasárselo después a un productor con el story para que lo produzca. Yo pensé en qué podíamos construir con el dinero que teníamos, y cómo optimizar la planificación para que el dinero rindiese. Me senté con la diseñadora de producción y nos pusimos en la piel del arquitecto de la sociedad en la que se construiría el hoyo. Sabíamos que la estructura tenía que ser barata, tenía que ser eficiente, inexpugnable y duradera. Llegamos a la conclusión del hormigón armado modular, hecho en bloques. Toda la estructura obedece a las proporciones rectangulares de cada planta del hoyo. El hoyo tiene las mismas proporciones que la planta. Las placas de la pared tienen la misma proporción. Los apliques de la pared son el doble de esa proporción. El retrete es esa proporción. El lavabo es el doble de esa proporción. Está todo matemáticamente calculado, al milímetro, como si lo hubiese calculado un ordenador de hace veinte años. — Me estoy quedando a cuadros. ¿Cómo lo pusisteis en práctica? GALDER: No podíamos construir los dos kilómetros que mide el hoyo en la ficción, así que construimos dos niveles. El 80% de la peli se rodó en el nivel bajo, y cuando los personaje miran hacia abajo, nos subíamos al nivel dos y tirábamos el contraplano hacia abajo. A partir de ese nivel hacia abajo, está generado digitalmente. Pero el tratamiento digital es mucho más fácil cuando tienes una planta hecha y el resto está fuera de foco y ves en perspectiva a través de un agujero. La clave es fusionar algo tangible con lo digital. Luego está la plataforma, que es una grúa tijera... IVÁN: ¡De las que tiene el ayuntamiento para cambiar las luces de las farolas! [Ríen] GALDER: ¡De esas! Era de madera, y lo que hicimos fue borrar la tijera en post-producción. DAVID: ¡Yo el primer corte que vi estaba con la grúa todavía! [Ríen] GALDER: El resto es poliexpán con un tratamiento de hormigón. Puedes imaginarte el tiempo que pasamos pensando en esto, porque el dinero no es que sobrase precisamente. La diseñadora de producción es también la estilista, luego trabajamos muy mano a mano con el director de fotografía... — Supongo que el trabajo con él sería especialmente intenso tratándose de una sola localización, y además tan peculiar... Es una labor muy invisible. GALDER: El rodaje tenía que ser muy ágil, porque había muchísimos planos y necesitábamos recursos para tener margen de maniobra en montaje. Y por esto, casi toda la luz está hecha con los propios apliques de la localización. — Guau... GALDER: Medimos la altura a la que tenían que estar. Medimos el tiempo que estaban los personajes de pie, medimos el tiempo que estaban los personajes tumbados... El 60% de la película, más o menos, está rodado con los propios apliques de la localización, con un pequeño refuerzo, unos Falcon. Además, todo el hoyo estaba recubierto de andamiaje para trabajar desde fuera. Estaba todo muy repensado. — Desde 'Cube' no veía nada tan lúcido en cuanto a diseño y economía de recursos. DAVID: En 'Cube' lo tenían mucho más fácil, porque sólo cambiaban la luz y la puerta de sitio. IVÁN: ¡Nosotros cambiábamos el número! — A nivel interpretativo, ¿aprovechaste el hecho de que el relato fuese embotellado? IVÁN: ¡Aproveché todo! Todo fue muy a favor. Rodar cronológicamente, adelgazar... GALDER: ¡Doce kilos bajó! ¡Doce kilos en seis semanas mientras rodábamos! IVÁN: ¡Te encanta remarcar eso! [Ríen] Lo jodido es que la única manera de adelgazar es pasando hambre. Hacía ayunos de veinte horas, entonces esas crisis de mala hostia que me daban acompañaban según la escena que tenía que rodar. Si no acompañaban, me las tenía que comer. Además, ver el hoyo impresionaba mucho; sabías que era madera, pero parecía de hormigón. También está la soledad de estar sólo con otros personajes y que hubiese tantos planos generales ayudaba mucho, el no ver a ningún técnico te ayuda a meterte mucho en el papel. — Supongo que rodar cronológico también ayudaría mucho a mantener el raccord emocional del personaje. IVÁN: Por supuesto, pero no me planteé en ningún momento el construir un personaje super complejo... En realidad era "Iván en el hoyo" y que fuesen sucediendo las secuenicas. Improvisamos mucho y discutimos mucho. Es la única manera de que salgan las cosas bien. Discutiendo mucho. — Pues salió bien, porque la intensidad está muy arriba durante todo el metraje. IVÁN: Yo tenía muchas dudas todo el rato. No sabía si estaba correcto en cuanto a nivel de voz, agotamiento, intensidad... Suerte que Galder, además de engañarme para hacerme decir frases que yo no quería más adelante, estaba ahí dirigiéndome. DAVID: Y mientras tanto yo estaba al teléfono: "Galder, ¿estás respetando la comedia?" [Ríen] IVÁN: "Sí sí, nos lo estamos pasando teta... ¡Nos descojonamos, David! ¡Tenemos que parar el rodaje de la risa!" GALDER: Iván diciéndome "¡oye, que esta frase no la quiero decir, qué pinta aquí un chiste!" con David en el teléfono preguntándome si estábamos respetando la comedia desesperado. [Ríen] IVÁN: Por esto tiene que haber un director. Y por suerte lo tuvimos. Al final parecía más el rodaje de un cortometraje, íbamos todos a una... fue una maravilla. Lo normal es comentar después de una escena, parar, debatir si ha salido bien... Aquí se hacía una escena y a la siguiente, había confianza plena. Era todo tan delicado que no querías tocarlo, no querías distorsionar la emoción del momento. Querías seguir el viaje aunque no supieses dónde iba a acabar. Nos sentíamos como en Hollywood pero sin estarlo realmente. — Ahora que habéis inundado la habitación de buen rollo, vamos a fastidiar el ambiente, porque creo que la respuesta no va a ser demasiado positiva. ¿Cuál es la clave para levantar un proyecto de estas características en nuestra industria? GALDER: Cuando fui a Toronto me decían: "¡Oye, qué maravilla esta epoca dorada del cine fantástico español!", y yo pensaba, "pero qué época dorada, si se hacen cuatro al año". A ellos les llegan las cuatro y se piensan que aquí hay una factoría enorme. Esperemos que ahora con las plataformas de streaming y con la diversificación temática que van a requerir esto cambien. Pero hasta ahora el cine, ¿quién lo financiaba? Las cuatro cadenas de turno que necesitan pelis que puedan poner a las diez de la noche, y estas pelis a las diez en esas cadenas, no se pueden poner. Esperemos terminar con esa... no voy a decir dictadura... IVÁN: Dilo, dilo... GALDER: La cosa es terminar con ese filtro o embudo que sólo permite que se hagan este tipo de pelis. Puede que ahora con las plataformas y con la nueva inversión en películas más arriesgadas o para nichos, termine creándose un "meganicho" en el que tengamos cabida. IVÁN: ¡EL NICHO! DAVID: ¡Uy! Me sale de aquí una peli de nichos... [Ríen] También te recomendamos Netflix compra 'El hoyo', un thriller distópico español que ha causado sensación en el Festival de Toronto Sitges 2019: 'El hoyo'. Un minimalista ejercicio sci-fi capaz de remover estómagos y conciencias 'El Hoyo': más que una alegoría social, una mordaz sátira de la voracidad humana - La noticia “Todos somos egoístas, y hay otros que son más egoístas. Y les usamos como excusa”. Galder Gaztelu-Urrutia ('El hoyo') fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Con la llegada de 'Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald' el universo de Harry Potter se ha extendido ya a los diez largometrajes (y habrá al menos tres más). Los críticos no han respondido con demasiado entusiasmo a la nueva aventura protagonizada por Eddie Redmayne, pero eso no quiere decir que sea la cinta menos interesante del mundo creado por J.K. Rowling. A continuación vamos a ordenar de peor a mejor todas las películas del universo Harry Potter. Como es habitual en estos casos, las he elegido basándome en mi criterio personal, por lo que no lo toméis como una ley absoluta. Sin nada más que añadir, os dejo con ella. 10. 'Harry Potter y la orden del Fénix' La mayor decepción que he tenido con el universo de Harry Potter. Ya la novela me dejó algo frío, evidenciando cierta tendencia de Rowling al relleno innecesario, pero es que la adaptación ni siquiera supo sacar todo el partido al genialmente irritante personaje bien interpretado por Imelda Staunton. Además, la llegada de David Yates a la franquicia no invitaba a tener mucha esperanza en lo que podría aportar en el futuro. Acabó demostrándonos que no era así, pero aquí no se muestra del todo a gusto. Se agradece el cambio de localización, se juegan con conceptos interesantes y el tramo final está cerca de tener la fuerza deseada, pero también es la vez que una aventura de Harry Potter ha estado más cerca de ser aburrida. En Espinof: 'Harry Potter y la Orden del Fénix', estirando un chicle muy rentable 9. 'Harry Potter y la cámara secreta' El universo del mago creado por J.K. Rowling necesitaba un cambio en una segunda entrega que necesitaba ir progresando y marcar lo que estaba por llegar, Chris Columbus sabe manejar bastante bien los aspectos más ligeros, desde la introducción de Dobby hasta la llegada de Gilderoy Lockhart, el egomaníaco profesor contra las artes oscuras interpretado a la perfección por Kenneth Branagh. Por el contrario, la presencia de una trama más cargada es algo que no lleva con tanto acierto, extendiendo demasiado su metraje sin tener la excusa de servir como presentación, algo que sí funcionaba en la primera entrega para justificar el querer intentar meter todo lo del libro en la película. Además, el primer intento de añadir un factor más oscuro no termina de cuajar, quedándose un poco a mitad de camino. En Espinof Severus Snape es el verdadero héroe de la saga 'Harry Potter' 8. 'Animales fantásticos: Los crímenes de Grindelwald Una secuela mucho más ambiciosa y que abraza la oscuridad sin complejos -ahí el mayor protagonismo de Johnny Depp funciona muy bien y además el actor se aleja de sus tics más manoseados-. Introduce ideas muy jugosas en la saga y nos regala un buen puñado de escenas inolvidables para todo amante del universo de Harry Potter, pero cae en un error muy importante: quiere meter demasiadas cosas en poco tiempo y todo queda un poco desatendido. Da la sensación de que Rowling quiere preparar tantas cosas aquí que gana enteros la sensación de que la película sea un preámbulo que nunca te satisface del todo. Y es una pena, porque centrándose un poco más -sobre todo a nivel de personajes, donde en todo momento te están dejando con la miel en los labios de lo que parece pero nunca se concreta- y ampliando algo el metraje no resultaría tan evidente. En Espinof: 'Animales Fantásticos: Los crímenes de Grindelwald', una digna secuela esclava de su condición de preámbulo 7. 'Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 1' Una muy grata sorpresa pese a su baja ubicación en la lista. Seamos claros, Rowling se extendió demasiado en la novela final y había una buena cantidad de páginas que sonaban a puro relleno. Esta película tiene que lidiar sobre todo con ello, funcionando además como película sin final por esa moda de Hollywood de dividir las últimas aventuras en dos para exprimirlas a fondo en taquilla. Sin embargo, 'Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 1' funcionó sorprendentemente bien teniendo en cuenta el material del que partía. Supo cómo ir elevando la oscuridad de cara al gran final, explorar las tensiones entre los tres protagonistas e ir aclarando más elementos de la mitología de la saga sin por ello resultar nunca pesada. La falta de auténtico y mejor contenido sigue condenándola en parte, pero mucho menos que al libro. En Espinof: 'Harry Potter y las Reliquias de la Muerte. Parte 1', la más tensa y adulta de la saga 6. 'Harry Potter y el misterio del príncipe' Todo el mundo tiene sus preferidos, pero en mi caso ningún personaje de la saga Harry Potter se acerca tan siquiera a hacer sombra a Severus Snape. Ya era un personaje maravilloso en las novelas y en las películas Alan Rickman lo borda. Aquí su personaje gana importancia en una saga que no es la más oscura de la saga, pero sí crea un clima de intranquilidad bastante inspirado hasta llegar a su poderoso desenlace. También se ve beneficiada de un Yates más suelto tras las cámaras y de un Daniel Radcliffe que quizá ofreció su mejor interpretación de la saga en esta entrega, algo que también se puede decir de Tom Felton. A cambio a la película le falta algo más de fondo a la historia que nos cuenta, sobre todo a ese misterio del título que no se llega a obviar, pero se pasa de puntillas por él como algo necesario pero a lo que no se va a prestar demasiada atención. En Espinof: 'Harry Potter y el misterio del príncipe', desastrosa sexta parte de la famosa saga En Espinof He ido a Londres a ver 'Harry Potter and the Cursed Child' y es una experiencia apasionante: una obra imprescindible para fans de la saga 5. 