Entre Fans

En vísperas de que se estrene en un par de semanas 'Parot', Adriana Ugarte ya tiene nuevo proyecto entre manos. La actriz será la protagonista de 'Madre', la adaptación de la telenovela turca homónima ('Anne', que a su vez adaptaba una serie japonesa) que prepara Atresmedia, según informa Variety en exclusiva. A lo largo de trece episodios producidos por Buendía (la compañía conjunta de Atresmedia y Movistar+) conoceremos la historia de Manuela, una joven bióloga que ha salido de casa de su familia de adopción para vivir sola en unos marjales para dedicarse a estudiar aves. En Espinof 'Love is in the air', la última gran aspirante al trono de las series turcas en España tras el boom de 'Mujer' y 'Mi hija' Traumatizada por las cicatrices de ser huérfana, se ha jurado a sí misma que jamás será madre. Algo que cambiará cuando Manuela conozca a Alba, una niña que tambaleará esas firmes convicciones, comenzando una odisea de enfrentarse a sus propios demonios. Mamá por sorpresa Montse García, Sonia Martínez y Eduardo Galdo sirven como productores ejecutivos de la serie, que siguiendo los pasos de 'Alba' se estrenarán en ATRESplayer Premium antes de su paso por Antena 3. Galdo es el responsable del guion junto a Lele Portas, Marco T. Socorro, Joana Ortueta, Humberto Ortega y Natalia García-Prieto. De momento no se sabe la fecha de estreno de la ficción, aunque se habla de que la veremos este mismo año. Es curioso este momento que estamos viviendo con Atresmedia potenciando los remakes españoles de diversas series turcas. Estrenada el pasado marzo, 'Alba' es un drama ligero bastante interesante pero quizás algo más inocuo de lo que podríamos esperar. Habrá que ver cómo afrontan este dramón familiar. - La noticia Adriana Ugarte protagonizará 'Madre', la adaptación de la telenovela turca que prepara Antena 3 fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Si ya peinas canas y tu rollo es el deporte es muy probable que José María García te haya acompañado en alguna noche de insomnio. Aquellos días de radio, de polémica y agitación en las ondas han servido de inspiración para que Cristóbal Garrido y Adolfo Valor ('Lo dejo cuando quiera', 'Promoción Fantasma') se metan de lleno en una rocambolesca ficción con un peculiar universo propio: 'Reyes de la noche'. Rebelión en las ondas Con Javier Gutiérrez como sosias de García y Miki Esparbé transformado en la joven revelación con ganas de comerse el mundo liderando el reparto, la serie dirigida por Carlos Therón (4 episodios) y Adolfo Valor (2 episodios) se beneficia de una libertad creativa sin precedentes que se beneficia del recuerdo popular de una época en la que nuestros padres y mayores pasaban la noche con la oreja pegada al transistor. PIVOT 'Reyes de la noche', a pesar de ser una comedia (bastante desmadrada, además), se permite el lujo de avanzar a golpe de drama, aireando las miserias de dos eternos rivales que una vez fueron compañeros de trabajo. Para contar esa cruenta guerra personal, Garrido y Valor se toman todas las licencias a su alcance y fusionan lo mejor de los 80 con lo más recordado de los 90, creando así un nuevo universo alternativo donde conviven varias realidades fusionadas en una nueva visión de la época. Aunque se pueda intuir la influencia de nombres como Adam McKay (si me apuras mucho te diría que también de Martin Scorsese durante la primera mitad de la temporada), la presencia de Gutiérrez y el tono esperpéntico por momentos, convierten a la serie en una prima no tan lejana de los Animalario más salvajemente comedidos. Aquel impresionante 'Urtain' encajaría aquí con la misma naturalidad que 'Alejandro y Ana'. Es más, todos los personajes reales implicados en aquellas tramas podrían formar parte de este universo sin suponer ninguna salida de tono. Los años salvajes Si algo queda claro aquí es que aquella radio fue el fin de una era y de una manera de hacer periodismo que más de uno pensará que ha sido erradicado. Si de verdad crees eso te recomiendo que pases una noche viendo la programación de Telecinco, porque el legado de todos esos cóndores sigue muy vigente, pero han añadido cámaras a sus micrófonos. Francisco Javier Maldonado, alias Paco el Cóndor (Javier Gutiérrez), es el periodista deportivo más importante de la radio española en los 80. Los oyentes le admiran, los jugadores le temen, los presidentes de clubes (y el gobierno) le odian. Cada medianoche reúne a millones de oyentes junto al transistor. Desde hace años, el Cóndor no tiene rival. Hasta ahora. Su ex-compañero "Jota" Montes abandona el barco en busca de mares más tranquilos, pero convertirán su coexistencia en una tormenta perfecta de consecuencias inimaginables. El reparto de la serie se completa con Alberto San Juan (otro Animalario), Chiqui Fernández, Sonia Almarcha, Cristóbal Suárez, Celia de Molina, Fele Martínez u Omar Banana, entre otros. Los seis episodios, con una duración de 35 minutos, mantienen alto el listón de la intensidad y no pierden el tiempo en subtramas innecesarias. De hecho, las que en un principio podrían parecer exactamente eso terminarán por desencadenar un potente drama que nos deja con ganas de más. Y esa puede ser la gran pega de 'Reyes de la noche'. Durante estos seis episodios se van formando bandos y definiendo personajes, y en ambos casos se culmina prácticamente con el cierre de la temporada, con la miel en los labios. Ojo al dato: es muy probable que lo mejor está por llegar, así que no tienes excusa para no acudir a la cita radiofónica de la temporada. - La noticia ‘Reyes de la noche’: la edad de oro del periodismo deportivo en una comedia de Movistar que también funciona cuando se pone seria fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Si estáis en mi equipo y os pillan desprevenidos para preguntaros sin dar demasiado tiempo a pensar cuáles son las peores películas del Universo Cinematográfico de Marvel, es posible que no tardéis ni un segundo en pronunciar los títulos de 'Iron Man 2', 'Thor: El mundo oscuro' —glups— y, probablemente, una primera 'Thor' cuyos revisionados la continúan reafirmando como la pieza más soporífera de la Fase Uno. No obstante, independientemente de su calidad, hay que reconcoer que la aventura del Dios del Trueno marvelita fue una pieza indispensable para dar forma al MCU que, más de una década después, continúa atrayendo a legiones de fans. Una idea que uno de los guionistas responsables del filme ha defendido a capa y espada en su cuenta de Twitter. En Espinof Todas las películas del Universo Marvel ordenadas de peor a mejor De aciertos y patinazos Según Zack Stentz, Kenneth Branagh merece muchísimo más reconocimiento por ayudar a dar unos cimientos sólidos al Universo Marvel, los cuales comienzan por los fichajes de Tom Hiddleston y Chris Hemsworth para dos de los papeles "más difíciles" de adjudicar. "Kenneth Branagh merece mucho más crédito del que ha obtenido por dar forma al Universo Cinematográfico de Marvel, porque el de Thor y el Loki fueron dos de los castings más difíciles. Si no adoras a Thor mientras se comporta como un capullo arrogante, y no amas y odias a Loki al mismo tiempo, la cosa se desmorona". Stentz continuó su reflexión apuntando a que sin la disfrutable 'Capitán América' de 2011 y la 'Thor' de Branagh, la 'Vengadores' que todos conocimos no hubiese sido posible. "El Universo Cinematográfico de Marvel ha pasado tanto tiempo cosechando éxitos que es difícil olvidar sus primeros tropiezos. 'El increíble Hulk' funcionó lo justo y 'Iron Man 2' hizo montones de dinero, pero creativamente fue irregular. 'Thor' y 'Capitán América' tuvieron que triunfar en 2011 para plantear las bases de 'Los Vengadores' en 2012. Si 'Thor' y 'Capitán América' hubiesen funcionado al nivel de 'El increíble Hulk', hubiésemos tenido una 'Los Vengadores', pero probablemente hubiese tenido reshoots y hubiese sido remontada en una especie de 'Iron Man y sus amigos' en lugar de la obra coral que tuvimos". No seré yo quien quite la razón al señor Stentz —de hecho, creo que hay mucha verdad en sus palabras—, pero esto no significa que el desbarre shakespeariano-superheróico de Branagh no continúe siendo una de las producciones más irregulares y aburridas —y con más planos holandeses— del Universo Marvel. - La noticia "Kenneth Branagh merece mucho más crédito". Un guionista de 'Thor' defiende la importancia de la película para el Universo Marvel fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Aún quedan un par de semanas para que 'Ejército de los muertos' se lance oficialmente en Netflix; pero eso no ha sido impedimento para que el regreso de Zack Snyder al subgénero zombi 17 años después de esa pequeña bomba titulada 'Amanecer de los muertos' ya esté batiendo récords sin tan siquiera haberse estrenado. Según informa el medio Variety, el largometraje de atracos en clave de terror protagonizado por Dave Bautista se convertirá en el título de la plataforma de streaming que tendrá el estreno limitado en cines norteamericanos más amplio de su catálogo; superando a las 250 pantallas de tiempos prepandémicos en las que se proyectó 'Roma' y las 550 en las que pudo verse 'El irlandés'. En Espinof 24 películas y series de zombies imprescindibles para ver en streaming antes de 'Ejército de los muertos' No muertos en pantalla grande 'Ejército de los muertos' podrá disfrutarse en 600 salas de Estados Unidos gracias al acuerdo firmado con Cinemark, marcando el hito de ser la primera película de Netflix en tener un estreno nacional de la mano de una las cadenas de cines más grandes del país. A las 200 pantallas ofrecidas por la compañía hay que sumar las de otras como iPic, Landmark, Alamo Drafthouse o Cinepolis; quedándose fuera dos referentes de la exhibición como AMC y Regal. Justin McDaniel, vicepresidente senior de estrategia de contenido de Cinemark ha celebrado así su asociación con Netflix. "Cinemark está emocionada por trabajar con Netflix en nuestro primer estreno nacional y por ofrecer a los amantes del cine la oportunidad de ver 'Ejército de los muertos' en nuestras salas de todo Estados Unidos. Los fans de Zack Snyder van a adorar ver la acción en un entorno inmersivo y cinematográfico con una tecnología audiovisual alucinante". Extra, extra!!!!! Primer listado de cines donde podréis ver EJÉRCITO DE LOS MUERTOS de Zack Snyder. 14 de Mayo. UNA SEMANAAAAAAAAAAAAAA@NetflixES pic.twitter.com/BGVvPNJ6HO — Tripictures (@Tripictures) May 7, 2021 En España, la gente de Tripictures permitirá que los devotos de Snyder disfrutemos de su nuevo filme en un buen número de salas a partir del próximo 14 de este mes de mayo —podéis ver el primer listado completo sobre estas líneas—. Los que prefiráis verla en la comodidad de vuestra casa, podréis hacerlo el 21 de este mismo mes. - La noticia Zack Snyder consigue lo que Scorsese y Cuarón no pudieron: 'Ejército de los muertos' será el mayor estreno de Netflix en los cines de EE.UU. fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Dentro del marco del Festival D'A de Barcelona hemos podido ver 'The Woman Who Ran', el penúltimo trabajo de Hong Sang–soo, uno de los cineastas más estimulantes de Corea del Sur que, aunque no llene salas, es toda una eminencia en el mundo del arthouse y los festivales. Amor y cine Hay una corriente de opinión que habla de Sang-soo como "el Woody Allen coreano", corriente de la que conviene alejarse puesto que no hay nada más auténtico e inimitable que sus películas. Antes de acercarse a su cine es necesario conocer su forma de filmar y estructurar su obra ya que, un encontronazo de primeras, puede resultar desconcertante, tedioso y se puede tener esa desagradable sensación de que alguien te está tomando el pelo. Sang-soo en una imagen del rodaje de The Woman Who Ran El propio Sang-soo ha declarado muchas veces que sus películas no tienen un guión como tal, la noche antes del rodaje escribe unas líneas tanto argumentales como de diálogo y se las entrega a los actores como guía, pero la base de todo será la improvisación que muchas veces viene regada en litros de soju que sacan a relucir todo tipo de pasiones y sentimientos. Porque la temática central de la obra del cineasta es el amor. A lo largo de los más de veinte largometrajes que componen su actual filmografía, se explora todo tipo de procesos; desde el despertar del amor a la infidelidad, pero siempre hay una idea por encima de ello, y es el cine. En Espinof Las 21 mejores películas coreanas de los últimos años Prácticamente todas sus películas tienen un componente metacinematográfico, ya que sus personajes suelen ser directores, actrices, guionistas o estudiantes de cine, que se ven involucrados en conflictos amorosos que suelen derivar en lo que en occidente sería una comedia romántica, pero que Sang-soo acaba convirtiendo en observaciones reflexivas sobre los sentimientos a través de las películas. Esto aparece de forma explícita en la película 'Mujer en la playa' (2006), donde el protagonista compara las relaciones amorosas con la forma que tiene de construir historias, creando un esquema que puede servirnos para definir las estructuras mentales sobre las que construye sus largometrajes. En concreto, 'Mujer en la playa' forma parte de la "etapa luminosa" del maestro coreano, cuando sus trabajos (aunque siempre reflexivos) tenían mucha luz, mucho humor, siempre eran alegres y en color (a excepción de la magistral 'The Day He Arrives', estrenada en 2011). Sus tres primeros trabajos fueron mucho más oscuros y aunque todavía no había encontrado su propio estilo, sí se podía presagiar una voz personal. Prueba de ello será su tercera película, 'La virgen desnudada por sus pretendientes' (2000), donde por primera vez aparecerán todas sus obsesiones y ya, a partir de su siguiente obra, la evitable 'La puerta del retorno' (2002), pasa al color y a esa luz de la que se ha hablado antes. Sería a partir de 'Ahora sí, antes no' (2015) cuando el cine de Sang-soo se volvería más pensativo, más pesimista e incluso abstracto, aunque todo esto ya se intuía en 'Hill of Freedom' (2014), una película de apenas 70 minutos donde unas simples cartas serían el detonante de un complejo juego narrativo con el montaje. El director y su musa: un escándalo y grandes películas Estos juegos, basados en repeticiones o aliteraciones visuales casi siempre habían estado presentes en su cine, pero no será hasta 'Ahora sí, antes no' donde alcanzará su esplendor, estilo que iría depurándose en sus posteriores películas hasta convertirse en un maestro ya no sólo del juego narrativo, sino del minimalismo, los silencios y, poco a poco, de la espiritualidad. Otro elemento a tener en cuenta, el que más llama la atención a primera vista es el uso del zoom. Un zoom descuidado, sucio, casi agresivo que introduce en sus habituales planos fijos para reencuadrar a sus personajes de forma que resalta ideas, frases o aporta intensidad dramática. Si tuviésemos que hacer un primer aproximamiento a la obra de Hong Sang-soo, lo que ha rodado a partir de 'Ahora sí, antes no' (Leopardo de oro en el Festival de Locarno) sería la mejor forma de empezar porque, aunque sigue siendo tremendamente personal, su estilo es mucho más depurado y sus escenas más breves, lo que facilita su visionado. 'Ahora sí, antes no' abrirá la etapa en la que todavía sigue, una etapa que no se entiende sin conocer su vida personal puesto que, en sus películas habla directamente de la relación que mantiene con su musa Kim Min-hee a la que conocería rodando esta cinta. La película plantea el encuentro entre un director de cine y una pintora y la relación romántica que surgirá entre ellos, pero la particularidad es que Sang-soo nos divide la película en dos partes que vienen a ser exactamente iguales pero con pequeñísimas variaciones que vienen a mostrar las inimaginables posibilidades de la vida y, por ende, del cine. Es una película mágica, desconcertante si no se sabe lo que se va a ver, pero también reconfortante porque, aunque amarga, siempre cree en el amor. En Espinof Las 23 mejores películas románticas de todos los tiempos 'Lo tuyo y tú' (2016) una loquísima comedia romántica en la que el juego narrativo aparece con el carácter de la protagonista. Personaje que, o bien vacila a todo el mundo o tiene un trastorno de la personalidad, puesto que las múltiples posibilidades y las repeticiones aparecen cuando ella provoca confusión en todos los personajes masculinos que han jugado con ella. Aunque es algo que siempre estuvo en sus películas, Sang-soo habla de la misoginia, de como el hombre se aprovecha de la mujer para su beneficio sexual y la comedia aparece en el momento que la protagonista encuentra una forma de humillarle y sobreponerse a esta situación. 'En la playa sola de noche' (2017), probablemente la cima de su carrera, su obra más bella, triste y misteriosa. En este punto de su vida, Hong Sang-soo y Kim Min-hee estaban en el punto de mira de toda la prensa rosa surcoreana, ya que, habían empezado una relación amorosa que hizo que el cineasta se separase de la que era su mujer. En la película se cuenta la historia de una actriz que, tras un escándalo en su país por tener una relación con el director de su película, decide refugiarse en Hamburgo. La primera parte muestra lo afectada emocionalmente que se encuentra la actriz (Kim Min-hee), y cómo intenta protegerse de un mundo que sólo la señala a ella; después, una serie de conversaciones con el equipo de la película en cuestión volverá a poner en el punto de mira esta misoginia y la forma que tiene el director de entender el cine. Rodada un año antes durante el Festival de Cannes, 'La cámara de Claire' (2017) es otra comedia recomendable si se quiere empezar con la filmografía del surocoreano. Cuenta la historia de una agente de ventas (Kim Min-hee) que se encuentra en el certamen vendiendo los derechos de la película de un director con el que, presuntamente, ha tenido un affair. Aunque no se especifica, vemos en una pared el poster de 'Lo tuyo y tú', que sería estrenada ese mismo año en el Festival de San Sebastián, lo que ya supone un juego metaficticio al insinuar que lo que aparece en esta película es lo real y en la otra lo que no; casualmente, esa cinta de 2016 es la única que no cuenta con la aparición de Kim Min-hee. Resignada, empezará a caminar por las calles de Cannes donde conocerá a una aficionada a la fotografía (interpretada por Isabelle Huppert) y ambas pasarán el resto del festival juntas reflexionando sobre el amor, el paso del tiempo, la creación y, una vez más, los hombres. Detrás de esta, aparentemente, sencilla comedia podemos ver a un Hong muy liberado, que todavía no entiende la infidelidad como algo más allá de una travesura sin consecuencias. En Espinof Las 39 mejores películas de la década (2010-2019) 'The Day After' (2017) competiría en Cannes (donde se presentó también 'La cámara de Claire') y sería la cara B de 'En la playa sola de noche' porque mientras ahí el centro de la infidelidad sería la mujer, aquí es el hombre. 'The Day After' es una reflexión sobre la culpa y el dolor donde una mujer confunde a otra con la amante de su marido (una vez más la identidad para jugar con la narración) quien camina cabizbajo intentando perdonarse a sí mismo por lo que ha hecho y encontrar al que ahora es su nuevo amor. Este nuevo amor es latente en la forma en la que filma a Min-hee mirando desde la ventana de un coche, convirtiéndola en un ser casi angelical y haciendo de la película un proceso de redención en el que puede justificar que su relación va más allá del deseo. El nuevo Hong Sang-soo Tras dejar zanjado el tema de su relación, en 2018 estrenaría 'Grass' en Berlín. Se trata de un drama existencialista en el que Sangsoo hablaría de la muerte y, una vez más, de la creación artística. En esta ocasión, cuenta la historia de una escritora que encuentra la inspiración en las personas que pasan por un café, sus conversaciones y sus vidas; todo acompañado por la música clásica escogida por el propietario del local (al que nunca llegamos a ver). Esto de la música es muy importante porque es la primera vez que el director usa música diegética en su cine (en sus anteriores trabajos era la forma que tenía de separar escenas o actos), lo que transforman a ese café en la única realidad posible. No hay más capas narrativas, la protagonista llena su ordenador de historias mientras escucha a gente celebrar el amor, lamentar su propia existencia o hablar de intentos de suicidio. 'Grass' encuentra su abstracción en su propia concepción: ¿acaso es ella quien escribe sus historias? ¿Quién es el extraño propietario de ese café? ¿Por qué pone música? ¿Está acaso Sang-soo hablando de Dios? ¿Y qué más dará? En Espinof 'El hotel a orillas del río': sentida reflexión de Hong Sang-soo sobre la muerte y la belleza ¿Cómo encaja 'The Woman Who Ran' (2020) en la carrera de Hong Sang-soo? Es difícil de decir, más sabiendo que en su siguiente película ('Introduction', 2021) ha vuelto al blanco y *****, pero básicamente 'The Woman Who Ran' cuenta la historia de una mujer que aprovecha la ausencia de su marido para reencontrarse con una serie de amigas; la última de ellas en una sala de cine. Estos encuentros derivan en las conversaciones habituales del cine de Sangsoo, pero vemos algo triste en la mirada de la protagonista, hay algo que la preocupa, no llega a estar tranquila y sí, huye de alguien. Una vez más, la teoría aparecida en 'En la playa sola de noche' vuelve a surgir aquí: los hombres que destruyen emocionalmente a las mujeres. El hombre vuelve a ser retratado como un ser patético (la divertidísima y claramente improvisada escena del gato) y la mujer, pese a su tristeza sale triunfante, independiente y encerrada en una sala de cine (como en 'Ahora sí, antes no' y 'En la playa sola de noche') se libera de masculinos fantasmas del pasado. En la que es probablemente su película más luminosa desde 'La cámara de Claire', el cineasta coreano vuelve a demostrar cómo sigue arrepentido por la infidelidad que cometió, y sigue filmando a las mujeres con independencia pero siempre con ese halo angelical. - La noticia Hong Sang-soo: estilo, obsesiones y las películas imprescindibles de un autor único fue publicada originalmente en Espinof por Álex Manzano .