'Harry Potter y las reliquias de la muerte - Parte 2' El gran colofón, la cinta en la que la oscuridad alcanzó su punto de mayor esplendor de cara al ansiado enfrentamiento entre Harry y Voldemort. Al respecto la película funciona muy satisfactoriamente y sabe cómo elevar la tensión para dar una conclusión a la altura a una de las franquicias más importantes de la historia del cine, pero no está exenta de ciertos peros. Por lo pronto, el temido apelotonamiento de otros personajes ya maltratados en el original literario y que aquí llegan a dar la sensación de estar porque simplemente hace falta. Eso desluce en parte la épica que tanto ansía Yates y que la película consigue en no pocos momentos. El un tanto insípido epílogo tampoco ayuda demasiado, pero bueno, es una concesión razonable. En Espinof: 'Harry Potter y las reliquias de la muerte: parte II', épica, vibrante...y ligeramente insatisfactoria 4. 'Harry Potter y la piedra filosofal' El inicio de todo, una película que quizá quiere ser demasiado fiel a la novela, pero en este caso todo encaja bastante bien, empezando por una presentación muy extensa que podría haberse vuelto en su contra. Aquí Columbus supo dar con el tono adecuado para explorar el potencial de la saga con la cinta de corte más infantil de toda la franquicia, pero es que es lo que pide a gritos una aventura de iniciación. El gran y muy bien elegido reparto también ayuda mucho a que prácticamente todo funcione como un tiro y que algunos detalles visuales mejorables no ensombrezcan su capacidad para fascinar al público de todas las edades. Tampoco me olvido de la ya mítica música compuesta por John Williams y de tantos otros detalles que siguen completamente vigentes casi 20 años después de su estreno. En Espinof ‘Harry Potter', de la luz a la penumbra: así ha evolucionado el tratamiento visual de la saga 3. 'Harry Potter y el cáliz de fuego' Las hormonas alteran la sangre de los estudiantes de Hogwarts en una adaptación en la que ya se metió bastante mano al original literario, pero se hizo con bastante acierto. Eso sí, la película está marcada por dos cosas en concreto: el torneo en el que Harry acaba formando parte de forma imprevista y el gran duelo final. Solamente por eso ya merecería mucho la pena verla. Además, la película permite que el trío protagonista evolucione en paralelo a la llegada de nuevos estudiantes. Es verdad que por ejemplo el cambio de Hermione no es tan impactante como debería, pero aún así funciona bien y Mike Newell tras las cámaras sabe llevar el relato a su terreno y darnos un gran pasatiempo con un puñado de escenas inolvidables. En Espinof: 'Harry Potter y el Cáliz de Fuego', más de lo mismo 2. 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos Podría haberse convertido en una mera operación de Warner para exprimir más el universo de Harry Potter con muy poco que aportar, pero lo cierto es que supo aprovechar la esencia que conquistó a millones de personajes para crear su propio universo, algo más encaminado al público adulto pero sin descuidar nunca al resto del público. Dejando a un lado el deslumbrante despliegue técnico, que se aprovecha sobre todo para convertir a Nueva York en un escenario mágico sin nada que rivalizar con Reino Unido, lo que sobresale es la solvencia que fue ganando David Yates tras las cámaras, más depurada que nunca aquí, y un encantador carrusel de personajes donde solamente la peculiar interpretación de Eddie Redmayne puede quedar un poco fuera de lugar. En Espinof: 'Animales fantásticos y dónde encontrarlos', nada que envidiar al mejor Harry Potter 1. 'Harry Potter y el prisionero de Azkabán' Recuerdo salir algo decepcionado del visionado de la tercera entrega, ya que el libro que adaptaba era mi preferido de la saga y sigue siéndolo- y me dejó con la sensación de no cuidar del todo algunos pequeños detalles. La lacra con la que todo fan carga a veces y de la que ha de desprenderse para saber valorar mejor una adaptación estupenda que dio un giro muy necesario a la franquicia alejándola de forma definitiva del toque más infantil propio de Columbus. La introducción de los dementores ya es un aspecto fascinante, pero también la relación que se establece entre Lupin y Harry, la evolución en el sentido general de todos los alumnos, la llegada de Sirius Black quien no resulta es quién parecía en un principio. Todo va orientado a dar a la saga de un fondo más oscuro contando para ello con un Alfonso Cuarón muy implicado para exprimir a fondo el material de origen. En Espinof: 'Harry Potter y el prisionero de Azkabán', fantasmagórica belleza Ahora os toca pronunciaros a vosotros, ¿estás de acuerdo con nuestra lista de las mejores películas del universo Harry Potter o cambiaríais alguna de posición? También te recomendamos ‘Harry Potter', de la luz a la penumbra: así ha evolucionado el tratamiento visual de la saga Severus Snape es el verdadero héroe de la saga 'Harry Potter' 'Animales fantásticos 3': ya hay fecha de rodaje y nuevos detalles sobre la próxima película de la saga Harry Potter - La noticia Todas las películas del universo 'Harry Potter' ordenadas de peor a mejor fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El universo se ha confabulado para que, a través de la televisión, ya podamos elegir no ser testigos de cómo las mujeres buscamos el amor romántico a toda costa. Ahora parece que lo principal es encontrarnos a nosotras mismas... y el resto ya vendrá solo. Si viene, que también puede no venir y no pasaría nada. No vamos a hacer spoilers de ninguna de las series que nombramos, así que, a partir de aquí, puedes seguir leyendo tranquilamente. Series sobre mujeres que van más allá del esquema tradicional Empecemos. Sicilia, 1920... En realidad algo más tarde, en 1985, cuatro mujeres compartían un chalet en Miami y nos daban un gran ejemplo de feminismo y sororidad. Se llamaban Rose (Betty White), Sophia (Estelle Getty), Blanche (Rue McClanahan) y Dorothy (Beatrice Arthur), pero probablemente las conocerás como 'Las Chicas de Oro' ('The Golden Girls'). Considerada una de las primeras ficciones con un claro tinte feminista y aprobando con nota el test de Bechdel, su sombra televisiva sigue siendo más que alargada, y numerosas series han sido influenciadas por su planteamiento. Un poco más tarde, en 1998, veíamos cómo de nuevo cuatro desinhibidas mujeres de Manhattan, Carrie (Sarah Jessica Parker), Samantha (Kim Cattrall), Miranda (Cynthia Nixon) y Charlotte (Kristin Davis), nos contaban su vida sexual con pelos y señales sentadas en una mesa bebiendo cosmopolitan. 'Sexo en Nueva York' ('Sex in the City') volvió a romper moldes, y eso solo era el principio. Ya en el siglo XXI, son muchas las series que han reinventado el chick-lit. ¿Podríamos llamarlo post-chick-lit? ¿Me acabo de inventar ese nombre? Evidentemente. La literatura tradicionalmente hecha por y para mujeres (aunque no todos los libros se centren en que la protagonista encuentre el amor, sí es un hilo conductor con mucho peso en la historia) parece haberse quedado un paso por detrás de la ficción en la pequeña pantalla. Si ponemos la tele ya no queremos queremos ser testigos de una historia irreal que suele empezar con mal pie para irse enderezando durante 90 minutos hasta el beso final. En Espinof 19 grandes películas y series que desmontan el mito del amor romántico de Hollywood Ahora buscamos a mujeres que se han puesto al mando y han protagonizado, dirigido y escrito historias en las que vernos reflejadas y, por qué no, sufrir con los problemas de los personajes como si fuesen los nuestros y alegrarnos de sus pequeñas victorias cotidianas. Diez series feministas imprescindibles de los últimos años En el arranque de 'Mujeres trabajadoras' ('Workin' Moms'), Kate (Catherine Reitman) acaba de ser madre y no quiere renunciar a su estatus profesional, y durante las tres temporadas que de momento están disponibles en Netflix la vemos hacer malabares para sacar adelante su trabajo como publicista, a sus hijos y a su familia. Jugar con tantas bolas en el aire tiene un peligro, que alguna siempre se cae... y eso es precisamente lo que nos engancha de esta serie: su protagonista no es una heroína y no pretende serlo. Por cierto, ya está confirmada la cuarta entrega para 2020. Por su parte, el personaje homónimo de Phoebe Waller-Bridge en 'Fleabag' es un desastre en todos los aspectos de su vida y tiene que aprender a superar sus traumas y encauzar su vida, sobre todo tras la muerte de su mejor amiga y socia. Pero las cosas no son fáciles ya que tiene un entorno que no ayuda mucho, capitaneado por una hermana hipercontroladora, un padre desligado emocionalmente de sus hijas y una madrastra que ejerce el perfecto papel de supervillana, interpretada magistralmente por Olivia Colman. 'Fleabag', además de una de las mejores series del catálogo de Amazon y del palmarés de los pasados premios Emmy, es la comedia más agridulce que podemos ver ahora mismo. Y más agridulce aún se nos hace que su creadora y protagonista haya declarado no tener en mente escribir una tercera temporada. En Espinof Siete series imprescindibles para ampliar tu imaginario feminista Pero no solo se hace buena ficción feminista fuera de nuestras fronteras. La gran apuesta de Movistar+, la comedia 'Vida perfecta', ha sido para mí la mayor sorpresa televisiva de la temporada. Protagonizada, dirigida y coescrita por Leticia Dolera, nos muestra la historia de María, una chica tan normal y tan corriente que podríamos ser cualquiera de nosotras. Pero por un revés de la vida, se ve obligada a adaptar su sueño de formar una familia a su nueva situación personal... Y para ello contará con el apoyo incondicional de su hermana mayor y de su mejor amiga. Tras este argumento que bien podría estar escrito en una taza de Mr. Wonderful, se esconde una comedia deslenguada, sin prejuicios, inclusiva... y abarrotada de situaciones escatológicas. En resumen: ya nos hemos cansado de damiselas desvalidas esperando a ser rescatadas y ahora nos lo pasamos pirata viendo historias (reales o no) de mujeres con las que sentirnos identificadas. Historias de mujeres a las que le pasan cosas similares a las nuestras. Buenas, malas y regulares. Por ejemplo, quien haya sido madre recientemente es imposible que no se haya sentido como Alison Bell en la primera temporada de la fantástica comedia australiana 'The Letdown' (disponible en Netflix): a Audrey, su personaje, el mundo se le echa encima, la crianza de su bebé le viene gigante y no tiene manera de saber cuántos días lleva sin lavarse el pelo. O quien no lo haya sido ni tenga plan de serlo, puede verse claramente reflejada en el rol de Aixa Villagrán, que da vida a Esther, la hermana de la prota en 'Vida Perfecta', que ha llegado a los 40 con una crisis existencial del tamaño del mundo entero y la sensación de no haber avanzado todo lo que debería (muy discutible también ese "debería"). En Espinof Las 31 mejores series de 2019... hasta ahora Además de las ya mencionadas, hay un buen puñado de series que abordan el tema de la amistad entre mujeres (sin importar su edad, condición o el parentesco que les unan) con las que pegarse un buen maratón, un baño de realidad y proyectar en ellas nuestras preocupaciones del día a día. La estupenda 'Better Things' ha sido brutalmente honesta con su producción y ha sabido sobrevivir sin su productor, Louis CK, tras su escándalo sexual. Su creadora y protagonista, Pamela Adlon, interpreta a una mujer soltera que tiene que criar a sus tres hijas justo en el momento en que la mayor empieza a ser una adolescente, con todo lo que eso conlleva. Está en HBO. En 'Girls', uno de HBO, Lena Dunham nos enseñó, entre 2012 y 2017, los altibajos de cuatro mujeres y su cambiante relación a lo largo de las seis temporadas que tuvo. Por su parte, y también desarrollada en Nueva York, 'Broad City' es la recomendable adaptación televisiva de la webserie del mismo nombre, y narra la amistad real de sus dos protagonistas. Y sin salir de la Gran Manzana cabe destacar 'The Bold Type', disponible en Amazon. Nos enseña el día a día de la redacción de una revista de moda a la vez que nos deja ver que las mujeres que la componen tienen, detrás de esa ropa de marca y esos zapatos caros, los mismos problemas que cualquiera de nosotras. La maravillosa y delirante 'Grace and Frankie', del catálogo de Netflix, descubre cómo dos veteranas mujeres (nada menos que Jane Fonda y Lily Tomlin) se unen ante la adversidad al descubrir que sus maridos llevaban décadas siendo amantes. Y, por nombrar solo otra más imprescindible, 'Girlboss' cuenta la historia real de Sophia Amoruso, la creadora de la web Nasty Gal, el primer site dedicado a vender ropa vintage. También está en Netflix. Todas estas series tienen un denominador común: están protagonizadas por mujeres que se ven obligadas a abordar problemas de diversa índole pero, en el fondo, problemas que nos preocupan a todas. Es hora de manta, palomitas, serie... y pensar un poco en nosotras mismas. También te recomendamos 'Madres trabajadoras', interesante e irregular propuesta en Netflix sobre la maternidad en el siglo XXI Netflix lanza teasers de 'Girlboss', su 'Ana de las tejas verdes' y 'Dear White People' Esta semana en tus series favoritas: varias despedidas, bastantes regresos y algún estreno - La noticia Las mejores series feministas actuales que demuestran que el remanido "chica busca chico" ha muerto (al menos en la tele) fue publicada originalmente en Espinof por María Alba .

Marvel ya ha encontrado al guionista jefe que se va a encargar de desarrollar 'Moon Knight', la serie sobre el superhéroe Caballero Luna que veremos en Disney+. El elegido es Jeremy Slater, uno de los dos creadores de 'The Umbrella Academy', la adaptación de Netflix del cómic de Gerard Way y Gabriel Bá. La serie de 'Moon Knight' fue confirmada por Marvel durante la última D23 junto a otras adaptaciones televisivas de superhéroes de la compañía y muchos proyectos más. En un primer momento se rumoreó la posibilidad de que Kit Harington, el Jon Nieve de 'Juego de Tronos', iba a liderar el reparto, pero finalmente el fichaje del actor fue para aparecer en 'The Eternals'. En Espinof Todas las películas del Universo Marvel ordenadas de peor a mejor El Caballero Luna fue creado por Doug Moench y Don Perlin, apareciendo por primera vez en los cómics de Marvel en 1975. Desde entonces se han contado diferentes versiones de sus orígenes, pero la más popular probablemente sea que se trata de un esquizofrénico que recibió sus poderes sobrehumanos del Dios egipcio Khonshu. Todas las series de Marvel para Disney+ Por el momento, Marvel ha encargado las siguientes series de superhéroes para Disney+: 'The Falcon and the Winter Soldier', 'WandaVision', 'Loki', 'What if...?', 'Hawkeye', 'Ms. Marvel', 'She- Hulk' y 'Moon Knight'. Recordemos que Kevin Feige ha anunciado que si queremos entender bien las futuras películas del MCU también tendremos que ver estas series... Eso sí, los fans de Marvel todavía tendrán que ser pacientes, ya que hasta finales de 2020 no llegará 'The Falcon and the Winter Soldier', la que está previsto que se estrene primero de todas ells. Vía | Hollywood Reporter También te recomendamos Marvel enseña el épico tráiler para 'La saga del infinito' mostrado en la Comic-Con para ponernos los pelos de punta Kevin Feige avisa que para entender el futuro del MCU va a ser necesario ver las series de Marvel para Disney+ La serie animada de Marvel 'What if...?' explorará las 23 películas de la saga del infinito - La noticia Marvel ficha a uno de los creadores de 'The Umbrella Academy' para desarrollar la serie de 'Moon Knight' en Disney+ fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Aunque siempre me haya manifestado como un férreo defensor de los efectos prácticos a la antigua usanza, es imposible no reconocer el infinito abanico de posibilidades que el CGI —o, aún mejor, su combinación con VFX de toda la vida— ha ofrecido tanto a la gran como a la pequeña pantalla. Pero, como todo en esta vida, los efectos digitales también son un cúmulo de luces y sombras. Las imágenes generadas por ordenador —Computer Generated Imagery en el idioma de Shakespeare— nos han permitido visitar épocas remotas y mundos imposibles, conocer a criaturas extraordinarias y sumergirnos en batallas que trascienden los límites de nuestra imaginación; pero esta tecnología está abriendo paso a ciertas prácticas en las que la técnica queda eclipsada por los claroscuros éticos y morales. Con esto último estoy refiriéndome a la resurrección de grandes estrellas de la interpretación a base de píxeles. Una tendencia que cada vez está tomando más presencia en la industria audiovisual y que ha vuelto a agitar la opinión pública después de conocer que el largometraje 'Finding Jack' traerá de vuelta a James Dean —o, más concretamente, a su versión digital— para protagonizar su cuarta película más de seis décadas después de su muerte. En Espinof Así fueron los orígenes del CGI en el cine: una revolución que empezó con ordenadores de 2 megas de potencia Numerosos precedentes, pero radicalmente distintos Por supuesto, esta no es la primera vez que una producción tira de CGI para traer de vuelta a un actor o actriz fallecido. En la holgada lista que ilustra esto se encuentran nombres como los de Peter Cushing —'Rogue One'—, Philip Seymour Hoffman —'Los juegos del hambre: Sinsajo. Parte 2'—, Paul Walker —'Fast and Furious 7'—, Oliver Reed —'Gladiator'— o Nancy Marchand —'Los Soprano'—; pero la de Dean es una cuestión muy diferente. En todos los casos mencionados, cada resurrección se ve justificada por las necesidades derivadas de fallecimientos repentinos durante la producción del filme o serie en cuestión —Seymour Hoffman, Reed o Marchand—, por una honesta voluntad de homenaje —Walker— o por el regreso de un personaje icónico como el Grand Moff Tarkin de Cushing. La única explicación aparente a la resurrección de James Dean no es otra que la simple y llana explotación comercial. Una maniobra desesperada para llamar la atención que se alinea con campañas publicitarias como las de Johhnie Walker, Galaxy o Dior, que utilizaron sin cortapisas la imagen de Bruce Lee, Audrey Hepburn y Marilyn Monroe —entre otras— para anunciar whisky, chocolate y perfume respectivamente. Evaluando únicamente la premisa de 'Finding Jack', que se basará “en la existencia real y el abandono de más de 10.000 unidades caninas al final de la Guerra de Vietnam", para contar la historia de un soldado que se convertirá en el mejor amigo de un perro labrador, todo apunta a que la decisión de "fichar" a James Dean está de todo menos justificada. De hecho, la explicación del codirector de la película es no haber encontrado ningún actor a la altura del papel. Para más inri, la labor de la versión digital de la malograda estrella de la edad de oro de Hollywood no se limitará a un cameo puntual, sino que será el de dar vida —por así decirlo— al personaje secundario de mayor relevancia del libreto. Un auténtico disparate posible gracias la consentimiento —y, probablemente, a un más que jugoso acuerdo económico— con la familia de Dean. El caso de 'Finding Jack' reabre con más fuerza que nunca el debate sobre la ética —o más bien la falta de ella— relacionada con esta praxis, radicalmente distinta tanto en efectos prácticos como morales a la del rejuvenecimiento facial de actores en activo, con la que comparte esencia; siendo esta última una herramienta actualizada que pretende sustituir al látex, el maquillaje o los parecidos físicos que tan buenos resultados le han dado a Mike Flanagan en su espectacular 'Doctor Sueño'. A falta de comprobar qué tal le ha salido a Martin Scorsese la arriesgada apuesta de hacer viajar atrás en el tiempo a De Niro y compañía en 'El irlandés', es más que evidente la falta de solidez a día de hoy de este tipo de técnicas —que suelen dar resultados bastante espeluznantes y antinaturales, todo sea dicho—. Pero, tal vez, el mayor sinsentido de su empleo en situaciones como la de Dean es que, al contrario que en los "liftings" CGI, no habrá nada del actor que sustente su actuación, tan sólo se aplicará una máscara digital sobre el rostro de un imitador. Como suele decirse, poderoso caballero es don dinero, y no puede negarse que el equipo responsable de 'Finding Jack' ha sido harto inteligente para poner su proyecto en el radar sin necesitar tan siquiera una imagen promocional. Una nueva muestra de cómo la mercadotecnia está devorando al séptimo arte dando dentelladas cada vez más grandes, esta vez camufladas bajo la aparentemente revolucionaria forma de una pavorosa necrofilia cinéfila. También te recomendamos Los retoques digitales de James Cameron para 'Terminator 2 3D': del tratamiento del color al escroto del T-1000 James Dean resucitará gracias al CGI en la película 'Finding Jack' 65 años después de su muerte De insectos gigantes a cabezas giratorias: 19 animatronics alucinantes que demuestran que no necesitamos el CGI - La noticia La resurrección digital de James Dean: entre la revolución técnica y la necrofilia cinéfila fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

'Recién llegados' tiene el honor de ser la comedia sobre una familia asiática más longeva de la historia de la televisión norteamericana. Eso sí, su récord se va a quedar en seis temporadas, ya que Vulture ha desvelado que ABC ha decidido cancelarla. El seguimiento de 'Recién llegados' había ido perdiendo fuelle durante los últimos años, por lo que ABC decidió moverla en su parrilla de los martes a los viernes con la esperanza de detener la sangría de espectadores. De hecho, ya el anuncio de su renovación por una sexta temporada fue una sorpresa que frustró los planes de Constance Wu, una de sus protagonistas. ¿Un final no planeado? En Espinof Las 31 mejores series de 2019... hasta ahora La actriz, a la que actualmente también podemos ver en 'Estafadoras de Wall Street', lanzó un tuit diciendo que estaba literalmente llorando cuando se confirmó la continuidad de la serie por una temporada más, aclarando tiempo después que se debía a que la continuidad de la serie la obligó a rechazar un proyecto que tenía muchas ganas de hacer. Seguro que no soy el único al que le parece raro que suceda algo así. Vultura también señala que el equipo de la serie ha recibido el aviso de ABC esta misma semana, por lo que los episodios 14 y 15 de esta temporada también servirán como final de serie. Por ahora la cadena ya ha emitido los seis primeros episodios de esta temporada, así que no parece nada claro que esos capítulos hayan sido diseñados para cumplir esa función. También te recomendamos 'Estafadoras de Wall Street': Jennifer Lopez brilla en la adaptación de una llamativa historia real 'Anatomía de Grey' renueva por su temporada 17 y logra un récord: el drama médico más longevo de la televisión 'Grand Hotel' cancelada: la adaptación estadounidense de la exitosa serie de Antena 3 se queda en una temporada - La noticia 'Recién llegados' es cancelada: la sexta temporada será la última de la serie fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

La moda de los remakes de series antiguas está lejos de parar. y además, como ya comentábamos con 'El zorro', la revisión de clásicos se está llevando a cabo con mujeres como protagonistas y ahora toca 'Kung Fu', la serie homónima de artes marciales de los años 70 con David Carradine, aunque, esta vez, estará centrada en un personaje femenino. ¿Llamarán a Tilda Swinton? Has aprendido mucho, pequeña saltamontes Greg Berlanti, El productor ejecutivo detrás de 'Arrow', 'The Flash' y todas las otras series de superhéroes del canal The CW, así como 'Riverdale', 'All American' y otras, está trabajando en un nuevo reboot en forma de serie de televisión para. En la serie original, Carradine interpretó a Kwai Chang Caine, un monje Shaolin que viaja por el Viejo Oeste armado con su espíritu y su conocimiento del arte marcial mientras busca a su medio hermano Danny. En Espinof Las 47 mejores series de la historia La serie estará escrita por Christina M. Kim, productora ejecutiva de 'Blindspot', que actuará como productora ejecutiva junto a Martin Gero, Berlanti y Sarah Schechter de Berlanti Productions. La nueva historia se centrará en una joven china-estadounidense que deja la universidad y se embarca en un viaje cambiavidas, hacia un monasterio aislado en China. Cuando regresa a su ciudad y la encuentra invadida por el crimen y la corrupción. La protagonista usará sus habilidades de artes marciales aprendidas y los valores de Shaolin para proteger a su comunidad y llevar a los criminales ante la justicia, todo mientras sigue el rastro del asesinato de su mentor que también la busca a ella. Este no es el primer intento de traer de vuelta 'Kung Fu' a la televisión: FOX había probado hace más de dos años, con un remake escrito por la veterana de 'Arrow' Wendy Mericle, también centrada en una mujer. También te recomendamos Nicolas Cage protagonizará 'Jiu Jitsu': una locura de ciencia ficción y artes marciales con alienígenas de por medio Bruce Lee sigue siendo el gran mito del cine de artes marciales, y hay razones indiscutibles para ello El director de 'Redada Asesina' ('The Raid') confirma que no habrá trilogía: "A veces puede empachar un exceso de algo bueno" - La noticia La mítica serie 'Kung Fu' también tendrá remake, pero el pequeño saltamontes será ahora una mujer fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Estoy convencido de que ni siquiera en Disney contaban con el fenómeno mundial en el que acabó convirtiéndose 'Frozen'. Los 1.274 millones recaudados la convirtieron en la película de animación más taquillera de todos los tiempos -ahora está la duda de si lo es o no porque Disney se niega a reconocer al remake 'El rey león' como cine animado- y en la compañía no pudieron dejar pasar la oportunidad de hacer una secuela que este viernes 22 de noviembre al fin llega a los cines. Por el momento no se han publicado reseñas de 'Frozen 2' -lo más probable es que todavía haya un embargo por parte de Disney-, pero varios críticos norteamericanos ya han tenido la oportunidad de verla y compartir sus primeras impresiones a través de twitter. Entre ellos parece existir cierto consenso en que se trata de una secuela más oscura pero inferior a su predecesora. En Espinof Las 29 mejores películas de animación de la historia Eso no quiere decir que no hayan disfrutado con ella, ya que se destacan virtudes como su impresionante acabado visual o la abundancia de grandes canciones. Incluso hay quien se atreve a decir que la música es mejor que la de la primera parte cuando esto era uno de sus puntos fuertes: Primeras opiniones de 'Frozen 2' Frozen 2 loses some of the magic of the original but its soundtrack is surprisingly superior. Kristoff, Sven, & Olaf standout even though the script leaves Anna & Elsa out in the cold. It is a decent sequel but definitely a step down from the first. #Frozen2 pic.twitter.com/xkEmVE4w9j — Scott Menzel (@TheOtherScottM) November 8, 2019 Loved #Frozen2. It’s a darker, more complex and more emotionally mature story, continuing everything you love about the first movie and upping the ante while maintaining the intimacy of the original. Gorgeous animation, wonderful new characters and (FINALLY) a Kristoff song! ❄️ pic.twitter.com/ZB7Dyul6Ia — Drew Taylor (@DrewTailored) November 8, 2019 #Frozen2 embarks as not just an evolution of its characters, but it sincerely acknowledges that it's fanbase has grown over the last 6 years, and they have new things to learn in a changing world. Songs are plentiful. Beautiful shots at times. It was something I REALLY needed. pic.twitter.com/NMKEKvyLg0 — Clayton Davis (@AwardsCircuit) November 8, 2019 #Frozen2 is a worthy sequel. Inspiring story. Elsa rides a water horse and it’s breathtaking. The song “Into the Unknown” is primed to be “Let It Go”-like addictive (sorry parents). And there’s even an ‘80s ballad... sung my Weezer in the end credits! Get ready!!! pic.twitter.com/0ZCol85OjR — Jason Guerrasio (@JasonGuerrasio) November 8, 2019 #Frozen2 seems to exist primarily bc box office for Frozen 1 demanded a sequel, but there’s still plenty to love here: eye-popping fantasy sequences, nice moments for your faves, LOTS of new songs incl the earworm-y “Into the Unknown,” and an unbearably cute new critter pic.twitter.com/PHg80bc1Bp — Angie J. Han (@ajhan) November 8, 2019 Just got out of #Frozen2! It doesn’t capture all the magic of the first, but it’s got: Elsa in a wetsuit, Anna ugly crying, Sven ugly crying, Kristoff singing a ‘90s rock ballad, Olaf at his wisest, and... THIS GOOD BOY!! (We must protect him at all costs.) pic.twitter.com/a4WJ0k08Hs — Alison Foreman (@alfaforeman) November 8, 2019 FROZEN II radiates such strong “does not need to exist” vibes up until they give Jonathan Groff the best song — Kyle Buchanan (@kylebuchanan) November 8, 2019 Frozen 2 creates musical magic, but story wise, doesn't quite reach the level of the original. Olaf is certainly the highlight of the film & brings much needed levity to a pretty dark film. It feels like it is for a much older crowd than the target demo. #frozen2 #Frozen pic.twitter.com/ba5YTOpP76 — Ashley Menzel (@AshleyGMenzel) November 8, 2019 Loved #Frozen2. It’s a darker, more complex and more emotionally mature story, continuing everything you love about the first movie and upping the ante while maintaining the intimacy of the original. Gorgeous animation, wonderful new characters and (FINALLY) a Kristoff song! ❄️ pic.twitter.com/ZB7Dyul6Ia — Drew Taylor (@DrewTailored) November 8, 2019 #Frozen2 embarks as not just an evolution of its characters, but it sincerely acknowledges that it's fanbase has grown over the last 6 years, and they have new things to learn in a changing world. Songs are plentiful. Beautiful shots at times. It was something I REALLY needed. pic.twitter.com/NMKEKvyLg0 — Clayton Davis (@AwardsCircuit) November 8, 2019 #Frozen2 has some incredibly ethereal animation (and what they do with water is incredible), along with very solid songs, but the story didn't enchant me nearly as much this time around. It's good, but the first one was great. #Frozen @DisneyFrozen — Joey Magidson (@JoeyMagidson) November 8, 2019 #Frozen2 is breathtakingly beautiful and leans in on empowerment for its characters. I cried at least 3 times. From the story to the last thread on Elsa's dress, the care and love put into it shows. And, good news, every one of Team Elsa gets at least one solo this time around. — Alisha Grauso (@AlishaGrauso) November 8, 2019 I really, really liked FROZEN II. A movie that doesn’t even try to have a traditional villain, but instead explores the fears of people, groups you haven’t met yet. And what happens when you learn your own tragic truth. — Mike Ryan (@mikeryan) November 8, 2019 Pero ojo, que también hay quien dice que es mejor que la primera. Una minoría, pero ya veremos si sigue así cuando la película llegue a los cines: I can’t believe I am saying this, but FROZEN 2 is better than its predecessor. Darker, a little more mature, but still an excellent film for families, the songs believe it or not are catchier, so parents beware. SEE THIS MOVIE! #Frozen2 pic.twitter.com/0RLKpckHWS — Skyler Shuler (@Skylerhxc) November 8, 2019 También te recomendamos Espectacular nuevo tráiler de 'Frozen 2': Disney promete nueva magia y aventuras navideñas 'El rey león': espectacular y fiel remake que potencia las virtudes y los problemas de la fórmula Disney 'El rey león' ya es la película de animación más taquillera de la historia… aunque para Disney sigue siendo "acción real" - La noticia Primeras opiniones de 'Frozen 2': una secuela más oscura y con grandes canciones pero sin la magia de la primera entrega fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