Ya han pasado dos semanas desde que la Academia norteamericana nos dejase comatosos con su 93 ceremonia de entrega de los premios Óscar; una gala soporífera, anticlimática y extraña —más allá del escenario pandémico— cuyo grotesco cierre, casi un coitus interruptus, en el que Anthony Hopkins se llevó el galardón al mejor actor, continúa trayendo cola. Después de que Rob Mills, ejecutivo de Walt Disney Television —dueña a su vez de ABC, el canal que retransmitió el evento— se sumase al carro del "bien o mal, pero que hablen", justificando el final de la emisión en base a la repercusión que ha terminado teniendo, ha sido Steven Soderbergh el siguiente en aportar sus dos centavos a la polémica. En Espinof Óscar 2021: los siete momentos por los que recordaremos la histórica gala de la pandemia "Siempre fue parte del plan" El realizador de la gala ha explicado a Los Angeles Times que la idea de concluir con el premio al mejor actor estaba decidida desde antes de que se anunciasen las nominaciones, y que se mantuvo una vez Chadwick Boseman obtuvo la oportunidad de recibir el Óscar póstumo. "Fue algo que íbamos a hacer antes de que se anunciasen las nominaciones. Hablamos sobre ello en enero. Creemos, y opino que no es algo infundado, que los discursos de los actores tienden a ser más dramáticos que los de los productores. Así que pensamos que podría ser divertirlo mezclarlo, sobre todo para la gente que no sabía lo que iba a pasar. Así que siempre fue parte del plan. Después, cuando salieron las nominaciones y existía una posibilidad de que Chadwick pudiese ganar de forma póstuma, nuestra sensación fue que si ganase y su viuda hablase en su nombre, no podía haber nada después, así que mantuvimos el plan". Para Soderbergh, una potencial victoria de Boseman hubiese hecho imposible continuar con la gala. "No es que asumiésemos que Boseman fuese a ganar, pero si había una mínima posibilidad de que ocurriese, teníamos que tenerlo en cuenta. Hubiese sido un momento tan devastador que retomar la ceremonia después hubiese sido imposible". Finalmente, Anthony Hopkins se llevó el gato al agua por su magnífica interpretación en 'El padre'; algo de lo que me alegro sobremanera. De lo que no me alegro tanto es de que el señor Soderbergh nos prometiese una gala lo más parecida posible a una película, y nos terminase administrando una dosis de anestesia que aún sigue provocando resaca. - La noticia "Los discursos de los actores suelen ser más dramáticos". Steven Soderbergh defiende el polémico final de los Óscar 2021 fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

Las dos plataformas lideran el boicot a los Globos de Oro después de descubrir que no había periodistas negros entre sus miembros votantes. Tras un par de años donde parecía que la diversidad tomaría el control vuelven los viejos fantasmas. Ni un año sin polémica Netflix y Amazon encabezan el descontento ante los Globos de Oro, populares por sus elegantes fiestas y reconocimientos a las mejores actuaciones, películas y shows televisivos de cada año. Su organización, la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood (HFPA), está compuesta por 90 periodistas cinematográficos extranjeros de aproximadamente 55 países en todo el mundo. En Espinof Globos de Oro 2021: ni 'The Mandalorian' ni 'Lovecraft Country', el fantástico y el terror siguen siendo totalmente ignorados por los premios A los Globos de Oro han asistido las estrellas más importantes de Hollywood desde 1944, lo que ha ganado la atención de los medios y la influencia de la industria. Sin embargo, su relevancia ha ido disminuyendo en los últimos años debido a una serie de controversias. En primer lugar, los Globos de Oro dividen sus premios por género, principalmente Drama o Comedia / Musical, detalle que ha provocado algún que otro problema en los últimos años con ciertas películas que no parecían pertenecer a la categoría en la que estaban nominadas. 'Déjame salir' fue nominada a Mejor Comedia o Musical, algo con lo que mucha gente no estuvo de acuerdo y no dudo en poner en tela de juicio la validez de los Globos de Oro. La entrega más reciente se vio envuelta en la polémica en torno a su elección de nominaciones (especialmente sonado fue el asunto de 'Emily en París'), la falta personas negras entre su base de votantes o que 'Minari' fuera nominada a Mejor Película. Ted Sarandos, Co-CEO de Netflix, declaró hace unas horas: "Vamos a detener cualquier actividad con la organización hasta que se realicen cambios más significativos". La respuesta de la organización no se ha hecho esperar: "Escuchamos sus preocupaciones sobre los cambios que nuestra asociación necesita hacer y queremos asegurarles que estamos trabajando diligentemente en ellos. Nos encantaría reunirnos con ustedes y su equipo para que podamos revisar las acciones específicas que ya están en marcha. Un diálogo abierto ayudará a abordar estas preocupaciones lo más rápido posible". - La noticia Netflix y Amazon amenazan con romper relaciones con los Globos de Oro por la falta de diversidad en los votantes fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Era cuestión de tiempo que el universo 'Bola de Dragón' tuviese una nueva película y Toei Animation al fin ha confirmado que tendremos un nuevo largometraje de 'Dragon Ball Super' en 2022, acompañando el anuncio con el siguiente comunicado: Este nuevo estreno será la segunda película basada en 'Dragon Ball Super', título del manga y la serie anime que se lanzó en 2015. La primera película fue 'Dragon Ball Super: Broly', un gran éxito que logró la cifra récord de más de 120 millones de dólares en taquilla. Los planes para una nueva película arrancaron en 2018, antes del estreno de 'Dragon Ball Super: Broly', con el objetivo de contar una historia de gran escala basada en la entusiasta respuesta por las anteriores películas y el fervor global actual hacia 'Dragon Ball Super: Broly'. El propio Akira Toriyama ha cogido su bolígrafo para darnos una historia fascinante que los fans desean. En Espinof 'Dragon Ball': cómo ver en orden toda la saga creada por Akira Toriyama Desde la construcción de la magnífica historia hasta el diseño de personajes y las líneas del guion, Toriyama ha trabajado con pasión, gran atención al detalle y con los estándares de calidad más elevados para crear una película de 'Dragon Ball' como ninguna otra en su historia, y una que seguro que será todo un éxito con los fans. El mensaje de Akira Toriyama Eso sí, Toei ha optado por no dar más detalles concretos sobre el proyecto, por lo que todavía ni siquiera sabemos cuál será su argumento o tan siquiera qué título tendrá esta nueva película. Más allá del anuncio del estudio, lo único que tenemos es otro comunicado de Toriyama confirmando la noticia: Una nueva película está actualmente en marcha. Como la anterior, estoy liderando el trabajo en la historia y los diálogos para otra película asombrosa. No debería decir mucho sobre el argumento aún, pero preparaos para algunos combates extremos y entretenidos, las cuales puede que incluyan a algún personaje inesperado. Navegaremos a través de territorio inexplorado en lo referente a la estética visual para dar a los fans un increíble viaje, así que espero que todo el mundo esté deseando verla. Ahora habrá que sentarse a esperar más noticias, pero seguro que no será una espera muy larga, ya que si esta nueva película se estrena el año que viene, pronto habrá que ir dando detalles más concretos. Vía | CBR - La noticia 'Dragon Ball Super' tendrá una nueva película en 2022 escrita por Akira Toriyama que promete batallas extremas fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Hulu ha lanzado un primer vistazo a Lily James y Sebastian Stan como Pamela Anderson y Tommy Lee en la serie biográfica limitada 'Pam and Tommy', una comedia sobre la historia real detrás del lanzamiento del primer video viral de la historia: el video sexual de Pamela Anderson y Tommy Lee, que a su vez, creó una "moda" de celebrities que alcanzan la notoriedad con estos vídeos "filtrados". Las fotos se han viralizado rápidamente gracias a la impresionante caracterización de los actores, especialmente Lily James como Pamela Anderson, ya que muchos no veían a estos dos actores en el papel. Stan publicó otra foto en Instagram, con una cita de Tommy Lee: "No dejamos de jugar porque envejecemos, envejecemos porque dejamos de jugar". Craig Gillespie será el director y productor ejecutivo y junto con Stan y James, la serie también está protagonizada por Seth Rogen, Nick Offerman, Taylor Schilling, Andrew Dice Clay, Pepi Sonuga, Spencer Granese y Mozhan Marnò. Rogen interpretará a Rand Gauthier, el hombre que robó y vendió la cinta, también ha publicado una foto caracterizado como este. En Espinof Las 22 mejores películas biográficas de la historia del cine 'Pam y Tommy' se puso en marcha en diciembre de 2020 pero ni Anderson ni Lee están involucrados en la serie. Está escrito y producido por Robert Siegel y DV DeVincentis, quienes actúan como co-showrunners. Seth Rogen también será productor ejecutivo junto con Evan Goldberg, James Weaver y Alex McAtee para Point Grey. Dave Franco será el productor ejecutivo con Megan Ellison, Sue Naegle y Ali Krug como productor ejecutivo de Annapurna. Chip Vucelich, Dylan Sellers y Sarah Gubbins también serán productores ejecutivos. - La noticia Asombroso primer vistazo a Lily James como Pamela Anderson y Sebastian Stan como Tommy Lee en la serie de Hulu 'Pam and Tommy' fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