'Dune', 'Las aventuras de Buckaroo Banzai' o 'Starfighter: La aventura comienza' eran algunos de los títulos de ciencia ficción que vieron la luz en 1984. Un año antes se acababa la trilogía original de 'Star Wars'. Un año después lo haría la de las desventuras del 'Mad Max' de George Miller. En esas estaba el género cuando James Cameron cambió el destino del mismo con 'Terminator' y, de paso, también el del cine. Por el camino también sepultó carreras, hundió estudios y fue desintegrándose creativamente hasta haber perdido el horizonte. Terminator: Xenogenesis Tres años después de su carta de presentación en formato corto y titulada 'Xenogenesis', James Cameron comenzaría a sufrir en sus propias carnes las dentelladas del séptimo arte mientras era despedido del rodaje de 'Piraña 2: los vampiros del mar', coproducción italo-americana de la que el director reniega toda con su energía. No teníamos la misma película en la cabeza. El productor (Ovidio G. Assonitis) quería imponerme sus ideas. Y todas eran malas. Pensé que mi carrera en el cine se había terminado antes de empezar. Ni siquiera la considero como una película mía. Pero no todo estaba perdido. Estando en Roma, tratando de solucionar el montaje de la película en vano, Cameron enfermó. En una noche de fiebres, delirios y pesadillas, el cineasta se encontró con una imagen en la cabeza. Un esqueleto de metal surgía de una explosión con intenciones de acabar con su vida. Mientras terminaba su relación con la película de los peces asesinos, intentó sin éxito retirar su nombre de la misma, algo que no logró. Con la imagen indeleble de aquel pedazo de metal con sed de sangre, James Cameron comenzó a sentar las bases de la película que cambiaría su vida para siempre. Durmiendo de prestado y comiendo con los cupones de descuento para McDonald's que recibía de su madre, Cameron se puso a mover la historia de un cíborg llegado del futuro. Por entonces no encontró más que rechazos. El primero, el de su agente. Me dijo que era imposible, que perdía el tiempo con un proyecto como 'The Terminator', pero aún así me puse a trabajar con el guión. En Espinof Todas las películas de la saga 'Terminator' ordenadas de peor a mejor Afortunadamente, su cabezonería encajaba a la perfección con aquellos primeros años ochenta, que buscaban nuevos y atrevidos realizadores y talentos como el de John Carpenter, del que aún sonaba con fuerza 'La noche de Halloween'. En aquella época todos los jóvenes aspirantes a director, todos los debutantes, tenían en mente un único objetivo: conseguir el prestigio que Carpenter logró con 'Halloween'. Todos admirábamos su talento, y de algún modo yo tenía un proyecto con mucho en común: una mujer en peligro perseguida por un depredador indestructible. En este caso, el mérito de Cameron era enorme. Cuando lo fácil, lo que hacían todos los demás, era repetir la fórmula calcando el éxito anterior, el director decidió trabajar con una base de literatura de ciencia ficción e intentar ser lo más original posible. Theodore Sturgeon, Ray Bradbury, Isaac Asimov o A.E. van Gogt fueron, según Cameron, sus fuentes de inspiración. De un tratamiento inicial de 42 páginas pasó a 122, escribiendo el 99% del material. El 1% restante se lo atribuye a William Wisher, viejo amigo y protagonista de su cortometraje de 1978. Con una calculadora en la cabeza y tomando riesgos a la hora de rodar en exteriores sin permisos, James Cameron redefinió al personaje principal (el robot) cuando consiguió que la estrella de 'Conan' formase parte del proyecto. El cineasta y su co-guionista y productora, Gale Anne Hurd apenas tuvieron que sobreponerse a la rotura de un tobillo de Linda Hamilton a dos semanas de comenzar el rodaje y a una dolorosa acusación de plagio por parte de Harlan Ellison, que alegaba que el material original pertenecía a 'Demon with a Glass Hand', uno de sus episodios para 'Más allá del límite'. Algo habría si ambas partes llegaron a un acuerdo, pagando una compensación y añadiendo en los créditos de la película (en formato doméstico, en cines ya estaba explotada) “con un reconocimiento a la obra de Harlan Ellison”. El acuerdo no permitía a las partes implicadas revelar ningún detalle, pero se habla de un arreglo de cerca de medio millón de dólares. Poco daño para una película de seis millones de dólares que recaudó casi ochenta y revolucionó la ciencia ficción para siempre. 'Terminator' fue, es y será un mito. Una película legendaria que ponía en órbita a un tipo con un talento fuera de lo común y una ambición acorde a ello. Al igual que con el inicio de la saga 'Mad Max', esta historia empieza con una película de terror, un slasher cibernético y un pellizco de paradoja que aún se explotará hasta el infinito. Un violento golpe en la mesa de una mano cibernético. Hasta el último centavo, baby A veces, sucede. Una gran película de género, en ocasiones, tiene una secuela a la altura de las circunstancias. La tuvo 'La guerra de las galaxias', la tuvo 'En busca del arca perdida' y 'Terminator 2: El juicio final', fue esa secuela. Y de ese tipo de continuación más larga, más grande (y con distintos cortes), James Cameron sabe mucho. No olvidemos que es el responsable de 'Aliens: el regreso'. Fue Arnold Schwarzenegger quien me empujó para para hacer la película. Quería volver a interpretar al personaje lo antes posible. En un principio había pensado en un personaje femenino para el nuevo terminator, pero al final repetimos dándole la vuelta a su personaje. En Espinof Comparadas con 'Terminator: Destino Oscuro’, las secuelas denostadas de la saga no son tan prescindibles Con Hemdale, la productora detrás de la película original, en bancarrota, Carolco se llevó los derechos de la propiedad tras mediar la estrella de la función, que acababa de reventar las cabezas y las taquillas del mundo con 'Desafío Total'. Cinco millones de dólares por los derechos más otros cinco adicionales para la compañía de Gale Anne Hurd, Pacific Western. Mario Kassar y Andrew G. Vajna se hacían con Terminator al igual que se habían hecho con Rambo. Cameron venía de pasarlo regular durante el rodaje de 'Abyss', que no fue precisamente un baño relajante. Pero si algo aprendió allí fue que los efectos especiales iban a permitir llevar sus sueños terminales hasta donde nadie habría imaginado. El T-1000 era un sueño imposible en 1984, pero rodando 'Abyss' fuimos testigos de lo que era capaz de lograr la gente de Industrial Light & Magic. Era el momento de dar un paso al frente. El director y guionista (de nuevo con William Wisher) no estaba muy contento con su labor en la secuela de 'Acorralado', donde siempre ha mantenido que los valores morales de la película no eran los suyos, así que pudo redimirse gracias al personaje de John Connor, interpretado por Edward Furlong. Durante la escritura, William y yo insistimos en la evolución de Terminator, de su código moral y de conducta, dictado por el personaje de John Connor. Del otro lado, mientras tanto, íbamos convirtiendo a Sarah Connor en otra especie diferente de Terminator con sus propios ideales. Con 94 millones de dólares de presupuesto, quince veces el de la original, (la estrella de la película se embolsó 14), se convirtió en la película más cara de la historia del cine, pero el mayor logro de todos, algo que ya es prácticamente imposible de conseguir (aunque Adam Green lo consiguió con la última entrega de su saga 'Hatchet'), fue mantener la película, el rodaje y la información sobre ella bajo el mayor de los secretos. Cada dólar fue invertido con criterio, y no siempre en términos de efectos digitales de post-producción. Jeff Dawn, ganador del Oscar por el maquillaje de la película (junto a Stan Winston) afirmaba lo siguiente: Dependiendo de la etapa de degeneración del Terminator, las sesiones de maquillaje pasaron de hora y media a seis horas. Cuando finalizamos el rodaje calculamos que Arnold había pasado una semana completa, con sus siete días de 24 horas, sentado en el cuarto de maquillaje. 'Terminator 2: el juicio final' se estrenó en 2.274 salas de Estados Unidos y recaudó más de 500 millones de dólares en todo el mundo. Las ventas de VHS y dvd funcionaron como nunca antes, y a pesar de que Carolco tanteó a Cameron para la tercera entrega, el director estaba más centrado en su sueño imposible de Spider-Man. La secuela de 'Terminator' es un clásico del cine guste o no. Un título que pasó a la historia antes de su estreno y que sigue ganando el respeto del público con cada reestreno o reconversión de formato. Una película que está en constante movimiento, aunque puede que también demasiado pagada de sí misma. Pero para eso era la más cara. Así es como más cómodo se siente su responsable, que se encontraba a punto de separar su camino del metal durante una larga temporada. Under the Skin Doce años después de la segunda entrega, toda una eternidad para el espectador, con un presupuesto descomunal, sin James Cameron y con una estrella a punto de dedicarse a la política, 'Terminator 3: la rebelión de las máquinas', lo tenía todo en contra. El talento y oficio de un cineasta puro como Jonathan Mostow, en el mejor momento de su carrera, logró que la cosa saliera más que bien. Arnold Schwarzenegger intentó durante meses que Cameron tomase las riendas del proyecto, pero el canadiense estaba convencido de que no quería saber nada de una tercera entrega de 'Terminator'. A pesar de todo, su héroe sabía que tarde o temprano se pondrían manos a la obra. Desde que estrenamos la segunda parte, todo el mundo, toda la gente que me encontraba por ahí me preguntaba lo mismo: "¿Cuándo haréis otra?". Es una pregunta que me han repetido siempre. Creo que 'Terminator 3' se debe a la presión y al deseo de los fans durante todos esos años. Algo que no es lo más habitual en una industria que solo quiere beneficios sin importar el deseo del respetable. En Espinof 'Terminator: Destino oscuro': 19 referencias y easter eggs para disfrutar a fondo la sexta entrega de la saga Cameron, que no quiso saber nada del proyecto, insistió a su amigo en olvidar los dilemas morales y conseguir todo el dinero posible con la película. Y es que Arnold Schwarzenegger se embolsó más de 29 millones de dólares por su última participación en una película antes de dedicarse unos años a la política. Entre los estudios participantes en la producción, 'Terminator 3: la rebelión de las máquinas", fue, de nuevo, la película más cara de la historia del cine con 175 millones de presupuesto. No hago las películas por dinero. Cuando llegó la oferta fue la que presentaron, y lógicamente, la acepté. Por su parte, Mario Kassar, eterno productor, tenia claro donde estaba el problema con Cameron: James Cameron declinó hacer la película porque quería tener el control absoluto, de la la A a la Z y además quería hacer la película con Fox, que había estado detrás de 'Abyss', 'Aliens', 'Mentiras arriesgadas' y 'Titanic'. Se tomó 'Terminator 3' como un proyecto contra él, como algo personal. Nada de eso ha sido así. Con el no de James Cameron, algunos de los nombres que salieron a la palestra fueron los de Ridley Scott, David Fincher, John McTiernan, Roland Emmerich, Christian Duguay, Ang Lee o John Woo. Jonathan Mostow, que venía de ganarse un prestigio merecido con 'Breakdown' y 'U-571', aceptó después de pensarlo mucho, porque lo que habían hecho antes era muy bueno, y de dos ofertas irresistibles: cinco millones de dólares y el control de la producción. Las ausencias de Linda Hamilton (afirmaba ser incorruptible económicamente hablando y no estar interesada en la evolución de su personaje) y Edward Furlong (rehabilitaciones varias), unidas a la de Cameron, hicieron que las redes sociales dejasen muy clara su postura sobre la elección del nuevo director. El anuncio oficial de mi participación en la película no fue precisamente una celebración. La gente pedía el regreso de Cameron y me tacharon de incapaz o traidor. En esa situación lo único que podía hacer era guardar silencio y concentrarme en hacer la mejor película posible sin repetir la fórmula. Decidí hacer algo más clásico y eficaz. Además, trabajar con Arnold Schwarzenegger fue fácil. Es un grandísimo profesional que me ayudó en todo momento. Puede que la elección de Kristanna Loken (y del resto del reparto, seamos honestos) no fuera la más acertada, pero podría haber sido peor si tenemos en cuenta que Vin Diesel o Shaquille O'Neal postularon para villano. 