El comunismo es básicamente una religión. La religión marxista, leninista y estalinista sin un dios, una religión mesiánica. Así, sin ningún tipo de sutileza, metáforas o cualquier tipo de lenguaje figurado, arranca 'Dau', una de las más grandes epopeyas de la historia del cine europeo (por no decir mundial) que hace un meticuloso y crítico análisis (como no podría ser de otra forma) de uno de los regímenes más sanguinarios de la historia de la humanidad; la Unión Soviética. Y que, por ende, necesita de un meticuloso análisis del catecismo redactado por Marx y Engels un par de siglos atrás. Pero vayamos al principio, ¿qué es Dau? De un biopic a un estudio de la represión soviética El cacique, más adelante se entenderá esto, de este proyecto Ilya Khrzhanovskiy describe 'Dau' como "la primera película sobre el aislamiento filmada en aislamiento por personas aisladas". Lo que en un principio iba a ser un biopic de Lev Landau, científico ganador del Nobel por sus aportes a la física, poco a poco se convirtió en algo mucho más grande y lunático que pretendía hacer un estudio de la represión soviética con el eje central de este físico que trabajó para el estado; o, mejor dicho, el partido único. En Magnet Dau: el loco experimento ucraniano para recrear la URSS durante 12 años y que ahora es una macropelícula Aunque esto de aislarse en 2020 cobraría otro sentido, entiéndase como aislamiento a todo el conjunto de repúblicas soviéticas que hasta la caída del muro de Berlín estuvieron años y años sin ningún tipo de contacto con la cultura occidental. Cuando se dice lunático es porque al director se le ocurrió la descerebrada pero brillante idea de construir un set gigante donde recrear el laboratorio donde trabajaría este científico y, no contento con eso, encerrar ahí a un grupo de actores (muchos de ellos no profesionales) para recrear lo que fue la URSS entre los años 30 y 60. Todo estaba minuciosamente estudiado y todos seguían las órdenes de un nuevo dictador, que en este caso era el maquiavélico director de la(s) película(s). El resultado, tras dos años de grabaciones, se traduce en más de 700 horas de material (según dice su sitio web oficial) comprimidos en quince películas y cinco series. Marcados por las normas propias de la Unión Soviética, los actores vivieron en esa cápsula del tiempo por un periodo de dos años (imaginamos que saldrían y entraban a conveniencia de la narrativa) bajo las normas y restricciones de libertad propias de un régimen autoritario. En Espinof 'Desafío total': cómo Verhoeven camufló de blockbuster de ciencia ficción la película más marxista de la historia de Hollywood Hasta ahora se han estrenado las ocho primeras partes del proyecto. 'Dau: Natasha' y 'Dau: Degeneration' se vieron el pasado año en el festival de Berlín y ahora en el marco del D'A de Barcelona, pueden verse en Filmin; el resto están disponibles en la web oficial de Dau pagando un alquiler simbólico, puesto que la pandemia impidió su paso por festivales el año pasado. Parece que los siete títulos que están por verse tendrán espacio en algún certamen a lo largo de este año o ya en 2022. Por dónde empezar con 'DAU' 'Dau. Natasha' es una obra secundaria en lo que se refiere al estudio de la vida de Dau, pero es una gran película que nos hace entender el terror que se podía llegar a vivir por las imposiciones del partido. Cuenta la historia de Natasha, la camarera de la cantina del laboratorio secreto y su relación con los empleados. Todo cambiará cuando mantiene sexo con un científico invitado y el partido la acuse de traición. Aunque la crítica al comunismo como ideología no esté tan latente en esta pieza, 'Dau. Natasha' nos sirve para ver la dimensión y el grado de paranoia y terror con el que se podía llegar a vivir en una sociedad donde todo movimiento podía llegar a ser considerado traición, cualquier pequeño detalle (no llevar el pasaporte encima) era motivo de detención y en consecuencias torturas o trabajos forzados que, en muchas ocasiones, derivarían en la muerte. 'Dau. Natasha' es una película regada en alcohol, elemento utilizado para mostrar la pérdida del control sobre uno mismo, puesto que su protagonista tiende a darle al vodka tras sus jornadas de trabajo y será en este contexto en el que empiece a relacionarse con los altos responsables del laboratorio y a tener sexo con este científico invitado. En una escena explícita, con penetración no simulada y bastante extensa, Ilya Khrzhanovskiy ejecuta un desagradable ejercicio de vouyerismo que explica muy bien la colectividad constante de un régimen donde lo privado y la libertad individual era algo impensable y castigado. Esta forma de falsa sutileza (bruscas y desagradables imágenes cargadas de significado) es la línea general sobre la que se construye 'DAU', en la deshumanización extrema y absoluta de todos los personajes que se traduce en el espacio cerrado donde convivieron sus actores que recrea muy bien una nación de la que no se podía escapar y para entender eso desde un punto de vista teórico están las seis horas de 'Dau: Degeneration'. En Espinof 17 grandes películas que duran más de 3 horas y te dejan con ganas de más 'Degeneration' es el eje central de este proyecto, una versión reducida de DAU que fue lo primero que se vio en el Centre Pompidou de París. A lo largo de sus seis horas (el primer montaje duraba nueve), divididas en nueve episodios, la película narra los últimos días del instituto donde trabaja Lev Landau (Dau a partir de ahora) y revela, desde un punto de vista teórico, cuáles eran las ideas expansionistas de la Unión Soviética si no hubiese existido la perestroika y el muro jamás hubiese caído. El extenso metraje facilita a su director exponer sus ideas anticomunistas con profundidad. El punto de partida, es esa idea con la que se arrancaba este texto de que el comunismo tiene un fuerte componente religioso que es lo que permite que sea aceptado entre la población. Hay una promesa de salvación en el golpe de estado de Lenin (malamente conocido como revolución) que le hace ganar la confianza del pueblo y que le dictará hacia dónde debe ir como sociedad. Todo esto es verbalizado por autoridades religiosas y científicas que pasan por este laboratorio que no sólo sirve para experimentaciones puramente físicas sino para teorizar sobre la forma política sobre la que se está llevando la URSS y hasta dónde puede llegar. Un proyecto radical sobre la destrucción del individuo Es ese el punto más científico de Dau que no sólo tiene un afán artístico sino de investigación histórica y hay dos grandes conferencias dentro de la propia película sobre el componente religioso que esconde el comunismo y sobre la forma en la que la Unión Soviética podía crecer y expandirse controlando a la población. Si algo es 'Dau. Degeneration' es radical y lleva hasta las últimas consecuencias las posibilidades de tener encerrados a un grupo de actores y hacerles vivir como en una de las más aterradoras dictaduras del mundo moderno. Si ya en 'Natasha' llamaban la atención la violencia y el sexo. en 'Degeneration' adquirirán un carácter casi punk que saca a la luz los extremos a los que estuvo expuesto el casting. En Espinof Las 11 películas más peligrosas de la historia del cine: de la apología de Griffith al nuevo Joker Sorprende mucho una escena que roza el abuso donde uno de asalariados del gobierno eyacula sobre una mujer y es aquí donde entra una interesantísima metanarración. Este personaje es interpretado por Maxim Martsinkevich, difunto líder de un movimiento neonazi (ya ilegalizado en Rusia) que en la película interpreta a un matón esbirro del gobierno que vela con violencia por el mantenimiento de las leyes del partido. En una de las escenas más impactantes de la película, él y sus secuaces matan un cerdo, metáfora nada sutil de la forma en la que los gobernantes de la URSS veían al pueblo. Nada sutil como no podría ser de otra forma, si algo destaca en DAU es la falta de piedad, escrúpulos o pudor a la hora de mostrar desnudos, torturas y, en general, la represión. Pero no hay otra forma de enfrentarse a exponer el terror rojo. La decisión más interesante es la de entender el espacio fílmico como un lugar opresivo donde todos son marionetas al servicio del poder y en eso consiste una dictadura; sobre eso se construyó la URSS. Dentro de su explicitad, 'Degeneration' acierta al saber desmontar esa falacia de "el comunismo en la teoría funciona pero se ha llevado mal a la práctica". Ilya Khrzhanovskiy viene de un país excomunista y sabe de lo que habla y quizás la decisión más interesante es la de convertir su obra en una investigación científica que parta de la reconstrucción de un hecho histórico que no debemos permitir que se repita. Hay algo verdaderamente extraordinario en todo esto y es como el cine le ha llevado a la verdad, quizás no sea una película que mueva conciencias o consiga hacer la memoria histórica que merecen millones de víctimas; pero si algo deja claro 'Dau: Degeneration' es que el proyecto soviético destruyó al individuo y creó una mente colmena que acabó dirigiendo a sus ciudadanos como granjero que lleva a sus cerdos al matadero. - La noticia 'Dau': un impresionante y radical experimento cinematográfico con actores encerrados que recrea una de las más aterradoras dictaduras del mundo moderno fue publicada originalmente en Espinof por Álex Manzano .