'Terminator 3: La rebelión de las máquinas', habría sido un cierre fabuloso para una trilogía espléndida. La trilogía de lo inútil, del esfuerzo en vano. La trilogía del auténtico destino oscuro. La película de Jonathan Mostow está llena de buenísimas ideas, y todas se aprecian nítidamente en la pantalla. Más allá del mejor final de esta trilogía (y de la que estaba por venir), la idea del héroe como bola de demolición (ese plano con ambulancia aún quita el hipo) es icónica. El destino inevitable quiso que la fatalidad no acabase aquí, y la franquicia se empeñó en seguir explotando un filón que debería haber sido exterminado con el exquisito buen gusto y los sentidos de la diversión y la maravilla expuestos en una película a la altura de las circunstancias. Por cierto, al final a James Cameron no le pareció del todo mal. Sálvese quien pueda Me gustaría poner 'Terminator 3' entre paréntesis. Creo que la película iba demasiado lejos con su tono burlesco. El club de striptease, el bailarín homosexual, las gafas de Elton John... era demasiado. Aunque James Cameron ya había entreabierto el cajón de los odios durante la entrega anterior, estas declaraciones de McG no dejaban en buen lugar el trabajo de su colega Jonathan Mostow. Parece mentira que sea el mismo director que nos maravilló con sus dos películas de 'Los ángeles de Charlie', ¿verdad? En Espinof Las 19 mejores películas con viajes en el tiempo Después de las quiebras de Hemdale, Carolco o C2, aún había valientes dispuestos a financiar un nuevo suicidio comercial episodio de una franquicia que comenzaba a vagar sin rumbo fijo. The Halcyon Company, junto a Columbia, puso en marcha un proyecto que buscó ante todo la bendición del padre de la criatura, James Cameron. Viajamos a Nueva Zelanda, donde estaba rodando 'Avatar'. En mi cabeza era lógico que pudiera pensar "el tío de las películas esas de Charlie encargándose de Terminator 4 es un error", pero lo cierto es que me habló de cómo enfrentó las críticas cuando llegó al set de 'Aliens' a continuar el trabajo de Ridley Scott. Luego me dijo que preferiría que hiciese un buen Terminator y no uno malo. Le deseé lo mismo con 'Avatar'. Nos reímos y nos despedimos. El director tuvo claro desde el principio que la película necesitaba destacar, ante todo, a través de la imagen. Sería la primera película de la saga sin viaje temporal y que se desarrollaba en el mundo donde Skynet está aniquilando a la humanidad. Para eso el director decidió eliminar parte del color de la película para así evocar a la desolación total de la manera más directa posible. El cineasta intercambió ideas con expertos en la fusión nuclear de Chernobyl y acentuó la sensación de tristeza post-apocalíptica utilizando viejos restos de serie de película de Kodak que además calentó al sol para dañar deliberadamente la película. Quería dar un aspecto gastado y sucio al metal de las máquinas, un poco como los viejos tanques de la Unión Soviética. Lo cierto es que 'Terminator Salvation', la cuarta entrega de la saga, consigue provocar ese desasosiego en el espectador. Es la más fría y descorazonadora de la saga, un engranaje oxidado por la sangre por el que es difícil sentir empatía. Y es que la película se aleja a toda velocidad de la fantasía de las anteriores entregas. También de un mínimo de carisma. Antes de empezar a rodar, el director pidió a su equipo que leyeran 'La carretera', de Cormac McCarthy. Además, Sam Worthington recibió un ejemplar de la novela de Philip K. **** que dio pie a 'Blade Runner'. Entre eso y las visitas a refugios nucleares reales de la vieja Europa buscando inspiración, la "salvación" parecía estar en marcha. No solo su (co) protagonista es elemento común con las revolucionarias epopeyas de ciencia ficción de James Cameron. Martin Laing se encarga del diseño de ambas películas y Conrad Buff IV, editor de 'Titanic', 'Abyss' o 'Terminator 2: El juicio final', se ocupa del montaje de Salvation. Ya entrados en el reparto, el imprevisible Christian Bale (que pregunten a Shane Hurlbut), se mete en la piel de un John Connor más intenso de lo habitual (que pregunten a Shane Hurlbut) y siempre dispuesto a ir más allá. Sam Worthington se quedó con un papel que en principio iba a ir a parar a Josh Brolin y Bryce Dallas Howard con uno pensado para Charlotte Gainsbourg, que decidió quedarse con el 'Anticristo' de Lars von Trier. Leyendas como Michael Ironside aportan su granito de arena y el tristemente desaparecido Anton Yelchin hace lo que puede con un Kyle Reese que no era para él. La salvación no llegó finalmente. La frialdad que sus responsables buscaban para la imagen se apoderó del relato y contaminó el resultado final. Una lástima y una oportunidad perdida puesto que en su tramo final, con el "cameo" legendario, subía el nivel. Los planes de McG (y de su protagonista) eran crear una trilogía que nunca llegó. La película no funcionó como esperaban, recaudando menos que la película de Mostow, y las críticas fueron despiadadas. Por supuesto, The Halcyon Company también quebró. La paradoja asesina Con la alerta naranja reventando los tímpanos, tocaba volver a la vieja historia de siempre. En concreto, a la vieja historia de siempre. Pero con gracia. 50% homenaje, 25% remake y 25% jugueteo, 'Terminator: Génesis', sorprendentemente, funcionaba mejor de lo esperado. Lo que no quiere decir que todo fuera sencillo o que el resultado final fuera especialmente satisfactorio para nadie. No guardo un buen recuerdo del rodaje de la película. Fue duro, frustrante y caótico. He trabajado mucho con Alan Taylor, pero aquí no era él mismo. La película le devoró. Nos devoró a todos. Así se las gasta Emilia Clarke cuando recuerda el set de una película que, aún funcionando peor en terreno norteamericano, recaudó cerca de 70 millones de dólares más que la anterior. Con Schwarzenegger ya de vuelta al mundo del cine, la estrella no tardó en confirmar su canosa participación en la película. El carisma de la estrella está fuera de cualquier duda. Mientras personajes como James Bond o Batman necesitan regenerarse y buscar nuevos rostros, el austriaco ha demostrado que no puede haber otro cíborg del futuro con tan buena onda. Hubo bailes de libretos, por supuesto. Durante una temporada, la historia de 'Terminator: Génesis' tenía lugar en los años cincuenta, donde el robot de turno buscaba a los padres de Sarah Connor. También se rumoreó la participación del omnipresente Dwayne Johnson. Por supuesto, también hubo bailes en la dirección: Justin Lin fue el que más cerca estuvo de la silla de director. Tras él, Rian Johnson, Denis Villeneuve o Brett Ratner. Ang Lee perdió su segundo tren terminal, porque al final el elegido fue Alan Taylor, decisión compleja puesto que por mucho 'Juego de Tronos' que tuviera a la espalda venía de la mediocre 'Thor: El mundo oscuro'. La televisión me preparó para Thor. Y Thor me preparó para Terminator. Aún así, no fue fácil esquivar la ansiedad que me provocaba el tamaño del proyecto, las reacciones de las redes. Me centré en las relaciones entre los personajes. Taylor y sus guionistas, los veteranos Laeta Kalogridis y Patrick Lussier, probablemente que más aptos que los Michael Ferris y John Brancato de la película anterior, cogieron por los cuernos el primer título de James Cameron para dar una vuelta de tuerca a la franquicia. Y, de manera totalmente inesperada, el doble mortal sale bien. James Cameron rodó la famosa secuencia inicial de 'Terminator' corriendo, con prisas, sin dinero y sin permisos. Treinta años después aquí nos tienes a nosotros, con más tiempo y mejores condiciones. A dos semanas del estreno, Taylor aún no había hablado con Cameron, algo que sí habían hecho sus guionistas, productores y estrella principal. A pesar de lo que se ha dicho, Cameron no ve con malos ojos la película. Empiezo a ver cosas que reconozco. Es muy respetuosa con las dos primeras películas y, de repente, se desvía. Siento que la franquicia se ha revitalizado. Si te fijas, aquellas dos películas se convirtieron en clásicos porque tenían personajes que gustaban. En mi opinión esta es la verdadera tercera película, y la historia va aún más lejos. La idea de tomar a John Connor y convertirlo en el malo es genial, porque das un puñetazo a las expectativas. Y es que las exigencias y el tiempo jugaron en contra del proyecto. El director reconocía más adelante que el rodaje fue demasiado estresante. En Espinof ‘Terminator 2: El juicio final 3D’ demuestra que el clásico no ha envejecido: hace envejecer al cine de acción actual Por su parte, la estrella de la función culpa a un error de marketing en la distribución de la película respecto a una recaudación que pudo ser mejor que los 440 millones que hizo, tres veces su presupuesto. Antes del estreno, Paramount reveló que John Connor era malo. Las consecuencias fueron muy negativas. Hubo fans indignados, malas reacciones en redes sociales. Mucha gente perdió el interés por ella antes del estreno. A pesar de no contar con un gran respaldo por parte de la audiencia, creo que 'Terminator: Génesis' es, con mucho, la mejor y más divertida entrega de la segunda trilogía. Entre el remake y el homenaje, apoyados en un carismático líder y en un montón de ideas, buenas y malas, que retuercen el legado, se mostró viva y valiente. Una vez repasadas todas, qué cosas, el casting no luce inferior al de la anterior ni ante la que podría ser, de verdad, última entrega de la franquicia. Tal vez en quince años la gente cambie de opinión, como pasó con la entrega de Mostow, y no haya problema en reconocer que es un pasatiempo delirante lleno de universos imposibles. Pura evasión desde el cariño. Fin de ciclo A pesar del divertimento de Génesis, la franquicia estaba en proceso de constante desprestigio. La opinión popular estaba cada vez más convencida de que todo se había pervertido en favor del dios dinero y el productor David Ellison estaba convencido de que la única manera de solucionarlo era volver a los principios básicos. Y ninguno tan importante como James Cameron. La franquicia necesitaba una serie de ajustes, y nadie mejor que su creador para enderezar un rumbo que se había perdido en espirales infinitas que no llevaban a ninguna parte. ¿Rehacer lo que ya estaba hecho? No, gracias. No me interesa. Todo el dilema aquí era deshacerse de lo que el público no quiere a ver otra vez y cuidarnos de no traicionarlo. Este es el desafío que plantean las secuelas en general. Para ello David Ellison, con solo una línea de guión, propuso la entrega al director de la popular 'Deadpool', Tim Miller. Me puse en la piel de un fan de la saga y pensé si era necesario. Pero cuando el productor me aseguró que yo era lo que necesitaban en ese momento, acepté sin dudar. ¡Y en ese momento aún no teníamos claro que Sarah Connor iba a estar de vuelta! Nos sentamos a hablar con Cameron para decidir dónde tendría que estar situada la película y en qué personaje debería centrarse. James Cameron se implicó a fondo en el concepto y la escritura, pero no tanto en el rodaje. Sus declaraciones recientes lo dejan claro. Nunca fui al set. Aún tengo que conocer en persona al nuevo reparto porque nunca fui al set, pero estuve muy involucrado en la escritura y estuve muy involucrado en el montaje de la película. Para mí, el montaje es una extensión de la escritura. Y el montaje no fue una experiencia agradable. Lo cierto es que la relación entre director y productor fue un infierno, justo como hace cuarenta años, cuando Cameron era el que empezaba. Con Schwarzenegger y Linda Hamilton a bordo, había que buscar intérpretes para los seres del futuro, con luces y sombras. Obviamente Mackenzie Davis brilla siempre, pero Gabriel Luna nunca luce realmente amenazante como nuevo enemigo invencible. Presupuestada entre 160 y 200 millones de dólares, 'Terminator: Destino oscuro', necesitaba estar a la altura de los espectáculos que los cines están exhibiendo constantemente durante los últimos años. Y si la tercera entrega tenía un clímax a mitad de función, con una persecución inolvidable, la carretera vuelve a ser la protagonista de una secuencia de persecución que necesitó tres semanas de rodaje en Murcia. A cuarenta grados y con choques de automóviles a más de cien kilómetros por hora, fue una apuesta del todo por el todo que además servía de presentación para el regreso de Sarah Connor. ¿Por qué España y no México? Porque con los carteles de la droga y los criminales alrededor no podíamos asegurar unas medidas de seguridad efectivas. Hamilton, Davis y Natalia Reyes forman el trío protagonista de la nueva entrega de igual modo que Jamie Lee Curtis, Judy Greer y Andi Matichak tomaban el control de la nueva entrega de 'La noche de Halloween', películas con mucho en común. Ambas franquicias reniegan de un pasado machista para poner el futuro en las manos de sus mujeres. Lo curioso es que, como también pasaba con la última entrega de 'Cazafantasmas', la película no está a la altura de lo esperado. No parece que los resultados en taquilla vayan a permitir que el legado de la franquicia regrese a corto plazo, a pesar de que Miller tiene claro el futuro de la saga. Si la taquilla responde, tenemos muy claro el camino a seguir para las siguientes dos películas. ¿Con Linda y Arnold? Seguramente sí en la primera, pero no en la segunda. Tendremos que esperar a ver los resultados de su trayectoria en salas, pero los últimos apuntes indican que podría generar cien millones de dólares de pérdidas. Terminator sigue ejecutando a todo aquel que se pone por delante. También te recomendamos 'Terminator: Destino oscuro': las nuevas imágenes de la sexta entrega nos dejan el primer vistazo a Schwarzenegger 'Terminator: Destino Oscuro': James Cameron revela los planes para la nueva trilogía ‘Terminator: Destino oscuro' quiere repetir la fórmula de ‘El juicio final’, pero falta el genio de James Cameron - La noticia 'Terminator': la saga sobre el fin del mundo que no supo evitar su "destino oscuro" fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Este viernes 8 de noviembre llega a los cines españolas ‘Ventajas de viajar en tren’. La ópera prima de Aritz Moreno ya se exhibió en el pasado Festival de Sitges, dejando muy buenas sensaciones a aquellos que tuvieron la oportunidad de ver esta adaptación de la novela de Antonio Orejudo. Una propuesta inclasificable que siempre parece ir dos pasos por delante del espectador. La propia película se está vendiendo bajo el lema de ‘La verosimilitud está sobrevalorada’, una afirmación pocas más cierta que en el caso de ‘Ventajas de viajar en tren’. En ella se cuentan varias historias que podrían ser o no ciertas y que tal vez estén entrelazadas, cambiándose además constantemente tanto de tono como de género. Esta combinación da pie una obra muy estimulante que sabe cómo jugar con la escatología sin caer en los errores habituales de la misma. Una muñeca rusa cinematográfica Es imposible dar una descripción acertada de ‘Ventajas de viajar en tren’ en pocas palabras sin que parezca que uno se ha vuelto loco mezclando cosas que parece que no cuadran entre sí, y es que además lo hace sin dar la sensación de estar buscando un equilibrio entre temas que difícilmente podían ser más dispares entre sí, sino con un atrevimiento pocas veces visto en una producción española. En Espinof Las 11 mejores películas españolas de 2019 (hasta ahora) Ya desde el arranque, que gira alrededor del encuentro entre dos personajes que viajan en tren tras pasar por un psiquiátrico por motivos muy diferentes, uno tiene claro que ‘Ventajas de viajar en tren’ va a ser muchas cosas, pero convencional no es una de ellas. El propio detalle del psiquiátrico ya es una pista de lo que nos espera, pero la película va empezando a mostrar sus capas con una sucesión de historias delirantes en las que hay hueco para infinidad de sorpresas. Lo primero que hay que tener claro que mi compañero John Tones describió muy bien como un viaje a los abismos de la mente es que nos vamos a divertir, nos vamos a divertir mucho. Sería fácil pensar en la película como una sucesión de golpes de efecto más o menos afortunados, pero en todo momento queda claro que hay una idea detrás de los aparentes disparates que suceden ante nuestros ojos. En Espinof Las 27 mejores comedias de la historia del cine ‘Ventajas de viajar en tren’ apunta en la mayoría de las veces hacia la comedia, pero también hay ocasión para dejarnos la sangre helada. Su radiografía de los diferentes trastornos que sufren sus personajes se convierte también en un thriller de lo más inusual, no tanto para despistar al espectador -que también- como para dar más profundidad a unos personajes que fácilmente podrían haber sido una caricatura sin entidad. Chocante Ahí el acertado casting ayuda muchísimo a que uno nunca se salga de la película, ni siquiera en aquellos momentos en los que quizá fuerza un poco la maquina de más y parece que la única forma de asumir los hechos es viéndolo como un absoluto disparate. Ese es el punto de no retorno en la relación de cada espectador con la película, ya que uno puede confiar en que esa multitud de callejones sin salida lleven alguna parte, tomárselo todo a cachondeo o simplemente desconectar. En Espinof Las 11 mejores películas de 2019... hasta ahora No puedo culpar a los que se vean sobrepasados y opten por alguna de las dos últimas opciones, pero el escurridizo planteamiento de ‘Ventajas de viajar en tren’ va orientado en todo momento a la primera, incluso cuando parece que simplemente se ha salido la cosa de madre. Y es que sí, Moreno no tiene problema en llevar al límite a sus personajes, a veces partiendo de simpáticas ocurrencias como la confusión entre el porno y el amor de uno de sus personajes, pero también anulando literalmente la personalidad de uno de ellos en beneficio de los deseos colindantes con la zoofilía de su pareja. De esta forma, la sorpresa es constante, aunque a veces