El 2020 ha sido un año de cambios en el cine, algunos más determinantes que otros, en el que hemos visto que muchas películas de gran estudio han pasado por la puerta de atrás para acabar directamente en el pozo de las plataformas de streaming y on demand, donde no es tan fácil diferenciar una película producida con los mínimos del cine de gran presupuesto, especialmente en el género del terror, de donde una película como 'The Empty Man' ha pasado por la puerta de atrás. Algo más de suerte ha tenido 'De amor y monstruos', que ha acabado en Netflix, donde no es tan difícil elevarse sobre la mediocridad de sus originales si tu propuesta es la de una gran aventura fantástica con monstruos de efectos nominados al Óscar. Sin embargo, no deja de ser trágico que muchas de esas películas no tengan una exhibición en pantalla grande, no ya por la posibilidad de verlas en las condiciones óptimas, sino por la publicidad que lleva implícita el paso por cines. Hay muchas películas de festivales, de productoras independientes o incluso de grandes sellos de género como Spectrevision que están viviendo una errática distribución por las ventanas de distribución en España, como el caso de 'Daniel no es real' (2019) o 'Pasajero Oculto' (2020), que elevan su factura al de cine de gran presupuesto pese a su modestia, y se diferencian del producto de mercado a vídeo habitual. Muchas de ellas pasan por Movistar durante unos meses y luego se pierden, quedando sus derechos amarrados y su disponibilidad en catálogo fulminada. Solipsismo y la sala vacía Una paradoja que demuestra la falta de interés y mimo de plataformas como Movistar por su producto, pero que se diferencia de casos más extremos relacionados con el cine de terror. El caso de la desaparición de Fox es un gran caso de estudio dispuesto a crear apuestas de gran presupuesto confiadas a directores con voz propia y cosas que aportar al género, en lugar de explotar durante una década una misma fórmula, como Warner y su ordeñado de la franquicia 'Expediente Warren' ('The Conjuring'), confiando incluso sus dos ‘It’ a autores como Gary Dauberman, con la fórmula del susto impuesta sobre cualquier otro factor creativo. En Espinof Las 31 mejores películas de terror de la década (2010-2019) El caso de ‘The Empty Man’ es un ejemplo perfecto de los últimos resquicios de entender el cine de género de gran estudio de otra manera. Una inversión generosa para una adaptación de una novela gráfica para adultos que no tiene problemas en invertir tiempo en que los personajes respiren, con una dosificación del terror que no necesita de sustos de volumen y no tiene miedo de poner a personajes maduros como protagonistas en una matriz de cine ***** que toma riesgos y se mete de lleno en el horror literario menos transitado, desde el horror cósmico de Lovecraft y coetáneos a conceptos de filosofía pesados, como el existencialismo o el nihilismo. 16 millones de dólares para una adaptación apócrifa de la obra de Thomas Ligotti es algo que suena a locura sobre el papel, pero es lo que ‘The Empty Man’ propone, recuperando el tono oscuro, desolador, de películas que en los 80 fueron taquillazos como ‘El corazón del ángel’ (1987) y que no era tan difícil encontrar en los años 90. De ‘La escalera de Jacob’ (1990) a, sin ir más lejos, la ‘Drácula de Bram Stoker’ (1992) de Francis Ford Coppola, las películas de terror con una voluntad más literaria y densa, eran relativamente comunes, ahora son un tipo de cine que si bien existe, es más propio de producciones independientes, con lo que luce mucho más barato. La cura del terror de 20th Century Fox Esto hace que películas sin tacañería de rodaje en exteriores, estilizadas hasta el extremo y con un cuidado en los apartados de diseño de producción y escenografía suntuosa sean casi invisibles cuando nos referimos al cine de terror. Por ello, una obra de 40 millones de dólares sobre un personaje dando vueltas por un hospital mental, con ribetes de gótico italiano y de las adaptaciones de Edgar Allan Poe de Roger Corman, como fue ‘La cura del bienestar’ (A Cure For Wellness, 2017) de Gore Verbinski, implica una confianza del estudio en el autor y en crear obras para público adulto sin reparar en gastos. De nuevo, fue 20th Century Fox la que hizo ese esfuerzo en medio de un panorama cada vez más difícil para la inversión en otra cosa que no sean franquicias, secuelas, remakes, adaptaciones de obras de fama previa, o cualquier alternativa aferrada a un branding fácilmente vendible. La respuesta al film de Verbinski fue terrible, con una crítica despistadísima y una taquilla que no llegó a la mitad de su presupuesto. Sin embargo, en Fox no tuvieron problema en volver a probar con una película de dos horas y veinte minutos. ‘The Empty Man’ pudo no llegar a suceder ya en la misma Fox, su director, David Prior, tuvo que parar la producción en 2017 y no pudo retomar hasta unos meses después, y cuando la terminó resultó que el estudio fue absorbido por Disney. Una situación similar a la de ‘Los nuevos mutantes’ (2020), pero sin el conflicto de universos y superhéroes de por medio. De hecho, la película ya rodada estuvo a punto de no acabarse. Pero de alguna manera alguien decidió que debía seguir adelante, pese a que cuando acabó en manos de Disney decidieron lanzarla, a lo kamikaze, en medio de la pandemia. En Espinof Maldita pandemia: 'Nomadland', 'The Empty Man' y otras 11 películas del último año que merecían verse en salas de cine Plataformas, pandemia y formatos cropeados El anuncio se hizo tan solo a una semana antes del estreno, sin una sola entrevista al director y con un tráiler destinado al público adolescente, poco proclive a adorar una historia sobre tulpas creados con el poder de la noosfera, que hacía pensar que era una especie de nueva ‘Candyman’ o ‘Slender man’, cuando el detalle de una leyenda urbana de invocar a un “hombre del saco” es tan solo el punto de partida de una investigación que tiene implicaciones cósmicas y que hasta coincidía en partes con ‘Hereditary’ (2018), algo que no habría parecido una simple imitación más de esta si hubiera sido estrenada cuando le correspondía, en ese mismo año. Para más escarnio, el estreno en muchas partes del mundo ha sido directamente en plataformas de vod, algunas con la relación de aspecto mutilada, (mismo caso imperdonable con la excelente 'Gretel & Hansel' de Orion pictures) haciendo que incluso la piratería asociada a la imposibilidad de verla en condiciones –tampoco hay ni habrá edición física en HD– haya jugado en contra, ya que las filtraciones aparecían con el lujoso aspect ratio de 2:39 mutilado, con lo que incluso el murmullo en redes ha sido negativo en primera instancia. Pero cuando ha llegado en vías legales a plataformas más amplias, como la propia Star de Disney+, la impresión sobre el film ha empezado a cambiar. Como con ‘La cura del bienestar’ –que también está con su hermoso aspecto 1:66 cortado, incluso en su edición doméstica–, el maltrato del propio estudio se traduce en un desdén inicial de crítica, público y aficionados que anulan el recorrido comercial de la película con una negatividad contagiosa e irresoluble, hasta que poco a poco ha ido cambiando la brújula hasta considerarse en ambos casos películas de culto, en el del film de Prior ha sido incluso más rápido y significativo, dado el carácter viral de los flujos de conversación actuales, y quizá por el hecho de que salta a la vista su diferencia con las producciones de plataforma con las que ha empezado a competir con su espléndido diseño estético. "Ghosting" al terror de prestigio Aunque Fox es el punto en común de estas aventuras de terror fuera del rancho habitual, no son los primeros que empeñaron los ahorros en propuestas difíciles que han sobrevivido en el tiempo como piezas de culto que los aficionados han tenido que rastrear, a veces en mercados internacionales o de contrabando, hasta encontrar grandes películas de terror que tan solo han sido consideradas muchos años después de su estreno. ‘Possession’ (1981) fue vista en cines españoles, pero su disponibilidad en vídeo o dvd tardó décadas en hacerse realidad, por lo que la conversación sobre ella ha ido tomando forma tan solo en la década pasada. En Espinof Las 21 mejores películas de cine de culto de la historia No es ningún fenómeno reciente, y los problemas de distribución internacionales siempre han estado ahí, pero sí que hay muchos más casos en las últimas dos décadas en las que la falta de confianza en la asimilación de ciertas películas por todo tipo de público han acabado arrinconado a títulos en un paso limitado por carteleras, ediciones domésticas sin mucha reverencia o directamente, el vacío total por parte de las compañías de vídeo. Y ese fue el caso por ejemplo de ‘El almuerzo desnudo’ (The Naked Lunch, 1991), de nada menos que David Cronenberg. Curiosamente, esta adaptación banzai de la obra de William Burroughs también fue producida por Fox, que no pudo evitar que el nombre de David Cronenberg fuera suficiente para que su naturaleza espesa y surrealista, llena de monstruos, líquidos, mutaciones y drogas se viera como una pieza digna de exhibición, por lo que en España no pudo verse hasta que la película fue restaurada en DVD en 2007, quince años después de su estreno oficial. Sin embargo, esta historia kafkiana no fue precisamente barata, y costó 17 millones de dólares de su época, unos 33 millones actuales. Ni Lovecraft ni Carpenter: los directos a vídeo de los 90 Los 90 son una década en la que el terror se perdía entre pasillos de videoclub y algunas películas de estreno más limitado pasaban a los reproductores caseros directamente. Entre ellas está ‘The Resurrected’ (1992), extraordinaria versión cinematográfica de ‘El caso de Chalers Dexter Ward’ del creador de ‘Alien’ Dan O’Bannon, que seguramente sea todavía la adaptación de H.P. Lovecraft más cara que se haya producido hasta el momento. Sus 5 millones de la época serían ahora el doble, pero tan solo salió directamente en vídeo en USA y tanto en España, como muchos otros países no han visto ningún tipo de edición legal o inclusión en plataformas. En el caso de ‘The Resurrected’ no valió que estuviera Metro-Goldwyn-Mayer, pero su aspecto, lleno de flamantes efectos especiales y una producción impecable, la convierten en un título maldito cuya desaparición es inconcebible. Estrenada de tapadillo, y con nada menos que otros 10 millones (el doble hoy) de presupuesto, sigue perdida en el éter ‘Cuerpo Maldito’ (Body Parts, 1991), una película de horror corporal en la que Paramount se subía a la ola del gore surrealista de las películas de Brian Yuzna y Stuart Gordon, que trabajaban en los límites de la independiente Full Moon o directamente en el mercado de vídeo, para permanecer hoy sin editar en Blu Ray, ni en plataformas. En la resurrección del slasher y el cine de terror juvenil que vino tras ‘Scream’ (1996) hubo muchas películas nacidas a la sombra de su éxito que no lograron traspasar fronteras. Sin contar con grandes presupuestos, películas como ‘Campfire Tales’ (1997) o ‘Dead Man’s Curve’ (1998) compartían el mismo ADN de la época, e incluso algunos miembros de reparto, pero no pueden ser considerados grandes apuestas de estudio como ‘Thinner’ (1996), estrenada en vídeo tras un paso anecdótico por salas, pese a ser una adaptación de Stephen King del director de ‘Muñeco diabólico’ (Child’s Play, 1988) a la que Paramount destinó 14 millones de dólares (24 actuales). En Espinof Las cenas de los "maestros del horror" y Mick Garris: dentro del aquelarre oculto de las leyendas del cine de género Pero es que ni siquiera un genio como John Carpenter se libra de los estrenos directos a vídeo de películas ambiciosas. Tras su paso en Sitges, su versión de ‘El pueblo de los malditos’ (Village of the Dammed, 1995) solo se estrenó de forma limitada en Madrid y Barcelona en versión original hasta su llegada a formatos domésticos. Esto nos podría indicar que fue una producción menor o televisiva del maestro, como lo fue ‘Bolsa de Cadáveres’ (Body Bags, 1993), pero lo cierto es que Universal gastó 22 millones de dólares (40 actuales) para dar vida a Los cuclillos de Midwich a todo color, y sigue siendo una película sólida y con un aspecto de gran producción a la que se le privó de su recorrido comercial. Cambio de milenio: el torture porn expresionista desaparecido Casos especiales son los de directores de prestigio haciendo “terror escondido” como Neil Jordan y su ‘In Dreams: dentro de mis sueños’ (1999), que llegó a muchos países directamente a vídeo, pese a sus 30 millones de presupuesto (48 actuales) y, sobre todo, Jonathan Demme y su ‘Beloved' (1998), una superproducción de 53 millones (80 actuales) levantada por Oprah y Disney para ser posicionada para los premios, que fue solamente estrenada en un par de salas en España. En realidad, esta adaptación de Toni Morrison es un horror noire pionero que mezcla el realismo mágico, el trauma racial de la esclavitud y la historia de fantasmas y su huella puede seguirse de ‘Nosotros’ (us, 2019) a ‘Them’ (2021). En los años 2000 no fueron tan comunes las grandes producciones, pese a que el terror empezó a entrar en la corriente principal con más vísceras y violencia, no era tan común las inversiones de apuesta a lo loco. Los 40 millones de ‘Miedo Punto Com’ (2001) tuvieron un estreno doméstico normal, pero en el mundo llegó de forma desigual, tanto que hoy no se ha editado en Blu-Ray y no está disponible en España y otros países en ninguna plataforma, lastrada por una mala fama incomprensible, ya que es un noir post-The Ring estilizado hasta el extremo, que homenajea el expresionismo y sentó las bases del torture porn posterior, incluso ‘Saw’ (2004) se puede ver como una mezcla similar de ideas del thiller policiaco y el terror con influencias del giallo al gótico de Mario Bava que James Wan cultivaría en ‘Silencio desde el Mal’ (Dead Silence, 2007). Los años 2000 vieron un éxito mundial del terror que recuperaba el American Gothic de Tobe Hooper y las texturas de la exploitation de los 70, lo que desembocó en la que es posiblemente la película que mejor recupera el espíritu de la época, ‘Grindhouse’ (2007), una locura de gran estudio con nada menos que Quentin Tarantino y Robert Rodríguez haciendo equipo para un programa doble inédito, que solo había tenido un experimento similar en ‘Los ojos del diablo’ (1992), que juntó a George A. Romero y Dario Argento con sendas minipelículas sobre Edgar Allan Poe. La diferencia es que aquí ambos segmentos tenían cada uno duración de largo. Los violentos años 2000 No es que fuese maltratada por el estudio, pero el mercado internacional nunca vio el programa doble de tres horas como fue concebido debido al fracaso de la inversión de 67 millones (80 actuales) que no recuperó ni un tercio y las películas fueron estrenadas por separado. Se perdieron así los interludios y tráilers falsos de Edgar Wright, Eli Roth y Rob Zombie, algo que nunca se ha experimentado como se debe de forma internacional, con países que, como España, no han tenido una edición doméstica con el film como fue concebido, en ambos casos con un corte de escenas que mejoran el ritmo considerablemente, incluyendo el plato fuerte del director de ‘Reservoir Dogs’ (1991). En Espinof Todas las películas de Quentin Tarantino ordenadas de peor a mejor Ese mismo año, otro caso de producción de Warner Bros y Legendary Pictures, con 12 millones por delante (15,5 actuales), como fue ‘Truco o trato: terror en Halloween’ (2007) de Michael Dougherty, una de las antologías de terror más célebres de las últimas décadas, producida por Bryan Singer. Tardó dos años en estrenarse directa a DVD en Estados Unidos y el resto del mundo tras fallar en los pases de prueba, a lo que se unió el temor de WB a estrenar un film de terror con calificación R –una de las razones comodín de todas ellas–, y más en una que tenía asesinatos de niños. Hoy es considerada uno de los clásicos imprescindibles para ver en Halloween, y una de las antologías de terror de culto imprescindibles en cualquier lista. La productora que más apostó por el horror con mayúsculas en esa década, Lionsgate Pictures, tuvo muchas películas cuya distribución en España fue inexistente. No una superproducción, pero si una apuesta de 7 millones de dólares fue ‘The Burrowers’ (2008), un western de terror de factura lujosa y grandes monstruos que debería haber haber sido visto en pantalla grande. Más serio es el caso de ‘El vagón de la muerte’ (The Midnight Meat Train, 2008), ópera gore de 15 millones (18’6 ahora) adaptando uno de los mejores relatos de Clive Barker, con Bradley Cooper de protagonista, que no evitó el estreno directo a vídeo. Hoy puede verse en Neflix, pero ojo, no la versión sin censura. Los 2010: ni Rob Zombie ni 'La cabaña en el Bosque' En la década de los 2010 tenemos una suma de casos mucho más preocupante. Una gran parte de las películas de terror más importantes de esa era han ido conociendo estrenos limitados, atrasados, en muy pocas salas o directamente a vídeo. Las distribuidoras no confían en los títulos, predominan las independientes y los éxitos de festivales con ventanas de distribución streaming o vod hace perder la oportunidad de tener exclusividad y a veces se espera hasta que el interés inicial se ha disipado. En Espinof Halloween: las 13 mejores películas de terror sobrenatural en streaming para pasar una noche de miedo en casa Esto es tan paradójico que incluso la gran obra de Rob Zombie, ‘The Lords of Salem’ (2012), producida por Blumhouse, que sería influencia directa en lo que luego algún crítico cateto tuvo a bien denominar “elevated horror”, y cuya huella se sigue en ‘La bruja’ (2015), ‘Mandy’ (2018) o ‘Hereditary’ (2018), no llegó a estrenarse oficialmente en nuestro país, con pases únicos en Barcelona y la inclusión reciente en plataformas de alquiler, pero aún ausente en streaming. Ni siquiera ha conocido edición española de DVD, algo que no sorprende en la trayectoria de Zombie, cuya ‘Halloween II’ (2009), producida por Universal con 15 millones, tardó 4 años en llegar, tan solo al mercado de vídeo. Como para pedir que algún día llegue ‘The Haunted World of El Superbeasto’ (2009). Sin venir de un gran estudio, el caso de los 7 años de retraso de ‘Under the Skin’ (2013) es preocupante, pero no tanto como el de ‘La cabaña en el bosque’ (The Cabin in the Woods, 2011), que sumó a Universal, MGM y Lionsgate para crear la gran superproducción de terror de la época, escrita por Joss Whedon y dirigida por Drew Goddard, que hoy nadie cuestiona, pero que pocos en España vieron en cines fuera del festival de Sitges, a pesar de sus 30 millones de presupuesto, por un lío de derechos de distribución que pasó de Vértice a La aventura, para un paso de gracia por salas mínimas antes de aparecer casi directa a vídeo. Un problema del sistema de explotación en el que la exigencia por parte de las productoras se pega de bruces con la piratería, que se presenta ya como un factor en el terreno de juego que ahoga a las pequeñas distribuidoras que se lanzan a tratar de exhibir los filmes. El peligro de extinción del terror de gran presupuesto Este es el panorama que hace que difícilmente se encuentren películas en el rango de los 40-80 millones de dólares de presupuesto en el género del terror sin que la calificación por edades sea de máximo PG-13. Así, cada vez es más difícil ver una ‘Sleepy Hollow’ (1999), ‘The Ring’ (2002), ‘La cumbre escarlata’ (2015) o ‘La cura del bienestar’ (2017), grandes producciones sin restricciones de violencia o gore que salen adelante gracias a grandes nombres detrás. Pero ni siquiera Guillermo del Toro pudo conseguir financiación para su ‘En las montañas de la locura’, a cuyo nombre se le sumaban los de H.P. Lovecraft, James Cameron y Tom Cruise. En Espinof Las 11 mejores películas de todos los tiempos que nunca se hicieron Por ello, producciones como ‘The Empty Man’ (2020) son anomalías cada vez más infrecuentes, decisiones ejecutivas tomadas cuando alguna película para adultos logra abrir brecha que muchas veces son repensadas en frío y llevan a un tortuoso camino de reshoots, pases de prueba o cortes en la sala de montaje que difícilmente acaban con final feliz. El caso de David Prior es un milagro por tratarse de un debut y lograr que se mantuviera el corte final, pero lo cierto es que es algo sintomático que la dotación en este caso no pase de los 16 millones de dólares. Por cómo luce podrían ser 40 o 50 perfectamente. Sin embargo, dada la situación de incertidumbre, con Disney habiendo dejado claro que las aventuras de terror adulto de Fox no son una vía que parezca tener futuro, y con las plataformas concibiendo el terror como un buen método de inversión mínima y buen resultado de audiencia –o grandes inversiones, como ‘Army of the Dead’ (2021), que tienen un casting de cine de vídeo y valores de producción muy pensados para ver en tableta–, lo cierto es que las apuestas de terror de gran estudio son un especie en extinción y es posible que cueste mucho tiempo volver a encontrar un título verdaderamente singular y lujoso de género sin restricciones de edad a medio o largo plazo. Abandono de estudio y crítica ventajista En un momento en el que las películas están perdiendo su entidad, apelmazadas como salchichas de contenido en plataformas, sin ningún cortejo ni reverencia, resulta aún más difícil hacer valer piezas con carácter y personalidad, anegadas por la cascada de títulos de usar y tirar que convierten el cine en imagen rectangular en miniatura, porcentajes y recomendaciones de afinidad. Por ello, es un buen momento para no perder la perspectiva que dan las producciones a las que se le pusieron más limitaciones en su distribución que en su producción, cuyo empaque visual y factura son una buena brújula para discernir la paja y el grano, aunque no fueran presentadas en bandeja de plata ni sean objeto de acaloradas discusiones en redes. En Espinof Estas son las 31 películas de terror favoritas de grandes cineastas como Nolan, Carpenter o Scorsese Muchas de esas películas se hacen y se vuelven vulnerables por ausencia de apoyo, no solo por el estudio. El estreno de ‘The Empty Man’, con medios especializados quejándose de su duración en vez de ver qué trata de contar el film, o la crítica más torpe, llevada por el "holliganismo" social media, es un ejemplo del absoluta falta de puntería a corto plazo consecuencia de la falta de un aparato de publicidad sano. Las películas abandonadas, la ausencia de pases de prensa, crean cervatillos que son presa fácil para la deglutidora cultural más destructiva, carente de paciencia e información y en muchas ocasiones con más intención de anotarse el tanto (positivo o negativo) que en ofrecer un análisis ponderado. La inclusión del film de Prior en plataformas dio la oportunidad de que las voces más curiosas, de medios de cine serios, como thrillist, Film School Rejects, Mubi, Vulture, tilt, statehornet, canales de youtube masivos como Chris Stuckmann o Foundflix, o comunidades como Letterbox, reclamaran 'The Empty Man' como uno de los fenómenos de culto de terror más significantes de la era del streaming, dejando la idea de que con algo más de espacio a su autor en el tráiler o permitiendo entrevistas, Disney podría haber dirigido su oferta a los públicos más afines al terror de autor de la casa A24 y otras indies, o incluso conseguir un éxito financiero de nicho, para los que creen que el género no obedece a modas y tan solo buscan una película de buena factura que no se parezca a nada de lo visto los últimos años. Y es solo cuando la gente descubre los deshechos por sus propios medios y se reapropia de ellos desde los márgenes, por recientes que sean, cuando podemos hablar de verdadero cine de culto, no los clásicos que los más listos de la clase conocen cuando ya hay años de bibliografía sobre ellos. - La noticia De 'La cura del bienestar' a 'The Empty Man': crónica de las grandes producciones de terror que ningún estudio supo qué hacer con ellas fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