sea a costa de anular lo que acabamos de ver apenas unos instantes antes. La primera vez que sucede algo así uno puede reaccionar con incredulidad, pero llega un punto en el que el propio concepto de la película requiere inevitablemente de este tipo de soluciones. Y es que uno puede que se ría mucho, pero en todo momento sobrevuela un halo de pesimismo que lleva a otro nivel los numerosos contrastes que presenta ‘Ventajas de viajar en tren’. Sin duda, gran parte de ello viene de la novela original, pero el guion firmado por Javier Gullón podría haberse perdido en una sucesión de vida cruzadas atrapada en una red de mentiras pero a la hora de la verdad muestra una claridad de ideas envidiable que permita que todo fluya mucho mejor de lo que sobre el papel tiene derecho a conseguir algo así. Por su parte, Moreno abraza el arrojo de la historia para sumergirse en una propuesta compleja, siempre dispuesto a adentrarse en los detalles más oscuros pero sin subrayarlos más de lo necesario. Visualmente tiene el respaldo necesario en la notable fotografía de Javier Agirre Erauso, muy diferente a la de ‘La trinchera infinita’ pero igual de fascinante y muy bien adaptada a la naturaleza cambiante de la película. En resumidas cuentas La entrega del reparto, donde no se muestra miedo alguno a hacer suyos los elementos más llamativos de la psique de sus personajes y mostrarlo en ella sin miedo al ridículo, es la guinda necesaria para una ópera prima que deja muy claro que tenemos que seguir muy de cerca a su director. Es muy difícil encontrar una película como ésta, y no solamente dentro del cine español, pero que además sepa manejar tan bien unos ingredientes kamikazes es todavía más complicado. También te recomendamos Estrenos de cine: de trenes, hoyos y estafadoras empoderadas 'The Forest of Love': Sion Sono vuela libre en Netflix con otra película diabólica Sitges 2019: 'Color Out of Space'. Un delirio de terror ochentero que sale airoso de su reimaginación de Lovecraft - La noticia 'Ventajas de viajar en tren': una atrevida ópera prima que no deja de sorprender al espectador fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Las primeras imágenes de 'Scoob!', la próxima película animada de Warner Bros en la franquicia de Scooby-Doo, sirven de aperitivo hasta que llegue un primer tráiler el lunes (11 de noviembre). Dirigida por Tony Cervone ha estado en desarrollo desde 2013, y será la primera película para cines de la franquicia desde las versiones de acción en vivo, 'Scooby-Doo' (2002) y su secuela, ambas guionizadas por James Gunn. Un universo compartido Hanna-Barbera Scooby-Doo y la pandilla Mystery Inc los detectives paranormales adolescentes y su perro parlante, han conseguido un nuevo cambio de imagen con la animación 3D, que serviría para empezar un universo cinematográfico basado en personajes de Hanna-Barbera. Llamada así por el apodo de Shaggy para su gran Danés, 'Scoob!' sigue a la pandilla en un nuevo caso, pero con la misma ropa y furgoneta, para no romper el halo nostálgico de los padres que vieran la serie de niños quieran llevar a sus hijos al cine. Según la sinopsis el equipo de Mystery Inc. "debe frustrar una trama diabólica que gira en torno a un perro fantasma conocido como Cerberus, descubriendo el legado secreto de Scooby y su propio destino épico en el camino". Protagonizada por Zac Efron, Amanda Seyfried, Gina Rodríguez y Will Forte como las voces de Fred, Daphne, Velma y Shaggy respectivamente. Frank Welker estará repitiendo su antiguo papel como Scooby-Doo, la voz de toda la vida. En Espinof 'La familia Addams': un divertido reboot que deja con ganas de más aventuras del mítico clan La película también presenta a otros personajes de Hanna-Barbera interpretados por Ken Jeong, Tracy Morgan, Mark Wahlberg, Jason Isaacs y Kiersey Clemons como primer campo de pruebas para el universo cinematográfico planificado de Hanna-Barbera que ha guionizado Kelly Freemon Craig y Matt Lieberman. Producen Chris Columbus, Pam Coats y Allison Abbate y por otro lado, Charles Roven, Richard Suckle, Dan Povenmire y Adam Sztykiel como productores ejecutivos. 'Scoob!' llegará a los cines el 15 de mayo de 2020. También te recomendamos ‘Jonny Quest’ llega al cine a manos del director de ‘Batman: La Lego película’ 'Scooby Doo' y 'Tom y Jerry' llegarán a los cines con películas de imagen real Scooby Doo regresa al cine en un crossover animado con Capitán Cavernícola y Pierre Nodoyuna - La noticia Primeras imágenes de 'Scoob!', el paso de 'Scooby-Doo' al cine de animación 3D que se estrenará en 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

A menudo, el fantástico tiende a retratar la realidad de formas subjetivas, planteando escenarios tan alejados de lo cotidiano que resultan un lienzo maleable para dibujar realidades alternativas, en las que se puede proyectar la subversión de las ideas del mundo real, ya sea en torno a aspectos sociales del presente, o bien teorías filosóficas-económicas más arquetípicas. Un ejemplo, ‘1984’, se asemeja a una sociedad fascista histórica, pero amplificada por el tono futurista. El ejemplo de un marxismo completamente didáctico es ‘Snowpiercer’ (2013) y, en general, las últimas obras de Bong Joon-ho, que tratan de exponer las miserias de la lucha de clases de una forma unidireccional y a través de tesis infantilizadas para eliminar el aura de réplica del espectador, emasculando el discurso hasta dejar su metáfora reducida a un cantar de gesta en el que los ricos con muy malos y los pobres siempre víctimas, sin dejar vías de comunicación entre los diferentes estratos, limitando la reflexión más allá de lo que ya sabe y ya piensa el espectador. ¿'Cube' a la española? El pasado festival de Toronto, una pequeña película española, 'El hoyo', emergió con críticas internacionales muy positivas, logrando el premio del público de la sección Midnight Madness. Tras su paso por Sitges 2019 recogería entre otros premio a mejor película coincidiendo con el mismo galardón de la crítica. ¿Qué tiene esta pequeña obra de ciencia ficción que está llamando tanto la atención? Su premisa es simple y, como dice su director, el bilbaíno Galder Gaztelu-Urrutia "se puede contar en un par de líneas en un bar". Básicamente, en un futuro distópico, los internos de una prisión de cientos de pisos excavados en la tierra esperan que un festín de comida diario descienda por un agujero central hasta su nivel. Y es mejor no contar mucho más. Lo que sí se puede decir es que el propio sistema propone un experimento que lo es al mismo tiempo fuera y dentro de la pantalla. Es decir, la primera diferencia de su premisa con otras obras de ciencia ficción “política” es que funciona como un terrario en dónde colocas a unos personajes y la situación escribirá sola la película. En Espinof Bienvenidos al futuro: así tendría que ser el 2019 según la ciencia-ficcion del pasado Si bien los primeros minutos son una exposición de las reglas, la forma en la que se va dispensando la información es progresiva, aprendemos todo desde el punto de vista del protagonista. Como en ‘Cube’ (1997), hay solo un escenario, aunque en aquella el elemento social era prácticamente una pequeña nota a pie de página. La de Natali trataba precisamente sobre descubrir qué era el cubo y observar a los protagonistas tratar de salir de allí. En ‘El hoyo’ llegamos a saber de forma más clara el propósito de esa prisión. "El mensaje", el esperpento y lo obvio Lo interesante del film español es que mientras los misterios se van desarrollando y el dilema del protagonista se centra en cómo hacer para salir, se produce una inevitable decantación de un subtexto social que es tan presente para el espectador como para los propios protagonistas. Las críticas hacia ‘El hoyo’ se han movido principalmente en la dirección de señalar su obvio —gracioso término hablando de esta película— discurso político (sic) alegando que su metáfora de estratificar las clases físicamente es muy facilona. La forma de abordar el experimento que plantea ‘El hoyo’ como una alegoría o parábola es un ángulo válido, pero perezoso a la hora de entrar en el juego que propone Gaztelu-Urrutia. Una mirada obtusa y sin sentido del humor suele confundir el cine “con mensaje” y la sátira. El cine satírico aprovecha la indignación hacia una situación, lo que la carga de ironía, buscando el asentimiento del público, al que le es fácil empatizar con la crítica planteada. Si el que ve la película se considera también, de alguna manera, “víctima” de la situación que ve en la pantalla, se posiciona con la irreverencia. ‘El hoyo’ es una película tremendamente mordaz, pero es consciente de que su planteamiento sencillo provoca una reflexión consciente, y nunca da más cuerda “política” de la que el propio espectador puede ir adivinando por sí mismo, reconociendo lo que está pasando por haberlo vivido. Es cine de la crisis, es cine muy español, porque habla de nosotros, y la situación actual solo hace quitar unas barreras y reconocer de forma más tangible lo que vemos en pantalla. Por eso sabemos lo que hará el piso de más arriba, por eso podemos pensar qué haríamos nosotros. En Espinof 17 películas de ciencia ficción imprescindibles en lo que llevamos de siglo XXI Mirada nihilista al hombre El film de Gaztelu-Urrutia no predica, expone cuestiones y las dirige de forma vertical como forma gráfica de reconocerlo. Pero su comentario “de clases” se aleja mucho de la teoría política que plantea. Según el propio director a El periódico “El ser humano es, en mi opinión, una especie miserable. La película habla de luchar contra lo que somos de nacimiento: una bola de egoísmo que llora y llora y pide y pide”. Es decir, como otros cineastas del fantástico como George Romero, Urrutia habla de nuestra condición de animales insaciables/insalvables. Los planteamientos se pueden aplicar a la lógica capitalista o a un cultivo de bacterias que crecen de forma exponencial hasta acabar sus recursos y morir. No es una “lucha de clases” en movimiento como 'Snowpiercer', para representar una sociedad cada vez más segregada. La clave consciente, tremendamente inteligente, del guion, es que en 'El hoyo' un día estás en el piso 3 con la mesa llena de comida y otro en el 230 tienes que matar para comer. No es una película “en contra” de la clase alta y los pocos que explotan a una gran mayoría. España subterránea El film va más allá, planteando las preguntas que llevan a ese estado que vivimos en el mundo real, el egoísmo que está desde el de más arriba al que más ha experimentado la hambruna y por ello siente que tiene el derecho de ser igual de miserable que el que no piensa en los que menos tienen. Utilizando la lógica aplastante, el guion va planteando supuestos irresolubles y deja que los personajes traten de encontrar la clave de la ruptura de una cadena que no tiene solución. Quizá por ello el desenlace no puede sino ser anticlimático y enigmático. Al igual que ‘El Bar’ (2017) de Álex de la Iglesia, ‘El hoyo’ se cimienta en el carácter español más mezquino, de gente a la que reconocemos en la pantalla porque estamos seguros que pasaría así si esto se planteara en un bloque de vecinos. Para atarlo del todo Gaztelu-Urrutia ubica un tomo de ‘Don Quijote de la Mancha’ en la trama, una elección que para el protagonista tiene lógica por ser un objeto que le provisionará de muchas horas de entretenimiento, pero que llegado el momento sacará a la luz una cita que da la pista de las intenciones de la película. En Espinof Las 34 mejores películas de ciencia-ficción de la historia El texto de Cervantes habla de ricos y de pobres y del eterno conflicto que ya lo era hace más de cuatrocientos años en España. Un detalle que parece casual, pero que precisamente marca una distancia abismal, tan grande que habla de la incapacidad del hombre para cambiar. Y todo esto dentro de una película que en un principio, y en el fondo, no deja de ser un producto de perfil bajo, de festival y de sesión de media noche que no se pone erudita con su condición de filme político y no se corta ni un pelo con la sangre. La solidaridad, con sangre entra Es ultraviolenta, salvaje y, en ocasiones, hasta verbenera, pese a que su poso amargo y, digámoslo claro, deprimente, se acabe imponiendo acto tras acto. Hay personajes divertidos, que se pueden transformar en algo tremendamente oscuro, situaciones de esperpento, de espanto y hasta de comedia del absurdo beckettiana. En ‘El hoyo’ cabe la herencia del torture porn de ‘Cautiva' (Captivity, 2007) y ‘Saw’ (2004), la provocación estomagante de ‘La gran comilona’ (La grande bouffe, 1973) y arrebatos de acción propios del cine coreano. Uniéndose a películas como las mencionadas, ‘Hellevator’ (2004), ‘Battle Royale’ (2000) o el corto ‘Next Floor’ (2008) de Villeneuve, exponen que Gaztelu-Urrutia no ha hecho nada tremendamente original, pero la modestia de la propuesta —aunque la producción y efectos son excelentes— hace que su fórmula de ideas sociales, brote de una exposición iconoclasta y figurada, que, es tan cristalina que no tiene “mensaje oculto” que haya que descifrar. Lo que ves es lo que sabes que pasa, lo realmente subversivo de ‘El hoyo’ es que no apunta con el dedo solo hacia arriba. También te recomendamos Sitges 2019: 'El hoyo'. Un minimalista ejercicio sci-fi capaz de remover estómagos y conciencias Sitges 2019 | Palmarés: 'El hoyo' arrasa con cuatro galardones y 'Dogs Don't Wear Pants' triunfa en Noves Visions 'Jojo Rabbit' triunfa en el Festival de Toronto 2019: la nueva película de Taika Waititi presenta sus credenciales al Óscar - La noticia 'El Hoyo': más que una alegoría social, una mordaz sátira de la voracidad humana fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Jeremy Saulnier se ha ganado a pulso figurar entre los nombres más relevantes del panorama independiente norteamericano gracias a su labor tanto en la gran pantalla, con títulos de la talla de 'Blue Ruin' o de una 'Green Room' que se eleva como una de las cintas de género más lúcidas de los últimos años, o en la pequeña, donde ha mostrado su destreza en la tercera temporada de 'True Detective' en la recomendable 'Noche de lobos'. Después de este último título, el romance entre el cineasta virginiano y Netflix se extenderá en un nuevo largometraje titulado 'Rebel Ridge'; un thriller con un ritmo imparable que explora las injusticias sistémicas que se dan en Norteamérica a través de brutales secuencias de acción, suspense y humor *****. En Espinof Las 32 mejores películas de acción de la historia Si esta descripción os ha hecho la boca agua, aún hay más; porque 'Rebel Ridge' ya tiene actor protagonista. Este no será otro que John Boyega, que continúa con su ascenso imparable desde su debut en 'Attack the Block', ya convertido en toda una estrella gracias a la nueva trilogía de 'Star Wars', y reafirmado como un intérprete notable en la descomunal 'Detroit' de Kathryn Bigelow. Por el momento no tenemos fechas de rodaje o estreno para lo nuevo de Jeremy Saulnier, pero, a juzgar por su trayectoria, va a ser difícil que decepcione a sus parroquianos. Yo, desde luego, estoy dentro. También te recomendamos Netflix amenaza con no llevar sus películas al Festival de Cannes tras el veto impuesto por el certamen Tráiler de ‘Noche de Lobos’: el director de ‘Green Room’ llega a Netflix con un nuevo y angustioso thriller El Festival de Cannes "continuará rogando" a Netflix para poder proyectar lo nuevo de Alfonso Cuarón - La noticia Jeremy Saulnier dirigirá a John Boyega en 'Rebel Ridge', un nuevo thriller de acción para Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Netflix ha conseguido los derechos de la adaptación de 'The Unsound', la novela gráfica ​de BOOM de los autores Cullen Bunn y Jack T. Cole. El director de '¡Shazam!', David F. Sandberg, está listo para volver al género de terror. Regreso al género Sandberg, que dirigió 'Lights Out' (y su versión larga) y 'Annabelle: Creation', con las que recaudó casi 500 millones de dólares en todo el mundo. El guión estará escrito por Skylar James. Sandberg y su colaboradora Lotta Losten producirán la película a través de su nueva productora Mångata, junto con Ross Richie y Stephen Christy de BOOM! Studios. Adam Yoelin y James son productores ejecutivos. En Espinof 'Joker' divide a psicólogos y criminólogos: una visión peligrosa de la enfermedad mental o el brillante estudio de un asesino Será la primera obra de BOOM! Studios en salir a la luz desde la fusión de Disney / Fox. BOOM!, por cierto, tiene la biblioteca de cómics más amplia e importante fuera de Marvel y DC. 