Hace unos meses, el maestro Martin Scorsese volvió a poner patas arriba la comunidad cinéfila con un nuevo y acertadísimo ensayo en el que advertía sobre los peligros de la industria actual; una maquinaria en la que los largometrajes, independientemente de su calidad y pretensiones, parece que han dejado de ser obras de expresión artística con voluntad narrativa para convertirse en simple y llano "contenido". Tras la publicación de su reflexión fueron muchos los que se llevaron las manos a la cabeza, pero esta aparente devaluación del cine es la única razón que se me ocurre para dar sentido al hecho de que 'Sin remordimientos' no esté generando mucha más conversación ni se haya convertido en un nuevo hito dentro del cine de acción moderno; quedando enterrada entre el gigantesco catálogo de la plataforma de streaming de turno. En Espinof Las 27 mejores películas de acción de la década (2010-2019) Y es que lo nuevo de Stefano Sollima tras tomar el relevo de Denis Villeneuve en la notable 'Sicario: El día del soldado', adaptando muy libremente la novela homónima de Tom Clancy, encierra entre sus ajustados 110 minutos de metraje un ejercicio que deja en pañales a muchas —por no decir la mayoría— de sus homólogas de los últimos años. A continuación me explico echando mano de algún que otro spoiler. Elegante. Tensa. Brillante. Si hay un término que puede ayudar a describir con la mayor precisión posible 'Sin remordimientos', ese es "pulcritud". Desde sus títulos de créditos iniciales hasta una secuencia poscréditos que pone toda la carne en el asador de cara a una aproximación al universo 'Rainbow Six', la película derrocha autoridad técnica y artística, sobriedad y estilo hasta en sus momentos más macarras y autoconscientes como la pelea en la celda. La intensa secuencia introductoria del filme ya apunta maneras, ofreciendo un recital de acción táctica que logra sumergirte de lleno en el campo de batalla gracias a su creíble uso de jerga militar, a la potencia de sus interpretaciones —que trasciende al campo de batalla para añadir un extra de intensidad a los segmentos marcados por el diálogo— y, sobre todo, a la realización de un Stefan Sollima nuevamente en estado de gracia. Acostumbrados, salvo honrosas excepciones, a una acción de garrafón que opta por camuflar sus carencias entre efectismos y artificios varios —como bien ejemplifica 'Tyler Rake'—, no deja de sorprender que una producción de estas características aúne el espectáculo más grandilocuente —tremenda la set piece del avión— y una enorme elegancia. Sollima no necesita exabruptos formales como falsos planos secuencia para encandilar; tan sólo plantear situaciones con un conflicto potente, como atrapar a un grupo de Spec Ops en el interior de un edificio flanqueado por tres francotiradores. Por encima de la impecable secuencia que marca la transición al primera acto de la película jugando con los cánones del home invasion —y con un uso fantástico de las linternas—, el segmento ambientado en Murmansk se eleva como una clase magistral en la que el realizador, junto al director de fotografía Philippe Rousselot, demuestran cómo debe abordarse una escena de estas características en cuanto a planificación, bloqueo y gestión del espacio respecta. Con un planteamiento tan caótico siempre existe la tentación de explotar el recurso de la cámara en mano descontrolada y situada encima de los protagonistas para amplificar la sensación de falsa tensión, pero Sollima y Rousselot optan por jugar la carta de lo orgnánico y lo medianamente estático ya no sólo para disparar los niveles de adrenalina, sino para permitir que el espectador ubique a la perfección cada una de las amenazas y sufra con cada disparo y cada movimiento de un personaje que abandona su cobertura. Conforme progresa la escena del apartamento y evoluciona de una situación de asedio a una huída desesperada con el combate cuerpo a cuerpo como leit motiv, 'Sin remordimientos' se reafirma como un actioner impecable; demostrando la importancia de un montaje sereno, de un corte preciso y ajustado al movimiento, y de la amplitud en las escalas de plano para brillar dentro de un mercado sobresaturado de propuestas de corte similar. Puliendo clichés No cabe duda de que los lectores acérrimos de la bibliografía de Clancy tendrán la tentación de rasgarse las vestiduras al comprobar cómo 'Sin remordimientos' se limita prácticamente a adoptar el título y un par de detalles de la novela original. No obstante, hay que reconocer que Taylor Sheridan ha conseguido extraer oro de los clichés marcada de la casa, impregnando el relato de esa sequedad y esa sobria tirantez que tan buenos resultados le dieron en 'Comanchería', 'Wind River' y la mencionada 'Día del soldado'. Acostumbrados a juegos de dobles —y triples, y cuádruples— traiciones, a conspiraciones a escala internacional, a agencias gubernamentales corruptas y a la enésima vuelta de tuerca a la inagotable pugna yanqui-soviética, era estadísticamente imposible no caer en los pantanosos terrenos de la previsibilidad; pero el guionista se las ha apañado para mantener el interés en todo momento gracias a sus personajes —impecable el John Kelly de Michael B. Jordan— y a su simple pero efectiva gestión de los giros dramáticos. En Espinof Las 32 mejores películas de acción de la historia A pesar de las tremendas expectativas generadas por el trío Sollima-Sheridan-Rousselot, y contra todo pronóstico, 'Sin remordimientos' ha logrado entrar directamente en mi lista personal con los mejores títulos de 2021. Porque, en un mundo en el que existen The Raids y John Wicks, lo mejor que puedes hacer es desmarcarte y jugar a tu propio juego; y en este caso el resultado ha terminado siendo tan redondo que su mayor lastre es no haber podido disfrutar de él en una sala de cine. - La noticia Por qué 'Sin remordimientos' es una joya del cine de acción moderno que no merece quedar enterrada en el catálogo de una plataforma de streaming fue publicada originalmente en Espinof por Víctor López G. .

No hay atisbo de levedad en ninguno de los planos de 'Vitalina Varela', inundada de oscuridades y sombras que imponen su peso, que aplacan y aplastan los cuerpos cuasi inmóviles que se atreven a combatir la negrura de esas imágenes salvajemente estáticas. Caminando entre tinieblas Sólo una figura se niega al sometimiento de la sombra: Vitalina, una mujer que deja un hogar construido con el sudor y esfuerzo de toda una vida para buscar a su marido, inmigrante caboverdiano en ya desaparecido suburbio lisboeta de Fontainhas y esclavo de una oscuridad por la que ha sido, finalmente, engullido. Deambulando, como sus personajes, entre ficción y no ficción, Pedro Costa actualiza en su última película el tenebrismo barroco en su vertiente más política, sirviéndose de salvajes contraluces que le brinda la iluminación en clave baja para reconstruir, entre rígidas sombras, la vida de ese desconocido por el que Vitalina deja lo poco que tenía para encontrarse con la nada. En Espinof Las 38 películas con mejor dirección de fotografía en lo que llevamos de siglo La oscuridad es, por tanto, apuesta estética que se convierte en un sutil ejercicio de representación neocolonialista: la sombra se esconde entre arrugas y rostros de inmigrantes que nunca han estado en el centro del relato, y su espesor recuerda que, incluso visibilizándolos, siguen estando sometidos a la negrura del olvido. Por esos espacios transita 'Vitalina Varela', persona-actriz de Costa que ya apareció en 'Caballo dinero' y que aquí toma el papel protagónico para buscar a su difunto marido Joaquim, antaño absorbido por la penumbra. Entre las mismas ruinas y edificios al borde del derrumbe del olvidado barrio lisboeta en los que un enfervorecido Ventura vagaba en la cinta anterior, habita ahora una dolida Vitalina negada a dejar desaparecer el recuerdo de su esposo investigando todo cuanto puede de él: sus hábitos, sus vicios, su vida paralela y desconocida. En definitiva, todo lo que vivió en las sombras y nunca pudo (o quiso) contar. Hay, por tanto, una operación doble sobre memoria y representación: primero, la de Vitalina, que busca sin descanso cualquier pista, por pequeña que sea, entre los escombros de los desposeídos y olvidados por la globalización y la gentrificación, para reconstruir la vida de su esposo, desentrañar su desamor y darse cuenta, finalmente, de que Joaquim fue un desconocido. Y una segunda, realizada por el propio Costa, que se aproxima de nuevo a la inmigración caboverdiana en Portugal inmiscuyéndose entre los resquicios de las sombras de Vitalina, para dimensionar su dolor, su duelo y su pérdida, pero también su acercamiento fílmico a una realidad sobre la que narra tanto como sus personajes-actores les permite. La oscuridad, también silencio El estatismo exacerbado de 'Vitalina Varela' responde no solo a su mimetización con el espíritu de Caravaggio y sus representaciones sobre la marginalidad más extrema sino también a una particular fórmula de visibilización parcial que no solo opera en lo visual sino también en lo sonoro. Y es que el filme de Pedro Costa, parco en palabras, está plagado de ruidos, de un bullicio constante que ensordece el duelo y el silencio de la recién llegada Vitalina, invadiendo su intimidad como interrupciones de su historia. Los silencios de la película nunca son nítidos, como tampoco lo son los cuerpos manchados por la sombra que se suceden como espectros, como presencias fantasmagóricas de un relato de migrantes olvidados por la antigua metrópoli que también olvidaron su propósito, si es que alguna vez lo tuvieron. Cuerpos que no habitan los espacios invadidos por la sombra, a excepción de Vitalina, cuyo esforzado propósito es el de recuperar el hogar que se prometió construir junto a Joaquim. En Espinof Las transferencias entre cine y pintura: 'La portuguesa' y el tableaux vivant La religión se convierte en particular baluarte de 'Vitalina Varela' a través de un viejo sacerdote al que da vida, precisamente, Ventura, en el que Vitalina se apoya como confesor pero también como apoyo ante su duelo compungido. La protagonista es la única fiel que asiste a la estancia vacía y destartalada en la que el párroco, una suerte de trasunto migrante del cura rural de Bresson o de la actualización propuesta por Paul Schrader en 'El reverendo', apenado por la ausencia de cuerpos que llenen su cochambroso habitáculo de rezo. Y es que la expresión religiosa, reducida al mínimo en construcción, sonido y luz, también es espejo neocolonialista, como explicita el consejo del sacerdote para Vitalina, que le insta a aprender portugués para hablar con los espíritus, puesto que es el único idioma que entienden. Algo que parece ser un reflejo más de la realidad caboverdiana, país independiente desde 1975 que aún mantiene el portugués como idioma oficial, a pesar de que la mayoría de sus ciudadanos hablan criollo caboverdiano. El rodaje como acto sociopolítico: Vitalina Varela según Pedro Costa Los que fueran zombis olvidados de Fontainhas en 'Caballo dinero' ahora son objeto de la incomprensión por parte de Vitalina, dolorosa que busca luz entre resquicios de las sombras, que pone orden entre la dejadez de migrantes a la deriva. Una curiosa fórmula que bien podría extenderse al último cine de Pedro Costa, que asoma su mirada entre los resquicios de la inmigración caboverdiana en Lisboa para reflejar tanto como pueda sin molestar a sus habitantes. Esta particular lógica de trabajo, asociada a un presupuesto reducidísimo, no solo supone una aproximación artística alejada de dinámicas industrializadas que el director ha denunciado en numerosas ocasiones, sino también a la intención de no invadir las vidas y cotidianidades de las personas sobre las que filma Costa. Puesto que sus actores no son profesionales, sus historias están basadas en conversaciones con los mismos y sus equipos técnicos son mínimos para no enturbiar la realidad que rueda -aquí, una excepción sería la producción de 'Huesos' ('Ossos'), cinta rodada en Fontainhas que sí contó con presupuesto y equipo holgados, con todas las consecuencias-, el acercamiento del realizador navega en una continua colisión de la ficción y la no ficción. En Espinof Más allá de 'El año del descubrimiento': por qué el gran momento del documental español no debería sorprender a nadie Para los procesos de documentación de sus últimas películas, Costa ha pasado largos periodos de tiempo visitando Fontainhas, empapándose de esos habitantes, de sus vivencias, en definitiva, de historias que nunca han estado en el punto de mira. Como decía en una entrevista, rueda "cosas de barrio", algo que también condiciona la intimidad de su obra y, por extensión, lo que puede contar (y lo que no). En el caso de 'Vitalina Varela', el realizador explica que el filme es "tan íntimo que está en la frontera de lo secreto". Estos esfuerzos por contar historias de márgenes y rendijas también se reflejan en un desapego económico y un rechazo frontal a la dinámica industrializada y capitalizada no solo del cine, sino del mundo en general. "No quiero dinero, lo odio. Me resisto a tenerlo. Cuento con él porque quiero que mis amigos tengan salarios decentes", explicaba el realizador en otra entrevista en la que volvía a insistir en la idea de apartarse del circuito cinematográfico convencional -aunque Costa es un habitual de los más destacados festivales internacionales- como muestra de su compromiso por el trabajo digno fuera de la rueda capitalista. Ese mismo trabajo, cimentado sobre el esfuerzo, el sudor y una firme idea de la decencia, es el que Vitalina nunca deja de hacer durante toda su vida, y el que también reproduce desde su llegada a Portugal. Una constancia como obligada herramienta para superar el duelo, pero también para la búsqueda de una luz continuamente negada hasta el desenlace de la cinta. Es entonces cuando 'Vitalina Varela', en sus planos exteriores y más luminosos, diluye memoria y superación con dos secuencias encadenadas que reconstruyen el recuerdo, y recuerdan una vida posible. - La noticia 'Vitalina Varela': Pedro Costa firma una fascinante crónica del duelo, el desarraigo y el olvido en el Portugal contemporáneo fue publicada originalmente en Espinof por Antonio Ramón Jiménez Peña .

The Actors' Gang, hogar de algunos de los tipos más extravagantes vistos en una pantalla, también acogió a Jack Black y Kyle Gass. La pareja artística formó allí Tenacious D en 1994, una de las bandas más potentes, divertidas y refrescantes del rock estadounidense de los últimos 25 años. Entre discos, vídeos antológicos, series de televisión y cómics, The D también se sacó de la chistera un musical impresionante con un título original mucho más bonito que nuestro 'Dando la nota': 'Tenacious D: The Pick of Destiny'. La llamada del rock De 'Los productores' a 'Todo sobre mi desmadre', el género musical siempre ha abrazado sin miramientos a la comedia más desmadrada, ofreciendo de vez en cuando alguna joya indiscutible como 'South Park: Más grande, más largo y sin cortes', 'Musical Caníbal' o esta fastuosa 'Tenacious D: dando la nota', donde el director y co-guionista Liam Lynch, veterano colaborador de la banda y presente en buena parte del rock visual más divertido de los últimos 20 años, orquestaba una magnífica y vertiginosa comedia musical al ritmo de sus dos chiflados protagonistas. En Espinof Las 31 mejores películas sobre la industria de la música En todo este tiempo, desde la salida del su disco homónimo, a principios de la década de los 2000, únicamente han lanzado cuatro trabajos. Cuatro discos en 20 años puede parecer poco, pero viendo la cantidad ingente de buenas ideas y melodías poderosas de la mayoría de sus canciones, además de lo ocupado que suele estar Black, es más que suficiente. Pero es que The D son mucho más que una (gran) banda de rock. Black y Gass forman una pareja cómica demencial que no hace ascos a la aventura de cambiar de formato. Ahí están sus series, sus videoclips o el cómic con el que acompañaron su último disco, 'Post-Apocalypto', del que únicamente la mitad del álbum está compuesto de canciones, pero qué canciones. También lo tienes disponible en episodios "animados", por decir algo. Volviendo a la película, producida entre otros por Ben Stiller o Toby Emmerich, debemos reconocer que el culto está más que merecido. Con un presupuesto de 20 millones de dólares, esta demoniaca epopeya de risas, rock, amistad y sustancias alucinógenas apenas recaudó 8 en terreno local y otros 5 fuera, sumando unos ridículos 13 millones de dólares. Algo estaba claro: el mundo no estaba preparado para Tenacious D. Me atrevería a decir que todavía no lo están, y eso es lo que los sigue haciendo más únicos de lo que ya son. Ese fiasco es el culpable de que su siguiente gran aventura solo exista en formato cómic o miniserie "animada". La película básicamente extiende, mejora y enriquece el universo que la banda había creado previamente para HBO en una mini serie que el dúo gestó entre 1997 y 2000 y por la que la relación entre los D y la casa de 'Los Soprano' no terminó bien del todo. Según Gass, HBO les ofreció hacer diez episodios a cambio de renunciar a su papel de productores ejecutivos. Gass y Black decidieron entonces hacer una película en lugar de entregar a HBO el control creativo de la banda. De este inteligente y atrevido movimiento nacería una película que ya debería formar parte de cualquier colección que se precie. Ya seas rockero, fan del humor o cinéfilo, es un título indispensable en tu videoteca. Jack Black es un genio, un diamante en bruto de talento salvaje con una capacidad sobrenatural para el humor físico. Que además tenga una voz hecha a medida del rock le convierte en un espécimen realmente extraño, bizarro, en un mundo de humor donde Adam Sandler y Ben Stiller tienen mucha más visibilidad. Ese es otro de los grandes dones de Black: le gusta hacer las cosas de manera mucho más artesanal. Su colega Kyle Gass, más centrado en la parte musical del espectáculo, también tiene una fuerte presencia en escena, como quedó claro en su cameo en la sensacional 'Tres idiotas y una bruja', una de esas comedias infalibles que seguramente te perdiste. No te culpo, el título español es para meterlos a todos en la cárcel. Como decía, el caso de Jack Black es muy interesante. Una bomba humana que necesita su radio de acción, pero cuando se utiliza a medio gas ('Margot y la boda', 'King Kong', 'Bernie') también es capaz de apoderarse de la función. Menos polivalente que Stiller y menos constante que Ferrell, Black puede ser, sin embargo, el más salvaje y excéntrico de todos. Seguramente también el más fascinante. Su humor, anclado en un universo compuesto por cuentos medievales, bromas preadolescentes y cultura rock, lo hace único en su especie. The Rock Brothers Metidos en faena, la película cuenta la historia del encuentro entre J.B. y K.G., dos patéticos perdedores unidos por el amor al rock y con ganas de convertirse en las más grandes estrellas de la historia. Para ello partirán en busca de una púa legendaria, elaborada a partir de un colmillo de Satanás, para darles la inspiración que necesitan para componer su gran obra maestra. A pesar de que la inspiración estaba en su desnuda serie de HBO, sería una verdadera pena aproximarse a la gran historia de TD a través de aquellos episodios cuando puedes hacerlo con una versión XXL capaz de hacer las delicias de los grandes nostálgicos del rock y del metal ochentero. La banda aprovecha la ocasión para invitar a ilustres figuras musicales de su adolescencia (Dio, Meat Loaf), algún amigo (Tim Robbins, Ben Stiller, Amy Adams, Fred Armisen, John C Reilly, Amy Poehler, Satanás) y navegar entre alguna que otra referencia cinematográfica. El resultado es una comedia casi perfecta, más en la onda de 'El mundo de Wayne' y con inevitables ecos (y persecuciones) a 'Granujas a todo ritmo (The Blues Broters)' que a cualquier comedia perezosa con canciones metidas con calzador. Una oda a la amistad y a la libertad creativa que expone mejor que ninguna otra película el verdadero valor de la amistad: el de una gran bolsa de marihuana para compartir. Nadie debería confundirse por las letras divertidas de las canciones de la banda, porque el talento musical es innegable. No hay canción de Tenacious D que no cuente con una melodía, una estrofa, un puente o un estribillo que no te apetezca berrear en la ducha. Prepárate para una aventura de 90 minutos con Jack Black en su mejor momento como un demonio de Tasmania que hace que su colega Kyle Gass brille más con su maquiavélica parsimonia. 'Tenacious D: dando la nota' se sale de los códigos de la historia de la búsqueda del éxito en Hollywood con un frenético viaje hacia la gloria más necia. - La noticia 'Tenacious D: dando la nota': el último gran musical de Hollywood cumple 15 años fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Para el que esto escribe, 'Mythic Quest' fue la gran primera comedia que entregó Apple TV+ durante su curso inaugural. Cierto que antes teníamos la refrescante 'Dickinson' y luego nos encontraríamos con joyas como 'Central Park' y 'Ted Lasso' pero con esta se vio claro que la plataforma estaba dando buenos pasos en firme. Así, poco más de un año después, tenemos ya la temporada 2 de la comedia de oficina que sigue a los peculiares directivos de un estudio de videojuegos responsable del mayor MMORPG de la actualidad, quienes se encuentran en estos nuevos episodios con un reto: sacar una expansión a la altura de las expectativas. En Espinof Las 33 mejores series de comedia en Netflix, HBO, Amazon y demás plataformas de streaming Ánimos pospandémicos Como comedia de oficina que es, 'Mythic Quest' no ignora que las cosas han estado paradas casi un año, que ha habido meses de confinamiento y teletrabajo. Los dos episodios "puente" entre temporadas son, en ese sentido, espléndidos en sus ánimos, en reconocer los estragos emocionales que ha causado la pandemia y en insuflar espíritu a los corazones decaídos. En ese sentido, si bien podemos considerar 'Quarantine' como epílogo de la temporada 1, 'Everlight' bien puede funcionar como prólogo de la 2 con un torneo de fantasía que en un año como este se vuelve más importante que nunca para levantar los ánimos del estudio. Este episodio especial nos introduce perfectamente en ese momento de época difícil que transpira la temporada. Partiendo del final de la temporada pasada, el hecho de que Poppy (Charlotte Nicdao) sea codirectora creativa cambia las dinámicas de poder en el estudio y eso se traduce, tal y como vemos en los primeros episodios, no solo en un bloqueo creativo que impide avanzar en la nueva expansión del juego sino en pasos en falsos a la hora de llevar la nueva normalidad. No solo pospandémico, sino de reajustes a nivel de equipo. El reto del cambio El gran reto, por así decirlo, del guion de Rob McElhenney, Megan Ganz y David Hornsby es cómo hacer rodar la serie cuando uno de sus elementos clave, las tensiones entre Poppy e Ian ante el ninguneo en el ambiente de trabajo, ha desaparecido y han pasado a ser ligeros roces y diferencias creativas y de mando. Entonces, al perder ese elemento, esta temporada 2 expande algo el abanico y se dedica a darle más tiempo (aún) a Dana y Rachel (Imani Hakim y Jessie Ennis), las queridas beta testers que hacen pública su relación e incluso a la "odiosa" Jo (Jessie Ennis), que ha pasado a trabajar para el avaro Brad (Danny Pudi). Sí que es verdad que, contaminada por el hilo central de la temporada, la serie parezca menos centrada, sin un foco claro y eso se muestra en que (no puedo adelantarme a muchos acontecimientos) es más dispersa en sus tramas episódicas, que no van tanto de intentar apagar fuegos sino de explorar nuevas vías. Es algo que es consecuencia, también, de ampliar la visión del estudio. En Espinof 'John Wick', 'Crank', 'Scott Pilgrim'... cómo las mejores películas inspiradas en videojuegos no adaptan ningún videojuego Cumpliendo la larga tradición de las sitcoms, la temporada 2 de 'Mythic Quest' abandona ese largo proceso de ajuste (que poco tiempo ha necesitado, hay que reconocer) y ahora está en un momento bastante interesante, con una exploración de las dinámicas entre personajes ya desarrollados para ver cuánto de bien funciona la mezcla. La noticia es que lo hace bastante bien, proporcionando más de una (y dos) carcajadas en lo que siguen explorando esos temas tangentes que surgen dentro de la industria de los videojuegos con humor y corazón. La temporada 1 era buena. La 2 no sé si es mejor, pero al menos está a la altura. - La noticia 'Mythic Quest': la comedia de Apple TV+ vuelve a triunfar con una estupenda temporada 2 generosa en risas y animación pospandémica fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Todavía quedan unos días para que pueda verse 'Ejército de los muertos', el regreso al cine zombi de Zack Snyder. El próximo 14 de mayo se lanzará en algunos cines -aquí tenéis las salas que ya tiene confirmadas en España- antes de su estreno oficial en Netflix apenas una semana después. Ya habrá tiempo de dar nuestra opinión sobre ella, pero ahora queríamos compartir la charla con el director de '300' en la que Espinof ha tenido la ocasión de participar con motivo de la campaña promocional de su nuevo largometraje. Qué quería conseguir con 'Ejército de los muertos' Se reconoció como un gran fan del cine de zombis de George A. Romero "por su comentario social y su uso revolucionario del género de terror para hacer a modo de espejo de nuestra sociedad", pero apunta que lo que quería con 'Ejército de los muertos' era ver "cómo funcionan los tropos de este género, qué aceptaríamos de este tipo de película y cómo de lejos podíamos llevarlo antes de romperlo". Además, destacó que las mejores películas de muertos vivientes son aquellas que "nos enseñan algo sobre nosotros, porque el monstruo somos nosotros sin nuestra humanidad". En Espinof Las mejores películas de Netflix en 2021 (por ahora) Sobre 'Ejército de los muertos' en sí misma apuntó que es una propuesta con muchas capas, pero que al final "la historia del amor de un padre hacia su hija trasciende todo". Recordó también que se trata de "una de esas ideas que tienes y no desaparecen, acabas hablando de ella. Un día dije que nunca habíamos hecho 'Ejército de los muertos' y me dijeron que debería hacerla, encontraremos financiación y podrás hacerla", siendo eso lo que impulsó que se hiciera ahora y no antes, pese a que la idea le vino a la cabeza poco después de rodar 'Amanecer de los muertos'. Su primera experiencia como director de fotografía Otro detalle curioso de la película de Netflix es que se trata de la primera película en la que el propio Snyder ejerce también como director de fotografía. Al respecto le pregunté sobre cuál fue el mayor reto de cumplir esas funciones en paralelo a las de dirigir la película y esta es su respuesta: En Espinof 24 películas y series de zombies imprescindibles para ver en streaming antes de 'Ejército de los muertos' El mayor reto es lo físico, la idea de que tienes que ser el primero en llegar y el último en irte. Cuando diriges una película, tú puedes irte nada más acabar la última toma, pero en este caso tienes que hacerlo todo desde cero. Es muy satisfactorio, me lo pasé genial, me encanta manejar la cámara y estar tan cerca de los actores. Ellos están muy cerca de ti, así es algo más íntimo que si estás lejos y no puedes verles. Casi lo había olvidado, y eso que dirigí anuncios durante 10 años y es algo que me surge natural, estar tan cerca. Algunos de mis mejores amigos son directores de fotografía y son genios. Lo que pasó es que me había interesado por unas lentes de Canon con las que quería rodar la película, una decisión arriesgada desde el punto de vista fotográfico y no creí que fuese oportuno contratar a un director de fotografía y actuar en plan “quiero hacerlo de esta manera”. Pensé que si la fastidiaba, sería culpa mía. Yo asumiría la responsabilidad. Eso sí, homenajeo a mi gran amigo Larry Fong, hay una referencia a él en la película. El reparto y el ambiente en el set Sobre el reparto elegido, desveló que antes de tener el borrador final ya conocía a todo su reparto, pero que antes de rodar es difícil saber qué va a a funcionar y qué no: “Crees que estás escribiendo algo para un actor, lo ve y te dice ¿Qué es esto? Yo nunca diría eso, es horrible”. Además, comentó que “Quedé muy impresionado con Dave Bautista. Posee esta increíble vulnerabilidad”. En Espinof Las 49 películas más esperadas de 2021 Por último, Snyder tiene muy claro que le encanta pasárselo bien rodando, ya que “si no puedes divertirte haciendo una película, no sé si esto es para ti”. También reconoció que trabajo a propósito con un equipo pequeño porque "quería mantener un sentimiento íntimo propio de una película de bajo presupuesto todo lo que fuera posible", fomentando además en todo momento que el espíritu era trabajar sin pausas innecesarias, llegando a prohibir las sillas en el set porque "estaba cansado de ellas. Había estado en sillas ocho películas seguidas” y concluyendo lo siguiente sobre su trabajo: No es un trabajo tan serio más allá de que queremos hacerlo bien y asegurarnos de que la construcción de la historia tiene sentido y que sea buena cuando lo veas, que te permite sumergirte en la realidad que estamos intentando crear. - La noticia "Las mejores películas de zombis nos enseñan algo sobre nosotros, porque el monstruo somos nosotros". Zack Snyder fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