'The Unsound' es una historia de terror surrealista que sigue a una joven enfermera atrapada en medio de una extraña conspiración sobrenatural en su primer día trabajando para el Hospital Psiquiátrico de Saint Cascia, el manicomio donde una vez trabajó su madre y ahora es paciente. A medida que desciende por la madriguera del conejo descubrirá oscuras verdades sobre su propio pasado. También te recomendamos 'Black Adam': Dwayne Johnson confirma que el rodaje del spin off de 'Shazam!' arranca el próximo verano Tráiler de 'Bloodshot': Vin Diesel se convierte en un nuevo antihéroe del cómic en un violento thriller tecnológico 'Green Lantern' y 'Strange Adventures': HBO Max y Greg Berlanti apuestan por las series de superhéroes de DC - La noticia 'The Unsound': David F. Sandberg vuelve al terror con una adaptación del cómic para Netflix fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Starz ha anunciado que se ha puesto a trabajar en una secuela de 'Weeds', la exitosa serie de Showtime protagonizada por Mary Louise-Parker que se desarrolló durante ocho temporadas entre 2005 y 2012. Verde que te quiero verde Lionsgate TV produjo la serie original, creada por Jenji Kohan. Mary-Louise Parker ejercerá de productora ejecutiva y protagonizará el nuevo proyecto, que Lionsgate afirma estar en desarrollo. El reinicio continúa con la familia Botwin diez años después de los eventos de la serie original, ahora en una era donde la marihuana se ha legalizado. Victoria Morrow es la guionista y productora ejecutiva. En Espinof Las 47 mejores series de la historia En la serie original, Parker interpretó a una viuda madre de dos niños que comienza a vender marihuana para mantener a su familia después de la muerte de su esposo. Justin Kirk, Kevin Nealon, Elizabeth Perkins, Andy Milder, Allie Grant, Tonye Patano y Romany Malco también interpretaron papeles importantes. Durate su primer año, 'Weeds' fue la serie mejor calificada de Showtime, y con el estreno de la temporada 4 llevó a un millón y medio de espectadores a las teles, la audiencia más alta de la historia de Showtime. Durante su emisión, la serie ganó dos premios Emmy, un premio Golden Globe y un premio WGA, además de hordas de fans en todo el mundo, que se encontraron con una imponente carga de humor ***** de aromas exóticos. También te recomendamos 'Superdetective en Hollywood 4': Eddie Murphy confirma el regreso de Axel Foley como su próximo proyecto Wesley Snipes, James Earl Jones y Paul Bates estarán en la secuela de 'El príncipe de Zamunda' John Carpenter confirma dos nuevas secuelas de 'La noche de Halloween' con títulos y fechas de estreno - La noticia 'Weeds' y Mary-Louise Parker regresan con una secuela donde la marihuana se ha legalizado fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Si el horario de invierno os está haciendo la digestión de la realidad un poco más dura, qué mejor sustituta de la luz del Sol —que ahora se nos va a las cinco de la tarde— que la reflejada por una pantalla de cine. Mucho ojo, porque este fin de semana del 8 de noviembre grita "cine español" a viva voz, trayendo bajo el brazo dos de los grandes títulos del fantástico nacional. Además, Jennifer López vuelve a la carga junto a la directora Lorene Scafaria, Guillaume Canet nos trae la secuela de 'Pequeñas mentiras sin importancia', y podremos disfrutar de un buen surtido de documentales, cintas de animación y títulos internacionales de todos los tipos, tamaños y sabores. 'Ventajas de viajar en tren' (2019) A favor: Por encima de todo, además de su descomunal reparto con grandes nombres de la talla de Luis Tosar, Ernesto Alterio, Pilar Castro, Belén Cuesta o Macarena García, un tono que no teme en combinar el drama más grave con la comedia más grotesca y demencial. Una apuesta arriesgadísima en múltiples aspectos que, sin comerlo ni beberlo, sale triunfante. En contra: Es precisamente este riesgo y esta complejidad tonal lo que podría echar para atrás a algún que otro espectador que busque un producto más convencional. Crítica en Espinof: Sitges 2019: 'Ventajas de viajar en tren'. Un divertidísimo viaje a los abismos de la mente 'El hoyo' (2019) A favor: ‘El hoyo’ es uno de los grandes bombazos del cine fantástico internacional de 2019. Así. Sin más. Es inteligente, tiene una premisa tan sencilla como efectiva, un desarrollo incansable que te arrolla como un tren de mercancías desbocado, personajes memorables, un diseño de producción de órdago... Y por si todo esto fuera poco, además articula una metáfora y un discurso sociopolítico acertados y sin vocación alguna de adoctrinar. En contra: Por intentar rascar algo, puede que haya espectadores que echen en falta algo de trasfondo sobre el mundo que rodea la instalación en la que se ambienta la película, aunque es totalmente innecesario. Crítica en Espinof: Sitges 2019: 'El hoyo'. Un minimalista ejercicio sci-fi capaz de remover estómagos y conciencias 'Estafadoras de Wall Street' ('Hustlers', 2019) A favor: Lo nuevo de Lorene Scafaria encuentra su mayor reclamo en la dinámica entre su grupo de protagonistas y en un reparto coral en el que destacan Jennifer López y Constance Wu, particularmente inspiradas. Su tono, pese a sus lecturas sobre el empoderamiento femenino, es ligero y fácil de digerir por todo tipo de público. En contra: Aunque su realización y estilo estén cuidados y bien definidos, no tarda en hacerse repetitiva. A nivel conceptual y narrativo, puede pecar de reincidir en los mismos temas y situaciones; algo que hace algo excesivos sus 110 minutos de metraje. Crítica en Espinof: 'Estafadoras de Wall Street': Jennifer Lopez brilla en la adaptación de una llamativa historia real 'The Farewell' (2019) A favor: Llega avalada por sus nominaciones a la mejor película, mejor guión y mejor actriz en los Premios Gotham, y por una cálida recepción en la última edición del Festival de Sundance. Su inteligente aproximación a las dinámicas de las familias chinas, salpimentada por un tono de comedia negra hilvanado a la perfección entre su componente dramático. En contra: Siempre podría profundizar más en sus conflictos para reforzar su discurso, aunque no es del todo indispensable para poder disfrutarla plenamente. 'Pequeñas mentiras para estar juntos' ('Nous finirons ensemble', 2019) A favor: Guillaume Canet es un veterano en el noble oficio de la dirección cinematográfica, y en esta secuela de la celebrada 'Pequeñas mentiras sin importancia' vuelve a demostrar estar en la suficiente buena forma como para repetir éxito. Por supuesto, contar con François Cluzet y Marion Cotillard en el reparto ayuda lo suyo. En contra: 135 minutos para una comedia dramática con un buen punto de ligereza son una auténtica salvajada que pondrá a prueba la paciencia de buena parte del público. Y además... 'Amundsen' (2019) Espen Sandberg, uno de los directores de la fantástica ‘Kon Tiki’, firma esta cinta de aventuras basada en la historia del primer hombre en llegar al Polo Sur. 'Detective Conan: El puño de zafiro azul' ('Meitantei Conan: Konjo no Fisuto', 2019) La primera película del Detective Conan ambientada fuera de Japón llega para deleitar a los fans de la mano de Tomoka Nagaoka. 'Las niñas bien' (2018) Desde México, recibimos la ganadora de los premios a la mejor película Iberoamericana, al mejor guión y al mejor montaje en la última edición del Festival de Málaga. Crítica en Espinof: 'Las niñas bien': retrato melancólico del lento caer de una vida privilegiada 'Fourteen' (2019) Dan Sallit vuelve al largometraje con este drama indie sobre la amistad, que posee todas las señas de identidad que han diferenciado su filmografía. 'PJ Harvey: A Dog Called Money' (2019) Los amantes de la mejor música tienen una cita con este documental centrado en la figura y el proceso creativo de la musa P.J. Harvey. 'Reevolution' (2019) David Sousa Moreau debuta en el largometraje con este thriller de acción protagonizado por Fele Martínez y Gorka Otxoa. 'El cuadro' (2019) Cerramos los estrenos semanales con otro documental, esta vez relacionado con el mundo del arte, en el que se exploran los secretos de 'Las Meninas' de Velázquez. Las recomendaciones del equipo de Espinof Víctor López G.: 'El hoyo'. En ocasiones, una buena premisa lo es todo, y 'El hoyo' es un claro ejemplo de ello. Alineándose con grandes joyas de la ciencia ficción más minimalista e inteligente como la 'Cube' de Vincenzo Natali, esta humilde —aunque espectacular— producción vasco-catalana aúna un diseño de producción brillante, una dirección soberbia, un mensaje tan acertado como lúcido y un libreto de órdago en uno de los bombazos del cine fantástico internacional de 2019. Jorge Loser: 'Zombieland: Mata y remata'. No es tan fresca como su antecesora pero sabe driblar el hastío zombie del personal a base de multiplicar los elementos que definieron sus personajes, convirtiéndose en una agradable aventura atolondrada llena de gags que funcionan y otro que no pero que siempre está dispuesta a seguir tirando chorros de sangre sin filtro, a pesar de tener a ganadores de Óscar en su elenco. Y siempre está bien ver a Rosario Dawson atropelando muertos vivientes con un monster truck. Kiko Vega: 'Doctor Sueño': La mejor película de Flanagan es un estimulante thriller dramático de terror absolutamente 90s al que le sale caro la entrada a la haunted house temática del año. El director llena la película de guiños y homenajes a todo el espectro (jeje) original para saldar las deudas que quedaron pendientes. Sexi, cruel y ligera pese a su duración, 'Doctor Sleep' se antoja obligatoria en estos tiempos de mal género. Qué bien le sentó la viudedad a la señora Torrance. Si los estrenos de esta semana no te llaman la atención o quieres recuperar títulos que llevan más tiempo en cartelera, recuerda que puedes echar un vistazo a las películas que recomendamos la semana pasada y la anterior. Buen cine a todos. También te recomendamos Sitges 2019: 'Ventajas de viajar en tren'. Un divertidísimo viaje a los abismos de la mente El cine en catalán vuelve a triunfar en el Festival de Málaga 2019: 'Los días que vendrán' se alza con la Biznaga de Oro 'Jojo Rabbit' triunfa en el Festival de Toronto 2019: la nueva película de Taika Waititi presenta sus credenciales al Óscar - La noticia Estrenos de cine: de trenes, hoyos y estafadoras empoderadas fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Hollywood no está dispuesta a dejar morir franquicias hasta que no haya quedado claro que no van a dar más dinero. El nuevo ejemplo de ello es la puesta en marcha de 'Scream 5', porque los que creían que los crímenes de Ghostface ya habían terminado no podían estar mas equivocados. El proyecto llega apenas unos meses después de que Spyglass y Lantern Entertainment se hicieran con el catálogo de Dimension Films el pasado mes de marzo. La saga 'Scream' destacaba sobremanera dentro de sus nuevas adquisiciones y no se han podido resistir a la tentación de sacar adelante una quinta entrega. Un proyecto en pañales En Espinof Wes Craven en cinco películas Por el momento los detalles sobre el proyecto son bastante escasos. Según informa Deadline, se desconoce si se trata de una secuela, una precuela o un reboot, pero Bloody Disgusting aclara que Kevin Williamson, guionista de la primera, segunda y cuarta entrega -la tercera, curiosamente la peor de todas, estaba firmada por Ehren Kruger-, no va a escribirla. Mal empezamos. Eso sí, se desconoce quién se encargará de asumir el reto de escribirla y también la persona que estará detrás de las cámaras. Wes Craven es imposible que regrese porque falleció tristemente hace ya más de cuatro años. Tampoco se sabe nada sobre las posibles apariciones de Neve Campbell, Courteney Cox o David Arquette. Las cuatro primeras entregas recaudaron un total de más de 600 millones de dólares, pero la cuarta estuvo por debajo de las expectativas y eso frustró los planes de Craven de hacer una nueva trilogía. Sin embargo, la franquicia no murió entonces, ya que posteriormente se hizo una serie de televisión desconectada del universo de las películas que nunca tuvo especial trascendencia. Esperemos que esta quinta entrega sea mejor. También te recomendamos 'Scream 4', desastroso regreso 'Scream 4', tráiler 'Scream 4', carteles - La noticia 'Scream 5' en marcha: Ghostface resucitará sin la participación de los creadores de la saga fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Hace un par de horas os contábamos que Kevin Feige ha puesto entre la espada y la pared a los fans del Universo Cinematográfico de Marvel, afirmando que las series de la Casa de las ideas que se verán en Disney+ serán necesarias para comprender los acontecimientos que transcurrirán en la gran pantalla durante la Fase Cuatro. Llegará cuatro meses tarde, pero llegará Pues bien, a cinco días del lanzamiento de la plataforma de streaming de la compañía del ratón Mickey en Estados Unidos y Holanda, se ha anunciado su futuro desembarco en el Reino Unido, Alemania, Francia, Italia y —¡sí!— España a través de un mensaje publicado en la cuenta de Twitter oficial del servicio, que podéis ver a continuación —con vídeo incluido—. Just announced: #DisneyPlus will be available in the United Kingdom, Germany, France, Italy, Spain (and more to be announced soon) starting on March 31st. Please note: Titles may vary by territory. pic.twitter.com/lE6nzBeaXy — Disney+ (@disneyplus) November 7, 2019 La fecha elegida para ello, tal y como figura en el tuit, ha sido el 31 de marzo de 2020. Por el momento, no han trascendido los precios que se aplicarán en los países mencionados, pero cabe recordar que tanto en Holanda como en Estados Unidos la suscripción mensual saldrá por 6,99 euros y dólares respectivamente; pudiendo optar por una contratación anual a 69,99. En Espinof Todas las series y películas de Disney+: ya sabemos el catálogo completo con el que se lanzará la nueva rival de Netflix Lo que espina del anuncio es la última frase que lo acompaña: "los títulos pueden variar en función del país". Esperemos que los bailes de licencias y derechos de explotación no mutilen en exceso el catálogo español; aunque los grandes bombazos de Disney+ —sus producciones originales— no corren peligro alguno. También te recomendamos De 'She-Hulk' a la serie de Obi Wan, todas las novedades para Disney+ presentadas en la D23 2019 Warner anuncia HBO Max, su nueva plataforma de streaming, con el 'Dune' de Denis Villeneuve entre sus series originales Todas las series y películas de Disney+: ya sabemos el catálogo completo con el que se lanzará la nueva rival de Netflix - La noticia Disney+ llegará a España y otros países con cuatro meses de retraso: el 31 de marzo de 2020 fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