El Festival de Cine Fantástico FANT, organizado por el Ayuntamiento de Bilbao, ha arrancado con 'Ilargi Guztiak. Todas las Lunas', que ha exhibido el largometraje en el Teatro Campos Elíseos en su gala de inauguración, antes de su estreno nacional el 14 de mayo. El film trata el fantástico a través del drama histórico y ecos de cuento de hadas moderno. La temática vampírica del film sintoniza bien con el tema del festival, que hace homenaje a Drácula, en una exposición complementaria, aunque la intención está más bien alejada de las intenciones de Bram Stoker, tratándose de una mirada íntima a la vida de una niña que es convertida en vampiro con poco interés en el terror y más centrada en la tragedia del día a día de alguien con la enfermedad, con un ojo puesto en la fábula y otro en la recreación histórica. Fantástico borroso 'Todas las lunas' trascurre, como la reciente 'Errementari' durante los estertores de la última guerra carlista, y en ese contexto una niña es rescatada de un orfanato que acaba de ser atacado por una misteriosa mujer (Itziar Ituño) que habita en lo profundo del bosque. Malherida, la pequeña creerá ver en ella a un ángel que ha venido a buscarla para llevársela al Cielo, pero lo que hace realmente es donarle la vida eterna a cambio de su compañía. El desarrollo de su historia no es diferente al que podría tener la niña de 'Entrevista con el vampiro' (1994) pero desde su punto de vista, experimentando el doloroso paso del tiempo encerrada en el cuerpo de una niña, en la que vemos los efectos del vampirismo de una forma relativamente realista, pese al tono de leyenda, y la seguimos "contando lunas" hasta conocer a Cándido, un hombre humilde que le acogerá en su casa como a su propia hija, lo que dará lugar a una trama de vida rural sin demasiados puntos de nudo. En Espinof Las 31 mejores películas de vampiros de la historia Básicamente, en su nudo es donde se emulan las relaciones de 'Déjame entrar' pero dulcificando mucho el lado las implicaciones más sórdidas de aquella, navegando entre las experiencias a lo largo del tiempo de los relatos de Anne Rice con el tono más neutro de 'Byzantium', también de Neil Jordan, de la que tiene algún momento calcado sin mucho pudor. Una lástima que no se decida ir por el tono misterioso y turbio que apunta en algún momento, en el que podría recordar a 'Lemora, un cuento sobrenatural', pero que parece más bien por coincidencia. Mitología e historia Igor Legarreta no es nuevo en el fantástico, y se nota el toque de autor del guion de la película para televisión 'Regreso a Moira' (2006), dentro de la serie 'Películas para no dormir', y aquí recupera otro mito vasco, el de los 'gauekos', seres de la noche que hacían que los aldeanos temieran salir por la noche, pero decide eliminar ese romanticismo de temores y superstición, y las enormes posibilidades de los bosques, para mirar desde dentro a estos seres como personas, que se alimentan de guerras y de la muerte mientras la historia pasa por ellos. En Espinof De 'Historias para no dormir' a '30 monedas': las 17 mejores series de terror de la televisión española 'Todas las lunas' se presenta como "una fábula fantástica que reflexiona sobre el miedo a la muerte y la inmortalidad" pero resulta otro de esos filmes fantásticos que para justificar su inversión (la producción es estupenda) necesita una coartada didáctica, con su base de leyenda que aprobaría alguna concejalía de cultura y un tejido histórico que permita la enésima caricatura burda del clero y el dibujo romántico de la historia, con la clásica poética ideológica territorial implícita, que a los vampiros les atañe regular. El resultado es otro film impecable a nivel técnico que resulta agradable a la vista pero cuyo guion es mucho más pedestre de lo que su solemnidad pretende, sin lograr transmitir muchas emociones, en sintonía con otras miradas parecidas al folclore e historia como la citada 'Errementari', 'Handía' o la reciente 'Akelarre', que comparten un matiz ceniciento y ocre que alterna el tedio o la indiferencia y confía sus cartas a trasfondos maniqueos que empiezan a repetirse de forma preocupante en estas miradas al género que actualizan la mitología con las mismas temáticas regionalistas, con más atención a la imagen que a los conflictos que mueven su historia. - La noticia 'Ilargi Guztiak, Todas Las Lunas': una ambiciosa fábula histórica con raíces folk que imagina 'Déjame entrar' en el País Vasco fue publicada originalmente en Espinof por Jorge Loser .

'Anatomía de Grey' va a perder a uno de sus protagonistas, en concreto es Jesse Williams, el actor que da vida al Doctor Jackson Avery, el que ha dado por finalizado su paso por el popular drama médico tras estar 12 temporadas en el mismo. Cuidado con los SPOILERS de 'Anatomía de Grey' si no vais al día con la serie. Williams comenzó su andadura en la serie en la sexta temporada como parte de la inyección de sangre nueva que recibió 'Anatomía de Grey' por aquel entonces. Su última aparición en el drama médico tendrá lugar en el episodio que se estrenará en Estados Unidos el próximo 20 mayo, pero los motivos de su salida ya se han dejado claro en el emitido esta misma semana. En Espinof Las 49 mejores series de la historia Tras descartar otras ideas, se decidió que la mejor forma de explicar la marcha de Jackson era recuperar a April, el personaje interpretado por Saraw Drew, el amor de su vida y también la madre de su hija. En un encuentro entre ambos se aclara que Jackson ha decidido mudarse a Boston para conseguir un auténtico cambio en el sistema médico y quiere que April también se mude allí. El mensaje de Williams Lo que no esperaba Jackson es que April le desvela que ha dejado a su actual pareja, abriendo así la puerta a una posible reconciliación entre ambos. Habrá que esperar para ver si eso se concreta, pero lo que está ya confirmado es que Williams abandona la serie creada por Shonda Rhimes, habiendo realizado el siguiente comunicado tras saberse su marcha: Siempre estaré agradecido a las oportunidades infinitas que me han dado Shonda, la cadena, el estudio, los compañeros de reparto, nuestro increíble equioi, Krista, Ellen y Debbie. Como actor, director y persona, he sido obscenamente afortunado de aprender tanto de tantas personas y agradezco a nuestros hermosos fans, que insuflan tanta energía y aprecio a nuestros mundos compartidos. La experiencia y resistencia lograda de crear cerca de 300 horas de televisión líder es un honor que llevaré siempre. Estoy inmensamente orgulloso de nuestro trabajo, nuestro impacto y de seguir adelante con tantas herramientas, oportunidades, aliados y queridos amigos. Lo otro que falta por aclarar ahora es si 'Anatomía de Grey' tendrá temporada 18. Actualmente se emite la 17 y se lleva tiempo negociando con sus principales implicados para poder renovarla. Sin embargo, todavía no se ha llegado a ningún acuerdo al respecto. Vía | Deadline - La noticia 'Anatomía de Grey' pierde a uno de sus protagonistas: Jesse Williams deja la serie tras 12 temporadas en el drama médico fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Ha llegado el momento de un nuevo repaso al mejor cine que se emite este fin de semana en la televisión española. En esta ocasión son 11 las películas seleccionadas que se emiten en algún canal en abierto de alcance nacional y cumplen las reglas esenciales para ser incluidas: que las haya visto, recuerde lo suficiente de ellas y no hayan aparecido en un artículo idéntico a este durante los cuatro meses anteriores, de ahí que no haya incluido en esta ocasión títulos como 'Starship Troopers' o 'Kill Bill. Volumen 2'. Viernes 7 de mayo 'El milagro de P. Tinto' Una de las mejores óperas primas del cine español. Es cierto que Javier Fesser ya apuntaba maneras con sus cortometrajes, pero fue aquí donde terminó de definir su personalísimo estilo en una comedia inolvidable tanto a nivel de guion como en el apartado visual. 22:00 en La 2 'Deep Blue Sea' Un muy entretenido pasatiempo de terror que sabe como no limitarse a caer en los lugares comunes de este tipo de propuestas. Se nota que hay alguien tras las cámaras con talento, pero el guion también tiene un puntito de ingenio y mala leche muy de agradecer. 22:10 en La 1 Crítica en Espinof 'Calma total' Un potente thriller de terror que fue clave para lanzar la carrera de Nicole Kidman. Ofrece una buena dosis de tensión en alta mar, sacando partido a su reducido reparto -Sam Neill y Billy Zane son los otros grandes protagonistas de la función- y con un efectivo trabajo de puesta en escena. 23:45 en La 1 Sábado 8 de mayo 'Jungla de Cristal' Un obra cumbre del cine de acción. Una película indiscutible que sirvió para lanzar la carrera de Bruce Willis como héroe de acción, presentar a Alan Rickman al gran público y confirmar que John McTiernan era un director de primera categoría. 15:35 en Neox Crítica en Espinof 'Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2' La épica conclusión de las entretenidas aventuras del joven mago interpretado por J.K. Rowling. Es cierto que el epílogo desluce un poco el resultado final y que tampoco es la mejor de la saga, pero sí que resulta muy satisfactoria. 15:40 en Cuatro Crítica en Espinof En Espinof Todas las películas del universo 'Harry Potter' ordenadas de peor a mejor 'Paddington' Se habla mucho de la tontería esa de que 'Paddington 2' sea la mejor película de la historia, olvidando por lo pronto que la primera entrega está prácticamente al mismo nivel en su forma de abordar una película de corte familiar y libre de todo cinismo de una forma clara, entrañable y divertida. 15:45 en Boing 'La familia Addams' La mítica familia llegó a la gran pantalla apenas tres años después de la muerte de su creador. Con un tono más macabro de lo que uno esperaría en una película de este corte, un reparto perfectamente elegido y un cuidado trabajo de producción, mantiene intacto su encanto 30 años después de su llegada a los cines. 21:28 en CLAN (también el domingo a las 15:29 en el mismo canal) En Espinof Crónicas de 'La familia Addams': más de 80 años de cómics, cine y televisión con el clan más macabro de la comedia infantil 'Lluvia de albóndigas' La primera película de Phil Lord y Chris Miller fue una ingeniosa comedia animada que sabía cómo conectar con el público familiar sin por ello limitarse a ser una propuesta demasiado convencional, tanto en animación como en la historia que cuenta. 21:30 en Boing Crítica en Espinof 'La comunidad' Una de las mejores películas de Álex de la Iglesia. Se trata de una especie de versión retorcida de '13 Rue del Percebe' en forma de comedia negra comandada por una espléndida Carmen Maura. 02:05 en Paramount Crítica en Espinof En Espinof De 'Acción mutante' a '30 monedas': todas las películas y series de Álex de la Iglesia ordenadas de peor a mejor Domingo 9 de mayo 'Equilibrium' Un imaginativo thriller de ciencia ficción al que en su momento le pesó mucho las comparaciones con 'Matrix'. A la hora de la verdad tenemos una estimulante distopía con suficiente voz propia que seguramente hubiese agradecido contar con un presupuesto más generoso para las escenas de acción. 18:03 en Paramount Crítica en Espinof 'The Mummy (La Momia)' Una grandísima película de aventuras que coquetea más con el mundo de Indiana Jones que con los orígenes en el cine de terror de esta franquicia. Liderada por un carismático Brendan Fraser y dirigida con mucho tino por Stephen Sommers, sigue siendo una gozada más de 20 años después de su estreno. 23:35 en La 1 Crítica en Espinof - La noticia Las 11 mejores películas para ver gratis en abierto este fin de semana (7-9 mayo): 'Harry Potter y las reliquias de la muerte, parte 2', 'Deep Blue Sea' y más fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

'Bajocero' y 'Loco por ella' son hasta ahora las dos películas españolas que ha estrenado Netflix en lo que llevamos de 2021, pero no serán las únicas, ya que la plataforma acaba de lanzar el tráiler de 'Xtremo'. un thriller de martes marciales que surge con la intención de potenciar el cine de acción en nuestro país. Una venganza 'Xtremo' cuenta la historia de una venganza, pues han pasado dos años desde que Lucero traicionara a su familia, acabando con la vida de su padre e hijo, dando además por muerto a su hermano Max. Este último lleva tiempo ultimando su plan de venganza, pero se ve obligado a acelerarlo todo cuando unos sicarios de Lucero asesinan a la familia de Leo, el adolescente que había tomado como protegido. En Espinof De '7 años' a 'Loco por ella': todas las películas españolas de Netflix ordenadas de peor a mejor Óscar Jaenada, Óscar Casas, Teo García, Andrea Duro, Sergio Peris-Mencheta, Alberto Jo Lee, Luis Zahera y Juan Diego encabezan el reparto de 'Xtremo', nuevo largometraje tras las cámaras de Daniel Benmayor, responsable de títulos como 'Paintball: Juega para sobrevivir' o 'Tracers'. Por su parte, el guion corre a cargo de Iván Ledesma. Desde luego que 'Xtremo' promete ser muy diferente al resto de películas españolas de Netflix estrenadas hasta ahora. Eso no quiere decir que vaya a ser buena, pero seguro que no soy el único que al menos siente curiosidad por ver el resultado final. Habrá que esperar hasta el próximo 4 de junio para hacerlo. - La noticia Violento tráiler de 'Xtremo': Netflix presenta su película española de artes marciales fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .

Vaya sincronía (bueno, qué zorros en realidad) por parte de Netflix ya que casi al tiempo que HBO Max anunciaba la producción de '¡García!', serie que adapta al cómic homónimo de Santiago García y Luis Bustos, la plataforma ha lanzado el tráiler oficial de la temporada 2 de 'El vecino', serie basada en el cómic del guionista y cuyos episodios finales se estrenarán en dos semanas: el 21 de mayo. Así, ya podemos tener un nuevo vistazo de lo que le espera a Titán y compañía en la segunda y última temporada de la comedia desarrollada por Raúl Navarro y Miguel Esteban. Josep Gatell y Teresa de Rosendo serán los showrunners de estos episodios. En Espinof Las 19 mejores series de superhéroes en Netflix, HBO y otras plataformas de streaming Titán, representante de los Juegos Olímpicos Esta temporada 2 de 'El vecino' nos presenta a Madrid preparándose su candidatura para los Juegos Olímpicos y queriendo a Titán como su "embajador". Aquí Javier (Quim Gutiérrez) contratará a Fran Perea para enfundarse el traje del superhéroe. Mientras, Lola (Clara Lago) explorará sus propios poderes en lo que un misterioso funcionario (Javier Botet) llega en busca del Guardián. Gracia Olayo también se incorpora al reparto de la serie como la alcaldesa de Madrid. Adrián Pino como JR y Catalina Sopelana como Julia completan el elenco principal. Rodada el pasado verano, la temporada 2 de 'El vecino' cuenta con Ernesto Sevilla, Raúl Navarro, Víctor García León y Mar Olid como directores. - La noticia 'El vecino': Netflix desvela el tráiler de la temporada 2 y última de su serie de superhéroes castizos fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Aunque lleva desde la estratosférica ‘Grand Piano’ sin dirigir una película, Eugenio Mira siempre ha estado funcionando. Ya sea intentando mover proyectos que finalmente no terminan de salir, componiendo bandas sonoras o dirigiendo segundas unidades de blockbusters como ‘Jurassic World: el reino caído’, el alicantino nunca ha dejado de resultar atractivo para grandes proyectos. Finalmente su esperado regreso tendrá lugar en HBO: Eugenio Mira dirige los seis episodios de ‘¡García!’, la nueva gran apuesta española de la plataforma para la próxima temporada que ya ha entrado en producción. En Espinof De John Walker a Isaiah Bradley: cómo 'Falcon y el Soldado de Invierno' explora el legado de Capitán América Súper Patria La serie de seis episodios de 50 minutos de duración está basada en los dos volúmenes originales de Santiago García ('El vecino') y Luis Bustos, publicados entre 2015 y 2016, y que se han visto recientemente ampliados con una tercera entrega titulada ‘¡García! en Catalunya’ que por el momento no entra en juego. Creada por Carlos de Pando y Sara Antuña, dos veteranos colegas con cientos de horas de entretenimiento a sus espaldas, tanto en cine como en televisión, la serie es una puesta al día de una obra que fue mucho más visionaria de lo que nadie habría esperado entonces. La guerra sucia entre un gobierno de coalición y el tercero en discordia hará que el servicio secreto tenga que volver a llamar a filas a un un superhombre que se hizo célebre durante los primeros años de la dictadura y desapareció sin dejar rastro hace más de 50 años. Ahora García ha vuelto a la vida en el momento más complicado de la democracia, y deberá enfrentarse a una España muy diferente de la que dejó atrás en 1961. Eugenio Mira declara: “Cuando leí el primer episodio de ¡GARCÍA!, disfruté muchísimo al identificar en sus ingredientes tantos elementos que siempre me han gustado, pero fue la frescura que emanaba la combinación de los referentes y la sensación de no haber leído algo así antes lo que me conquistó por completo. Poder jugar con un material tan original, con un universo tan rico y unos personajes que nunca dejan de crecer mientras intentan darle sentido a los constantes giros y revelaciones que encierra la trama, es un gran reto técnico y artístico. Y un enorme privilegio” En el reparto principal nos encontramos con Francisco Ortiz como García y Veki Velilla como una periodista que investiga una conspiración. Además Emilio Gutiérrez Caba, Francisco Reyes, Daniel Freire, Nico Romero, Helio Pedregal, Mario Pardo, Miki Molina, Marina Gatell, Pepe Ocio y Silvia Abascal. La serie está producida por Zeta Studios y llegará a HBO Max en 2022. - La noticia HBO Max y Eugenio Mira unen sus fuerzas en ‘¡García!’, la adaptación de la novela gráfica del autor de ‘El vecino’ fue publicada originalmente en Espinof por Kiko Vega .

Viernes y con el buen tiempo acompañando y el estado de alarma decayendo nos encontramos con un fin de semana prometedor. Eso parecen saberlos las plataformas de streaming, que parecen seguir aflojando ritmo pero eso no quiere decir que no tengamos estrenos interesantes. Así, como cada semana, vamos a repasar las 41 series, películas y documentales que llegan desde hoy y hasta el domingo a Netflix, HBO, Filmin, Disney+, Movistar+, Amazon Prime Video y Apple TV+. En Espinof Comparamos Netflix, HBO, Disney+, Movistar+ y otras 11 plataformas de streaming: pros, contras, catálogo y precios 'Belgravia' Julian Fellowes escribe una nueva miniserie basada en su propia novela de época. Un drama de familias y ricos que nos lleva al exclusivo barrio londinense a mediados del siglo XIX, cuando la vida de dos familias cambiará para siempre. Estreno el viernes en Movistar+ | Crítica 'Jupiter's Legacy' Basado en el cómic de Mark Millar (además del Millar decente) y Fran Quitely, la ficción nos lleva a conocer a una segunda generación de superhéroes, que deberán sobrevivir al exigente legado de sus padres. Steven S. DeKnight ('Daredevil') se ha encargado de desarrollar esta adaptación. Estreno el viernes en Netflix | Crítica Proyecto DAU Filmin trae en exclusiva dos de las entregas del proyecto multimedia y multidisciplinar DAU. Un experimento en el que Ilià Khrzhanovski y Iekaterina Oertel orquestaron la vida de cientos de actores que convivieron durante diez años en un instituto recreando la época soviética. Lo que veremos es la película 'DAU: Natasha' y la serie 'DAU: Degeneración'. Estreno el viernes en Filmin 'The Boy From Medellín' Película documental que nos lleva hacia el regreso a casa de J Balvin en lo que prepara un gran concierto en su ciudad natal. En lo que se acerca el día, la región estalla en disturbios violentos. Estreno el viernes en Amazon Prime Video Todos los estrenos Netflix 'The Circle Afterparty' (viernes) 'El cuentakilómetros' (viernes) 'Girl from nowhere' (viernes) 'El jugador de ajedrez' (viernes) 'Jupiter's Legacy' (viernes) 'Monstruo' (viernes) 'Super Me' (sábado) 'Vincenzo' T2 (domingo) Filmin (todas el viernes) 'Arboretum' 'Cómo robar a un país' 'El cost de la fruita' 'DAU. Natasha' 'DAU. Degeneration' 'Los Elfkins' 'FANT en corto vasco' 'FANT en corto internacional' 'FANT Panorama en corto' 'Happy Times' 'Marea alta' 'Mom, I Befriended Ghosts' 'Mother Schmuckers' 'Un niño culpable' 'Ordinary Creatures' 'La Sabiduría' 'Sweetie, You Won't Believe It' 'The Woman of the Photographs' HBO España 'Blindspot' T5 (viernes) 'Clarence' T1 (viernes) 'La jungla' (sábado) 'El origen de los guardianes' (viernes) 'Mascotas' (viernes) 'La Liga de la Justicia de Zack Snyder: La historia de Zack Snyder' Disney+ (todas el viernes) 'Estación 19' T1-4 'El exótico hotel Marigold' 'The Monuments Men' 'Padre Made in USA' Otros 'Belgravia' (viernes en Movistar+) 'Bill y Ted salvan el Universo' (viernes en Movistar+) 'The Boy from Medellín' (viernes en Prime Video) 'Mythic Quest' T2 (viernes en Apple TV+) 'Nación cautiva' (domingo en Prime Video) Espinof recomienda... 'Mythic Quest' Temporada 2 La segunda temporada de 'Mythic Quest' pierde su subtítulo ('Banquete de cuervos') como una manera de presentar la trama principal de estos nuevos episodios, donde la realización de una nueva expansión del juego trae dolores de cabeza al equipo. Las carcajadas vuelven a estar aseguradas demostrando que esos primeros episodios no fueron flor de un día con un acertado workplace comedy postpandémico. Estreno el viernes en Apple TV+ | Recomendado por Albertini 'Bill y Ted Salvan el Universo' Alguien tenía que venir a salvar nuestra realidad. La nueva aventura alucinante es un viaje contra el tiempo marca de la casa que cierra una trilogía inaudita con una secuela -homenaje - spin off donde nada está fuera de lugar más allá, claro, del tiempo inexorable. Como sucedía en la última entrega de ‘Phantasm’, con la que tiene mucho (pero mucho) en común, esta aventura llega a su fin gracias al empeño de un par de colegas que han demostrado ser tan soñadores como sus eternos personajes. Me ha emocionado este rato a salvo, en familia. Estreno el viernes en Movistar+ | Recomendado por Kiko Vega | Crítica Y más recomendaciones en Expediente Espinof Y ya sabéis que cada viernes tenemos un excelso cóctel de recomendaciones de series, películas y otras cosas en nuestra newsletter. Suscribíos para conocer algunas de las cosas que nos apasionan. - La noticia Estrenos (7 de mayo): 41 series, películas y documentales en Netflix, HBO, Filmin, Disney+, Movistar+, Amazon y Apple TV+ fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

El género del drama de época tiene desde hace tiempo un rey bastante indiscutible: Julian Fellowes creó en 2010 una serie que tiene la condición de fenómeno global como 'Downton Abbey'. Con la segunda película en marcha y una nueva ficción para HBO, el guionista se encargó de adaptarse a sí mismo con 'Belgravia', miniserie de seis episodios que llega este viernes a Movistar+. En esta ocasión retrocede un poco en el tiempo respecto a lo que nos tiene acostumbrados para comenzar en vísperas de la batalla de Waterloo, donde el proveedor del ejército británico, James Trenchard (Philip Glenister), y su mujer Anne (Tansim Greig) son invitados por Edmund Bellasis (Jeremy Neumark Jones), pretendiente de su hija Sophia (Emily Reid), a la recepción de la duquesa de Richmond. En Espinof Las 23 mejores series de época en Netflix, HBO, Amazon y Movistar+ Veintiseis años después de la batalla, la recién desarrollada zona de Belgravia en Londres será la causante de un reencuentro un tanto incómodo en el que veremos cómo esa época pasada arrastra algún que otro secreto entre las familias Trenchard y Bellasis. Secretos y giros de gente madura Sabiendo de quien viene el proyecto, y teniendo de gran referente ese 'Downton Abbey' no es de extrañar que podamos ver 'Belgravia' con esa sensación de "esto ya lo he visto antes". Hemos cambiado la campiña por la ciudad... pero tampoco mucho ya que aunque prometía más drama urbano de la sociedad londinense, navegamos entre varios escenarios. Lo que sí que potencia más Fellowes es el poder hablar ya no de ese "arriba y abajo/criados y señores" sino de los aristócratas versus los nuevos ricos que asoman algo cabizbajos y acomplejados en los eventos de la alta sociedad británica. Algo que se ve ya en una de las primeras secuencias, con la familia protagonista invitada a una recepción en la que ven que no encajan del todo. Otro, creo que agradecido, cambio respecto a otras ficciones similares (e incluso teniendo en cuenta que la coralidad de 'Downton Abbey' teníamos personajes de todas las edades) viene en poner el foco en unos protagonistas que ya son mayores y refrescantemente canosos y arrugados. Aquí no interesa tanto los amoríos y circunstancias de la generación siguiente sino esos fantasmas del pasado y gestionar una situación largamente ocultada. Un toque de soap opera pero no lo suficiente para enganchar Una intención de prescindir de vicisitudes triviales juveniles que casi se ve desde el principio. No es tan importante el baile y ver cortejar mozos y mozas como el incidir por un lado en la calma tensa y en el intrusismo. El reencuentro entre sendas matriarcas familiares tiene más de sondear un territorio hostil para los que no tienen "sangre azul" que de ponerse al día o, incluso, de avanzar trama. Más allá de compartir los signos de identidad de la obra de Julian Fellowes (producción cuidada, época, tejemanejes de la alta sociedad, agudos díalogos, etc), 'Belgravia' se nota hecha con brocha gorda aun con una interesante reflexión sobre la alienación clasista. Si bien sí que puede llegar a atraer a sus fans gracias a su tono de soap opera y su propuesta, la ficción carece de suficiente gancho como para asegurar el interés del espectador. Algo que, en definitiva, termina lastrando el visionado. - La noticia 'Belgravia': una estilosa serie de época del creador de 'Downton Abbey' en Movistar+ que no logra enganchar con sus enredos fue publicada originalmente en Espinof por Albertini .

Está claro que Netflix espere que todos sus estrenos sean un éxito, pero también que hay una cantidad limitada de títulos en los que tiene muchas más confianza, algo evidente desde el dinero invertido en llevarlas a buen puerto como en los esfuerzos promocionales. A este grupo pertenece 'Jupiter's Legacy', adaptación televisiva del cómic escrito por Mark Millar y dibujado por Frank Quitely. Y es que 'Jupiter's Legacy' es la primera obra resultante de la millonaria adquisición de Millarworld por parte de Netflix allá por 2017. Pronto sabremos si la serie se convierte en el bombazo que anhela la plataforma, ya que este viernes 7 de mayo se estrenan los ocho episodios de su primera temporada. Yo ya he podido verlos todos y es verdad que arranca con mucha fuerza, pero luego no termina de sacar partido a los estimulantes ingredientes que utiliza. Un gran inicio 'Jupiter's Legacy' plantea un escenario en el que los superhéroes originales de la Tierra están ya en fase de preparación para que otros ocupen su lugar como defensores del planeta. El primer episodio de la serie se centra en eso y también en establecer el código que guía a estos personajes pese a que más de uno haya mostrado sus dudas sobre la necesidad de, cueste lo que cueste, no matar a sus enemigos. El primer episodio es modélico mostrando todo eso, sabiendo cuándo hay espacio para el humor pero también cuando toca ponerse serio y transmitir una auténtica sensación de amenaza abrazando de paso el espectáculo visual. Incluso esos momentos más pausados destinados a la reflexión generan el suficiente interés para respaldar lo demás sin dar un toque demasiado afectado a la serie. En Espinof Las mejores películas de Netflix en 2021 (por ahora) Además, la serie no se corta con los saltos en el tiempo para ver cómo la historia del origen de esos primeros superhéroes conecta a su manera con lo que sucede en el presente. Y para rematarlo un buen cliffhanger para crear un nuevo misterio que deja a uno con ganas de más. En su momento tenía pensado ver solamente el primer episodio y continuar en otro momento, pero no pude evitar seguir adelante y a partir de ahí la serie empieza a ser algo más inconsistente. Luces y sombras de 'Jupiter's Legacy' Una de las claves es que lo dramático se apodera por completo de la serie, algo para nada necesariamente malo, pero la cosa se complica un poco en términos de naturalidad, donde la serie resulta ocasionalmente impostada cuando se centra en el lado más reflexivo de este relato superheroico. No es algo exagerado que te saque de la serie, pero sí existe ese contraste por oposición con otras escenas en las que todo, especialmente los diálogos, fluye mejor. En Espinof Las 19 mejores series de superhéroes en Netflix, HBO y otras plataformas de streaming Eso no quita para que la serie maneje con soltura los saltos en el tiempo a la hora de dar un mayor fondo al relato. Es cierto que quizá estira un poco más de la cuenta la parte en el pasado para que las revelaciones confluyan con lo que sucede en el presente, pero al menos no comete el error de estirar artificialmente la duración de los episodios. Y es que aquí no hay problema en que haya grandes diferencias, pasando de los 35 minutos del capítulo más breve a los 56 del más largo, si es lo que hace falta para que cada uno de ellos tenga su propia unidad narrativa. Más allá de eso, sí que quizá echo en falta una identidad visual más marcada por mucho que se diferencie bastante bien entre lo que sucede en la actualidad y en el pasado en esa materia. 'Jupiter's Legacy' cumple con holgura en lo técnico. Esto sucede sobre todo en los momentos en los que da rienda suelta a su lado más espectacular, pero en líneas generales le falta ese paso adelante, tanto en la puesta en escena como en el trabajo de fotografía, para que se sienta una obra especial en este punto. En lo interpretativo también sucede algo parecido, ya que no hay nadie que desentone, pero tampoco que brille y ayude a elevar la serie. Sí que se nota que Josh Duhamel es probablemente el que muestra una mayor implicación de todos ellos, pero a cambio también es el que maneja diálogos menos estimulantes, sobre todo en lo referente a la hora de explicar la importancia de ese código de los superhéroes que se convierte en uno de los conflictos principales de 'Jupiter's Legacy'. En Espinof Las 29 mejores películas de superhéroes de la década (2010-2019) Con todo, incluyendo algún giro del guion que ya está un poco desgastado por haber visto soluciones similares en otras series, 'Jupiter's Legacy' siempre consigue, como mínimo, mantener interesado al espectador y queda la sensación de que una posible segunda temporada sería mucho más interesante al haber puesto ya todas las cartas encima de la mesa. Ahí la serie se ha resentido un poco del hecho de usar la primera temporada a modo de extensa presentación, pero bueno, al menos eso no da pie a una sensación de temprana fatiga como sí me ha sucedido en otros casos. En resumidas cuentas Ojalá todos los episodios de 'Jupiter's Legacy' fuesen tan estimulantes como el primero, pero luego es una serie que sufre ciertos desequilibrios a la hora de presentar lo que el propio Millar definió como un cruce entre 'Los Vengadores', 'El Padrino 2' y '2001: Una odisea del espacio'. Sonaba un poco a fanfarronada, pero lo cierto es que algo de eso hay en la serie de una forma más general que concreta, pero una cosa es aspirar a algo y otra hacerlo bien. Con todo, nunca se hace pesada y merece la pena echarle un ojo. - La noticia 'Jupiter's Legacy': una intensa serie de superhéroes para Netflix que arranca genial pero después falla intentando mezclar 'Los Vengadores', 'El Padrino 2' y '2001' fue publicada originalmente en Espinof por Mikel Zorrilla .