El próximo 12 de noviembre se lanzará en Estados Unidos Disney+, el nuevo servicio de streaming de la compañía con el que quiera arrebatar el liderazgo de este mercado a Netflix. Es un movimiento muy ambicioso que van a respaldar con una gran cantidad de material exclusivo como varias series de Marvel en acción real. Ya sabíamos que varios personajes del MCEU se iban a dejar ver en producciones como 'WandaVision', 'Loki', 'Hawkeye' o 'The Falcon and the Winter Soldier', pero quedaba la duda de hasta qué punto iba a ser imprescindible verlas para poder seguir disfrutando de las películas. Kevin Feige ha resuelto esa duda con estas declaraciones que ha dado a Bloomberg: En Espinof Todas las series y películas de Disney+: ya sabemos el catálogo completo con el que se lanzará la nueva rival de Netflix Si quieres entender todo en futuras películas de Marvel, probablemente necesitarás una suscripción a Disney+, porque los eventos que suceden en las series tendrán peso en futuras películas como 'Doctor Strange in the Multiverse of Madness'. Por ejemplo, Feige desveló que la Bruja Escarlata va a ser un personaje clave en esa película y que 'Loki' también tendrá lazos con ella. Sorprendentes declaraciones, ya que Marvel se ha caracterizado por mantener bajo llave sus secretos e incluso añadir escenas a los trailers que luego no aparecen en las películas. Lo que queda pendiente de aclarar es hasta qué punto será necesario verlas para poder seguir enganchado a las aventuras en la gran pantalla. Dudo que Disney vaya a llegar al punto de hacerlo imprescindible porque eso podría afectar a la taquilla de las películas. ¿Serán eventos que afecten a hechos venideros o explorar en mayor profundidad algunos personajes para así entenderlos mejor? Todavía tardaremos en descubrirlo, ya que hasta finales de 2020 no llegará 'The Falcon and the Winter Soldier', la primera serie de Marvel para Disney+. Para entonces el servicio de streaming ya debería llevar tiempo disponible en España... También te recomendamos De 'She-Hulk' a la serie de Obi Wan, todas las novedades para Disney+ presentadas en la D23 2019 Sony y Marvel se reconcilian: el 'Spider-Man' de Tom Holland tendrá una tercera película en solitario dentro del Universo Marvel Kevin Feige está trabajando en Star Wars: el presidente de Marvel Studios producirá una nueva película de la saga - La noticia Kevin Feige anuncia que para entender el futuro del MCEU va a ser necesario ver las series de Marvel para Disney+ fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Después de 'La momia', ese fallido reboot con Tom Cruise que debía iniciar la franquicia "Dark Universe", Universal nos presenta a un moderno hombre invisible. Aquí tenemos el tráiler de una nueva versión del monstruo clásico creado por H.G. Wells, que se estrena en cines el 28 de febrero de 2020. Blumhouse, Whannell y Moss, al rescate del Dark Universe Aunque en un principio se anunció que Johnny Depp sería el nuevo hombre invisible, el estudio cambió de idea al comprobar que 'La momia' no era el éxito que esperaban. Ahora el reparto está liderado por Elisabeth Moss, famosa por las series 'Mad Men' y 'El cuento de la criada', también la hemos podido ver recientemente en películas como 'Nosotros'. En Espinof El auténtico universo oscuro de Universal: nueve clásicos que queremos ver adaptados al nuevo Dark Universe Oliver Jackson-Cohen (tomando el relevo de Depp), Harriet Dyer, Storm Reid y Aldis Hodge completan el reparto. La puesta en escena corre a cargo de Leigh Whannell, director de 'Insidious: Capítulo 3' y 'Upgrade'. También cabe destacar el nombre de Jason Blum, el productor de moda en el cine de terror estadounidense con su estudio Blumhouse. La historia nos presenta a Cecilia Kass (Elisabeth Moss), atrapada en una relación controladora y violenta con un brillante y rico científico. Una noche decide escapar y esconderse con la ayuda de su hermana, un amigo de la infancia y la hija adolescente de éste. Tras su huida, Cecilia se entera de que su agresivo exnovio se ha suicidado y le ha dejado una gran parte de su enorme fortuna. Pero ella sospecha que su muerte es un truco y poco después de recibir la herencia empiezan a tener lugar una serie de insólitas y letales coincidencias. Cecilia intenta probar desesperadamente que alguien aparentemente invisible le persigue, mientras su salud mental se resiente cada vez más... Tráiler doblado al castellano de 'El hombre invisible' También te recomendamos 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': el nuevo tráiler homenajea toda la saga y nos sube el hype al máximo con Rey M. Night Shyamalan prepara dos nuevas películas originales con Universal, ¡y ya hay fechas de estreno! 'La dama y el vagabundo': Disney+ lanza un enternecedor tráiler de su nuevo remake en imagen real - La noticia 'El hombre invisible' lanza su tráiler: Elisabeth Moss debe sobrevivir a la nueva versión del monstruo clásico fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

He de confesar que no daba ni un duro por la suerte de remix —porque se encuentra a medio camino entre la secuela y el remake— del clásico del noveno arte titulado 'Watchmen' que han gestado HBO y Damon Lindelof, pero después de deglutir su espectacular arranque, no puedo hacer menos que doblar la rodilla y alabar su propuesta tanto narrativa como formal. Probablemente, una de las grandes responsables del excelente funcionamiento a nivel tonal de la serie sea la exquisita banda sonora compuesta por Trent Renzor y Atticus Ros, que vuelven a arrasar con su magia electrónica después de haber vestido joyas como 'La red social' o 'Perdida' con sus composiciones. En Espinof 'Watchmen': todo el contenido extra de la serie de HBO que nos estamos perdiendo en España (y más países) Pues bien, si sois de los que, como servidor, estábais ansiosos por escuchar como Dios manda la BSO de 'Watchmen', traigo buenas noticias, porque el primer volumen —de tres— ya está disponible para escuchar en streaming. Quince cortes y 37 minutos en total que no tienen ni un sólo segundo de desperdicio, que recuerdan a algunos temas de Nine Inch Nails y que invitan a ser escuchados en repeat durante horas. Además de su versión digital, el primer volumen de 'Watchmen' también tendrá su edición en vinilo, que contará con un packaging diseñado para que parezca la obra de un grupo ficticio llamado Sons of Pale Horse, titulada 'The Book of Rorschach'. Dicha banda aparecía en el cómic original, y sus miembros fallecieron durante el ataque mutante a Nueva York orquestado por Ozymandias. Tras escucharlo unas cuantas veces, la necesidad de más piezas de Renzor y Ross va en aumento. Por suerte, los volúmenes 2 y 3 están a la vuelta de la esquina; esperándose su lanzamiento el 25 de noviembre y el 16 de diciembre de este mismo año respectivamente. También te recomendamos 'Watchmen': el mítico cómic se expande con brillantez en la nueva serie de Damon Lindelof para HBO Impresionante tráiler final de 'Watchmen', la ambiciosa adaptación de Damon Lindelof para HBO 'Watchmen' ya tiene fecha de estreno: la esperada serie llegará a HBO en octubre - La noticia 'Watchmen': ya está disponible la banda sonora de la serie de HBO compuesta por Trent Renzor y Atticus Ross fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

El pasado verano, coincidiendo con la Expo D23, se presentó 'Soul', la nueva historia original de Pixar. Hoy ya podemos echar un vistazo al primer tráiler de la película, que se estrena el 19 de junio de 2020. El adelanto es muy breve pero tiene todo el encanto, la belleza y el humor que cabe esperar del estudio. Un viaje para responder las preguntas más importantes 'Soul' es el nuevo trabajo de Pete Docter, director de 'Up' y 'Del revés' ('Inside Out'). La sinopsis oficial nos hace un par de preguntas: ¿alguna vez te has preguntado acerca del origen de tus sueños, intereses y pasiones? ¿Qué es aquello que te hace único? El film nos propone un viaje desde las calles de Nueva York hasta los reinos cósmicos para encontrar las respuestas a los interrogantes más importantes de nuestras vidas. En Espinof ¿Se ha estancado Pixar? Cómo 'Toy Story 4' encuentra una nueva fórmula para continuar con los éxitos del estudio de Disney Más concretamente, 'Soul' se centra en el personaje de Joe Gardner, quien descubrirá a su yo más brillante y apasionado. Joe es un maestro de música de secundaria cuya verdadera pasión es tocar jazz. Justo cuando piensa que puede alcanzar su sueño, un acontecimiento inesperado lo envía a un lugar fantástico donde se ve obligado a pensar qué significa realmente tener alma... Ahí se encuentra con 22, un alma que cree que la vida en la Tierra no es todo lo que aparenta ser. Joe cuenta con la voz de Jamie Fox en la versión original mientras que 22 está interpretada por Tina Fey. Questlove, Phylicia Rashad y Daveed Diggs, entre otros, completan el reparto. La música original corre a cargo de Atticus Ross y Trent Reznor, una elección peculiar para Pixar. En Espinof Las seis escenas más tristes del cine de Pixar prueban que nadie les gana manipulando emocionalmente al espectador Cabe recordar que tras varias secuelas, Pixar vuelve con dos películas originales en 2020: antes de que podamos ver 'Soul' este verano, 'Onward' llegará a los cines en marzo. Espero que las dos funcionen y que el público responda, así no habrá excusas para convertir todas las películas de Pixar en franquicias y seguirán apostando por ideas originales. Póster de 'Soul' y tráiler doblado al español También te recomendamos Ghibli encuentra su plataforma: HBO Max se queda con todas las películas del mítico estudio de animación Nuevo tráiler de 'Onward': la próxima película original de Pixar nos promete una fantástica aventura familiar 'La oveja Shaun. La película: Granjaguedón', una hilarante secuela a la altura de las mejores obras de Aardman - La noticia Primer tráiler de 'Soul': la nueva película original de Pixar y el director de 'Del revés' fue publicada originalmente en Espinof por Juan Luis Caviaro .

Amazon tardó muy poco en renovar 'The Boys' por una segunda temporada tras el buen recibimiento que tuvo la primera. Hace poco más de tres meses que vimos la tanda inicial de episodios y la noticia ahora es la finalización del rodaje de la segunda, algo que Karl Urban ha aprovechado para adelantar la fecha de estreno. El mensaje de Karl Urban Y es que quizá los actores hayan acabado ya de grabar sus escenas, pero todavía tendremos que esperar hasta mediados de 2020 para ver la segunda temporada. Así lo ha anunciado Urban en el post que ha publicado en Instagram para celebrar el final del rodaje: En Espinof 'The Boys' es la serie que mejor refleja cómo sería el mundo real si los superhéroes vivieran entre nosotros Además, si os fijáis en los comentarios del post encontraréis un mensaje de Antony Starr, que da vida a Homelander en la serie: "¡¡¡FELICIDADES NÉMESIS!!! ¡Eres una máquina hermano! Me encanta que estemos aquí juntos y que lo hayas petado en la temporada 2. Los fans se van a volver locos contigo esta temporada". Recordemos que al final de la primera temporada -cuidado con los spoilers a partir de aquí- veíamos cómo Homelander mostraba a Butcher, el personaje interpretado por Urban, que la esposa a la que daba por muerta seguía con vida y que había estado criando en secreto al hijo que tuvo con Homelander. Seguro que no soy el único que está deseando ver cómo sigue esa historia. También te recomendamos La primera imagen de 'The Boys' deja claro que la serie quiere ser fiel al cómic original 'The Boys': Karl Urban liderará el reparto de la serie de Amazon basada en el violento cómic de superhéroes 'The Boys' es la serie que mejor refleja cómo sería el mundo real si los superhéroes vivieran entre nosotros - La noticia 'The Boys': la serie de Amazon concluye el rodaje de la temporada 2 y tenemos fecha de estreno fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Hay veces que un proyecto tan sólo necesita un par de nombres para ganarse tu corazón y todas las expectativas del mundo. En mi caso, pocas duplas de actor y director podrían subirme al tren del hype con tanta facilidad como la compuesta por Ben Affleck y Robert Rodriguez, que trabajarán juntos en el thriller de acción 'Hypnotic'. En la película, que dirigirá el texano, Affleck interpretará a un detective que, mientras investiga una serie de atracos imposibles de alto nivel, se verá envuelto en un misterio relacionado con su hija desaparecida y un programa gubernamental secreto. Su rodaje empezará el próximo mes de abril bajo la producción de Studio 8 y Solstice Studios y contará con un presupuesto que oscilaría entre los 60 y los 80 millones de dólares. En Espinof Olvidemos al Caballero Oscuro de Christian Bale: Ben Affleck es el mejor Batman Jeff Robinov, presidente de Studio 8, ha hablado recientemente sobre la importancia de trabajar con el actor de Boston: "Trabajando con Ben en sus proyectos ganadores de premios, incluyendo 'Argo' y 'The Town', he visto cómo su versatilidad y creatividad le han convertido en uno de los cineastas más talentosos tanto delante como detrás de la cámara. Significa mucho para mi colaborar de nuevo con Ben en este fascinante thriller, y sé que él y Robert harán una película estupenda juntos". No seré yo quien dude de la calidad del fruto que pueda salir de la colaboración de un artesano como Rodríguez y un intérprete que, como el buen vino, está ganando con los años. Seguiremos con lupa el desarrollo de la producción de 'Hypnotic' mientras esperamos como agua de mayo su primer material promocional. Vía | Deadline También te recomendamos 'Triple Frontier' por fin se pone en marcha con Netflix: Ben Affleck y Oscar Isaac lideran el reparto Sylvester Stallone y Robert Rodríguez barajan resucitar 'Cobra' en forma de serie Ben Affleck y Matt Damon nos contarán la historia de una millonaria estafa a McDonald's a través del Monopoly - La noticia Robert Rodríguez dirigirá a Ben Affleck en 'Hypnotic': un thriller con atracos imposibles y programas gubernamentales secretos fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Carrie Fisher completó el rodaje de de 'Star Wars: los últimos jedi' (Star Wars: The Last Jedi, 2017) antes de su fallecimiento, permitiendo que se mantuviera el papel de Leia como se pretendía originalmente. Ahora, el hermano de la actriz, Todd Fisher, afirma en yahoo que una de las intenciones originales con 'El ascenso de Skywaker' era ver, por fin, a Leia abrazar completamente sus habilidades Jedi para convertirse en la "Última Jedi" de la Saga Skywalker. La peli de Leia, con solo 8 minutos de ella. La peli de Han, la peli de Luke, y la peli de Leia. Ese era el plan de la nueva trilogía. La inesperada muerte de la actriz cambió todos los planes. En lugar de alterar 'Los últimos Jedi' para explicar la ausencia del personaje de la próxima secuela, el director J.J. Abrams pudo utilizar imágenes invisibles de 'Star Wars: El despertar de la fuerza' para realizar ingeniería inversa de una manera orgánica para que esas secuencias se incorporaran a la nueva película. “Ella iba a ser la gran recompensa en la película final. Ella iba a ser la última Jedi, por así decirlo. ¿Eso es genial, verdad? La gente solía decirme," ¿Por qué Carrie nunca consigue un sable de luz y corta a algunos tipos malos? ¡Obi-Wan estaba en su mejor momento cuando tenía la edad de Carrie!. En Espinof 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': 15 referencias y detalles clave que contiene el último tráiler del Episodio IX No está claro si el plan original habría incluido ver a Leia empuñar un sable de luz (más que probable), pero los comentarios de Fisher confirman los de Mark Hamill, quien anteriormente afirmó que se suponía que Leia era la figura clave en la próxima película. "Sé que van a tratar de encontrar una manera de cerrar su historia en la última historia brindándole el respeto que se merece, porque Han Solo fue más prominente en la primera, Luke es un poco más destacado en la segunda, y Leia debía serlo en la tercera". Fisher continuó explicando que una de las razones por las que apoyó a Abrams para reutilizar las imágenes no utilizadas se debió a la conexión que tenía con la actriz. "La verdad es que JJ Abrams era un gran amigo de Carrie ... tenía un extraordinario cariño hacia ella. Tenían ocho minutos de filmación. Tomaron cada fotograma y lo analizaron ... y luego retrocedieron, lo rediseñaron y lo metieron en la historia de la forma correcta. Es algo mágico". “Esto es, a su manera, una recompensa. ... es Carrie que nos habla a todos desde más allá. Lo hermoso del concepto de la Fuerza es que no existe una muerte real; simplemente existes en otra dimensión. Así que Carrie está mirando hacia abajo o de lado o hacia donde sea y todavía es parte de nosotros. Para poder ver eso, son cosas mágicas solo en las películas ". También te recomendamos 'Star Wars: The Rise of Skywalker': aquí está el primer tráiler del Episodio IX y es impresionante 'Star Wars: El ascenso de Skywalker': 15 referencias y detalles clave que contiene el último tráiler del Episodio IX 'Star Wars': J.J. Abrams explica el significado del título 'The Rise of Skywalker' y su intención con el último episodio de la saga - La noticia 'Star Wars: El ascenso de Skywalker' tendrá ocho minutos de metraje de Leia, quien debería haber sido la verdadera "última jedi" fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .